viernes, 15 de octubre de 2010
ASHFORD AND SIMPSON
Nickolas Ashford (nacido el 04 de mayo 1942, en Fairfield County, Carolina del Sur) y Valerie Simpson (nacido el 26 de agosto 1946 en el Bronx, Nueva York) es un compositor marido y mujer / artistas equipo de producción y grabación. Se reunieron en la Iglesia de White Rock bautista de Harlem en 1963. Después de haber grabado sin éxito como dúo, se unieron a aspirantes a artista en solitario y antiguo miembro de la Ikettes, Josie Jo Armstead, en el Cetro / etiqueta Varita donde sus composiciones fueron grabadas por Ronnie Milsap ("Nunca había ido tan bien"), Maxine Brown ("One Step At A Time"), así como los Jackson Shirelles y Chuck. Otra de las canciones del trío "Let's Go Get Stoned" de Ray Charles dio un número uno de EE.UU. R & B en 1966. Ese mismo año, Ashford & Simpson se unió a Motown, donde sus canciones más conocidas incluyen "Ain't No Mountain High Enough", "Eres Todo lo que necesitan para pasar", "no hay nada como el Real Thing", y " Reach Out and Touch (la mano de alguien) ". Como artistas, la canción más conocida de Ashford y Simpson es "sólido" (1984 EE.UU. y Reino Unido, 1985). El dúo fue incluido en el Salón de la Fama de Compositores en 2002.
THE ASSOCIATION
La Asociación es una banda de música pop de California en el género pop sol. Durante la década de 1960, que tuvo numerosos éxitos en o cerca de la cima de las listas de Billboard y se la se inició con la banda en 1967 el Festival Pop de Monterey. A partir de 2010 , todavía están realizando.
Julio Alejandro (n. 25 de septiembre de 1943, Chattanooga, Tennessee) fue en Hawaii en 1962 cumpliendo una temporada en la Marina cuando conoció a Terry Kirkman (12 de diciembre de 1939, Salina, Kansas), un vendedor que visita. Los dos jóvenes músicos atascado en conjunto y se comprometió a reunirse una vez que Alexander fue dado de alta. Eso ocurrió un año más tarde, los dos finalmente se mudó a Los Ángeles y comenzó a explorar los principios de LA escena musical de los años 60 (Kirkman incluso jugar en grupos con Frank Zappa durante un tiempo antes de que Zappa pasó a formar The Mothers of Invention). Finalmente, en un Hootenanny lunes por la noche en la discoteca LA El Trovador, en 1964, un grupo especial llamado El tubo interior estaba formado por Terry, Jules y Doug Dillard, cuya rotación de sus miembros figuran, en un momento u otro, Cass Elliot, David Crosby y muchos otros que entraban y salían. Esto llevó, en 1965, a la formación de los hombres, un 13 piezas banda de folk-rock. Este grupo tuvo una breve temporada como la banda de la casa en El Trovador. Después de un breve periodo de tiempo, sin embargo, los hombres se disolvió, con seis de los miembros que eligen ir por su cuenta (algunos de los jugadores restantes continuó como hombres Tony Mafia, uno de los otros, Mike Whalen, se unió a The New Christy Minstrel) . A sugerencia del entonces novia de Kirkman, Judy, que tomó el nombre de la Asociación. La formación original constaba de Alejandro (utilizando su segundo nombre, Gary, en los primeros 2 discos) en voz y guitarra; Kirkman en la voz y una variedad de viento, metal y percusión; Brian Cole (nacida el 08 de septiembre 1942, Tacoma , Washington) en la voz, bajo y vientos; Russ Giguere (nacido el 18 de octubre 1943, en Portsmouth, New Hampshire) en la voz, percusión y guitarra; Ted Bluechel, Jr. (nacido el 02 de diciembre 1942, San Pedro, California) en la batería, guitarra, bajo y voz; y Bob Page (nacido el 13 de mayo 1943) en la guitarra, banjo y voz. tiempo de página en la banda fue breve, que pronto fue sustituido por Jim Yester (nacido el 24 de noviembre 1939, Birmingham, Alabama) en la voz, guitarra y teclados.
