lunes, 2 de agosto de 2010

CESAR CAMARGO MARIANO

JOAO GILBERTO

ELIS REGINA

Elis Regina fue una de las cantantes brasileñas más populares en los años sesenta y setenta.

Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.

En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.

A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.

Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.

En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.

Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.

Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años. Aunque se divulgaron algunas noticias que Elis fue asesinada por el alto mando de la dictadura militar, ya que el relato oficial de su autopsia tardo demasiado tiempo en salir en los diarios y prensa nacional y su muerte se llenó de especulación. Hasta el día de hoy no se sabe con exactitud que pasó en su casa el día de su muerte.

NOEL ROSA

Noel de Medeiros Rosa (Río de Janeiro, 11 de diciembre de 1910 — Río de Janeiro, 4 de mayo de 1937) fue un sambista, cantante, compositor, mandolinista y guitarrista brasileño y uno de los mayores y más importantes artistas de la música de su país.

Libro Noel Rosa e sua época (1955) de Jacy Pacheco.Fue responsable de la unión del «samba de morro» y el «samba del asfalto», hecho que cambiaría para siempre no sólo el propio samba, sino la historia de la música popular brasileña.

Noel Rosa nació de un parto difícil, en el que el médico —para salvarle la vida— utilizó fórceps que le causaron el retraimiento de la mandíbula inferior, hecho que lo marcó para toda la vida. Criado en el barrio carioca de Vila Isabel, hijo del comerciante Manuel Garcia de Medeiros Rosa y de la profesora Martha de Medeiros Rosa, el sambista era de familia de clase media. Entre 1913 y 1918 estudió en el tradicional Colegio San Bento.

Durante su etapa adolescente aprendió a tocar la mandolina (bandolim) de oído y se aficionó a la música y a la notoriedad que ella le proporcionaba. Enseguida cambió a la guitarra y se volvió figura conocida de la bohemia carioca. Ingresó en la Facultad de Medicina, pero pronto la vida de estudiante se mostró poco atrayente para el artista, atrapado por el samba y las largas noches regadas de cerveza. Noel Rosa fue integrante de varios grupos musicales, entre ellos Bando do Tangarás, al lado de João de Barro, Almirante, Alvinho y Henrique Brito.

En 1929 probó suerte con sus primeras composiciones, Minha viola y Toada do céu, ambas grabadas por él mismo, pero no fue hasta 1930 cuando consiguió el éxito con el lanzamiento de Com qué roupa?, un samba humorístico que sobrevivió décadas y que hoy es un clásico del cancionero brasilero. Noel Rosa se reveló como un brillante cronista de lo cotidiano, con una secuencia de canciones en las que destaca el humor y la vena crítica.

Se casó en 1934 con Lindaura sin abandonar sus otras aventuras amorosas y pasó los años siguientes librando una batalla contra la tuberculosis. La vida bohemia, sin embargo, nunca dejó de ejercer un atractivo irresistible para el artista, que entre viajes a ciudades de mayor altitud, buscando el clima más benigno para su enfermedad, siempre volvía al samba, la bebida y el tabaco. Se trasladó a Belo Horizonte (la capital de Minas Gerais), en donde trabajó en Radio Mineira y entró en contacto con otros compositores amigos de la noche y la bohemia. De vuelta a Río de Janeiro aseguró estar curado, pero pronto falleció en su casa de Vila Isabel en 1937, a los 26 años, como consecuencia de la dolencia que lo perseguía desde siempre.

BADEN POWELL

Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasilero. Interpretó muchos estilos de música brasilera tales como Bossa nova, Samba, Jazz brasilero, Pop brasilero, Jazz latino y Música Popular Brasileña (MPB).

Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino.

Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-e-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dio ese nombre por ser admirador del creador del escultismo, Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia. Pronto comenzó con lecciones de guitarra Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas en diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera.

