viernes, 30 de julio de 2010

HOPKINSON SMITH

SEBASTIAN DE VIVANCO

Sebastián de Vivanco nació en Αvila, al igual que Tomás Luis de Victoria. Sin embargo, se desconoce la fecha exacta de su nacimiento. Se supone que nació unos dos o tres años después que Victoria y que ambos se conocieron de niños y cantaron juntos en la capilla de la Catedral de Ávila. Los maestros de capilla de la catedral, durante el tiempo en el que Vivanco cantó en el coro, fueron Gerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera (1559) y Juán Navarro (1563). Éste último compositor sería el que ejerció sobre Vivanco una mayor influencia.

Hacia 1566, con el cambio de voz, Vivanco encaminó sus estudios hacia el sacerdocio, como también hizo Victoria. En 1576 aproximadamente, con unos 25 años y siendo todavía subdiácono, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Lérida. Poco después, el 4 de julio de 1576 fue cesado bruscamente de este puesto y fue despedido por el cabildo catedralicio.

A su vuelta a Castilla, en febrero de 1577, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Segovia, puesto más prestigioso y mejor pagado que el anterior. Allí se trasladó junto con su madre, en marzo, y permaneció en la catedral los 10 años siguientes. Durante esta etapa se convirtió en diácono y después, en 1581, fue ordenado sacerdote.

En 1588, regresó a su ciudad natal, Ávila, para hacerse cargo de la capilla de la catedral. Allí permaneció hasta el año 1602, cuando tomó posesión del puesto de maestro de capilla en la Catedral de Salamanca. Este fue su último desplazamiento y el más importante en cuanto a su contribución musical. Sus tres publicaciones se imprimieron durante su estancia en ésta ciudad. El 19 de febrero de 1603 obtuvo por oposición pública una plaza de profesor de música en la Universidad de Salamanca y el 4 de marzo del mismo año recibió el grado de maestro de artes honoris causa. Vivanco ocuparía tanto el puesto en la catedral como el universitario hasta su muerte, el 26 de octubre de 1622.

LUIS VENEGAS DE HENESTROSA

ROBERTO GHERARD

AMADEO VIVES

Amadeo Vives o Amadeu Vives i Roig (Collbató, provincia de Barcelona, 18 de noviembre de 1871 - Madrid, 2 de diciembre de 1932), fue un compositor español, autor de canciones, zarzuelas y óperas.

Estudió armonía y composición con J. Rivera y más tarde actuó como maestro de capilla en un asilo de Málaga y en el convento de Loreto en Barcelona. Junto con Lluís Millet fundó el Orfeó Català en 1891, para el que compuso numerosas canciones originales, como L'emigrant o La balanguera, y transcripciones de música popular.

Algunas de sus obras fueron Don Lucas del Cigarral (1899), La balada de la luz (1900), Bohemios (1903), El húsar de la guardia (1904), La gatita blanca (1905), Maruxa (1914) -transformada en ópera en 1915-, Balada de Carnaval (1919), Doña Francisquita (1923) y La villana. Como compositor de canciones: Canciones epigramáticas, sobre textos de clásicos del Siglo de Oro (1916) y obras corales como L'emigrant (1890, con texto de Jacinto Verdaguer) y Follies i paisatges (1928). También compuso operetas como La Generala.

FEDERICO MOMPOU

Frederic Mompou i Dancausse, también Federico Mompou (Barcelona, 16 de abril de 1893 - 30 de junio de 1987), fue un compositor español, conocido principalmente por sus composiciones para piano solo.


Mompou nació en Barcelona en 1893, de padre catalán y madre de ascendencia francesa. Estudió piano en el Conservatorio del Liceu de Barcelona, y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años. En 1909, escuchó a Gabriel Fauré interpretar su Quinteto op. 59 y quedó tan impresionado que decidió ser compositor. Con una recomendación de Enrique Granados fue a París en 1911 para estudiar piano junto a Isidor Philipp y Ferdinand Motte Lacroix y armonía con Marcel Samuel Rousseau. Ese mismo año, compuso su primera pieza para piano.

En 1914 regresó a Barcelona, huyendo de la Primera Guerra Mundial. Publicó entonces sus primeras obras para piano (Impresiones íntimas, Scènes d'enfants...) y su primera canción, L'hora grisa, guiado por un ideal estético claro: la máxima expresión con los mínimos medios.

Regresó a la capital francesa en 1921 para huir de nuevo en 1941 tras la ocupación alemana. Durante su segunda estancia en París, el crítico Émile Vuillermoz publicó un artículo elogioso sobre Mompou que dotó a éste de una celebridad inesperada. Gracias a ella, tuvo ocasión de tratar a los principales compositores franceses de la época. Datan de entonces varias obras para piano (Dialogues) y canciones (Cançoneta incerta).

De regreso en España, siguió componiendo música para piano y canciones. Durante un concurso de piano, conoció a la pianista Carmen Bravo, de cuya interpretación de Schumann quedó prendado, y en 1957 contrajeron matrimonio. En 1964, hizo una incursión en la música sacra con el oratorio Los improperios.

Fue miembro de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi y Premio Nacional de Música de España. En 1978 una hemorragia cerebral le obligó a abandonar la composición. Falleció en 1987 a la edad de 94 años.

MARIO LANZA


Alfredo Arnoldo Cocozza, conocido como Mario Lanza, (Filadelfia, Estados Unidos, 31 de enero de 1921 — Roma, Italia, 7 de octubre de 1959), tenor y actor estadounidense. Alfredo Arnold Cocozza nació en 1921 en Filadelfia. Sus padres eran inmigrantes italianos. Su madre, María Lanza, tenia una hermosa voz, pero no pudo estar en los escenarios porque su padre no se lo permitió.

El padre de Alfredo, Antonio Cocozza, fue un héroe de la I Guerra Mundial. A los cinco años, Alfredo mostró un gran interés en la vieja Vitrola (gramola con motor a cuerda) familiar.

A los dieciséis años, anunció su intención de convertirse en cantante. Su madre, entusiasmada con el sueño que no había podido cumplir, le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky, que quedó tan impresionado con su voz que le garantizó una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, con el apellido de su madre, quien no pudo cantar.

