Una suite es una pieza musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una allemande, de ritmo rápido; luego una courante y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la Giga (danza). La suite tuvo su apogeo con Händel y Johann Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto caracter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, típico del Barroco.
sábado, 18 de septiembre de 2010
RAMON VARGAS (MEXICO)
Ramon Vargas (México DF, 1960), es un tenor mexicano, uno de los tenores líricos más activos en la ópera internacional de hoy día. Ganó en 1982 el primer lugar del concurso de canto "Carlo Morelli" y debutó en 1982. En 1983 con la ópera Falstaff de G. Verdi debuta en el palacio de Bellas Artes en la CD. de México, fue aclamado como una de las mejores voces operísticas de su tiempo, quizá el de mayor equilibrio en cuanto a belleza y técnica vocal de la época, invitado a formar parte de cuadros operísticos en teatros de Europa, Estados Unidos, Canadá, América Latina y Japón, en que ha grabado varios discos.
Su interpretación de las canciones de Agustín Lara lo han hecho especialmente famoso dentro de su país natal, lo mismo que en España y Colombia.
Realizó el recital de reapertura de la sala Nezahualcoyotl en el Centro Cultural Universitario de la UNAM en abril de 2010 acompañado por la orquesta filarmónica de la misma institución.
BIDU SAYAO
Bidú Sayão (Balduína de Oliveira Sayão) fue una soprano brasileña nacida el 11 de mayo de 1902 en Río de Janeiro y fallecida en 1999 en Lincolnville, Maine, Estados Unidos.
Apodada el ruiseñor brasilero, diminuta y elegante poseía una voz de soprano flexible y clara que la hizo indispensable en los personajes "ina" de ópera así como en La Traviata, Rigoletto y otros roles del belcanto italiano además de Julieta de Romeo y Julieta de Gounod, su papel por excelencia.
Comenzó sus estudios en Rio perfeccionándose en Niza y Rumania con su maestra Elena Teodorini y el legendario Jean de Rezske.
Cantó en Rumania, Roma, La Scala, Génova, San Remo, París, Lisboa y en su país como Lakmé, Lucía, Rosina y la heroina de Il Guarany de Gomes, la ópera nacional del Brasil.
Una de las sopranos favoritas del Metropolitan Opera de New York donde debutó triunfalmente como Manon de Massenet en 1952 sucediendo a la gran soprano española Lucrecia Bori.
En el viejo Metropolitan de la Calle 39 cantó más de 200 funciones hasta 1952 como Mimi, Gilda, Zerlina, Susanna, Violetta, Adina, Norina y Melisande.
También en San Francisco, el Teatro Municipal de Rio y Sao Paulo (entre 1926 y 1946) y el Teatro Colón de Buenos Aires donde cantó en Rigoletto, El barbero de Sevilla, La Traviata, Manon, Lucia di Lammermoor e Il Re de Giordano en 1929, 1939 y 1940. Se retiró abruptamente en 1957 en la plenitud de sus medios con La damoiselle elue de Debussy, la misma obra con que debutó en 1937 en Carnegie Hall dirigida por Arturo Toscanini quien la llamaba "la piccola brasiliana".
Fue la intérprete preferida del compositor Heitor Villa-Lobos con quien mantuvo una colaboración artística de más de 35 años, para ella compuso la cantinela (aria sin palabras) de las Bachianas brasileiras inmortalizada en un registro dirigido por el mismo y la cantata Foresta del Amazonia.
Figura legendaria en Brasil, en su homenaje se celebra el Concurso Internacional de Canto Bidu Sayão. En 1995 retornó a Brasil para ser homenajeada en el Carnaval de Rio.
VIEJAS CANCIONES
Nacida en el seno de una familia artística, su tío - Giacomino Origoni - fue un famoso actor del cine mudo. La joven Origoni comenzó a cantar hacia 1934 y en 1938 gana la competencia de la Opera de Roma donde realiza sus estudios vocales.
En 1940 debuta en el Teatro Valle de Roma en la revista musical Quando meno te l'aspetti de Michele Galdieri con Totò y Anna Magnani seguida por otras participaciones en revista. Además, participa en Turandot de Giacomo Puccini con Tito Gobbi y Galliano Masini.
