martes, 29 de noviembre de 2011

LILIA VERA

ISMAEL SERRANO

CACO SENANTE

MILTON NASCIMENTO

VINICIUS DE MORAES

SIMONE

SILVIO RODRIGUEZ

JAVIER RUIBAL

PABLO MILANES

Pablo Milanés nació en la ciudad de Bayamo (capital de la provincia de Granma), Cuba. Estudió música en el conservatorio municipal de La Habana.

En sus comienzos estuvo muy influenciado por la música tradicional cubana y por el feeling (sentimiento en idioma Español). El feeling es un estilo musical que se inició en Cuba en los años cuarenta y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influenciado por las corrientes estadounidenses de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores pero enriquecido por armonizaciones jazzísticas. Así se establecía esta nueva forma de comunicación o "feeling" con el público.

Como intérprete, Pablo Milanés se incorporó posteriormente al cuarteto Los Bucaneros, con quienes colaboró en sus primeros trabajos. También probó suerte como solista ocasional, diversificando de esta manera sus experiencias que más tarde le llevarían a trabajar en solitario. En 1965 Pablo Milanés publica Mis 22 años, considerada por muchos el nexo de unión entre el feeling y la Nueva Trova Cubana, incluyendo nuevos elementos musicales y vocales que serían precursores de la música cubana que vendría después. La colaboración con Los Bucaneros alcanza hasta 1966.

En 1967 se incorpora al servicio militar obligatorio. Era la época de la guerra de Vietnam y Pablo Milanés comienza a tomar partido por las causas sociales, surgiendo en sus temas la preocupación por lo que le rodea. En 1968, Milanés ofrece su primer concierto con Silvio Rodríguez en la Casa de las Américas. Ésta sería la primera muestra de lo que más tarde, en 1972, surgiría como el movimiento musical popular de la Nueva Trova. En ese mismo lugar conocería a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que compartía sus preocupaciones sociales.

Violeta Parra, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Simone, Vinícius de Moraes, Milton Nascimento, Víctor Jara entre otros muchos, pasaron por la Casa de las Américas en aquella época.

Como compositor, Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción protesta a finales de los sesenta. Ha pertenecido al Grupo de Experimentación Sonora y ha compuesto temas para el cine. A través del GESICAIC, tanto Pablo Milanés como otros destacados músicos cubanos, incluyendo a Silvio Rodríguez, participan en un taller creativo donde se formaba a jóvenes talentos cinematográficos cubanos enseñándoles lo mejor de la música cubana, que posteriormente quedaría plasmado en una generación de cineastas que fundían a la perfección música y cine.

Esta etapa de Pablo Milanés abarca desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, y va repleta de temas del artista: Yo no te pido, Los años mozos, Cuba va, Hoy la vi, Yolanda, No me pidas, Los caminos, Pobre del cantor, Hombre que vas creciendo, Yo pisaré las calles nuevamente, y otras.

A principio de los años ochenta, Pablo Milanés forma su propio grupo, con la colaboración de varios amigos que estuvieron con él en el GESICAIC. Esta etapa se caracteriza por la riqueza de los recursos musicales utilizados y por la variedad de los géneros entremezclados, aunque sus contenidos siguen teniendo un fuerte trasfondo social. Un álbum importante en la vida de Pablo Milanés fue el titulado Querido Pablo, un disco homenaje grabado con algunos de sus grandes amigos, y en el que participan gente de la talla de Víctor Manuel y Ana Belén, Luis Eduardo Aute y Mercedes Sosa, entre muchos otros. Este disco tuvo una secuela en 2001, que llevaba el título de Pablo Querido. Veinte años después, un buen puñado de artistas se vuelven a reunir para cantar al son de Pablo Milanés. En esta ocasión, además de amigos "clásicos" de Pablo, se unen artistas de la nueva música pop, como Fher (el cantante del grupo mexicano de rock Maná), Marco Antonio Muñiz o Armando Manzanero.