La nueva banda pasó alrededor de cinco meses ensayando antes de que comenzó a actuar en todo el área de Los Ángeles, sobre todo de una temporada regular en The Ice House en Pasadena y su club hermano en Glendale. También una prueba para las discográficas, pero la resistencia que enfrentan debido a su sonido único. Finalmente, el pequeño sello Jubileo emitió una sola de "Babe I'm Gonna Leave You" (una canción originalmente grabada por Joan Baez, más tarde popularizado por Led Zeppelin), pero no pasó nada. Por último, Registros Valiant les dio un contrato, con el resultado de la primera es una versión de Bob Dylan, "One Too Many Mornings".
Los hombres fueron administrados por primera vez por Douglas Weston, propietario de la Troubador, antes de cambiar al actor Dean Fredericks, que se quedaron a bordo cuando la Asociación se formó y ayudó a conseguir que el acuerdo Valiant. En 1966, Fredericks volvió las riendas a Pat Colecchio, quien dirigió el grupo durante los próximos ocho años.
ART PEPPER
Arthur Edward Pepper, Jr. (1 de septiembre de 1925–15 de junio de 1982) fue un saxofonista (alto) estadounidense de jazz. Comenzó su carrera musical en los años cuarenta tocando con Benny Carter y Stan Kenton. En los cincuenta, Pepper se convirtió en uno de los principales músicos del West Coast jazz, junto con Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros.
Pepper nació en San Pedro, California, aunque vivió durante muchos años en las colinas de Echo Park, en Los ángeles. Se convirtió en heroinómano en los años cuarenta y su carrera se vio interrumpida por varias sentencias de prisión relacionadas con las drogas en los años cincuenta y sesenta. A finales de los sesenta, estuvo en Synanon, dentro de un grupo de rehabilitación para ex drogadictos. Tras empezar una terapia con metadona a mediados de los setenta, Pepper pudo regresar a su carrera musical y grabó una serie de discos muy elogiados. Su autobiografía Straight Life (1980), co-escrita con su tercera mujer Laurie Pepper, es una excepcional exploración en el mundo del jazz y en las subculturas de las drogas y lo criminal de la California de mediados del siglo XX.
El documental Art Pepper: Notes from a Jazz Survivor, disponible en DVD, dedica mucho espacio a la música de unos de los últimos grupos en los que tocó, junto con el pianista Milcho Leviev. Ejemplos de los discos más famosos de Pepper son Art Pepper Meets the Rhythm Section, The Aladdin Recordings (tres discos), Art Pepper + Eleven - Modern Jazz Classics, Gettin' Together, and Smack Up. Música representativa de sus comienzos aparece en The Early Show, The Late Show, The Complete Surf Ride y The Way It Was!; y de su prolífico último periodo en The Living Legend, Art Pepper Today, Among Friends y Live in Japan: Vol. 2. Existe también una entrevista con Laurie Pepper disponible en NRP (ver aquí mismo los enlaces externos).
ARCHIE SHEPP
Archie Shepp (Fort Lauderdale, 24 de mayo de 1937) es un saxofonista estadounidense de jazz.
Archie Shepp nació en Fort Lauderdale, Florida, pero creció en Filadelfia, Pensilvania, donde estudió piano, clarinete y saxo alto, antes de centrarse en el saxo tenor (aunque en ocasiones toca el saxo soprano). Es conocido especialmente por su música apasionadamente afrocéntrica de finales de los sesenta, con un fuerte compromiso con la denuncia de las injusticias sufridas por la raza negra. También es recordada su obra con los New York Contemporary Five y sus colaboraciones con sus contemporáneos vanguardistas Cecil Taylor y John Coltrane.
Archie Shepp nació en Fort Lauderdale, Florida, pero creció en Filadelfia, Pensilvania, donde estudió piano, clarinete y saxo alto, antes de centrarse en el saxo tenor (aunque en ocasiones toca el saxo soprano). Es conocido especialmente por su música apasionadamente afrocéntrica de finales de los sesenta, con un fuerte compromiso con la denuncia de las injusticias sufridas por la raza negra. También es recordada su obra con los New York Contemporary Five y sus colaboraciones con sus contemporáneos vanguardistas Cecil Taylor y John Coltrane.