Entre 1942 y 1943 Lia Origoni actúa en Berlín en el Winter Garden y la Scala pero regresa a Roma con la invasión germánica a Italia mudando a su familia a Pistoia. Durante la Segunda Guerra Mundial trabaja en varias ciudades italianas y en 1944 es "Flora" en Teatro alla Scala en La Traviata dirigida por Giorgio Strehler, en 1946 en Orfeo y Eurídice con Ebe Stignani y Suzanne Danco.
En 1948 firma un contrato con la RAI para una serie de canciones de todo el mundo. Se perfecciona en canciones francesas y de cabaret y en el Teatro San Carlo de Napoles interpreta a Polly Peachum en La ópera de tres centavos de Bertold Brecht y La viuda alegre en Turín en 1951.
DAVE BERRY
Dave Berry (nacido David Holgate Grundy, 6 de febrero de 1941, Woodhouse, Sheffield ) es una cantante de pop británica y ex ídolo adolescente de la década de 1960. Tenía una ambición inusual para un artista intérprete o ejecutante pop tratando de hacer un nombre por sí mismo - a aparecer en la televisión totalmente oculta por una hélice. En sus propias palabras, a "no aparece, a permanecer detrás de algo y no salir". A menudo se escondió detrás del cuello levantado de su chaqueta de cuero, o se envolvió alrededor, y detrás de eficacia, el cable del micrófono.
Él realizó una mezcla de hard R & B y baladas pop. Se hizo popular en Gran Bretaña, y en Europa continental. Su nombre los primeros éxitos de comprobarse su banda de apoyo, los cruceros que en ese momento fueron compuestos de Juan de la flota (bajo y piano), Roy Barrera (guitarra rítmica), Frank Miles (guitarra) y Kenny Slade (batería). Berry se separó de esta formación en el momento del "Juego de lágrimas". Reclutó a otros cuatro músicos locales - Frank Blanco, Riley Johnny, Cliff Pete y viejo amigo Alan Taylor a ser la segunda generación de cruceros, con el guitarrista de plomo blanco finalmente reemplazado por Roy Ledger hasta alrededor de 1965, cuando los cambios de personal comenzó a ser más frecuentes.
"Juego de lágrimas" (1964), BJ Thomas "sentimental" Mama "(1966) y" This Strange Effect "(1965) - esta última escrita por Ray Davies, están entre sus éxitos más recordados. De hecho, "This Strange Effect" se convirtió en un éxito número uno para él en Holanda y Bélgica, países donde aún goza de estatus de superestrella, dando lugar a un premio especial de Radio Verónica, Holanda, por su pop single más vendido de todos los tiempos. Su éxito de 1965 "Little Things" fue un cover de Bobby Goldsboro Stateside los Top 40. Otra de sus canciones, "Gimme No No" Niño de labios, fue cubierto por los Sex Pistols. Su etapa acto, basado en gran medida de Elvis Presley y Gene Vincent, siempre una inspiración para Alvin Stardust. Tal fue su enigmática, y la presencia poco convencional, que varios grupos de rock punk, como los Sex Pistols, más tarde lo reconoció como una inspiración.
El Stephens Geoff canción compuesta por "The Crying Game", trajo la voz de Berry a su mayor audiencia internacional de la historia en 1992, cuando fue utilizado como tema para uno de ese año de más éxito películas - Neil Jordan Juego de lágrimas . Berry también recuperó algo muy pasado por alto reconocimiento, cuando fue el éxito sorpresa del tributo anual, Alexis Korner en 1995.
THE CHANTAYS
El Chantays es una banda de surf rock de la década de 1960, conocido por el éxito instrumental "Pipeline" (1963). Se formaron en 1961 cuando cinco amigos de escuela secundaria decidieron iniciar su propia banda. Bob Spickard, Brian Carman (co-escritores de la tubería), Bob Welch, Aguas Warren y Marshall fueron Rob todos los estudiantes en Santa Ana High School en California, cuando un grupo local llamado The Rockers Ritmo inspiró a los cinco para formar la Chantays. En diciembre de 1962 el grupo grabó y lanzó "Pipeline", que finalmente alcanzó el puesto # 4 en el Hot 100 en mayo de 1963.