En el Festival de Música de Berkshire hizo su debut, en la obra Las alegres comadres de Windsor. Su carrera operística fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, cuando fue asignado a los Servicios Especiales de la Fuerza Aérea Estadounidense. Retomó su carrera de cantante en octubre de 1945 en un programa de la cadena radial CBS denominado Great Moments in Music (Grandes momentos de la música), donde hizo seis apariciones cantando música operística. Más tarde estudió bajo la dirección de Enrico Rosati por quince meses.

Posteriormente, inició una extensa gira de 86 conciertos en los Estados Unidos, Canadá y México entre julio de 1947 y mayo de 1948. A raíz de un concierto en el Hollywood Bowl su talento llamó la atención del ejecutivo y fundador de la cinematográfica MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), Louis B. Mayer, quien hizo firmar a Lanza un contrato cinematográfico de siete años de duración.

Al mismo tiempo que iniciaba su carrera cinematográfica, realizó sus primeras grabaciones comerciales para RCA Victor. Las primeras cintas que protagonizó, That Midnight Kiss y The Toast of New Orleans, fueron tan exitosas como su carrera discográfica, lo que incrementó enormemente su fama. En 1951, Lanza encarnó al tenor italiano Enrico Caruso en la cinta The Great Caruso (El gran Caruso), que obtuvo un resonante éxito. Simultáneamente, su popularidad expuso a Lanza a intensas criticas de algunos expertos, incluyendo a aquellos que habían apostado por su trabajo en sus años iniciales.

GLORIA SANCHEZ

GRANDES VALSES RUSOS


jueves, 29 de julio de 2010

PARA ADELA

HUGO DEL CARRIL

Hugo del Carril (Buenos Aires, 30 de noviembre de 1912, 13 de agosto de 1989), cuyo nombre real era Piero Bruno Hugo Fontana fue un productor, director de cine, actor, guionista y cantante argentino.

Hugo del Carril en Las aguas bajan turbias (1952).Hugo del Carril nació en el barrio de Flores, en la casa ubicada en San Pedrito 256. Sus padres, italianos de acomodada posición económica, fueron Orsolina Bertani (nacida en Argentina) y Hugo Fontana (nacido en Milán y de profesión arquitecto).

Cuando del Carril aún era un niño, sus padres se separaron y el pequeño quedó a cargo de una familia amiga formada por Francisco y Alina Fauré. «Yo fui abandonado por mis padres cuando tenía dos años y nunca los perdoné —decía con pesar, años después—. Me crié de casa en casa, rodando. Pero después cuando mis padres estuvieron mal, los cuidé hasta que murieron. Eso sí, jamas fui a visitar su tumba porque nunca los perdoné. Yo soy así».

Cursó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Mariano Moreno, de donde fue expulsado por sus continuas inasistencias. Es que se iba a un bar de las calles Culpina y Provincias Unidas, donde concurría gente del ambiente artístico, deseoso de probarse como cantor.

En 1927 y con apenas 15 años realizó una de sus primeras presentaciones con los Hermanos Leguizamón, bajo el seudónimo de Pierrot. Mientras, y para mantenerse, trabajó como operario en una fábrica de jabón y en una cristalería. También usó el seudónimo Alejo Pacheco Ramos. A la par incursionó como locutor radial y «estribillista» (cantante de segunda categoría, en las décadas de 1920 y 1930, que sólo cantaba el estribillo de cada tango, que se tocaba todo instrumental).

LIGIA MAYO

ESTELITA DEL LLANO

MARIA DE LOS ANGELES DE LOYA

CHELO SILVA

martes, 27 de julio de 2010

JULIA PALMA

JULITA ROSS


Julita Ross (21 marzo 1919-29 junio 1981) fue un cantante de danzas de Puerto Rico, también conocida como "La Gran Dama de la Danzas".


Ross nació en Arecibo, Puerto Rico. Sus padres Ramón y Clemencia se trasladó a la sección de Santurce de San Juan en 1923. Ross recibió su educación primaria y secundaria y se graduó de la Escuela Superior Central de Santurce. En 1940, se unió a un grupo de cantantes artística que había un programa llamado "Industrias Nativas" (nativos de Industrias) y que fue transmitido por la estación de radio "WIAC", hasta 1945.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ross entretuvieron a las tropas con su voz en "muestra la USO (United Service Organizations). Después de una gira con la USO, Ross fue a Nueva York, donde actuó en muchos teatros hispanos, entre ellos "El Teatro Puerto Rico". Ella también fue escuchada en las estaciones de radio "WWRL" .

DUO PEREZ RODRIGUEZ

Luis Felipe Rodríguez, mejor conocido como “La Voz” , (8 de mayo de 1926 – 26 de mayo de 1999) Caguas, Puerto Rico, era un cantante de Puerto Rico. Adquirió mucha popularidad en los años 50 .

Rodríguez nació en el municipio de Caguas, Puerto Rico. Su padre murió antes de que él naciera y tuvo una niñez difícil . En 1930, se mudó con su madre al Barrio Obrero en Santurce, un distrito popular de San Juan. Allí Rodríguez fue a la escuela y practicó sus habilidades para el canto durante su tiempo libre.

Tiempo más tarde, Julito Rodríguez, otro cantante del bolero, lo escuchó cantar y lo invitó a formar un dúo. Más adelante, formaron el trío llamado “Los Romanceros” con el que participó en el programa de radio para aficionados ” Tribuna del Arte” , producido por Rafael Quiñones Vidal.  En 1950, Rodríguez dejó el trío y emprendió otros proyectos, como la formación del ” Trío Los Antares”, el “Dúo Pérez-Rodríguez” (con su entonces esposa, relación profesional que continuó después de su divorcio) y su carrera de solista. Por esa época, el anunciador de radio Mariano Artau de Puerto Rica le dio el apodo,La Voz, que permancería con él para el resto de su vida. En 1952, grabó canciones que se convirtieron en éxitos como " La última copa, Golondrina viajera,Esta Navidad y Los Reyes no llegaron, conmovedora canción de Navidad escrita por Esteban Taronjí

TRIO COLOMBIA

EMILIO MURILLO (PIANISTA COLOMBIANO)

JAIME LLANOS GONZALEZ y MUSICA ANDINA COLOMBIANA

Jaime Llano González. Compositor y músico colombiano (n. Titiribí, Departamento de Antioquia, Colombia, 5 de julio de 1932). Es uno de los organistas más destacados del país en el siglo XX.