En 1955, Powell ejecutaba en la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, un club nocturno en el Hotel Plaza. Cuando Ed Lincoln creó un nuevo trío, pidió a Powell a unirse al grupo guitarra para convertirse en el Hotel Plaza Trío. Powell indicó a Luiz Marinho para interpretar el bajo, así como al cuarto miembro del "trío": Claudette Soares en la voz. Powell, Lincoln y sus jóvenes amigos músicos realizaban después de las horas de trabajo jam sessions (improvisaciones), ganando creciente popularidad en la escena del jazz brasilero.

Powell logró amplia fama en 1959 al convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para poner letra a una de las composiciones de Powell. El resultado se llamó "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito. Esta ha tenido gran cantidad de versiones realizadas por numerosos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd.

En 1962, Powell se unió con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes y comenzó una colaboración que tuvo verdaderos clásicos de la música brasilera de los '60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces con sonidos sincronizados de formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con las formas de samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP en 1966 bajo el nombre de "Os Afro-sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el sello alemán MPS/Saba (en particular Tristeza en Guitarra (1966), considerado por muchos ser un punto alto en su carrera). Además, era el guitarrista de casa Elenco y el show de Elis Regina en TV "O Fino da Bossa".

En 1968, se unió al poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie musical de inspiración Afro-brasilero lanzada en 1970 como "Os Cantores da Lapinha".

Visitó y recorrió Europa con frecuencia en la década del '60, radicándose en Francia en 1968. En la década del '70, lanzó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su fama fue atenuando en cierta medida debido a problemas de salud y las evolución de los gustos musicales. Pasó la década de 1980 en semi-retiro en Francia y Alemania. Por último, en la década del '90 él y su familia regresaron a Brasil, donde continuó creando y grabando. El reconocimiento público de su trabajo llegó en torno de ese momento en el Brasil. A fines de la década del '90 se convirtió a la fe evangélica. También superó su larga adicción al alcohol y el tabaco. Sin embargo, su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, cayendo enfermo en el 2000.

EL BOSSA NOVA

La bossa nova es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo ". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de Saudade de Bahia y Rosa Morena interpretada por Dorival Caymmi, de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en Brasil.

No hay un consenso que reconozca la bossa-nova como un movimiento. Sin embargo, este estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos del samba callejero, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña.

La bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su éxito internacional estuvo limitado a pequeños períodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta.

Gracias a Dorival Caymmi ( Saudade de Bahia; 1957)y al descubrimiento que figuras estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron de la bossa-nova, se produjo un importante intercambio cultural entre estos músicos y otros como el precursor Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto o Astrud Gilberto, generando así una nueva rama de la síncopa que se basó en los esquemas de la música brasileña.

Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es "Chica de Ipanema" (Garota de Ipanema) de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés.

“Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”, “instinto” o capacidad natural. Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes de la grabación de “Chega De Saudade”.

En 1932, Noel Rosa utilizó la palabra en un samba… cuando expresó "O samba, a prontidão e outras bossas/São nossas coisas, são coisas nossas" (el samba, la determinación y otras bossas/son nuestras especialidades.)” En los finales de los años 50 y el principio de los años 60 solamente los jóvenes usaban el término Bossa Nova en su modismo para definir cualquier cosa nueva, o estilo nuevo, pero cuando la canción “Presidente Bossa Nova” del artista Juca Chaves se volvió un gran éxito en la radio, el término llegó a estar muy de moda y fue utilizado libremente por cada uno. Para la nueva manera de realizar el samba surgió él término originalmente llamado "Samba Bossa Nova" y luego, poco más tarde, solo "Bossa Nova".

Nadie puede alegar saber con exactitud cual fue el origen del término “Bossa-Nova”. Lo más probable es que el término “BOSSA” fuera usado para referirse a cualquier nueva “tendencia” o a la tendencia de moda dentro de la cultura-costera artística de los últimos 50 años en Río de Janeiro. El término finalmente llegó a ser conocido y ampliamente utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música, a una fusión del samba y a jazz, cuando los creadores aplicaron a su nuevo estilo el término como “la nueva cosa”. Era probable usar el término “Bossa-Nova” entonces como referencia genérica a lo que hacían en la música en ese entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía. Sin embargo, el término se arraigó como la definición de su propia creación artística específica, que se conocía como “Bossa-Nova” o luego simplemente como “Bossa”, como lo conocemos hoy en día.