El Chantays grabaron su primer álbum en 1963, también titulado "Pipeline", que incluía "Blunderbus" y "El Conquistador". Su seguimiento fue de "dos caras de la Chantays" en 1964. Su música combina teclados electrónicos y guitarras de surf, creando un sonido fantasmal único. Sus canciones han estado en listas de popularidad en todo el mundo y ayudó a hacer música de la resaca en un éxito internacional.
El Chantays gira por Japón y los EE.UU. que une los Righteous Brothers y Roy Orbison en algunas ocasiones, y fueron la única roca and roll para llevar a cabo en el Show de Lawrence Welk . Pipeline" (publicado bajo la música de la hoja en 1962 por Downey Music Publishing) se ha convertido en un estándar de surf rock golpe. La canción ha sido versionada por el propio Lawrence Welk (en el punto álbum Scarlet O'Hara), Al Caiola (United Artists - Álbum "Greasy Kid Stuff"), Ventures, el Agente Naranja, Marvin Hank, Dick Dale con la ayuda de Stevie Ray Vaughan (nominado al Grammy), por la banda de thrash metal de Ántrax, Bad Manners, y también de Johnny Thunders. Pipeline ha sido utilizada en varias películas, programas de televisión y comerciales. También aparece en numerosos CDs de recopilación.
El Chantays han sido galardonados por sus contribuciones a la música. Algunos de los aspectos más destacados incluyen el ser honrado el 12 de abril de 1996 por Rock de Hollywood Walk, que fue fundada para honrar a individuos y grupos que han hecho contribuciones duraderas e importantes a la música. El Chantays También se han incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama y Museo en Cleveland, Ohio. El conducto está catalogada como una de las 500 canciones que formaron la rock and roll. Junto con Bill Medley de The Righteous Brothers y el ganador del Oscar Diane Keaton, El Chantays fueron honrados por la ciudad de Santa Ana, California y Santa Ana High School cuando se nombre a una calle detrás de ellos, Chantays Way. OC Weekly Magazine también llamado El Chantays como uno de los Mejores Bandas del Condado de Orange Ever.
Hoy El Chantays todavía están jugando. miembros originales de la banda de Bob Spickard, Carman y Brian Welch Bob se unen por los miembros de mucho tiempo Orr Gil, Ricky y Lewis Brian Nussle. El Chantays ha grabado dos nuevos álbumes: "El siguiente conjunto" (grabación en vivo) y "Waiting for the Tide". Algunos de los aspectos más destacados incluyen nuevas canciones "T Cristal" y "Killer Dana", junto con remakes de los originales Chantays Pipeline, Conquistador y Blunderbus. Usted puede encontrar la nueva música en iTunes, el sitio web oficial Chantays o la página de MySpace Chantays
LUCIANA SOUZA
Luciana Souza (São Paulo en 14 de junio de 1966), es una cantante de jazz brasileña y compositora que ha hecho carrera sobre la música clásica, el Jazz y la Bossa Nova.
Hija de la poetisa Tereza Souza y del cantante-compositor-guitarrista Walter Santos, creció en São Paulo. Es licenciada en Música por la Universidad Berklee en Boston del cual recibió un Bachelor, grado en Composición de Jazz. Ha recibido el grado de Maestra del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
Empezó su carrera a la edad de tres años, grabando jingles para anuncios. También ha trabajado en el campo de la música clásica europea, trabajando con el Bach Akademie en Stuttgart, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Brooklyn, la Orquesta Sinfonía de Atlanta, con el compositor Osvaldo Golijov, la Filarmónica de Nueva York y el Cuarteto de Guitarra de Los Ángeles.
Ha sido nominada tres veces para un Premio Grammy como mejor vocalista de jazz en 2002, 2003 y 2005. Ha aparecido y grabado con renombrados músicos de jazz y compositores, incluyendo Danilo Perez, Hermeto Pascoal, Romero Lubambo, Maria Schneider, Kenny Werner, John Patitucci, y Osvaldo Golijov.
En la actualmente enseña en la Escuela de música de Manhattan. Esta casada con el productor de música Larry Klein. Con quien hizo un dúo con Walter Becker en el 2008 para el álbum Circus Money, producido por Larry Klein.