ARCHIE BELLS AND THE DRELLS
Archie Bell & Drells fue un grupo de Houston, Texas, a partir de rhythm & blues, uno de los principales actos de Kenneth Gamble y Leon Huff Filadelfia International Records. éxitos de la banda incluyen "reforzar", "I Can't Stop Dancing" (ambos 1968), "Girl You're Too Young" (1969), "Here I Go Again" (también un éxito en Reino Unido de 1972 ), "Soul City Walk" (1976), "Todo el mundo Have A Good Time" (1977) y "Don't Let Love Get You Down" (1986
DAVID BOWIE
David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947), conocido artísticamente como David Bowie, es un cantante y compositor británico de música rock y pop, uno de los personajes más respetados e influyentes de la historia del rock, cuya música ha dejado huella en varias generaciones de artistas.
A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.
Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo en 1971 un hijo, Zowie (nombre completo Duncan Zowie Haywood, ahora director de cine conocido como Duncan Jones). Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.
A lo largo de su trayectoria, la música de Bowie se ha vinculado con múltiples géneros, como el folk rock, el glam rock, el soul o la música electrónica, demostrando una gran facilidad para reinventarse y adaptarse a las nuevas tendencias musicales, incluso en algunas ocasiones inspirándolas o anticipándose a ellas, por lo que es popularmente conocido como el Camaleón del Rock. Además de demostrar su talento en su faceta musical, como cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, también ha trabajado como actor, director de vídeos musicales y artista plástico.
Bowie estuvo casado con Angela Barnett, con quien tuvo en 1971 un hijo, Zowie (nombre completo Duncan Zowie Haywood, ahora director de cine conocido como Duncan Jones). Desde 1992 está casado con la modelo Iman, con la que tuvo a su hija Alexandria.
AL STEWART
Alastair Ian Stewart es un músico, cantante y compositor británico, nacido en Glasgow, Escocia, el 5 de septiembre de 1945.
Es principalmente reconocido por su sencillo "Year of the Cat" de 1976. También fue bastante exitoso, aunque en menor medida, por su siguiente sencillo "Time Passages" (ambos producidos por Alan Parsons).
Stewart creció en el pueblo de Bournemouth, Dorset, Inglaterra. Se mudó a los Estados Unidos en 1977. Grabó y produjo la mayoría de su trabajo en Los Angeles desde fines de los '70 y durante los '80.
Mientras que los álbumes de estudio de los últimos años son pocos y distanciados entre sí, todavía lleva a cabo extensas giras a través de los Estados Unidos y Europa. Las grabaciones de sus conciertos pueden adquirirse a través de su club de fan. La carrera de Stewart en la música lleva más de 40 años.
THE ANDREWS SISTER
The Andrew Sisters fue un grupo formado por las hermanas LaVerne Sophie Andrews (contralto, 6 de julio de 1911 - 8 de mayo de 1967), Maxene Angelyn Andrews (soprano; 3 de enero de 1916 - 21 de octubre de 1995), y Patricia Marie Andrews, también conocida como Patty, (mezzosoprano y cantante principal, 16 de febrero de 1918.) La rubia Patty, la morena Maxene y la pelirroja LaVerne nacieron en Minnesota, de padre griego y madre noruego-americana. Se criaron en Minneapolis.
Patty, la menor de las hermanas y cantante principal, sólo tenía siete años cuando formaron el grupo, y doce cuando ganaron el primer premio en un concurso de talentos en el teatro Orpheum de Minneapolis, donde LaVerne tocaba el acompañamiento de piano para las películas mudas a cambio de clases de danza gratuitas para ella y sus hermanas. Cuando las hermanas ganaron fama y se asentaron en California, sus padres vivieron con ellas en Brentwood, hasta el final de sus vidas. Las hermanas regresaban a Minneapolis al menos una vez al año para visitar a su familia.
Comenzaron su carrera como imitadoras de un exitoso grupo anterior: the Boswell Sisters. Tras cantar con varios grupos de baile y hacer vaudeville con Larry Rich, conocido también como Dick Rich, Ted Mack y Leon Belasco, atrajeron por primera vez la atención internacional con sus grabaciones y emisiones por radio en 1937, sobre todo por su hit Bei Mir Bist Du Schön (para mí, tú eres precioso), que era originalmente una melodía Yiddish, cuya letra tradujo al inglés Sammy Cahn y que las chicas armonizaron perfectamente. Vendieron un millón de copias, con lo que se convirtieron en el primer grupo de voces femeninas en ganar un Disco de Oro. A este éxito le siguieron varios más durante los siguientes dos años y ya en 1940 eran muy conocidas.