DIANA NAVARRO

MARIF+E DE TRIANA

María Felisa Martínez López (Burguillos, Sevilla, 13 de septiembre de 1936) es una cantante de copla y actriz española, conocida artísticamente como Marifé de Triana.

María Felisa Martínez López nace en el pueblo sevillano de Burguillos el 13 de septiembre de 1936, pasó sus primeros años en el populoso arrabal de Triana de Sevilla, de donde tomaría su apellido artístico.

Muere su padre cuando ella cuenta con 9 años de edad y a los 12 Marifé abandona sus estudios para comenzar a introducirse en el mundo del arte. Trasladada la familia a Madrid, se fue despertando en ella la afición a cantar que había sentido desde niña. Y tras un corto periodo de estudios en academias de canto en el que recibirá lecciones musicales en la academia del Maestro Alcántara , saltó al mundo del arte y la canción folclórica debutando en la emisora Radio Nacional de la mano de David Cubedo.

David Cubedo le puso el nombre de "Marifé de Triana" en su primera actuación en Radio Televisión Española. Se sacó el carnet de artista a los 13 años aunque el mínimo de edad fuera 16. Ese mismo día la contrataron para un espectáculo en el Cine Pizarro de Madrid, donde conoció a Ricardo Freire (compositor y pianista).

Recorrió la geografía española como integrante de diversas compañías de variedades, entre ellas el "Teatro Chino de Manolita Chen", en la que actuó entre 1950 y 1952, donde interpretaba los éxitos de las grandes estrellas de la copla del momento, entre ellas su admirada Juanita Reina. Más adelante actuó en espectáculos como "Polizontes del cante", cuya estrella principal era Niño de Orihuela, y "Padre Virtudes", de Pepe Mairena.

Sus comienzos fueron duros. No contó con más ayuda que la fe en sí misma y su arte. Pero le llegó su gran oportunidad. El promotor de espectáculos Juan Carcellé, la contrató rápidamente al verla actuar en una localidad cercana a Madrid, comentando: “Jamás nadie ha cantado como esta mujer. Ella es la renovación absoluta de la canción andaluza”. La niña de los Peines (Pastora Pavón) dijo de ella cuando tenía 22 años: "Marifé de Triana ha empezado por donde otros artistas acaban"

Así, presentada por Carcellé, debutó en el madrileño Coliseo de Price. Encabezando un espectáculo de variedades, en el que interpretó de forma magistral la copla andaluza, obtuvo un éxito rotundo. El escritor Álvaro Retana, la vio así: “Linda y joven, acusaba cierto temperamento artístico, acentuado al colocarse bajo la advocación del trío Quintero, León y Quiroga” ; y perfeccionando su mímica y consagrándose en la copla, logró estar en cartel durante tres meses consecutivos, algo insólito en aquellos tiempos.

Las puertas del éxito estaban abiertas para la sevillana, siendo desde ese instante su carrera una de las más vertiginosas que se han conocido en el mundo de la copla. Las casas discográficas se disputaban su contrato, apareciendo en el mercado su primer disco (1956), que constituyó otro éxito con la canción “Torre de arena”, de Lladrés, Manuel Gordillo y Sarmiento. Marifé de Triana va despuntando como actriz de la canción, con unas dotes extraordinarias y una voz clara y potente, dominadora de todas las situaciones líricas.

“Torre de Arena”, ocupó el primer lugar en las listas de los discos más vendidos de los años cincuenta y sesenta, impacto desconocido como no fuese en Conchita Piquer, Antoñita Moreno o Juanita Reina. A raíz del enorme éxito discográfico, Marifé de Triana formó como empresa de su propio espectáculo el titulado "Torre de Arena", recorriendo los principales teatros de toda España en clamoroso éxito, durante más de dos años ininterrumpidos, ¡Otro éxito de continuidad desconocida en el teatro español!.

