jueves, 16 de septiembre de 2010

MIX DE MARIMBA CHAPINA

CUMBIAS CON MARIMBA

MARIMBA ORQUESTA GALLITO

LUCHO ARGAIN

MARIO CLAVELL



MAS CON LOS TECOLINES

RIZ ORTOLANI

Riz (Riziero) Ortolani (Pésaro, Italia, 4 de septiembre de 1931), es un compositor de música de cine italiano.

A inicios de los años 50, Ortolani fue fundador y miembro de un grupo de jazz de fama nacional en su país. La primera partitura cinematográfica que escribió, fue para el filme documental de Gualtiero Jacopetti Mondo Cane, cuyo tema principal, More, le granjeó un Grammy, y también fue nominado para un Oscar por La mejor canción. Otra pieza mundialmente famosa, fue el tema principal de la película O' Cangaceiro (1970).

Ortolani participó con la musicalización parcial o completa de más de 200 películas, tal como Old Shatterhand (1964), y gran cantidad de filmes italianos de los géneros "giallo" y "mondo".

Otros filmes en los que trabajó, incluyen Il Sorpasso (1962), Los días de la ira (1967), Io ho paura (1977), Danza macabra (1964), Sette orchidee macchiate di rosso (1972), Africa addio (1966), Addio Zio Tom (1971), y la controvertida Cannibal Holocaust (1980).

La música de Riz Ortolani recientemente ha tomado parte en Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004), como la magnífica I giorni dell'ira (Los días de la ira)




LOS BLAZER`S

GRUPEROS DE LOS 80-90



MAS DE MIRAMAR

RIGO TOVAR

Rigoberto Tovar García, mejor conocido como Rigo Tovar (29 de marzo de 1946 — 27 de marzo de 2005), fue un cantante y músico mexicano nacido en Matamoros, Tamaulipas. Creó una mezcla musical entre la cumbia, la balada y el bolero con elementos de rock. Muere el 27 de marzo de 2005 a causa de un paro cardiorrespiratorio.

Nacido en el seno de una familia humilde, de padre tamaulipeco y madre de texas, Rigoberto Tovar García nace un miercoles 29 de marzo de 1946, a las 11:43 de la mañana en la ciudad de Matamoros, Tamaulipas México, la ciudad con la que se fusionó tanto que ahora es inevitable hacer referencia a ambos cuando se habla de cualquiera de los dos.

Es considerado el padre de la música grupera y tropical, un pionero que introdujo instrumentos modernos a la dotación acostumbrada dentro de la música tropical y de la cumbia (guitarras eléctricas, sintetizadores, bajo eléctrico, efectos de sampleo, órganos moog, y batería eléctrica, ellos por los instrumentos acústicos regionales variados en combinación con guitarras españolas y derivados folklóricos junto a cuerdas clásicas variadas que se usaran antes).

Lo verdaderamente característico es que Rigo logró hacer de la música popular un producto moderno sin dejar de basarse en sus formas rítmicas y melódicas musicales, sin recurrir a bases de distinta tradición. Sin ser tradicional, tomando los instrumentos que el momento le ofrecía, trascendió sus bases dándole ese toque que hoy en día es un referente dentro de la historia de la música.

A causa de la enfermedad terminal de su señora madre, Rigo empezaba a escribir canciones un tanto tristes en comparación al estilo musical al que tenia acostumbrados a sus fans y crea, a finales de 1974, una recopilación de canciones como “No te vayas”, “Todo por ti” (cancion original de Maria Grever 1939), “Te quiero dijiste” y “Triste Navidad” en el LP no. 5 de su carrera.

Tal vez no tenía los ánimos de escribir e incluye en ese disco 3 canciones instrumentales, “Macondo”, “El Pastorcillo” y “Nocturnal” que llegaron a completar este material, muy posiblemente una depresión no le permitió seguir escribiendo para ese disco.