Nació en Titiribí, departamento de Antioquia, Colombia, el 5 de julio de 1932. Intérprete de música popular, fundamentalmente al órgano. Se caracterizó por saber llegar con el espíritu de su música a todos los rincones de Colombia, debutando permanentemente con sus interpretaciones, y por no haber tenido prácticamente ninguna competencia en su profesión.

Su particular estilo marcó toda una época en la radio y especialmente en la televisión colombiana, hasta que en este último medio la música preferida de Llano González fue relegada a un segundo plano. El maestro era esencialmente "bambuquero", o intérprete de bambucos, su género preferido.

TRIOS DE COLOMBIA

VICTOR H AYALA

ALBERTO GOMEZ Y GOMEZ

CARLOS ACUÑA



Carlos Ernesto Di Loreto (4 de noviembre de 1915, Buenos Aires, Argentina - 19 de febrero de 1999, Buenos Aires, Argentina), más conocido como Carlos Acuña, fue un cantante y compositor argentino que desarrolló una importante carrera en España, donde fue considerado "el otro Gardel". Actuó con las orquestas de Rodolfo Biagi y Mariano Mores, y se destacó como solista. Recorrió 36 países y compuso 250 temas.

Estudió canto con el maestro Ricardo Domínguez, ex tenor del Teatro Colón y con Eduardo Bonessi, quien había sido el profesor de Carlos Gardel. Debutó en Radio París, en 1933, usando el seudónimo Carlos Dillon, compartiendo las audiciones con Ignacio Corsini y Tita Galatro, entre otros. A los tres meses pasó a LR9 Radio Fénix contando con tan solo 18 años. Fue integrante del conjunto humorístico-musical Los Bohemios. Luego diseñó con un amigo suyo su seudónimo definitivo (Acuña) ya que el anterior era inglés. En 1939 actuó en cinco importantes radios de la ciudad de Buenos Aires acompañado por los guitarristas Canataro y Pedretti.

Luego continuó en las orquestas de Tito Ribero, Mario Rocha y Jerónimo Bongioni y en 1940, fue contratado por Ernesto de la Cruz para integrar su sexteto. Un año después, en 1941 el músico Carlos Di Sarli, al escucharlo, le realizó una pruba, en la cual fue aceptado y debutó formando rubro vocal con Roberto Rufino. Con ésta se presentó con un éxito rotundo en Radio El Mundo, giras por el interior y en el cabaret "Marabú". El 2 de agosto de ese mismo año grabó su único registro con Di Sarli para el sello de RCA Víctor, que contenía el tango Cuando el amor muere, de Alfredo Malerba y Héctor Marcó.

Desvinculado de Di Sarli, a fines de 1942, volvió al sexteto de Ernesto de la Cruz, para debutar por Radio El Mundo junto con la cancionista Alba Sabino. Ese año fue contratado por Rodolfo Biagi, debutó en Radio Splendid junto al cantor Alberto Amor y gracias al éxito obtenido, la emisora organizó una gira por el interior del país. Con aquella orquesta continuó hasta 1944, dejando en el disco 12 obras.

AGUSTIN MAGALDI



Agustín Magaldi Coviello (n. Rosario; 1º de diciembre de 1898 - † Buenos Aires, 8 de septiembre de 1938) fue un eximio músico, compositor y cantor de tango argentino. El hogar de Agustín lo componía su madre, viuda dos veces, y sus hermanos Blas, Pascual, Emilio y Cristina. En su casa eran afectos a la música lírica, y así pudo germinar en el pequeño Agustín, el apego por la canción, dado que permanentemente se escuchaba en su hogar, los discos de los tenores italianos, Titta Rufo, y Enrico Caruso.

Apodado La voz sentimental de Buenos Aires, contemporáneo a Ignacio Corsini y a Carlos Gardel, forma parte de la canción popular en su apogeo de la década de 1930. Se dice que en Junín conoció a Eva Duarte, futura esposa de Juan Domingo Perón, de quien fue amigo de infancia

HUGO AVENDAÑO



Hugo Avendaño Espinoza (*Tuxpan, Veracruz, México, 8 de marzo de 1927 - †México, D. F., 5 de enero de 1998) fue un barítono y actor mexicano.El primer Barítono de America, famoso y reconocido mexicano a nivel mundial y uno de los maximos exponentes de la música lírica y popular romántica mexicana.

Fue estudiante de la Facultad de Medicina de la UNAM., pero abandonó la carrera de Medicina para estudiar canto en la tesitura de barítono ligero. Inicio sus estudios con lecciones de técnica vocal en la prestigiada Academia de Canto del maestro José Pierson, quien también fue maestro de canto de figuras como José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado, Fanny Anitúa, Jorge Negrete, Pedro Vargas, Ramón Vinay, José Sosa Esquivel. Posteriormente con maestros particulares como Rodriguez, Morelli, Rosette, despues en Nueva York en la Metropolitan Opera House con Dietch y Kimball, maestros del tambien gran baritono Leonard Warren. En 1950 debutó en el Palacio de Bellas Artes de México, interpretando el papel de Amonasro en la ópera de Giuseppe Verdi, Aida. Participó en varias temporadas de ópera en la Ciudad de México, Guadalajara, Monterrey y Veracruz. En su repertorio figuraron óperas como Rigoletto, Il trovatore o La Traviata, de Verdi, Pagliacci que incluye Fausto, Un Ballo In Maschera, Tosca, Carmen de Bizet y Madame Butterfly de Puccini, compartiendo escenario con la eximia soprano Betty Fabila, además de presentaciones en conciertos con sinfónicas con obras de Darius Milhaud, Carmina Burana, entre otras. Gano el certamen del Gran Caruso, donde viajo a Brasil y obtuvo el premio para cantar al aire en la Metropolitan Opera House de Nueva York, con el reconocimiento del gran barítono Leonard Warren.

Su estilo popular romántico y su dominio de varios géneros musicales lo llevó a presentarse con gran aceptación en varios países de Latinoamérica,Centroamérica y Estados Unidos recibiendo a su vez varios reconocimientos.Ganó varios premios y condecoraciones en Europa, Centro y Sudamérica y EE.UU.