Andrews Sisters grabaron 47 canciones con Bing Crosby, 23 de las cuales se clasificaron en Billboard (una importante revista musical), convirtiendo al equipo en una de los emparejamientos más exitosos de la historia del espectáculo musical. Sus hits con Crosby incluyen "Pistol Packin' Mama", "Don't Fence Me In", "South America, Take It Away", y"Jingle Bells".
Junto con Bing Crosby, las Andrews Sisters estaban entre los artistas que incorporaban estilos musicales étnicos a la lista de Hits de Estados Unidos, popularizando canciones que incorporaban melodías originarias de Israel, Italia, España, Francia, Irlanda, Rusia, Brasil, México o Trinidad, muchas de los cuales escogía para ellas su mánager.
Durante la Segunda Guerra Mundial, animaron a las fuerzas aliadas enAmérica, África e Italia, visitando al Ejército, la Marina, los Marines y las bases de los Guardacostas, zonas en guerra, hospitales y fábricas de munición. Animaron a los ciudadanos estadounidenses a comprar bonos de guerra del Estado con su canción "Any Bonds Today?" Durante estos viajes, solían invitar a cenar a tres soldados al azar. Grabaron una serie de "Victory Discs" (Discos de la Victoria) para que fuesen distribuidos únicamente entre las Fuerzas Aliadasy se ganaron el sobrenombre de "Sweethearts of the Armed Forces Radio Service" (Los Amorcitos del Servicio de Radio de las Fuerzas Armadas) por sus muchas apariciones en programas como "Command Performance", "Mail Call", y "G.I. Journal." Era tanta la popularidad de las Andrews Sisters que, tras la guerra, descubrieron que algunas de sus canciones habían sido llevadas de contrabando a Alemania, tras cambiar las etiquetas por "Canciones de Marcha de Hitler". La canción Bei Mir Bist Du Schön se convirtió en una favorita de los Nazis, hasta que se descubrió que los compositores de la canción eran de ascendencia judía. Después de esto, los presos de los campos de concentración siguieron cantándola a escondidas.
Las Anrews Sisters se especializaron sobre todo en el swing, el boogie-woogie, y novedosos hits con su sello personal: rápidas síncopas vocales. También hicieron grandes hits de jazz, baladas, folk, country-western y música religiosa, convirtiéndose en las primeras artistas de Decca en grabar un album de gospel en 1950. Su versatilidad les permitió emparejarse con muchos artistas diferentes en los estudios de grabación, llegando a tener hits Top 10 con celebridades como Bing Crosby (el único artista musical que vendió más discos que las Andrews Sisters en 1940), Danny Kaye, Dick Haymes, Carmen Miranda, Al Jolson, Ray McKinley, Burl Ives, Ernest Tubb, Red Foley, Dan Dailey, Alfred Apaka, y Les Paul. En apariciones personales en radio y televisión, cantaron con personalidades como Rudy Vallee, Judy Garland y Nat "King" Cole, Jimmie Rodgers, Andy Williams, y The Supremes.
Cuando las hermanas salieron al escenario musical a finales de los años 30, agitaron los sólidos cimientos musicales de aquella época. Produjeron una muy lograda mezcla armónica, cantando a pleno pulmón en un intento de conseguir el sonido de tres trompetas armonizadas, apoyándose en una banda de música. Algunos directores de banda del momento, como Artie Shaw y sus músicos, les guardaban rencor por robarles el protagonismo y enfatizar sus voces. Asimismo, estaban tan demandadas como los propios directores de banda, muchos de los cuales no querían compartir el protagonismo con el trío de chicas.
Sin embargo, tuvieron una inmediata acogida entre el público adolescente y adulto, fascinados por el swing y el jazz. Las Andrews Sisters tocaron con la mayoría de las bandas importantes, incluyendo la de Glenn Miller,Benny Goodman, Buddy Rich, Tommy Dorsey, Jimmy Dorsey, Gene Krupa, Joe Venuti, Freddie Slack, Eddie Heywood, Bob Crosby (hermano de Bing Crosby), Desi Arnaz, Guy Lombardo, Les Brown, Bunny Berigan, Xavier Cugat, Paul Whiteman, Ted Lewis, Nelson Riddle y Gordon Jenkins, cuya orquesta y coro las acompañan con suaves y melancólicas interpretaciones como en "I Can Dream, Can't I?" (que estuvo en el número 1 de Billboard, y que se mantuvo en el Top 10 25 semanas), "I Wanna Be Loved", "There Will Never Be Another You", y la excepcional "The Three Bells" (primera versión de habla inglesa que se grabó de esta canción francesa).
