RADETZKY

LOS VALSES MAS HEMOSOS DEL MUNDO

LO MEJOR DE LA MUSICA CLASICA ANTIGUA

THOMAS ERSKINE

TOMASO ALBINONI

ANTONIO VIVALDI

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros,Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

RALPH VAUGHAN WILLIAM

Ralph Vaughan Williams (n. en 1872 - f. en 1958) fue un compositor británico de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.

Aunque sus primeros trabajos, como "Las avispas" (música incidental para teatro) o su primera sinfonía, la Sinfonía del Mar, basada en textos de Walt Whitman, pecan de cierto academicismo, ya contienen las bases armónicas y el germen de sus obras más famosas, así como su interés por la música tradicional de Inglaterra.


Su salto a la fama se produjo con la “Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis”. En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, se realiza una especie de meditación sobre un tema de este compositor inglés del siglo XVI. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. El resultado es de una radiante sonoridad e inspiración. Esta pieza fue utilizada como banda sonora de las películas Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988) y Master and Commander (Peter Weir, 2003).

La música de Vaughan Williams suele describirse como "típicamente inglesa", del mismo género que las obras de Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros. Según el escritor Peter Ackroyd: «si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna».[2] Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».[cita requerida]

La música de Vaughan Williams expresa una profunda consideración y fascinación por las melodías populares, buscando sublimarlas y hacerlas etéreas. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas, y llegó a recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música (aunque más superficial, más como mera cita o paráfrasis que como integración profunda, como habían hecho otros compositores como Béla Bártok o Leos Janaceck). También es característico de su música las referencias hacia el paisaje y las personas que en él habitan.

Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst. Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un personal lenguaje (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, en la que cabe destacar su Misa en Sol menor o la cantata Dona Nobis Pacem.

Entre las ediciones discográficas de las obras de Vaughan Williams, destaca la integral de sus sinfonías que grabó sir Adrian Boult para el sello EMI, así como las que posteriormente grabaron otros destacados directores como Bernard Haitink y André Previn, entre otros.

ORQUESTA FILARMONICA DE BOGOTA

Orquesta Sinfonica Albacete y Per Poc

ORQUESTA SINFONICA JUVENIL DE COSTA RICA

Rossini William Tell overture

MACAO ORCHESTRA

CARLS MICHAEL ZIEHRER

Siegfried Translateur

JULIUS FUCIK

CARL ORFF

Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 — Múnich, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán del neoclasicismo musical que continuó con la corriente comenzada por Ígor Stravinski (aunque este tuvo una obra ecléctica). Inventó un sistema de enseñanza musical para niños que tuvo notables resultados (Schulwerk) y se lo conoce principalmente por su obra Carmina Burana.

Orff nació en Munich, el 10 de Julio de 1895. Su familia era original de Baviera y poseía un rol activo en las Fuerzas Armadas Alemanas. Orff comenzó estudiando piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo se mostró más interesado en la composición de música original más que en el estudio orientado para ser un intérprete. Por esto mismo, Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó un cuento en una revista para niños en 1905 y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras que en su tiempo libre disfrutaba coleccionar insectos.

Para cuando era un adolescente, Orff escribió canciones aunque no había estudiado armonía ni composición, por lo que su madre lo ayudó escribiendo sus primeros trabajos en notación musical. Luego, Orff escribió sus propios textos y aprendió el arte de la composición musical, sin un profesor, mediante el estudio de las obras maestras de la música clásica.

En 1911 a la edad de 16 años, parte de la música de Orff fue publicada. Muchos de los trabajos de su juventud fueron inspirados en la poesía alemana. Y por esto mismo, se podían clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero con ciertas pistas acerca de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff.

Luego, en 1911-1912 Orff escribió Zaratustra, Op.14, un amplio trabajo para barítono, tres coros y orquesta; inspirado en la novela filosófica de Friedrich Nietzsche, Así habló Zaratustra. Luego, en 1913 compuso una ópera o drama musical titulado Gisei, das Opfer (Gisei, el sacrificio). Influenciado también por el compositor impresionista francés, Claude Debussy, comenzó a utilizar inusuales y coloridas combinaciones de instrumentos en su orquestación.

El Musik-Lexikon de Moser nos dice que Orff estudió en la Königlichen Akademie der Tonkunst (Academia de música de Munich) ahora llamada Hochschule für Musik und Theater hasta 1914. Entonces, sirvió al ejército en la Primera guerra mundial durante la cual fue gravemente herido y casi fue muerto durante un bombardeo de artillería cuando se encontraba en una trinchera. Más adelante, ocupó varios puestos en casas de ópera en Mannheim y Darmstadt, finalmente volvió a Munich a proseguir sus estudios musicales.

A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó "elementare Musik" (música elemental); el cual estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas (vocablo del cual viene el nombre Música) involucrando al tono, la danza, la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por el émigré (emigrante) Ruso-Francés Ígor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el estilo neoclásico "fresco y balanceado" de algunos trabajos de Stravinsky, habían otros como Les noces (La boda), una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda que agradaron a Orff. Entonces, el también comenzó a adaptar trabajos musicales de eras tempranas para la representación teatral en su tiempo, incluyendo la ópera de Claudio Monteverdi, Orfeo (1607). La versión alemana de Orff, Orpheus, fue puesta en escena en 1925 en Mannheim, Alemania bajo la dirección del propio Orff y usando algunos de los instrumentos que fueron utilizados en la ejecución original de 1607. Esta apasionada y declamada ópera de Monteverdi era prácticamente desconocida en los '20, sin embargo, la producción de Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta lo ridículo

Luego, desde 1925 hasta el fin de su vida, Orff fue jefe de un departamento y co-fundador de la Escuela Guenther para gimnasia, música y danza en Múnich; donde trabajó con alumnos principiantes. Aquí es donde desarrolló sus teorías en educación musical, teniendo un contacto constante con los niños. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk, donde comparte su método educativo. Previamente a escribir la Carmina Burana, Orff edita óperas del siglo XVII habiendo fundado también previamente una escuela gimnástica con Dorothee Günther en 1924.

GRANDES MAESTROS DEL RECUERDO

JEAN BAPTISTE LULLY

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano, uno de los introductores de la ópera en Francia.

Nació en Italia (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). Viajó a Francia con 11 años, pues había llamado la atención del Caballero de Guisa, y en 1652, con 20 años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. Más tarde dirigió una de las orquestas reales y en 1662 fue nombrado director musical de la familia real. Sobresalía por entonces como violinista, director y compositor. A los 29 años se había casado con la hija de Michel Lambert, compositor y alto funcionario de la Corte.

Cortesano astuto, consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, lo que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Compuso ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo interpretaba ante el rey. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos, como Les fâcheux (1661), Le mariage forcé (1665) y Le bourgeois gentilhomme (1670). Se hizo prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV.

En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera. El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. Excepto en Psique (1678), Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686), su libretista fue el poeta Philippe Quinault. Desde el punto de vista musical, sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour (ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus obras cabe citar Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada Acis y Galatea.

La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban. También estableció la forma de obertura francesa. Lully evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto franceses.