MARIA ELENA SANDOVAL

María Elena Sandoval Valdovinos (1940), nació en Cotija, Michoacán, fue conocida como "La mística de la canción" y fue de las primeras boleristas mexicanas con toque ranchero y una de las voces femeninas mas bellas de México, sin embargo como suele suceder con la mayoría de los intérpretes de la Música Popular Mexicana, es escasa la información y datos biográficos y prácticamente nula la difusión de su legado en los medios electrónicos; cuando menos aquí en México.

EVA GARZA



Eva Garza (1917-1966), de sus cuarenta y ocho años de vida dedicó treinta y dos a su vocación y profesión, distinguiéndose desde muy joven por lo cálido del timbre de su voz, por su temperamento sentimental para intepretar y por su gran versatilidad pues lo mismo cantaba boleros románticos, que canciones rancheras, corridos bravíos, música tropical, que temas modernos; grabó en casi todas las marcas disqueras nacionales, unos doscientos temas; actuó en todo tipo de escenarios en México y el extranjero, recorriendo gran parte de la Unión Americana, todo Centro y Sudamérica, Las Antillas y El Caribe; fue unas de las reinas de la radio en la época de oro de la XEW, de la cual surgió a la popularidad y fue proclamada en Brasil, Argentina y Cuba, como la artista del año en 1940 y 1946.


Contrajo matrimonio con Felipe "El Charro" Gil (de El Charro Gil y sus Caporales) el 31 de diciembre de 1939, del cuál se separó en 1953. Producto de ésta unión tuvo 2 hijos, Rosemary y Felipe Bojalil Gil Garza, quien se diera a conocer en el ambiente artístico con el nombre de Fabricio.

Fue honrada por Mussart Records como "La voz mas bella de América".  Muere el 1° de noviembre de 1966 en Tucson, Arizona, USA.

DORA MARIA

HUGO ROMANI

Hugo Romani a los 18 años comenzó a cantar en su ciudad natal, Mendoza -Argentina- Hugo Romani, un bolerista de estirpe, llevó su arte por todo Latinoamérica, para triunfar después en Japón y en distintos países europeos. Después, en 1958 dejó de cantar para dedicarse a la producción de televisión y a la contratación de artistas.

Hoy a sus 86 años su gran inquietud y amor por el canto, lo han llevado nuevamente a grabar un disco.-"Moriría si me quedo quieto, por eso sigo grabando".. "La esencia del bolero es la misma y siempre estará vigente, aunque pasen los años.-

.."Fue una de las voces más románticas que tuvo el Bolero en Argentina.. Trascendió por la suavidad de su voz, su perfecta afinación y el estilo tan dulce con el que interpretaba las canciones de amor. Casi todas las que grabó y que hasta nosotros llegaron, fueron éxito y continúan siendo parte indispensable del repertorio romántico del que hoy seguimos cantando"

LOS MEJORES RECUERDOS COMERCIALES

Recuerdan ustedes los viejos anuncios comerciales de Coca Cola, Pepsy otros productos de aquellas epocas? veamos algunos.

lunes, 26 de julio de 2010

KRS-ONE

El hip hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip hop, por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).

domingo, 25 de julio de 2010

TOMAS LUIS DE VICTORIA

Tomás Luis de Victoria (Ávila, h. 1548 - Madrid, 1611) fue un compositor y maestro de capilla, el más célebre polifonista del Renacimiento español.

Era el séptimo hijo de los once que llegarían a tener Francisca Suárez de la Concha y Francisco Luis de Victoria, quien murió cuando el compositor tenía tan solo nueve años. En 1558, se convirtió en niño cantor de la catedral de Ávila. Allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano, contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado bajo la dirección de los maestros Jerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera, Juan Navarro y Hernando de Isasi hasta los dieciocho años (1566).

Al año siguiente viajó a Roma e ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas, donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, maestro de capilla e instructor de canto y música del cercano Seminario Romano, de quien tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones, para perfeccionar y aprender más sobre sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.

En 1573 sucedió a Palestrina en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum. En el año 1575 recibió la ordenación sacerdotal, y tres años más tarde, en el año 1578, ingresó en la Congregación del Oratorio, fundada por Felipe Neri, el sacerdote italiano y futuro santo.

En 1586 fue nombrado capellán y maestro de coro del Real Convento de las Clarisas Descalzas en Madrid, donde vivía retirada la hija de Carlos I, la emperatriz María de Austria (viuda del emperador Maximiliano II de Austria y hermana de Felipe II), por lo que dejó Roma para trasladarse a su país natal. Durante los años que ocupó este cargo, Victoria compuso pocas obras: solo dos nuevas ediciones de misas y el Officium defunctorum a seis voces. Aunque durante esta época recibió ofertas de importantes catedrales españolas, las rechazó todas. Regresó a Roma en 1592 para publicar su Missae, liber secundus. Dos años después asistió a los funerales de Palestrina, y en 1595 regresó definitivamente a España, donde falleció en 1611 en Madrid.

GIOVANI PERGOLESSI

Giovanni Battista Pergolesi (Jesi, 4 de enero de 1710 - Pozzuoli, 16 de marzo de 1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco.

Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .

Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.

RUDOLF NUREYEV

Rudolf Xämät ulı Nuriev, también conocido como Rudolf Jamétovich Nuréyev (nótese que su nombre es rudólf, no rúdolf) (en cirílico Рудольф Хаметович Нуреев) (17 de marzo de 1938 - 6 de enero de 1993) era un bailarín clásico nacido en Rusia, nombrado por muchos críticos como el mejor bailarín del siglo XX, y posiblemente el mejor que jamás ha existido.

Nació en un tren cerca de Irkutsk, mientras su madre realizaba un viaje desde Siberia a Vladivostok, donde su padre, un comisario del Ejército Rojo de origen tártaro, estaba destinado. Creció en un pueblo cerca de Ufá, en la República de Bashkortostán. De niño fue alentado a bailar danzas folclóricas bashkirias, siendo un bailarín precozmente destacado.