Después será apreciada como "La actriz de la copla", calificándola así la prensa de toda España, título que Marifé de Triana lleva en su corazón con el máximo orgullo.

PAQUITA RICO

Francisca Rico Martínez ( nace en Sevilla, en el popular Barrio de Triana, el 13 de octubre de 1929). Es una actriz y cantante española.

Tras participar en un concurso radiofónico, debuta sobre un escenario siendo aun muy joven en el ballet español de Montemar junto a Carmen Sevilla y Ana Esmeralda. Comienza a trabajar en la compañía de Pepe Pinto. Es descubierta por Florián Rey y en 1948 rueda bajo dirección de éste su primera película Brindis a Manolete, que inmediatamente le otorga gran popularidad. Le siguen comedias, sainetes y dramas, así como numerosas películas folclóricas. Estuvo casada entre 1960 y 1965 con el torero Juan Ordóñez. En años sucesivos alcanza estatuto de estrella favorita del cine español, continuando también su carrera como cantante folclórica. Su pleno éxito llega en 1959 cuando interpreta el papel de la Reina María de las Mercedes de Orleans y Montpensier (primera esposa de Alfonso XII) en la película del argentino Luis César Amadori ¿Dónde vas Alfonso XII?. Dos años después coincide en la apertura de los títulos de El balcón de la luna con sus amigas Lola Flores y Carmen Sevilla.

A partir de ese momento espacia sus apariciones cinematográficas, frecuenta círculos selectos y solamente intervendría en otros seis títulos más, hasta su retirada definitiva del mundo del espectáculo.

Era tía en segundo grado de la fallecida actriz Soledad Miranda.

LOS SONORS

Y MAS CUMBIAS PARA RECORDAR



Mills Brothers Old Man

NAZARETH BAND

Nazareth es una de las más tradicionales bandas del rock setentero. Es una banda escocesa de hard rock formada en Dunfermline, Escocia en 1968 de los restos de una banda local llamada The Shadettes, formada por Dan McCafferty (vocalista), Manny Charlton (guitarra eléctrica), Pete Agnew (bajo) y Darrel Sweet (baterista). En 1970, la banda fue a intentar suerte en Londres y lanzaron su primer álbum en 1971. Su 2do álbum se llamó “Exercises”, pero la banda sólo conseguiría triunfar con el 3ro, el clásico “Razamanaz”, que colocó los singles “Broken Down Angel” y “Bad bad boy” en el Top Europeo.

Dos álbumes más le siguieron. “Loud n´Proud” (74) y “Rampant” (74) que dieron notoriedad a la banda por el resto del mundo. En 1975 fue lanzado “Hair of the Dog”, Con este álbum Nazareth comenzó a incomodar los llamados grandes del rock pesado mundial. La banda era éxito del público y la crítica con su hard rock simple y directo, el single Love Hurts se hizo famosa en todo planeta, mucha gente piensa que es un original de ellos pero Love Hurts es un original de los Everly Brothers. Luego siguieron los discos “Close enough for rock n´roll”, “Play,N the Game” y “Expect No Mercy”.

En 1979, la banda adiciona el guitarrista Zal Clemison a su line-up. Este llega a grabar dos álbumes con la banda (“No Mean City” y “Malice in Wonderland”) para después seguir su camino. En su lugar entró el tecladista John Locke que tampoco calentó lugar y fue sustituido por el guitarrista Bill Rankin que también tocaba teclados. Con la entrada de los años 80, la banda quedó un poco confusa en relación a las tendencias que surgían, y comenzó a caer en el olvido. En 81, sale el álbum en vivo “Snaz” seguido en 82 con el altamente recomendable “2XS” que contiene la increíble “Love Leads to Madness” poniéndolos en los Tops nuevamente.