La Sra. Sarita García Barrón fallece en la ciudad de Matamoros Tamaulipas el 7 de noviembre de 1974 dejando una irreparable pérdida tanto en la familia Tovar como en los fans de Rigo que lo apoyaron en todo momento; a manera de homenaje su guitarrista, amigo y compadre Cesar Alejandro Herrera le imprime en el brazo a Rigo uno de sus tatuajes, una mariposa (que representaba a doña Sarita) y una flor de colores verde y amarillo (que representaba el inicio de su carrera) con la leyenda “MAMA SARITA, JAMÁS TE OLVIDARÉ XI-VII-MCMLXXIV

Se dice que Rigo demostró que la fama es para una sola persona más no para un grupo. Constantemente en donde tocaba, se tenía que dar el cierre de puertas y calles; la gente se abalanzaba para poder verlo y tocarlo, sus admiradoras gritaban, se desmayaban y quedaban afónicas, la labor de policías y elementos del ejército nunca fue suficiente para contener a la fanaticada que quería escucharlo, verlo y tocarlo.

Conforme pasaba el tiempo los fans se daban cuenta que cada disco de Rigo Tovar era y sonaba diferente, éstos cambios se debieron a los diferentes estilos y evolución musical que Rigo buscaba y definía al realizar cada disco, lo cual lo llevó a crear e interpretar muy diversos géneros.

Éstos géneros musicales en los que incursionó van desde los boleros, cumbias, baladas, bolero ranchero, heavy metal, cha cha cha, porro, norteñas, música Texana, chicanas, hustle, villancicos, canciones infantiles, poemas, rock and Roll y hasta música clásica con orquesta sinfónica, siempre con ventas millonarias de cada uno de sus discos...

Cada una de las canciones escritas por Rigo es una historia, principalmente de amor y felicidad, aunque en algunas ocasiones le escribió también al desamor. Él les canto a las aves, a su familia, a él mismo, a las ciudades, a las mujeres, a la primera de mayo, a su enfermedad visual y, desde luego, a su Matamoros querido.

RENACIMIENTO 74

ALFREDO Y SU TECLADO

WILFRIDO VARGAS

LOS GARLES (ECUADOR)

DESDE ECUADOR



REQUINTOS DEL ECUADOR

REQUINTO DE JUAN PRADO

MASO RIVERA

ZAMBO CAVERO

Arturo Cavero Velásquez (* Lima, 29 de noviembre de 1940 - † Lima, 9 de octubre de 2009), más conocido como el "Zambo" Cavero[1] fue un cantante peruano de música criolla.

El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.

Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.

Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.

El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.

En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.

El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).

El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.

ANTONIO LAURO

Antonio Lauro (Ciudad Bolívar, Venezuela, 3 de agosto de 1917 - † Caracas, 18 de abril de 1986), fue intérprete y uno de los principales compositores sudamericanos para guitarra clásica de siglo XX.

En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948 durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, fue encarcelado y exiliado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años (1948-1958). Durante este tiempo compuso excelentes y recordadas obras musicales. Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. Sus primeras obras se concentraron en la guitarra especialmente en los valses venezolanos a los cuales les aplico una forma diferente de tocarlos, normalmente de 3/4 los interpretaba en 6/8, llegando a considerarsele el "Strauss de la guitarra".

Él mismo se distinguió como un excelente guitarrista, pero su popularidad y brillo universal aumentó, sin duda, por la incorporación de obras suyas en los programas de tres grandes maestros del instrumento: el español Andrés Segovia, el australiano-británico John Williams y el venezolano Alirio Díaz, quien fue gran amigo de Lauro y quien fue, en 1980, el solista de la primera grabación en estudio de su Concierto para guitarra y orquesta con la Orquesta Sinfónica Venezuela.


JOAQUIN SABINA Y PABLO MILANES

FRANK BRAVO

MIGUEL POVEDA

Cantaor de flamenco e intérprete de otros géneros musicales con los que enriquece su trayectoria artística en una experimentación constante en su obra, aunque el flamenco sea desde sus inicios su música de partida.