Debido a la interrupción de la vida multi cultural soviética causada por la Segunda Guerra Mundial, Nuréyev no pudo comenzar sus estudios en una buena escuela de ballet hasta 1955, cuando fue enviado al Instituto Coreográfico de Vaganova, dependiente del Ballet Kirov en Leningrado. A pesar de su comienzo tardío, fue pronto reconocido como el bailarín con más talento que la escuela hubiera visto en muchos años. Su temperamento era extremadamente difícil y ello se achaca, fundamentalmente, a que sus problemas personales estaban fuertemente vinculados a los conflictos internos respecto a su propia sexualidad, lo que se hace más evidente si se mira hacia atrás.

Al cabo de dos años Nuréyev ya era uno de los bailarines rusos más conocidos, en un país donde el ballet era venerado y donde se convertía a los bailarines en héroes nacionales. Poco después ya gozaba del privilegio excepcional de poder viajar fuera de la Unión Soviética, como cuando bailó en Viena en el Festival Internacional de la Juventud. No mucho después, debido a su conducta, no se le volvió a permitir viajar al extranjero, limitando sus actuaciones a giras por las provincias rusas.

En 1961 su vida cambió. El principal bailarín del Kirov, Konstantin Sergeyev, sufrió un accidente y Nuréyev fue elegido para sustituirle en París. Allí, su actuación impresionó al público y a la crítica. Pero Nuréyev rompió las reglas en cuanto a asociarse con extranjeros. Al darse cuenta de que probablemente no se le volvería a permitir viajar fuera de la Unión Soviética después de esta ocasión, el 17 de junio de dicho año no se presentó en el aeropuerto de París para regresar a su país. Tras este episodio nunca más volvió a pisar suelo ruso.

HANZ PFITZNER


LO MEJOR DE NORUEGA


TANGOS CON LAS MEJORES ORQUESTAS


CECILIA BARTOLI



ROBERTO POLI


ORQUESTA DE MIGUEL CALO


DUKE ELLINGTON

Edward Kennedy "Duke" Ellington (Washington D.C., 29 de abril de 1899 - Nueva York, 24 de mayo de 1974), Duke Ellington, compositor, director y pianista estadounidense de jazz. Está considerado, según la crítica, como uno de los más importantes e influyentes compositores de jazz de la historia, junto a Louis Armstrong y Charlie Parker. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington pudo llegar a escribir unas 2.000 piezas musicales durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de papel luego perdidos son incontables, pudiéndose elevar la estimación total de obras compuestas incluso hasta 5.000 piezas.

ADALBERTO ALVAREZ Y SU SON


NELO SOSA Y SU CONJUNTO COLONIAL


ORQUESTA CHAPOTIN



LOS VAN VAN


ELIO REVÈ


ARIZA Y SU COMBO


EMIR BOSCAN


SUPER COMBO LOS TROPICALES


Russian National Orchestra



SERGEI LEMESHEV


Royal Concertgebouw Orchestra

La Orquesta Real del Concertgebouw (en holandés:Koninklijk Concertgebouworkest, KCO) es la orquesta sinfónica más conocida y respetada de Holanda, y es generalmente considerada como una de las mejores del mundo. Se llama así por el Concertgebouw ("sala de conciertos" en holandés) de Ámsterdam en el que ofrece sus presentaciones. El título "Real" fue conferido a partir de 1988 por la reina Beatriz.

El Concertgebouw abrió el 11 de abril de 1888. La KCO, sin embargo, no fue fundada sino un poco más tarde. Dio su primer concierto en el Concertgebouw el 3 de noviembre de 1888 bajo la dirección del director principal en sus primeros siete años, Willem Kes.

En 1895, Willem Mengelberg se convirtió en el conductor principal y permaneció en tal puesto con la organización durante cincuenta años, una permanencia inusualmente prolongada para un director musical. (Otras largas estadías son las de Evgeny Mravinsky en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, Ernest Ansermet en la Orchestre de la Suisse Romande, y la de Eugene Ormandy en la Orquesta de Filadelfia). Generalmente se le atribuye el haber conducido a la orquesta a un nivel de mayor significado internacional, con un particular apoyo a la música de compositores contemporáneos como Gustav Mahler y Richard Strauss. En 1945, debido a la controversia por su relación con las fuerzas ocupantes nazis durante la ocupación de Holanda durante la Segunda Guerra Mundial, Mengelberg fue despedido de la dirección principal, y se le prohibió dirigir, inicialmente por el resto de su vida, pero entonces por un reducido periodo de seis años, aplicados retroactivamente en 1945. Mengelberg murió en 1951 poco antes de expirar su exilio, de tal modo que no volvió a dirigir la orquesta después de 1945.

Entre 1945 y 1959, el director principal de la orquesta fue Eduard van Beinum, quien debutó con el connjunto en 1929. Se convirtió en el segundo director de la KCO en 1931, y co-director principal en 1938. Una de sus especialidades fueron las sinfonías de Anton Bruckner, y Van Beinum realizó grabaciones comerciales de las Sinfonía nº 8 y nº 9 para el sello Philips. Van Beinum sirvió como director principal de la orquesta después de la Segunda Guerra Mundial hasta su repentina muerte en el podio del Concertgebouw de un fatal ataque cardíaco en abril de 1959.

Bernard Haitink, cuyo debut con la KCO tuvo lugar el 7 de noviembre de 1956, junto a Eugen Jochum compartieron el rol de directores principales después de la muerte de Van Beinum. Haitink se convirtió en único director principal en 1963 (algunas reseñas dicen que fue en 1964) de la orquesta hasta 1988. El número de grabaciones discográficas aumentó considerablemente bajo la dirección de Haitink, editadas en su mayoría por Philips, además de EMI y Columbia (posteriormente Sony). En 1999, fue nombrado Director Laureado de la KCO.

Riccardo Chailly hizo su debut con la orquesta del Concertgebouw en 1985, y sirvió como director principal desde 1988 hasta 2004, como el primer no-holandés que tuvo el puesto. Sus grabaciones con la orquesta incluye un ciclo completo de las sinfonías de Mahler y las obras orquestales de Edgard Varèse. Después de su partida en 2004, Chailly fue nombrado Director Emérito de la KCO. En 2004, fue sucedido por el director letón Mariss Jansons.