En 2005 compone una parte de la banda sonora de la película Siempre Habana dirigida por Ángel Peláez. De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: Yolanda, Yo me quedo, Amo a esta isla y El breve espacio en que no estás, Para vivir y Cuánto gané, cuánto perdí


NIDIA CARO

miércoles, 23 de noviembre de 2011

CEREZO ROSA

LOS PICCOLINOS

LOS IMPALA

TRIANA

BANDA DE LA MONUMENTAL PLAZA MEXICO




PAQUITO CHOCOLATERO

DESDE ESPAÑA Y SU MUSICA TAURINA

EDMUNDO ROS

jueves, 13 de octubre de 2011

ROMA ANTIGUA

LA ODISEA

INVOCACION DE LA MUSA (GRECIA)

MUSICA DEL SIGLO II (GRECIA)

PIRAMIDES

LOS SIETE VELOS (EGIPTO)

EGIPTO ANTIGUO

ANUBIS

RITUAL EGIPCIO

TAG MAJAL (INDIA)

DESDE ARABIA

LUPE Y POLO

JORGE VELOSA

ASTRID HADAD

LAS LLAVES DE ORO

LOS RELICARIOS

BLANCA IRIS VILLAFAÑE

LAS HERMANAS CALLE

lunes, 10 de octubre de 2011

LOS GATOS NEGROS

LOS TIGRES DEL NORTE

LOS ANDINOS

LOS VLAMERS

LOS IMPERIALES

ORQUESTA RAMON MARQUEZ

MARIANO MERCERON

ORQUESTA DE CARLOS CAMPOS

ORQUESTA DE AGUSTIN LARA

SOLISTAS DE AGUSTIN LARA

DANZONES DE LARA

MALAGUEÑAS CANARIAS

AÑATE

Andres Jimenez y Edwin Colon Zayas

JORGE CAFRUNE

LAS ESPIGADORAS

JOSEFINA MENESES

ORQUESTA CANDELA

HOMENAJE A FACUNDO CABRAL

domingo, 21 de agosto de 2011

ESTANISLAO MARINO

SERENATAS RANCHERAS









GRUPO LIMITE

LOS DOS OROS

SAVID SALAZAR

RENE Y RENE

LOS CINCO LATINOS

HAROLD MELVIN

sábado, 30 de julio de 2011

SINEAD O`CONNOR

NORAH JONES

LINDA RONDSTADT



MISSISSIPPI JOHN HURT

SKIP JAMES

The Blues Accordin' to Lightnin' Hopkins (1967

EL BLUES

El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta.[5] Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.
Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical».[6] Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional».[7] El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.[8]
Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues.[9] El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

HENRY MANCINI Y SU ORQUESTA

FELIX EL GATO DE 1959

CRISTOPHER GORDON

ERNEST GOLD

Ernest Gold -nacido como Ernst Gold- (Viena, Austria, 13 de julio de 1921, - Santa Monica, California, 17 de marzo de 1999) fue un compositor austrico naturalizado estadounidense. Recibió el Óscar y en 1961 el premio Grammy por Song of the Year (Música del Año) por la del film Éxodo. Gold creó casi 100 piezas originales para cine y televisión entre 1945 y 1992, incluyendo la de la serie televisiva Hawaii Five-O.
También compuso un musical en Broadway en 1968: I'm Solomon (Soy Salomon). Sus trabajos clásicos incluyen un concierto para piano, un cuarteto de cuerdas, y una sonata para piano, la mayoría de su obra es comercial o de cine y t.v.
Gold estuvo casado con la cantante Marni Nixon y fue el padre del cantante Andrew Gold.

LO MEJOR DEL ROCK DE 1950-1960

DooWop Classics

UN TRIBUTO AL AÑO 1950

BANDAS SONORAS DE 1950

MUSICA DE WALT DISNEY


PEDRO ALABARTE

JAZZ SONORA PERU

ORQUESTA NACIONAL DE JAZZ DE ESPAÑA

ORQUESTA DE JAZZ ANTIGUO

EL JAZZ

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice:

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

Un ritmo especial conocido como swing.

El papel de la improvisación.

Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como "el retorno de la música de los salvajes", mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un "destacado modelo de expresión individual" y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que sólo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda) requieren una ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un background muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes

martes, 19 de julio de 2011

TEMAS DE DIBUJOS ANIMADOS

LOONEY TUNNES

ORQUESTA MONUMENTAL

ORQUESTA RITMO ORIENTAL

ORQUESTA LOS VAN VAN

LEBRON BROTHERS

ISMAEL MIRANDA

LARRY HARLOW

JUNIOR GONZALEZ

JOE QUIJANO

RANDY CARLOS

MARIACHI GALLOS DE MEXICO

MARIACHI SHALIM

MARIACHIS LOS CAMPEROS Y SOL DE MEXICO

LOS SEPULTUREROS

LILA Y SU PERLA DEL MAR

TROPICAL CARIBE

sábado, 18 de junio de 2011

EDUARD GRIEG

Edvard Grieg nació en Bergen (Noruega), el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses, cuyo apellido original era "Greig"—después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770—.
Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle.
Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano posteriormente en el año de 1858, y pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, aun así, alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo Pathétique de Beethoven.
En 1863, Grieg fue a Copenhague, Dinamarca, y permaneció allí por tres años. Conoció entonces a los compositores Daneses J. P. E. Hartman y Niels Gade. También conoció al compositor Noruego Rikard Nordraak (compositor del Himno nacional de Noruega) quien se convirtió en un gran amigo y en una fuente de inspiración para Grieg. Nordraak murió poco después, Grieg compuso en su honor una marcha fúnebre. Grieg tenía lazos cercanos con la Orquesta Filarmónica de Bergen (Harmonien) y fue director Musical de la orquesta desde 1880 hasta 1882. También vio a Franz Liszt en dos ocasiones en Copenhague.
El 11 de junio de 1867, Grieg contrajo matrimonio con su prima hermana, Nina Hagerup, a quien había conocido también en Copenhague. Al año siguiente, nació Alejandra su única hija. En el verano siguiente, Grieg escribió su famoso Concierto para piano en la menor mientras estaba de vacaciones en Dinamarca. Edmund Neupert dio un concierto de su primer trabajo en Copenhague. Grieg no pudo asistir debido a los compromisos de dirección que tenía en Christiania (Oslo).
En el verano boreal de 1869, mientras Grieg se encontraba de paso en Bergen, Alejandra enfermó de meninigitis y posteriormente falleció, cuando tenía apenas 13 meses de edad. Una vez que Edvard y Nina se restablecieron medianamente de la pérdida, fueron a Roma incentivados por el gobierno noruego, y fueron invitados a una reunión con Franz Liszt, quien expresó su aprecio por el Concierto para piano en la menor de Grieg. Liszt, hábil pianista, tocó la línea de piano y el arreglo de la parte orquestal, leyéndolos a primera vista y en tiempo real (lo cual es un enorme desafío musical y técnico). Posteriormente criticó constructivamente el trabajo de Edvard y le dijo: "Siga firme en su camino. En verdad le digo, usted tiene capacidad. Y sobre todo, no se deje intimidar". Esto fue un factor muy importante y alentador en la carrera de Grieg. Liszt escribió también un testimonial a los directores Noruegos, lo que condujo a Grieg a conseguir una beca.
Pero mientras la vida profesional de Grieg continuaba, su vida personal se deterioraba cada vez más: En 1875 fallecieron sus padres, evento que lamentablemente dejó tanto a Nina como a Edvard sin una casa a la cual retornar en Bergen. Posteriormente y sobre todo por dolor, Grieg deja a Nina pero al año siguiente se reconcilian y vuelven a vivir juntos.
Edvard Grieg falleció en el otoño de 1907, a los 64 años de edad, en el hospital de Bergen, víctima de una enfermedad crónica en uno de sus pulmones. El funeral condujo a miles de personas a las calles de su ciudad natal para honrarlo, y conforme a su deseo, la marcha fúnebre que había compuesto para Rikard Nordraak fue interpretada por una orquesta, en la cual se hallaba inmerso como miembro a su amigo Johan Halvorsen; también fue ejecutada en la ceremonia la marcha fúnebre compuesta por Frédéric Chopin. Sus cenizas y las de su esposa fueron sepultadas en una tumba de una montaña frente a un lago, situado cerca a su casa, en Troldhaugen.

GUSTAV HOLST

ERIK SATIE

CAMILE SAINT-SAENS

HOWARD SHORE

Howard Leslie Shore (n. 18 de octubre de 1946 en Toronto) es un compositor de bandas sonoras para películas canadiense, conocido por escribir la música de El silencio de los corderos y las películas de El Señor de los Anillos.