ALBERT COLLINS
Nacido en Leona, Texas, Collins era un pariente lejano de Lightnin' Hopkins y creció aprendiendo a tocar la guitarra. Su familia se trasladó a Houston, Texas cuando tenía 7 años. A lo largos de los años 40 y 50, absorbió los sonidos y estilos del blues de Texas, Misisipi y Chicago.
Formó su primer grupo en 1952 y dos años más tarde era la principal atracción en varios clubs de blues de Houston. A finales de los 50, Collins comenzó a utilizar Fender Telecasters. Más tarde eligió como principal equipo una Fender Telecaster Custom de 1966, con una pastilla Gibson PAF en el cuello y un combo Fender Quad Reverb plateado de 1970 con 100 watt RMS. Desarrolló un sonido único incluyendo afinaciones menores, notas sostenidas y un estilo de ataque con los dedos de la mano derecha. A menudo empleaba una cejilla en su guitarra, sobre todo en los trastes 5, 7 y 9. La afinación que más empleaba era la abierta en Fa menor (de cuerda más baja a más alta: FA-DO-FA-Lab-DO-FA).
Collins comenzó a grabar en 1960 y publicó singles, incluyendo muchos instrumentales como “Frosty”. En la primavera de 1965 se trasladó a Kansas City, Misuri, y se hizo un nombre.
Muchos de los estudios de grabación de Kansas City habían cerrado a mediados de los 60. No teniendo la posibilidad de grabar, Collins se trasladó a California en 1967. Se instaló en San Francisco y tuvo contacto con la contracultura de la época. A comienzos de 1969, mientras tocaba en un concierto con Canned Heat, los miembros del grupo lo presentaron a Liberty Records. Como agradecimiento, el título del primer disco de Collins para United Artists, “Love Can Be Found Anywhere” fue tomado de la letra de “Refried Hockey Boogie”. Collins editó su primer álbum en Imperial Records en 1968.
Collins permaneció en California durante otros cinco años, y era popular en conciertos dobles en The Fillmore y el Winterland. Collins volvió a Texas en 1973 y formó un nuevo grupo. Firmó con Alligator Records en 1978 y grabó y publicó Ice Pickin´. A lo largo de los años grabaría otros siete álbumes para el sello, antes de firmar con Point Blank Records en 1990.
A lo largo de los 80 y comienzos de los 90, Collins hizo giras por los Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Se estaba convirtiendo en un músico de blues popular, y era una influencia para Coco Montoya, Robert Cray, Gary Moore, Debbie Davies, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Jonny Lang, Susan Tedeschi, Kenny Wayne Shepherd, John Mayer y Frank Zappa.
En 1983, ganó el premio W.C Handy por su álbum Don´t Lose Your Cool, que ganó el premio a mejor álbum de blues del año. En 1985, compartió el Grammy por el álbum Showdown!, que grabó con Robert Cray y Johnny Copeland. Al año siguiente, su disco Cold Snap también fue nominado a los Grammys. En 1987, John Zorn lo escogió para tocar la guitarra solista en una suite que había compuesto especialmente para él, titulada “Two-Lane Highway”, en su álbum Spillane.
Junto con George Thorogood and the Destroyers, y Bo Diddley, Collins tocó las canciones “The Sky Is Crying” y “Madison Blues” en el Live Aid de 1985, en el JFK Stadium. Tras enfermar durante un concierto en Suiza a finales de julio de 1993, a mediados de agosto le fue diagnosticado un cáncer de pulmón que se había metastatizado al hígado, con una esperanza de vida de aproximadamente cuatro meses. Partes de su último álbum, Live ´92/93´ fueron grabadas en conciertos en septiembre; murió poco después, en noviembre, a la edad de 61 años.
ALEXIS KORNER
Alexis Korner, cantante (nacido Alexis Andrew Nicholas Koerner el 19 de abril de 1928, París, Francia, - 1 de enero de 1984, Londres, Inglaterra), aunque francés de nacimiento fue considerado como uno de los pioneros del Rythm & Blues británico y lanzador de músicos que fueron básicos durante los años '60. Introdujo en Gran Bretaña a grandes intérpretes aún ignorados incluso en EE. UU. como Sonny Terry, Big Bill Broonzy, Muddy Waters o John Lee Hooker, entre otros.