La orquesta gozó de una relación muy cercana con Gustav Mahler y difundió muchas de sus sinfonías, con un festival especialmente valioso de su música siendo el Festival Mahler 1920. Otros directores que han trabajado estrechamente con la orquesta son Pierre Monteux y George Szell. Más recientemente, Nikolaus Harnoncourt fue nombrado Director Invitado Honorario de la KCO en 2000

MUSICA DE LOS MEJORES CIRCOS DEL MUNDO


FEST UND TREU


MARIACHI MENCEY AZTECA


LEX BAXTER


LOS OJEDA

PEDRO, MINO, MATEO, hoy llevan sus melodías por distintos lugares del mundo, en la actualidad cuentan con 9 obras discográficas, el primero AMOR Y PAZ compuestos por polkas Paraguayas, el segundo SI ALGUNA VEZ grabada por “LO Producciones”, el tercero CONFRATERNIDAD, que tuvo la participación de renombrados músicos nacionales como Feliz de Ypacarai, Marcelo Rojas, Félix Orrego.

El cuarto disco fue el comienzo de un cambio importante para LOS OJEDA ya que fue grabado por la SONY MUSIC de Argentina que los llevo a recibir su primer disco de ORO con la música “ESTA MUJER” compuesta por Mateo Ojeda, ubicándose en primer lugar en las principales emisoras de nuestro País. Así, se cumplía uno de los tantos sueños que tenia el grupo LOS OJEDA, el quinto material denominado PENSAMIENTO grabado también por la SONY MUSIC volvió a reconfirmar el éxito de LOS OJEDA volviendo a recibir el disco de ORO con la música que llego al corazón de los Paraguayos TIRITAS DEL CORAZON, llegando a ocupar durante un largo periodo el primer lugar dentro de las emisoras siendo hasta hoy día un gran éxito. El sexto material POR EL MISMO CAMINO, lanzado en el 2002 fue grabado en el Brasil bajo la producción de “Los Castillos” acompañados por la orquesta sinfónica de Campinhas, ciudad de grandes artistas brasileros. El séptimo material fue creado para promocionar un nuevo sueño conquistar el mercado brasileño así nació AO VIVO con una recopilación de los grandes éxitos de LOS OJEDA traducidas al portugués además incluyendo temas internacionales, este material les llevó a LOS OJEDA a trabajar en el vecino país.

LOS OJEDA, gracias a estos trabajos realizados durante su trayectoria fueron reconocidos obteniendo innumerables premios durante estos 13 años de éxito en donde resultaron declarados ciudadanos ilustres por la Municipalidad de Fernando de la Mora; han sido premiados con la estatuilla LUIS ALBERTO DEL PARANA en los años 1999, 2001 y 2002 así como también ÑANDUTI DE ORO en el Festival de Ñandutí de la ciudad de Itaugua y en el Festival de Ypacarai RECUERDOS DE YPACARAI y otros tantos

ROY ETZEL


FRANK CHACKSFIELD


AUGUSTO ALGUERO


MAS DE VICENTICO VALDES


ORQUESTA MARBELLA


FAUSTO PAPETTI

Fausto Papetti (*Viggiù, Italia, 28 de enero de 1923 - † San Remo, Italia, 15 de junio de 1999). Músico internacional, inicia su carrera artística a finales de 1957. Empleando en sus grabaciones Saxofón y Clarinete.

Inicia su carrera artística a finales de 1957, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara. Al abandonar el grupo en 1959, firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio, empleando en sus grabaciones solos de saxofón alto y clarinete, instrumentos que ejecutaba con gran maestría, pero siendo más apasionado del primero, por lo que se le llegó a llamar el mito del saxo confidencial. Se llegó a decir que las portadas de sus álbumes fueron más famosas que sus grandes interpretaciones, ya que tomó por costumbre que en cada producción apareciese una bella mujer, con poses insinuantes, maravillosos cuerpos y auténticas beldades, pues se trataba de verdaderas modelos que se escogían para aparecer en esas grandiosas, coloridas y maravillosas portadas, en muy pocas salía el artista.

Deleitó varias generaciones con las coloridas, dulces y enamoradas notas de su saxo, por eso los amantes de la música instrumental, con certeza recordarán a éste particular músico, tanto por su exquisitas interpretaciones, como por las sensuales portadas de sus discos, que en aquellos años eran escandalosas, ya que el pudor era lo que privaba entre toda la sociedad americana y europea. Se especulaba casi con sorna que ver la carátula de un disco de Papetti era una de las pocas oportunidades en que los jóvenes tenían para ver el cuerpo al natural de una bellísima mujer. El músico resaltando lo que es la parte musical, tuvo la especial virtud de que recorrió incontables estilos con sus instrumentos y jamás, puede decirse, que se equivocó en las selecciones que hacía, puesto que cada disco se enfocaba en una forma de hacer música especial, convirtiéndose en piezas de colección.

Como no logramos dar con una biografía más o menos aceptable de este extraordinario músico, para completar su semblanza biográfica, se escoge esta reseña, que es por demás simpática y muy elocuente: “No hay portada de Fausto Papetti que no haya engolosinado mis años mozos, ésos en los que medio centenar de tentaciones revoloteaban el sentido común y anulaban toda posibilidad de que la inteligencia, caso de que alguna allí anduviera, tomara parte en el combate".

Anulado por esa iconografía concupiscible, imaginaba que el futuro sería un solo largo de saxo con un ejército de violines tutelando mi ingreso en el reino de lo carnal. Pensaba que la felicidad consistía en ver desfilar jacas de Ipanema tímidamente vestidas, dúctiles amazonas de mi delirio adolescente. Ya se sabe: en esas edades, el pecado sucede siempre en las novelas y en las películas, pero de vez en cuando hay ocasiones en las que está tan a mano pecar que no se puede hacer otra cosa.

Al menos en esos años. Algunos o muchos después, la realidad busca a Kafka y regala fiebres y migrañas y letras de automóvil y tal vez algún quebranto en lo político, pero cuando el azar te regala una portada de un disco de Fausto Papetti se renueva el caudal de afectos, la sensibilidad adormecida y desaparece de cuajo la angustia existencial, el peso formidable de la injusticia que te impide conciliar el júbilo familiar y eso tan vago que consiste en la armonía del cosmos. El cosmos está herido: lo hiere la barbarie canalla de los extremismos y la falta de luces de unos y de otros. El cosmos, aunque ahora Marte invite a pensar en cabalgadas siderales y en franquicias del Hilton exquisitamente diseñadas por marcianos, descarrila sin que ninguna brida firme lo frene en seco.