Poveda se interesa por ir más allá de la imagen tópica del cantaor al uso y se adentra en otros terrenos que no siempre son bien vistos por el mundo flamenco más ortodoxo. Muestra de este interés por buscar el arte en otros géneros son sus numerosas colaboraciones con artistas de disciplinas diversas, trabajos que le dan a conocer a otros públicos no habituados al flamenco.

Por su origen catalán, de padre murciano y de madre manchega, sin ascendencia andaluza, encuentra más dificultades en sus inicios que con tesón y gracias a su talento finalmente consigue vencer para crecer artísticamente como cantaor desde Barcelona, aunque posteriormente, en 2003, traslada su residencia a Sevilla, sin olvidar Cataluña en su trayectoria musical, como demuestra en Desglaç. Aunque experimenta y se expresa artísticamente mediante otras músicas, en ningún momento abandona su música de raíz, el flamenco

MANOLO EL MALAGUEÑO

NARANJITO DE TRIANA

NIÑO DE GLORIA

JUAN HABICHUELA Y FOSFORITO

CHICK WEBB

Webb nació en Baltimore, Maryland, hijo de William H. y Marie Johnson Webb. Desde su infancia, sufrió de tuberculosis de la columna vertebral, dejándolo con baja estatura y un tanto deformado. Trabajó de niño repartidor de periódicos pudiendo ahorrar el dinero suficiente para comprarse sus primeros tambores. A los 11 años ya tocaba a nivel profesional.

A los 17 años se muda a la ciudad de New York y para el año siguiente, 1926, ya lideraba su propia banda en Harlem. El también percusionista Tommy Benford dio lecciones de percusión a Webb en su primera visita a New York.

Alternó entre tours de banda y residencias en clubds de Nueva York hasta finales de los 20s.

En 1931, su orquesta pasó a ser la banda anfitriona del club Savoy Ballroom y él se convirtió en uno de los líderes de orquesta y percusionista más valorados del nuevo estilo "Swing", especialmente por su sock style. La leyenda de la percusión, Buddy Rich cita el poder de la técnica y las interpretaciones virtuosas de Webb, como influencia principal en su carrera y hasta llegó a referirse a Webb como "el padre de todos ellos".La orquesta se destacó en el espectáculo "Batalla de las Bandas" en el que la formación de Webb competía con otras bandas importantes del momento (como la Orquesta de Benny Goodman, o la Orquesta de Count Basie). En dicho espectáculo las bandas eran enfrentadas cara a cara en un mismo auditorio.

Webb se casó con Martha Loretta Ferguson (también conocida como "Sallye"), y en 1935 comenzó a promover a una todavía adolescente Ella Fitzgerald como vocalista de la banda. A pesar de los rumores, según Stuart Nicholson en Ella Fitzgerald; A Biography of the First Lady of Jazz (pag. 36), "Ella no fue adoptada por Webb, aunque vivió con él y con su esposa Sallye". Charles Linton, quien formaba parte de la banda de Chick Webb, le dijo a Nicholson que "Él no la adoptó. Me comentó que sólo dirá que la adoptó a la gente de la prensa".

En noviembre de 1938, la salud de Webb comienza a declinar y desde ese momento hasta su muerte alterna su tiempo entre liderar su orquesta y el hospital. Muere el siguiente año en Baltimore. Luego de su muerte, Ella Fitzgerald liderará su banda hasta que en 1942 se dedique a su carrera como solista.

FRANKIE TRUMBAUER

Orie Frank ("Frankie" o "Tranvía") Trumbauer (30 mayo 1901 hasta 11 junio 1956) fue uno de los saxofonistas de jazz de los años 1920 y 1930. Él tocaba el saxofón C-melodía, que en tamaño es entre un alto y saxo tenor. También tocaba el saxofón alto, fagot, clarinete y otros instrumentos.