A mediados de los años 50 entabla relación con otro de los "padres" del R & B británico, Cyril Davies, con quien forma en 1961 la Blues Incorporated. Por esta banda desfilan, unos como fijos, otros como invitados ocasionales, muchos de los artistas fundamentales para el Rock británico en los años '60; así, en su formación se suceden los nombres de Charlie Watts, Keith Richard, Ginger Baker, Jack Bruce, John McLaughlin, Lee Jackson, Paul Jones, Brian Jones, Eric Burdon y muchos otros nombres míticos del Rock de los '60.
Cyril Davies se separaría en 1966, para formar su Cyril Davies Blues Band con Bernie Watson (guitarra), Nicky Hopkins (piano), Ricky Fenton (bajo) y Carlo Little (batería). Mientras tanto, Korner continúa tocando con John Renbourn (guitarra), Terry Cox (celesta) y Danny Thompson (bajo y voz).
En 1967 crea "Free at last", grupo que tuvo entre sus componentes a Robert Plant (más tarde en Led Zeppelin). Durante 1968 y 1969 toca con Peter Thorup, cantante danés afincado en el Reino Unido; en 1970 lleva a cabo uno de sus grandes proyectos, junto al pianista John Cameron, la Collective Consciousness Society (C.C.S.), banda que desaparece en 1973, aunque Korner sigue su carrera como solista, aunque siempre acompañado tanto en directo como en discos por muchos de sus amigos que triunfan en grupos como Yardbirds, Manfred Mann, Rolling Stones, Cream o The Animals.
AL KOOPER
Con sólo 14 años, fue guitarrista del grupo "The Royal Teens", y en 1960 escribió su primer hit, "This diamond ring", para el grupo "Gary Lewis & The Playboys". En 1965, se instaló en Greenwich Village y conoció a Bob Dylan, con quien actuó y realizó diversas grabaciones, entre ellas "Like a Rolling Stone" y el álbum Highway 61 Revisited, en el que también colaboró Mike Bloomfield, que sería en adelante compañero de Kooper en varios proyectos.
Ese mismo año, 1965, forma el grupo The Blues Project, del que se separa tras su actuación en el Festival de Monterey de 1967, impulsando una nueva formación, a la que denomina Blood, Sweat & Tears, con la que grabará un disco, "Child is father to the man" (1968). Tampoco se consolida con esta banda, que seguirá su propia carrera sin Kooper. Tras dejar la banda, junto con Bloomfield y Stephen Stills, del grupo Crosby, Stills & Nash, grabará el reconocido álbum "Super Session" (1968).
Reputado músico de sesión, grabará con Rolling Stones, B.B.King, Jimmy Hendrix, Alice Cooper, The Who o Cream, además de sus propios discos. Como productor, destaca el descubrimiento y lanzamiento de los tres primeros álbumes de Lynyrd Skynyrd. También ha escrito bandas sonoras para cine y televisión, como es el caso de la serie "Crime Stories", y ha publicado un libros de amplias ventas (Backstage Passes & Backstabbing Bastards: Memoirs of a Rock 'N' Roll Survivor, publicado inicialmente en 1977 y reeditado en 1998). Es también profesor estable de producción y técnicas de composición en el Berklee College of Music, de Boston.
ELDA BARBER
Elda Perla Barbero, conocida artísticamente como Elder Barber (Morteros, Córdoba, Argentina, 6 de mayo de 1934 - † Madrid, 7 de marzo de 1983) fue una cantante argentina afincada en España.
Comienza su carrera artística en su Argentina natal con tan sólo 20 años de edad con la versión castellana de Canario triste. En 1958 se instala en España dónde inició una breve pero exitosa carrera musical. A lo largo de siete años, publicó 17 Eps, destacando sus versiones de temas italianos, procedentes del Festival de la Canción de San Remo, como la popular Una casita en Canadá, así como adaptaciones del Festival de Benidorm.
El auge de la naciente cultura del rock, le llevó a apartarse temporalmente de su habitual tono melódico y probar suerte en el nuevo género, con temas como Rock con stacatto. Sin embargo, su carrera fue languideciendo, hasta retirarse definitivamente del mundo artístico a mediados de la década de los sesenta
NOSOTROS (DE PEDRO JUNCO)
Es el caso de “Nosotros”, conocido bolero popularizado por Eydie Gormé y el Trío Los Panchos, allá por los años 50, del que se conocen alrededor de 400 versiones en voces de artistas como los españoles Sarita Montiel y Plácido Domingo y que seguramente todos habréis cantado alguna vez.