A Fernando Pessoa, al que he vuelto este verano, se habría sentido identificado con este mejunje moral de facciones antagonistas que comparte, en el fondo, idéntica pasión por los mismos placeres: suficiente ancho de banda, protagonismo mediático, palomitas a las diez cuando el cine apaga las luces de la realidad y el proyectista acciona el play de los sueños.

ANDRE ORCHESTRA


MICHEL LEGRAND

Michel Jean Legrand (*París, 24 de febrero de 1932) es un compositor y cantante francés, compuso la música de más de 200 películas y fue tres veces ganador del Oscar de la Academia de Hollywood. Hijo del compositor Raymond Legrand y hermano de la cantante Christiane Legrand.

Desde los 10 a los 21 años estudió en el Conservatorio de Música de París; después estudió siete años con Nadia Boulanger. Sus inclinaciones musicales lo llevaron siempre a escribir las letras de sus canciones e incluso a interpretarlas.

Tras el éxito de su primer álbum Amo a París, trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis y John Coltrane en su siguiente álbum Legrand jazz. Cuando comenzó a trabajar en música para filmes, obtuvo un gran éxito, ya que no sólo componía canciones pegadizas sino que componía material orquestal de un fuerte sentido lírico.

Su más conocido trabajo es Los paraguas de Cherburgo de 1963, un clásico del cine musical europeo y la primera película completamente cantada y protagonizada por la joven Catherine Deneuve. Asimismo en Las señoritas de Rochefort de 1965. Mucha de su música estaba destinada a películas francesas (como las del director Jean-Luc Godard), aunque también se implicó en la producción de películas estadounidenses, como The Thomas Crown affair (con su conocido tema The Windmills of your mind, 'los molinos de viento de tu mente'), Verano del 42 y Yentl.

En la década de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Björk, Ray Charles, Diana Ross y otros, trabajando también con cantantes de ópera como Jessye Norman, Kiri Te Kanawa y Natalie Dessay.

Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco oportunidades.

BILLY MAY


MANTOVANI

Annunzio Paolo Mantovani (Venecia, 15 de noviembre de 1905 — Tunbridge Wells, Kent, 29 de marzo de 1980) fue compositor y director de música ligera italiano.

De origen italiano, triunfó en el mundo musical londinense gracias a sus actuaciones en el Queen's Hall y el Wigmore Hall, así como ejerciendo de director en la orquesta del Metropole Hotel.

A finales de la década de los treinta creó su propia orquesta y se hizo famoso por su particular y almibarado estilo, que posteriormente le valdría ser el número uno en los hit-parades, siendo el primer autor cuyas ventas llegaron a sobrepasar el millón de discos estereofónicos.

USULA INTERNACIONAL


ALGO DE XATRUCH (HONDURAS)


RITCHIE VALENS

Ritchie Valens, nacido, Ricardo Esteban Valenzuela Reyes. Fue un cantautor y guitarrista de origen mexicano nacido en Estados Unidos. Un pionero del rock and roll y un precursor del movimiento chicano de rock, la carrera de Valens sólo duró ocho meses. Durante este tiempo, sin embargo, se anotó varios éxitos, en particular, "La Bamba", que originalmente es una canción popular mexicana de son jarocho que Valens transformo con un ritmo de rock y convirtió en un éxito en 1958, haciendo de Valens un pionero del movimiento de rock and roll de habla hispana.

El 3 de febrero de 1959, en lo que se conoce como El Día que Murió la Música, Valens murió en un accidente de avión en Iowa, un evento que cobró la vida de los también músicos Buddy Holly y J.P "El Big Bopper" Richardson.

CHRIS MONTEZ

Chris Montez apodo artistico de CRISTOPHER MONTAÑEZ, nació en Los Ángeles, California, el 17 de enero de 1943 y creció en la ciudad de Hawthorne. Fue influenciado por sus raíces hispanas y el éxito de Ritchie Valens en el Rock and Roll. La música fue parte integral en su vida familiar y Chris comenzó cantando rancheras con sus hermanos mayores cuando era niño. Ellos le enseñaron a tocar la guitarra y él cantaba en las partes que se requería notas altas. Cuando Chris ganó confianza en sí y su voz maduró, empezó a ser la voz principal. Sus tiernos años en la secundaria de Hawthorne transcurrieron con la imagen del chico latino, pero luego debido a su ambición musical, Chris cambió su estilo ya que tenía metas que alcanzar. Formó parte de una banda y grabó sus propias canciones originales que llamaron la atención de los ejecutivos de Monogram Records. "All You had To Do Was tell Me" llegó a ser un hit local.

En 1962, el single de Chris "Let's dance" alcanzó el número 1 del top 10. Salió de gira con Clyde McPhatter, Sam Cooke, The Platters y Smokey Robinson. En 1963, estando en Liverpool con Tommy Roe, su acto de presentación fue con un entonces nuevo grupo inglés, The Beatles. Tras tres años de giras, Chris regresaba a su ciudad natal en 1965 para completar sus estudios y unirse a A & M. Herb Alpert anduvo por una de las primeras presentaciones de Chris y sugirió que el debía intentar con las baladas suaves. Los instintos de Alpert no fueron erróneos y los éxitos como "The More I See You", "There Will Never Be Another You", "Call Me" y "Time After Time" continuaron en una rápida sucesión.

En noviembre de 1972, una sorpresa: el single "Loco por ti" (Crazy about you) alcanzó relativa popularidad en Brasil y el disco compacto tuvo ventas razonables. Mientras el Rock británico y el psicodélico invadían los Estados Unidos, Chris abandonaba A & M firmando luego para CBS International y así obtuvo éxitos fuera de EE.UU., lo cual lo estableció firmemente como una estrella internacional. Grabó canciones en inglés y español que luego llegaron a se éxitos en Austria, Alemania, y Holanda.