Fue un compositor, sobre todo de melodías saxo técnicamente sofisticado, y fue uno de los directores de orquesta de jazz más importantes del 1920 y 1930. Su grabación histórica de "Singin 'the Blues", con Bix Beiderbecke y Eddie Lang en 1927, es considerado como uno de los mayores espectáculos de jazz jamás registrado. Este 1927 Okeh 78 fue una de las grabaciones de jazz parte superior de la década de 1920. Esta grabación clásica fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 1977. Sus grabaciones destacadas fueron "Krazy Kat", "Red Hot", "Plantación Moods", "Tailspin", "Singin 'the Blues", "Twistin' Wringin 'una'", y "Por ninguna razón en absoluto en C" con Bix Beiderbecke y Eddie Lang, y la grabación del primer éxito de "Georgia On My Mind" en 1931.
 

PERUCHIN

SEXTETO HABANERO

BARBARITO DIEZ

(*Bolondrón, Cuba, 4 de diciembre de 1909; † La Habana, Cuba, 6 de mayo de 1995) cantante cubano afroamericano de música popular romántica, como danzón cantado y bolero. Poseedor de una voz «insólitamente hermosa», es un ícono obligado en la evocación musical de La Habana romántica de los años 1930. Por su inigualable estilo de cantar el danzón a Barbarito Díez le fue dado el título de: "La Voz de Oro del Danzón".

Pasó su infancia en el Central Manatí y a fines de la década del 1920 se traslada a La Habana pasando a formar parte de la agrupación del músico cubano Graciano Gómez.

A partir de 1935, ingresa como voz solista en la orquesta de Antonio María Romeu, siendo intérprete de danzones, sones y boleros por más de cinco décadas. Con esta orquesta, Diez se hizo acompañar en sus presentaciones y sesiones de grabación, incluso después de la muerte de Romeu, hasta los años ochenta.

Paralelamente a su labor en la orquesta de Romeu, fundó el Cuarteto Selecto, con el que realizaba presentaciones en los cabarets de la bohemia habanera de los años cuarenta.

Hacia el final de su carrera artística, decidió disolver la orquesta que le acompañaba en sus últimos tiempos, debido a las fricciones personales entre los músicos. Barbarito Díez murió en La Habana, el 6 de mayo de 1995 a consecuencia de la diabetes mellitus.

BOSSA TRES

CHARLES DORNBERGER ORCHESTRA

CONCURSO DE MUSICALES DE 1920

THE ROARY TWENTIES

HOT

HOT

BROX SISTERS

GERALDO & HIS ORCHESTRA

Gerald Walcan brillante, más conocido como Geraldo (10 de agosto de 1904, Londres, Inglaterra - 04 de mayo 1974, Vevey, Suiza) fue un director de orquesta británico.

Brillante adoptó el nombre de "Geraldo" en 1930 para convertirse en uno de los líderes de la banda de baile más popular de la década de 1930 con su "música dulce" y su "Orquesta de Tango Gaucho". Durante la década de 1940, modernizó su estilo para seguir disfrutando de gran éxito.

Él tocaba el piano y órgano y estudió en la Royal Academy of Music de Londres. Comenzó su carrera como pianista tocando para películas mudas. Geraldo se convirtió en una figura importante en la escena del entretenimiento británicas durante cuatro décadas, después de haber liderado casi todo tipo de conjunto e influyó en la carrera exitosa de numerosos cantantes superior. Por su variada emisiones que el estilo de su orquesta, considerablemente, y una particular serie de Tip Top Tunes (empleando una sección de cuerda completa junto a la orquesta de baile habitual) gozó de gran popularidad. Varias grabaciones comerciales se hicieron, poniendo de relieve los considerables talentos organización de los jóvenes Wally Stott (más conocido en los EE.UU. como Angela Morley).