Hija de la poetisa Tereza Souza y del cantante-compositor-guitarrista Walter Santos, creció en São Paulo. Es licenciada en Música por la Universidad Berklee en Boston del cual recibió un Bachelor, grado en Composición de Jazz. Ha recibido el grado de Maestra del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
Empezó su carrera a la edad de tres años, grabando jingles para anuncios. También ha trabajado en el campo de la música clásica europea, trabajando con el Bach Akademie en Stuttgart, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Brooklyn, la Orquesta Sinfonía de Atlanta, con el compositor Osvaldo Golijov, la Filarmónica de Nueva York y el Cuarteto de Guitarra de Los Ángeles.
Ha sido nominada tres veces para un Premio Grammy como mejor vocalista de jazz en 2002, 2003 y 2005. Ha aparecido y grabado con renombrados músicos de jazz y compositores, incluyendo Danilo Perez, Hermeto Pascoal, Romero Lubambo, Maria Schneider, Kenny Werner, John Patitucci, y Osvaldo Golijov.
En la actualmente enseña en la Escuela de música de Manhattan. Esta casada con el productor de música Larry Klein. Con quien hizo un dúo con Walter Becker en el 2008 para el álbum Circus Money, producido por Larry Klein.
DIANA KRALL
Diana Krall nació en el seno de una familia de músicos en Nanaimo, una pequeña localidad de pescadores de la Isla de Vancouver en la Columbia Británica de Canadá. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano. Las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre y que ella intentaba reproducir nota por nota desde los cuatro años, cuando comenzó a tomar clases de piano, fueron su primera influencia musical consciente. Muy joven se trasladó con su familia a la ciudad de Vancouver y allí se unió a la banda de jazz de su escuela superior. A los quince años ya tocaba regularmente en varios restaurantes de Vancouver. A esa edad, aunque se sentía muy cómoda como instrumentista, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, como lo eran Roberta Flack o Nina Simone, sus artistas admiradas de aquel entonces.
A los diecisiete años, en 1981, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music en Boston donde estudió y residió durante tres años, tras lo cual regreso a su pueblo natal. En Nanaimo, durante una de sus presentaciones nocturnas en un pequeño local, llamó la atención de un afamado bajista llamado Ray Brown (ex marido de Ella Fitzgerald) quien, impresionado por su talento, se presentó en su camerino y le propuso ser su mentor y manager. Ella aceptó la propuesta, iniciándose así una relación profesional que duraría hasta Julio de 2004, con el fallecimiento de Brown. Este último la había persuadido para que se mudara a Los Ángeles donde, gracias a una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Allí conoció a notables profesores y productores y comenzó también a cantar. En 1990, tras residir una temporada en Toronto, se mudó nuevamente, esta vez a Nueva York, donde formó su propio trío y publicó su primer álbum Stepping Out con el pequeño sello discográfico Justin Time. En 1994 salió su álbum Only Trust Your Hear con la producción de Tommy LiPuma. En 1996 emprendió su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, y presentó su trabajo All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio, en homenaje a Nat King Cole. Su siguiente trabajo, el álbum Love Scenes de 1997 la situó definitivamente entre las grandes figuras de jazz de todos los tiempos. En 1999 obtuvo su primer disco de platino por las ventas millonarias de su álbum When I Look In Your Eyes y su primer premio Grammy.
jueves, 16 de septiembre de 2010
RIZ ORTOLANI
Riz (Riziero) Ortolani (Pésaro, Italia, 4 de septiembre de 1931), es un compositor de música de cine italiano.
A inicios de los años 50, Ortolani fue fundador y miembro de un grupo de jazz de fama nacional en su país. La primera partitura cinematográfica que escribió, fue para el filme documental de Gualtiero Jacopetti Mondo Cane, cuyo tema principal, More, le granjeó un Grammy, y también fue nominado para un Oscar por La mejor canción. Otra pieza mundialmente famosa, fue el tema principal de la película O' Cangaceiro (1970).
Ortolani participó con la musicalización parcial o completa de más de 200 películas, tal como Old Shatterhand (1964), y gran cantidad de filmes italianos de los géneros "giallo" y "mondo".
Otros filmes en los que trabajó, incluyen Il Sorpasso (1962), Los días de la ira (1967), Io ho paura (1977), Danza macabra (1964), Sette orchidee macchiate di rosso (1972), Africa addio (1966), Addio Zio Tom (1971), y la controvertida Cannibal Holocaust (1980).