Mucho antes que The Doors y The Beach Boys, hubo un fenómeno musical en la gran población latina que tomó 30 años en ser reconocida. En los primeros años de los 50's fueron desarrollados solo por negros. En los barrios del este de Los Ángeles, The Drifters, Clyde McPhatter, Crows y Big Jay McNeely fueron la música para escoger en los 50's.

THE SINGING STRINGS


SCOTT MCKENZIE

Philip Blondheim, nombre real del cantante Scott McKenzie (10 de enero de 1939, Jacksonville, Florida). Es mundialmente conocido gracias a su único gran éxito de nombre San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair) "San Francisco" o "Flores en tu pelo" título en castellano. Dicho tema lo colocaría en la lista de artistas que con un solo éxito permanecerían en un lugar en la historia de la música popular.

Creció en Carolina del Norte y Virginia, en donde entabló amistad con uno de los amigos de su madre "Papa" John Phillips. A mediados de los años 50, cantó por corto tiempo con Tim Rose en la escuela secundaria, dentro de un grupo llamado The Singing Strings, y después con Phillips, Mike Boran y Bill Cleary formando una banda de estilo Doo wop, llamada The Abstracts. En Nueva York, los Abstracts se renombraron The Smoothies y grabaron dos discos sencillos para el sello Decca Records, producido por Milt Gabler (mismo productor de los discos de Bill Halley). En 1961, Phillips y McKenzie conocerían a Dick Weissman y conformaron The Journeymen, y grabarían tres álbumes para Capitol Records. Antes de desintegrarse en 1964 The Journeymen, platicaron ambos sobre formar un nuevo grupo. Mckenzie prefirió seguir en solitario y John contactaría a Denny Doherty, Cass Elliot y a Michelle Phillips, su segunda esposa. El grupo pronto emigró a California. Dos años después, Scott viajo a Nueva York y firmó para el sello de Lou Adler -Ode Records-. Phillips escribió y produjo San Francisco para Scott y fue lanzada en 1967. Phillips tocó la guitarra durante la grabación y Michelle tocó las campanitas. De inmediato el tema se convirtió en un éxito y en una especie de himno hippie logrando posicionarse en las listas de todo el mundo, dentro de los Top 10. Fue una canción muy popular en todo el mundo, logró presencia durante el Summer of Love, en San Francisco. Scott logró otro hit menor llamado Like An Old, también producido y escrito por John Phillips. Su primer álbum, The voice of Scott McKenzie, fue seguido por otro de nombre Stained glass Morning. Dejó de grabar a principios de los setentas, radicándose en Joshua Tree, California y en Virginia Beach.

IL DIVO


LOS HERMANOS ORTIZ


LOS CLARKS DE NICARAGUA


GUTSVAO LEYTON (NICARAGUA)

LAS HERMANAS BAUTISTA


ELIAS LOPEZ


BOBBY VALENTIN Y SU ORQUESTA


MAS DE CARLOS SANTANA


THE TURTLES

The Turtles fue un grupo de pop, rock psicodélico y folk rock norteamericano definido por un sonido de buen carácter, jovialmente melancólico e incluso en ocasiones descarado y fresco. Fueron precursores del "bubblegum pop" de finales de los años 1960. The Turtles produjeron al menos una docena de singles memorables, amigables para tocarse en la radio pero hasta el día de hoy su éxito más conocido sigue siendo la canción "Happy Together".

Este grupo —originalmente una banda de surf rock llamada The Crossfires from the Planet Mars— fue fundada en 1965 en Westchester (un vecindario de Los Angeles) por Howard Kaylan y Mark Volman. Con la ayuda del DJ y propietario de un club Reb Foster, The Crossfires firmaron un contrato con White Whale Records y, adhiriéndose a la tendencia musical del momento, se conviertieron en un grupo de folk-rock llamado ahora "The Tyrtles", con un error de ortografía intencional inspirado en el grupo "The Byrds". sin embargo, la forma de escribir el nombre no duró demasiado. Como sucedió con "The Byrds", "The Turtles" inicaron su éxito a través de un cover de Bob Dylan. "It Ain't Me Babe" entró en el Top Ten de la lista Billboard en el verano de 1965 y fue el sencillo principal del primer álbum de la banda el cual llevaba el mismo nombre. Su segundo sencillo, "Let me Be" (dejame ser, escrito por P.F. Sloan), llego a ocupar un lugar dentro de las Top 30 durante el otoño. Su tercer hit, "You Baby" (Tú bebé, escrito por P.F. Sloan and Steve Barri), estuvo en la lista de las primeras 20 canciones a principios de 1966.

A pricipios de 1967, la gira tan extenuante y la falta de éxito en las listas de popularidad, motivaron al baterista Don Murray y más tarde el bajista Chuck Portz a dejar la banda. Fueron reemplazados por Joel Larson y más tarde por John Barbata en la batería, mientras que Chip Douglas tomó el lugar del bajista. Ocurrió en aquel entonces que la banda en sus conciertos en vivo interpretaba algunas canciones que eran medianamente populares con los fans, pero que aún no habían sido grabadas en el estudio. El primer sencillo clave para su carrera, de los compuestos por Garry Bonner y Alan Gordon "Happy Together" (felices juntos) fue rechazado por diversos grupos pues la canción en si misma parecía una parodia. Los arreglos de la canción corrieron a cargo de Chip Douglas, en el que se aprecia líricamente un claro guiño (los "papa pa paaa" que se oyen de fondo) a las armonías de los Beach Boys. Sin lugar a dudas esta es la canción más significativa del grupo y fue un momento decisivo en su historia, convirtiéndose también en una fiel representante de del pop americano de los 1960´s. Esta canción reemplazo a la canción de The Beatles "Penny Lane" en el primer lugar de la lista Billboard en la primavera de 1967. Su primer y único número 1 se mantuvo en el puesto por 3 semanas.

Impresionado por lo arreglos de estudio que realizaba Chip Douglas, Michael Nesmith del grupo The Monkees se acercó a él después de un concierto y le pidió que se convirtiera en el nuevo productor de su banda. Douglas aceptó, dejo la banda y fue sustituido por el bajista/cantante Jim Pons.1967 fue el año más exitoso de The Turtles en las listas de popularidad.Howard Kaylan y Mark Volkman se unieron a The Mothers Of Invention de Frank Zappa.

JUAN SALVADOR