Con los años, la mayoría de los músicos más importantes del Reino Unido ha jugado con la orquesta de Geraldo, entre ellos Ted Heath, que tocaba el trombón en la orquesta de primera antes de salir para formar su propia banda y el guitarrista Ken Sykora, para después convertirse en una personalidad de radio respetados.

En la década de 1950 compuso la música puesta en marcha de la televisión escocesa. Titulado Scotlandia, se escuchó prácticamente todos los días durante más de treinta años al comienzo de los programas.

Geraldo murió de un ataque cardíaco durante sus vacaciones en Suiza en 1974. En 1993 una nueva orquesta de Geraldo, dirigida por el trombonista Chris Dean, recorrió las provincias del Reino Unido.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Geraldo también funcionó una agencia desde sus oficinas en la calle 73 de New Bond en Londres. Además de reservar bandas para teatros y hoteles, colocó músicos en transatlánticos y buques de crucero - en el negocio de la música esto era conocida como "Marina Geraldo".

Desde mediados de 1930 por un período de unos veinte años, los músicos americanos se les prohibió actuar en el Reino Unido por la Unión Británica Músicos. La prohibición fue en represalia por una restricción similar en los EE.UU. que impidió que los músicos británicos de trabajar en Estados Unidos. Es especialmente frustrante para los músicos de jazz de la posguerra británica que querían ver y escuchar a sus ídolos americanos. Sin embargo, una forma para ellos de cruzar el Atlántico era unirse a las bandas de baile de trazadores de líneas Cunard como el Queen Mary, Queen Elizabeth, Mauritania y el Queen Elizabeth 2, o los buques canadienses del Pacífico como la Emperatriz de Inglaterra y la emperatriz de Canadá. El Cunarders eran especialmente populares porque cuando había atracado en Nueva York, los músicos que tienen una o dos noches gratis para visitar lugares de jazz como Birdland en Broadway, al norte de West 52nd Street, en Manhattan, o los clubes de Greenwich Village. Algunos incluso dispuestos a tomar clases con estrellas estadounidenses durante su permiso de tierra: por ejemplo, Bruce Turner tomó clases de saxofón con Lee Konitz.

En los salones públicos de las camisas, los músicos tenían que tocar música de baile de tempo estricto, pero a veces se deslizaba en el número impar de jazz - especialmente si existía la posibilidad de que un pasajero puede sentarse pulg Famoso Duke Ellington se sabe que tiene piano tocado con orquesta de baile del barco cuando cruzó desde Nueva York a Southampton a bordo del Queen Mary a finales de 1950.

Muchas figuras muy conocidas en el jazz británica de post-guerra "servido" de la marina de guerra musical de Geraldo, como John Dankworth, Verde Benny, Bill Le Sage, Ronnie Scott, y Tracey Stan.
 

JERZY PETERBURSKY


Jerzy Petersburski (1895 - 1979) fue un pianista y compositor polaco de música popular, conocido sobre todo por sus tangos, algunos de los cuales (como A Niedziela ostatnia, nigdy Juz Milonga y Tango) fueron hitos en la popularización del género musical en Polonia y siguen siendo ampliamente conocido hoy en día, más de medio siglo después de su creación.

Jerzy Petersburski nació 20 de abril 1895, a una familia de raíces judías. Se graduó en el Conservatorio de Varsovia, donde su profesor fue Antoni Sygietyński. Después se trasladó a Viena, donde continuó sus estudios en la facultad de piano de la Academia de Música local. Siendo un talentoso pianista, fue persuadido por su amigo Imre Kálmán para dedicarse a la popular en vez de música clásica. En Viena también debutó como compositor de Alexander Vertinsky, un reconocido poeta y compositor ruso, famoso por sus romances.