La música de Riz Ortolani recientemente ha tomado parte en Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004), como la magnífica I giorni dell'ira (Los días de la ira)
RIGO TOVAR
Rigoberto Tovar García, mejor conocido como Rigo Tovar (29 de marzo de 1946 — 27 de marzo de 2005), fue un cantante y músico mexicano nacido en Matamoros, Tamaulipas. Creó una mezcla musical entre la cumbia, la balada y el bolero con elementos de rock. Muere el 27 de marzo de 2005 a causa de un paro cardiorrespiratorio.
Nacido en el seno de una familia humilde, de padre tamaulipeco y madre de texas, Rigoberto Tovar García nace un miercoles 29 de marzo de 1946, a las 11:43 de la mañana en la ciudad de Matamoros, Tamaulipas México, la ciudad con la que se fusionó tanto que ahora es inevitable hacer referencia a ambos cuando se habla de cualquiera de los dos.
Es considerado el padre de la música grupera y tropical, un pionero que introdujo instrumentos modernos a la dotación acostumbrada dentro de la música tropical y de la cumbia (guitarras eléctricas, sintetizadores, bajo eléctrico, efectos de sampleo, órganos moog, y batería eléctrica, ellos por los instrumentos acústicos regionales variados en combinación con guitarras españolas y derivados folklóricos junto a cuerdas clásicas variadas que se usaran antes).
Lo verdaderamente característico es que Rigo logró hacer de la música popular un producto moderno sin dejar de basarse en sus formas rítmicas y melódicas musicales, sin recurrir a bases de distinta tradición. Sin ser tradicional, tomando los instrumentos que el momento le ofrecía, trascendió sus bases dándole ese toque que hoy en día es un referente dentro de la historia de la música.
A causa de la enfermedad terminal de su señora madre, Rigo empezaba a escribir canciones un tanto tristes en comparación al estilo musical al que tenia acostumbrados a sus fans y crea, a finales de 1974, una recopilación de canciones como “No te vayas”, “Todo por ti” (cancion original de Maria Grever 1939), “Te quiero dijiste” y “Triste Navidad” en el LP no. 5 de su carrera.
Tal vez no tenía los ánimos de escribir e incluye en ese disco 3 canciones instrumentales, “Macondo”, “El Pastorcillo” y “Nocturnal” que llegaron a completar este material, muy posiblemente una depresión no le permitió seguir escribiendo para ese disco.
La Sra. Sarita García Barrón fallece en la ciudad de Matamoros Tamaulipas el 7 de noviembre de 1974 dejando una irreparable pérdida tanto en la familia Tovar como en los fans de Rigo que lo apoyaron en todo momento; a manera de homenaje su guitarrista, amigo y compadre Cesar Alejandro Herrera le imprime en el brazo a Rigo uno de sus tatuajes, una mariposa (que representaba a doña Sarita) y una flor de colores verde y amarillo (que representaba el inicio de su carrera) con la leyenda “MAMA SARITA, JAMÁS TE OLVIDARÉ XI-VII-MCMLXXIV
Se dice que Rigo demostró que la fama es para una sola persona más no para un grupo. Constantemente en donde tocaba, se tenía que dar el cierre de puertas y calles; la gente se abalanzaba para poder verlo y tocarlo, sus admiradoras gritaban, se desmayaban y quedaban afónicas, la labor de policías y elementos del ejército nunca fue suficiente para contener a la fanaticada que quería escucharlo, verlo y tocarlo.
Conforme pasaba el tiempo los fans se daban cuenta que cada disco de Rigo Tovar era y sonaba diferente, éstos cambios se debieron a los diferentes estilos y evolución musical que Rigo buscaba y definía al realizar cada disco, lo cual lo llevó a crear e interpretar muy diversos géneros.
Éstos géneros musicales en los que incursionó van desde los boleros, cumbias, baladas, bolero ranchero, heavy metal, cha cha cha, porro, norteñas, música Texana, chicanas, hustle, villancicos, canciones infantiles, poemas, rock and Roll y hasta música clásica con orquesta sinfónica, siempre con ventas millonarias de cada uno de sus discos...
Cada una de las canciones escritas por Rigo es una historia, principalmente de amor y felicidad, aunque en algunas ocasiones le escribió también al desamor. Él les canto a las aves, a su familia, a él mismo, a las ciudades, a las mujeres, a la primera de mayo, a su enfermedad visual y, desde luego, a su Matamoros querido.
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