El compositor, Pedro Junco (1920-1943), da cuenta en efecto de una inevitable separación, pero “no es falta de cariño”, como bien dice la letra. Enfermo de tuberculosis, el autor de la canción canta a su amada, Mª Victoria Mora, su inevitable despedida, antes de internarse en un sanatorio del que ya no regresará.
Su amigo, el cantante Toni Chirolde hace el triste papel de mensajero interpretando el bolero en la emisora local de radio, la CMAB, en febrero de 1943. Dos meses después, en la noche del 25 de abril, fallece Pedro Junco con tan sólo 23 años y el dolor de un amor que no pudo ser.
En Pinar del Río, la provincia más occidental de Cuba, su lugar de nacimiento, esta canción constituye casi un himno, que aquellos que lo conocieron y que tanto compartieron con él han transmitido a sus descendientes manteniendo vivo su recuerdo.
CESAR PORTILLO DE LA LUZ
César Portillo de la Luz (Ciudad de La Habana, 31 de octubre de 1922), es un guitarrista y compositor cubano.
Desde los 19 años se inicia en el canto acompañado de su guitarra. Durante la segunda mitad de los años cuarenta, Portillo de la Luz, junto a figuras como José Antonio Méndez, Rosendo Ruiz (hijo), Ñico Rojas, Angel Diaz, Frank Dominguez, Aida Diestro y Elena Burke, entre otros, son capaces de iniciar un nuevo género, con nuevos elementos expresivos y en el contexto de la canción trovadoresca cubana, estableciendo un diálogo de gran realismo con todo el público a través de la emoción y la estructura sintáctica del Bolero, bautizándolo con el nombre de Filin. El Filin venía a ser una manera particular de interpretacion del bolero fuertemente influenciada armónicamente por el Jazz.
Por estos años, entre 1940 y 1950, su labor se hace ver dentro del ambiente trovadoresco, dándose a conocer en centros nocturnos y los más famosos cabarets de la capital cubana como el Sans-Souci y el Pico Blanco del Hotel St. John, quehacer artístico que ha mantenido hasta la actualidad.
Su vasta y conocida obra como autor ha enriquecido el patrimonio de la canción cubana con canciones como "Contigo en la distancia" y "Tú mi delirio" (ambas canciones cuentan con más de 100 versiones); otras más como "Sabrosón", "Noche cubana", "Realidad y Fantasía" y "Canción de un festival", también han alcanzado una amplia difusión internacional acreditándolo como un importante cantautor.
Varios de sus temas han sido interpretados por grandes figuras de todos los tiempos como Nat King Cole, Pedro Vargas, Lucho Gatica, Fernando Fernández, Luis Miguel, Luis Mariano, Plácido Domingo, Cristina Aguilera, Caetano Veloso, María Bethania y la Orquesta Sinfónica de Londres entre muchos otros.
HISTORIA DEL BOLERO
“Sólo quien sufre como un vendedor de enciclopedias tiene derecho a sentir un bolero”.
(Víctor Hurtado: Agustín Lara, el Dandy Jarocho).
Agustín Lara, no inventó el bolero porque cuando nació ya lo había inventado el cubano Pepe Sánchez (Tristezas, 1885), pero le dio dimensión universal al unirlo a su leyenda, que tuvo una difusión en prensa, radio, TV, cine, etc., inimaginable en su época.
Bautizado como Ángel Agustín Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón Lara y Aguirre del Pozo (el cura sufrió un desmayo por hipoxia mientras pronunciaba el nombre), nació el 30 de octubre de 1900 y su patronímico ya parecía presagiar que no sería un mortal discreto. Y no lo fue, ni discreto en absoluto, ni mortal, pues sus composiciones, que seguirán tarareándose siempre (hasta la eternidad te seguirá mi amor, decía en su canción “Palabras de Mujer”), le confieren la inmortalidad.
Poco querido por su padre (médico militar), que se avergonzaba de él, tanto por su constitución enclenque como por su carácter indisciplinado, pasó algún tiempo bajo la tutela de su tía Remedios que despertó sus inclinaciones musicales, siendo el armonio del orfanato que ella dirigía, su primer instrumento. Luego recibiría algunas lecciones de piano, aunque “El Flaco” Agustín, no fue nunca aplicado a la hora de sus estudios musicales y contempló siempre a la música desde la inspiración y la improvisación. : “A este niño no se le puede enseñar a tocar el piano… porque ya sabe hacerlo”, decía uno de sus profesores, y él mismo presumía de que: “Nací sabiendo tocar el piano”. Prácticamente será siempre un músico de oído. ¡Pero qué oído!