Una serie de discos fueron lanzados en los años 80, y variaban entre medianos y débiles. Entre ellos constan “Sound Elixir” y “Cinema”. Después de este periodo difícil, donde la banda no tuvo la atención merecida por parte del público, ellos resuelven radicalizar con el disco “No Jive”. El resultado es muy bueno y la banda vuelve a ser noticia. En las radios tocaban una música diferente, un arreglo bien pop, pero por la voz del cantante nosotros percibíamos que se trataba de Nazareth; era la música “Games”.

La década de los 90 se marcó por haber sido la década en que fueron lanzados más discos de la banda. Eran muy diversos, entre oficiales y piratas. Aún en el 95 la banda saca al mercado el álbum “Move Me”. En esta época ellos entraron en un tour con otras grandes bandas setenteras.

LOS MEJORES CLASICOS LATINOS

LAS CHICAS ROLAND DE LA CEIBA

THE BROTHER JOHNSON

Los hermanos Johnson es una banda formada por músicos americanos, y sus hermanos, George alias 'Lightnin' lame 'y Louis Johnson Jagger alias' Tormenta Thumbs.

Guitarrista y vocalista Jorge y el bajista y vocalista Louis formó la banda Johnson Tres más uno con su hermano mayor Tommy y su primo Alex Weir, mientras asisten a la escuela en Los Ángeles, California. Cuando se hicieron profesionales, la banda de respaldo de gira como R & B actúa como Bobby Womack y el Supremes. George Johnson y Louis después se unió a la banda de Billy Preston, y escribió música de mi vida y la pandilla y yo para él antes de salir de su grupo en 1973. En 1976, los hermanos cubiertos canción de los Beatles, Hey Jude, por el documental musical efímera todo esto y la Segunda Guerra Mundial.

Quincy Jones los contrató para tocar en su locura LP Mellow, y grabó cuatro de sus canciones, incluyendo Is It Love que nos perdimos? y sólo una muestra de mí.  Después de una gira con varios artistas como Bobby Womack y Billy Preston, Quincy Jones les contrató para una gira en Japón y produjo su álbum debut mirar hacia fuera para # 1, lanzado en marzo de 1976 (# 9 EE.UU.) su derecho en álbum Time fue lanzado en mayo 1977 y alcanzó el número 13 en el Billboard Hot 200. Blam! salió en agosto de 1978 y alcanzó el número 7 en el Billboard 200.

Dos de las canciones del dúo fueron ofrecidos en la banda sonora de la película de 1976 "Madre, Jarras y velocidad. El instrumental pista Tormenta Thumbs and The Licks Lightnin 'se refiere a los apodos de los hermanos. Get the Funk Out Ma cara fue co-escrito con Quincy Jones.

Su popular álbum Light Up The Night fue lanzado en marzo de 1980 y alcanzó el número 5 en el Billboard 200. Fue el número 46 en el "Top 100 discos de 1980" en la lista de la revista Rolling Stone. El álbum posterior, los ganadores, se auto-producido por los hermanos y puesto en libertad en julio de 1981, pero tuvo menos éxito, sólo va tan alto como el número 48 en el Billboard 200.

Entre sus canciones más populares son I'll Be Good to You (Billboard Hot 100 # 3 en 1976), Fresa Carta 23 (Hot 100 # 5 en 1977), no somos nosotros Funkin 'Ahora (1978), y Stomp! (Hot 100 # 7 y Música Hot Dance / Club Play # 1 en 1980). Sus estilos son el funk, disco, baladas y R & B

MARVIN GAYE

Marvin Gaye (2 de abril de 1939 - 1 de abril de 1984) fue un músico y cantante de soul, smooth soul, quiet storm, blaxploitation y uno de los componentes fundamentales del estilo Motown Sound.

Marvin Pentz Gaye, Jr. (la e final la añadió él, tal como hizo Sam Cooke) nació en Washington DC, donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar en sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.

Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. Mama Loocie (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.

Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry, hermana mayor de Gwen, en 1961. Posteriormente, Berry Gordy, hermano de Anna y Gwen y propietario del sello Tammi, luego Tamla Motown, absorbió la compañía Tri Phi.