A su regreso a Polonia, se hizo muy conocido por su música de cabaret y salas de cine en Varsovia. Entre ellos se encontraba Julian Tuwim y Marian Hemar de Qui pro quo, uno de los cabarets más famosos de Polonia el período de entreguerras. En 1920 y 1930, Petersburski convirtió en uno de los compositores polacos más populares como varias de sus canciones se convirtieron en éxitos de la Radio Polaca y en salas de conciertos en todo el país. Aparte de Marian Hemar, la lista de los letristas para sus canciones incluyen algunos de los más renombrados de su época: Andrzej Włast, Szmaragd Ludwik y Artur Tur. También los artistas intérpretes o ejecutantes de canciones Petersburski se agrega a su popularidad: Wera Bobrowska (nigdy Juz), Hanka Ordonówna (Sam mi mówiłeś), Tola Mańkiewiczówna (Ty, Miłość i Wiosna), Ludwik Sempoliński (Cala przyjemność), Dana Chor y Mieczysław Fogg (Bez śladu) y Adolf Dymsza (Ja i żonka ma).

A pesar de ser el autor de numerosos valses y foxtrots, así como dos operetas (z Kochanka ekranu y Robert Bertram i), Petersburski es mejor conocido por sus tangos. En 1928 compuso una canción para Stanislawa Nowicka titulado Tango Milonga en polaco. La canción se convirtió en un gran éxito y fue casi inmediatamente traducida a varios idiomas, ganando mucha popularidad en el extranjero, tanto en Europa como en América (el título de Inglés y Alemán se Oh, Donna Clara. La canción fue cantada por muchos artistas extranjeros, como Al Jolson , Henry Varny y Edith Piaf. Petersburski también escribió música para cuatro películas polacas en la década de 1930, incluyendo przedmieścia éxito Eugeniusz Bodo de Królowa de 1938. En la década de 1930 la orquesta que fundó con Henryk Gold (en 1926) también dio conciertos semanales en Adria de Varsovia, el más caro y el restaurante baile más prestigiosas de Polonia, frecuentado por la alta sociedad de Polonia. Su orquesta dio conciertos allí por 8 años, más que cualquier otro artista.

Durante la campaña de septiembre (defensiva polaca Guerra) de 1939 Petersburski sirvió con la Fuerza Aérea de Polonia. Después de que el país fue invadido, se trasladó a la parte ocupada por los soviéticos de Polonia. En 1940 se le permitió continuar su carrera y se convirtió en el líder de la banda de Jazz Orquesta de Belarús. Él realizó muchos de sus éxitos antes de la guerra con nuevas letras, el idioma ruso. Entre las composiciones originales de la época era el muy popular tango Sinú Platochek (el pañuelo azul) realizado por Klavdiya Shulzhenko. Otras de sus canciones populares de Rusia (a cargo de, entre otros, la Orquesta Dunayevsky Isaak) fue Utomliennoye Solntse (sol Cansado), de hecho, una versión rusa de la preguerra Para Niedziela ostatnia. Véase también Quemado por el sol.

Después de que el Acuerdo de Sikorski-Mayski de 1941 se incorporó al II Cuerpo polaco Wladyslaw Anders bajo. Evacuado con el resto del Ejército polaco a Persia, se trasladó a El Cairo, donde comenzó a trabajar para la Radio Polaca. En el 1947-1967 años que vivió en Israel, Argentina, Brasil, Venezuela. En Argentina, por casi 20 años fue el director principal del Teatro Nacional de Buenos Aires. En 1967 regresó a Polonia y se casó con Klejdysz Sylwia, una cantante de ópera de renombre. Su hijo Jerzy Petersburski Jr. nació en 1969. Jerzy Petersburski murieron 07 de octubre 1979 en Varsovia y fue enterrado en el cementerio de Powązki.



Y LA MUSICA DE LOS JUEGOS INFANTILES?

RECORDEMOS NUESTRA NIÑEZ

Pocos somos los adultos que recordamos la musica que nuestros padres y maestros nos enseñaron en el kinder o en la escuela; aqui les traigo en bandeja de oro estos gratos momentos de la musica infantil de los años 50-60 que podemos enseñar a nuestros hijos.