Su gran éxito viene con la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Con la banda sonora de la primera película El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo, Shore consigue su primer Óscar en 2002. La banda sonora de El Señor de los Anillos: las dos torres no fue nominada a los Óscar de 2003 debido a una nueva y polémica norma, que prohibía nominar bandas sonoras que estuvieran basadas en anteriores bandas sonoras. En 2004 esta norma desaparece, y Shore gana su segundo Óscar por la música de El Señor de los Anillos: el retorno del Rey .
Desde 2004, Shore está realizando una gira mundial dirigiendo orquestas locales en la interpretación de su adaptación sinfónica de la banda sonora de la trilogía de El Señor de los Anillos. Este nuevo trabajo lleva como título El Señor de los Anillos: sinfonía en seis movimientos. Hay dos movimientos por cada una de las películas y un intermedio entre el segundo y el tercer movimientos.
En 2006 ha declarado su interés en volver a la Tierra Media para hacerse cargo de la banda sonora de la bilogía cinematográfica de El hobbit, que será dirigida por Peter Jackson y cuyo rodaje comenzará en febrero de 2011. En recientes noticias que se pueden leer con mucha más información, Howard Shore confirmó su participación en la banda sonora del El hobbit la cual será dividida en dos partes. Howard confesó que estaba pensando en los temas musicales de El hobbit desde que estaba trabajando en el álbum de Las dos torres.

PHILIP GLASS

Philip Morris Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un compositor estadounidense de música minimalista. Asistió de joven a la escuela de música Juilliard. Es relativamente conocido, pese a la complejidad de sus propuestas musicales, desde la aparición de su ópera Einstein on the Beach.

Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; ocho sinfonías; dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, timpani, saxofón y orquesta; ha puesto música a un viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y desde luego con Robert Wilson.

El poco aprecio que siente hacia los intérpretes y los espacios tradicionales lo llevan a formar su propio grupo musical, el Philip Glass Ensemble, con el que empieza a tocar principalmente en galerías de arte y en otros ambientes de la cultura underground. Estos tiempos durísimos, que abarcaron casi la totalidad de la década de los 70, le obligaron a trabajar como taxista y reparador de electrodomésticos a la vez que componía e interpretaba.

La música de esta primera época es extremadamente repetitiva, austera y complicada para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensión por parte de la crítica y el público. El propio Glass comentaba que cuando alguien del público se quedaba hasta el final, le invitaban a cenar. Sólo empezó a ser reconocido a partir de su colaboración con el director escénico y renovador teatral, también minimalista, Robert Wilson (director), con quien realizó la ópera experimental Einstein on the Beach, un alegato antinuclear con libreto escrito por un psicótico donde cada elemento clásico del género operístico se ve renovado y alterado de modo consciente. Aun así, a pesar del relativo éxito de la obra, tiene que seguir trabajando como reparador durante un tiempo antes de poder dedicarse totalmente a la música.

Habitualmente Philip Glass rehúsa encuadrar sus creaciones dentro del estilo minimalista, perp el se ha definido a sí mismo como un compositor de música que se basa en estructuras repetitivas.

LUDOVICO EINAUDI

Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre de 1955) es un compositor y pianista moderno que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones para piano.
Ludovico Einaudi
Ludovico Einaudi.jpg
Ludovico Einaudi
Información personal
Nacimiento23 de noviembre 1955
OrigenTurín, Bandera de Italia Italia
Información artística
Género(s)Minimalista
Instrumento(s)Piano
Discográfica(s)DECCA Records
Web
Sitio webSitio web

Representa uno de los grandes éxitos de la música clásica contemporánea de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, también por los conciertos realizados por todo el mundo.

MARIACHI DE ARCADIO ELIAS

RONDALLA TAPATIA DESDE CHILE

MARIMBA ESTRELLA CAMINERA

DESDE GUATEMALA

PEPE TORRES (PERU)

VOCES Y CUERDAS DEL ECUADOR

EL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano, inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano (simple, monódico, sin saltos: movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en ocasiones es utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de canto llano. Surge en el año 33 d.C., época en que los cristianos comienzan a ser perseguidos y oraban en catacumbas donde no podían ser encontrados. La denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa San Gregorio Magno, siendo una evolución del canto grecorromano con influencias del canto galicano. Debe aclararse y entenderse que el Canto Gregoriano no es inventado por el Papa Gregorio Magno, éste ya existía desde hacía tiempo, pero el guía católico lo difunde y desarrolla dándole su nombre a este canto ancestral.