Agustín, estaba dotado de un talento innato para la composición musical (El Señor de los Señores me otorgó la divina gracia de la musicalidad…). De su facilidad para componer da buena muestra el testimonio de su primera esposa Angelina Bruschetta: "No teníamos siquiera papel para escribir, y en una tapa de caja de zapatos empezó a escribir Mujer, pero con un procedimiento muy curioso: con la mano izquierda hacía como que tocaba el piano, con la derecha escribía la letra y con los pies llevaba el ritmo”.
Lara aprovechó con creces esa “divina gracia” componiendo más de 500 canciones de los más diversos ritmos musicales, canciones líricas, sones cubanos, valses, pasodobles, fox-trot, danzones y guarachas, bambas y guajiras, jotas y chotis, tangos y jazz, pero sobre todo… maravillosos boleros.
A éstos aplicó una vena lírica que en muchas ocasiones traspasó los límites del encendido romanticismo (“Quisiera el sortilegio de tus negros ojazos y el nudo de tus brazos, Señora Tentación”), para adentrarse en el territorio de la flagrante cursilería (“Mujer alabastrina, tienes vibración de sonatina pasional"), de la que, lejos de renegar, se proclamaba orgulloso defensor: “Soy ridículamente cursi y me encanta serlo. Cualquiera que es romántico tiene un fino sentido de lo cursi y no desecharlo es una posición de inteligencia. Vibro con lo que es tenso y si mi emoción no la puedo traducir más que en el barroco lenguaje de lo cursi, de ello no me avergüenzo”.
Lo cierto es que su inspiración romántica nos dejó canciones inolvidables que son parte de la historia de la música moderna: Solamente una Vez, Noche de Ronda, Palabras de Mujer, Amor de mis Amores, Piensa en Mí, María Bonita, Humo en los ojos, Mujer…
…Mujer…, mujeres… Poseía Agustín Lara un enorme magnetismo para las mujeres a pesar de su aspecto nada agraciado (también se le apodó “EL Feo”). “No sé qué sombra de misterio lo rodeaba y lo hacía atractivo al elemento femenino, tal vez su palabra fácil y acariciante o su mirada triste y angustiada", comentaba Angelina Bruschetta. Se casó seis veces y su lista de amantes fue interminable. Su mayor trofeo (así lo consideraba) fue la actriz mexicana María Félix, una de las mujeres más bellas de su tiempo.
Pues sí, un conquistador canijo y feo, (“Todos los hombres más feos conquistan las hembras más guapas, Agustín Lara y un tal Sinatra…” decía en su chotís “El Feo”). Fealdad acentuada por una cicatriz que le atravesaba la cara, consecuencia de una relación despechada, de la época en la que se ganaba la vida como pianista de locales “de mala nota” o “de disipación nocturna”, eufemismos con los que se denominaba a los burdeles y cabarets en los que Agustín se dio a conocer y en los que fue “protegido” de tantas “mujeres de la vida”. Mujeres a las que dedicó un ramillete de sus canciones con títulos nada dudosos (Aventurera, Perdida, Te vendes, Una cualquiera, Señora Tentación, Pervertida, Cortesana, Pecadora…) que fueron muchas veces censuradas por glorificar la marginalizada imagen de las prostitutas y de las “mujeres fatales”.
De estas “canciones malditas” les dejamos hoy, como homenaje al maestro, “Pecadora”, en versión de Ritmo Rancio (es tomada de un directo y el sonido no es muy bueno), precedida de un fragmento de uno de sus mejores boleros “Humo en los Ojos” que pone a prueba la voz de nuestro solista Luis López.
Y para acabar a tono, dejamos al Flaco con una despedida cursi, como su universo, que le dedica Dionisio Rodríguez en el Blog “Babab”: “Dejémoslo en ese limbo cursi en el que siempre quiso estar y acerquemos nuestros sentimientos a este último romántico intempestivo y “demodé” que nos visitó e hizo faro de su vida una estela de música y palabras”.
Fuente: http://www.ritmorancio.com/
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