Desde su nacimiento, la música cristiana fue una oración cantada, que debía realizarse no de manera puramente material, sino con devoción o, como lo decía San Pablo: «Cantando a Dios en vuestro corazón». El texto era pues la razón de ser del canto gregoriano. En realidad el canto del texto se basa en el principio de que, según san Agustín, «El que canta bien, ora dos veces». El canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y es el que le da sentido a ésta. Por lo tanto, al interpretarlo, los cantores deben haber entendido muy bien el sentido del texto. En consecuencia, se debe evitar cualquier impostación de voz de tipo operístico en que se intente el lucimiento del intérprete. Del canto gregoriano es de donde proceden los modos gregorianos, que dan base a la música occidental. De ellos vienen los modos mayores y menores, y otros cinco menos conocidos

LA MUSICA MEDIEVAL

GRUPO ALCOR

JOSE DE UDAETA

martes, 7 de junio de 2011

LOS MEJORES SALSEROS

GILBERTO SANTA ROSA

Gilberto Santa Rosa Cortés, (Santurce, Puerto Rico, 21 de agosto de 1962), más conocido como "el caballero de la salsa", es un cantante de este género tropical como también de baladas románticas. Nació, hijo de un delineante de planos de ingenieros y de una operadora de las primeras computadoras IBM de la isla. Entre otras canciones conocidas son Si no me ven llorando, Esas lágrimas, Ni te llamo Ni te Busco, Pa Quererse no hay que verse, Vivir sin ella, Conciencia, Perdóname, Sin Voluntad, Pueden decir, No quiero ná regala`o, Sombra Loca, Me volvieron a hablar de ella, Conteo Regresivo, etc. Incluso versionó las canciones Caballo Viejo de Simón Díaz, Dime por qué de Ismael Rivera y Buenas Noches Don David de Ricardo Arjona.

sábado, 28 de mayo de 2011

UB40

JEFF HANSON

CREAM

SURVIVOR

BLONDIE

TAKE THAT

RED HOT CHILI PEPERS

JOAN OSBORNE

EDDIE MONEY

SNOOP DOGG

ROY ORBINSON

CROWDED HOUSE

CULTURE CLUB

SUGAR HILL GANG

CARL DOUGLAS

THE MAMAS & THE PAPAS

THE MAGIC NUMBERS

HERMANAS PADILLA

RICK JAMES

LOS HERMANOS PRADO

LAS NORTEÑITAS

DUETO RIO BRAVO

RITA Y JOSE

martes, 24 de mayo de 2011

REQUIEM POR UN AMIGO

En este mes de Mayo que esta por finalizar, quiero recordar a un buen amigo, quien en un momento algido de mi vida me tendiò su mano de amigo y de casi un padre; este es don Rafael Mejia Flores, oriundo de San Juan de Flores "Cantarranas"  de oficio sastre y con una amplia experiencia en el arte sartorial, hombre de muchos amigos y un eterno Liberal y Melista.

Kafay, a quien cariñosamente lo llamè y lo sigo haciendo, me introdujo en el conocimiento no de la aguja y el hilo; sino en la musica de su tiempo, a distinguir los boleros con los otros ritmos de las mejores èpocas de la musica; cantamos a duo singulares melodias como su favorita "El poder del Amor"; juntos nos deleitamos con el programa de Ramos del Valle "Los Sabados son para recordar" y la programacion de Radio Centro; en fin pasamos ratos amenos, hasta que un dia 24 de Mayo del 2009 la muerte lo sorprendiò en un segundo derrame cerebral; hasta aqui llego Kafay con su vida de Juan Tenorio a cual mejores mujeres; hasta aqui llego su arte de la tela y el algodon; hasta aqui llego con sus cuentos de camino real y sus gustados chistes.

Hoy te digo Rafael Mejia Flores "Kafay", siempre que viva en esta tierra, llevare tu nombre grabado en mi mente y  mi corazon como un padre mas, un hermano mas; un amigo mas; descansa en paz Kafay en el trono de la gracia de Dios y miles de angeles entonaran esa preciosa melodia que cantamos juntos, pero esta vez pregonemos con Los Panchos: