lunes, 31 de mayo de 2010

ARCHIE BLEYER


THE WEAVERS


THE CHORDETTES

The Chordettes fueron un cuarteto femenino de pop, que cantaban generalmente a capella, especializado en la música popular tradicional. Fueron uno de los grupos vocales de más larga duración, con inicio en la corriente principal del pop y armonías vocales de la década de 1940 y principios de 1950.

El grupo se crea en 1946 en Sheboygan, Wisconsin, formado originalmente por Janet Ertel (21 de septiembre de 1913 - 4 de noviembre de 1988), Carol Buschmann, su hermanastra, Dorothy Schwartz y Jinny Osborn (o Jinny Lockard) (25 de abril de 1928 - 19 de mayo de 2003). En 1952 Lynn Evans sustituirá a Schwartz y en 1953, Margie Needham sustituye a Osborn, cuando iban a ser madres, aunque esta última regresó más tarde al grupo. Nancy Overton (6 de febrero de 1926 - 5 de abril de 2009) también perteneció al grupo en un momento posterior.

Originalmente cantaban música popular al estilo de The Weavers, pero con el tiempo cambiaron a un estilo de armonización del tipo conocido como barbershop o close harmony

MARK KNOPFLER

Mark Freuder Knopfler OBE (n. 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.

Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone lo situó en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos

CHET ATKINS

Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul - le trajo admiradores ambos dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Él creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como el sonido Nashville, que amplió la música country incluyendo a admiradores de música pop adultos

LES BAXTER


NELSON RIDDLE

Nelson Smock Riddle, Jr. (1 de junio de 1921 – 6 de octubre de 1985) fue un conocido director de orquesta, arreglista y orquestador estadounidense cuya carrera se desarrolló desde finales de los años cuarenta hasta comienzos de los ochenta.

Riddle es conocido sobre todo por su obra para Capitol Records, proveyendo arreglos jazzísticos de big banda para acompañar a cantantes como Frank Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole, Judy Garland, Peggy Lee, Louis Prima y Keely Smith. Más tarde, su talento arreglístico fue también usado por Ella Fitzgerald, Shirley Bassey, Matt Monro, Linda Ronstadt y otros. Sus arreglos se caracterizan por una orquestación innovadora con melodías enfrentadas y una instrumentación que expresa las emociones de cada verso de una canción.

MORRIS STOLOFF


ANA GABRIEL

María Guadalupe Araujo Young, artísticamente Ana Gabriel (nacida el 10 de diciembre del 1955 en Guamúchil) es una cantautora mexicana.

Es la cantante mexicana que más ventas de discos ha tenido a nivel internacional. A lo largo de su trayectoria musical ha vendido mas de 100 millones de discos. Además Ana Gabriel representa uno de los más sorprendentes fenómenos de los últimos años pues su voz ha cautivado al mundo entero, no en vano toda América Latina disfruta de sus éxitos al saber que se ha convertido en una cantante muy talentosa y la que trajo el pop latino junto a la lambada a México hasta llamarse la "Diva de América" y la reina de México. Incluso Ana Gabriel ha sido ganadora de varios premios Grammy ya que ha sido por más de 5 años consecutivos la reina del pop y la más escuchada en la radio. A principios del 2010 interpreta el tema Las leyes del Corazón para la telenovela "La loba" de Tv Azteca

VIKKY CARR

Desciende de una familia mexicana que la bautizó como Florencia Vicenta de Casillas Martínez Cardona. Después de adoptar el seudónimo “Vikki Carr”, la cantante firmó un contrato con Liberty Records en 1962.

El primer sencillo que tuvo algún éxito fue He’s a Rebel, que en 1962 alcanzó el n.º 5 en Australia y el n.º 115 en EE. UU. En 1966 hizo una gira por Vietnam para apoyar a los soldados estadounidenses en la guerra de Vietnam, con el actor y comediante estadounidense Danny Kaye.

En 1967 su álbum It Must Be Him fue nominado a tres premios Grammy. Ese año la canción que da nombre al disco alcanzó el n.º 3 de los Billboard Hot 100 en EE. UU. Carr tuvo otras dos canciones que entraron en la lista Top 40: The Lesson (1968) y With Pen in Hand (1969). En esta época, el actor Dean Martin la bautizó “la mejor cantante en el negocio” Carr grabó 10 sencillos y y 13 álbumes que entraron en las listas de popularidad de EE. UU.

Trabaja en radio, televisión, cine y teatro. Canta en varios estilos, incluido jazz, pop y country, pero ha desarrollado sus más grandes éxitos cantando en español. Tuvo muchos éxitos discográficos y ha interpretado canciones junto a figuras tales como Julio Iglesias, Ana Gabriel, Manoella Torres, Vicente Fernández, Trini López, Danny Rivera, etc.

Sus canciones han tenido gran éxito en Estados Unidos, Europa y América Latina. Desarrolló una gran tarea en el área humanitaria.

En 1968, grabó seis especiales para London Weekend TV. En 1970 fue nombrada "Mujer del año" por el periódico Los Angeles Times. Recibió una estrella en el paseo de la fama en 1981.

Carr también realizó la rara proeza de cantar para cinco presidentes de EE. UU. durante su carrera: Richard Nixon, Gerald Ford, Ronald Reagan, George Bush y Bill Clinton.

En los años ochenta y noventa, Carr tuvo un inmenso éxito en el mundo de la música latina. Ganó premios Grammy a la mejor grabación mexicano-estadounidense de 1985 por su álbum Simplemente mujer; en 1992 por el mejor álbum pop latino, por el disco Cosas del amor; en 1995 por la mejor grabación mexicano-estadounidense, por Recuerdo a Javier Solís. También fue nominada a los Grammy por los discos Brindo a la vida, al bolero, a ti (1993) y Emociones (1996).

DORIS DAY

Doris Mary Ann von Kappelhoff, más conocida como Doris Day (Evanston, Ohio, 3 de abril de 1924) es una actriz cantante y defensora de los derechos de los animales, estadounidense. Fue una de las actrices más prolíficas durante los años 50 y 60. Capaz de cantar, bailar e interpretar papeles tanto de comedia como dramáticos, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante mediados del siglo XX y está considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte.

ALGO DE 1920-1941


CARNAVALES DE PERU


domingo, 30 de mayo de 2010

LAS BANDAS DE HONDURAS

La imborrable huella de las bandas de oro

Algunos de esos exitosos grupos se han desintegrado, pero han dejadosu recuerdo en el corazón de los hondureños y en le resto del mundo

Lo conquistaron con sus canciones e hicieron bailar a todos los hondureños, su música rompió la fronteras y dio a conocer el sabor catracho.

“La sirenita” animó a muchos, “El sambunango teleño” ha quedado en la historia y todo el sabor mundial de la “Sopa de caracol” marcó la historia.

El siguiente será un recorrido por los tiempos de oro de algunos de los grupos que han hecho historia en la música hondureña:

La inolvidable One

Sus más grandes legados fueron “La sirenita” y “La muerte de pedro”. La banda One es uno de los grandes grupos que marcaron pautas en Honduras. Nació en la década de los 70. Es un grupo que inició tocando rock, su propietario y cantante principal era Carlos Arturo Rubio.

La banda One fue uno de los grupos que pusieron de moda los festivales de rock en El Picacho, cuando este lugar tenía su campo grande y podían hacerse conciertos a los que iban de 6 mil a 8 mil personas.

La banda cambio de género en 1982 y del rock pasó a un ritmo más tropical. “Nosotros estuvimos viajando casi seis años seguidos. El grupo contaba con un estudio y un buen equipo de escenografía. La banda One hizo tres sencillos y un disco de música navideña.

Este grupo se separó en 1998, cuando llegó el huracán Mitch y se llevó su sede, donde estaban su equipo, fotos y vestuarios.

Al ritmo de los Gatos

¿Quién no se enciende con “El sambunango teleño” o la “Ranchepunta”? Así es, Los Gatos Bravos han quedado en la historia de Honduras.

Este grupo era otro especialista en animar a los bailadores. Se fundó en 1970 y fue creado por Fonchín Flores, pero el nombre fue idea de Jorge Sikafy. Igual que la Banda One, Los Gatos Bravos comenzaron a perder fuerza por el Mitch.

Los Gatos Bravos también hacían giras internacionales: “viajábamos tres a cuatro veces en giras por Estados Unidos y Centroamérica, todos los años, y nos iba muy bien porque a la gente le encantaba bailar con muestra música en el exterior”, comenta Fonchín hijo.

La mayoría de los integrantes de los Gatos Bravos en estos momentos están en la iglesia cristiana y algunos son pastores evangélicos.

“¿Saben quién llegó?”

Pero estas páginas del recuerdo no podían quedarse sin un sorbo de la famosísima “Sopa de caracol”. Esta espectacular canción dio la vuelta al mundo e hizo bailar a todos al ritmo del “¡riquitiqui... riquitiqui...!”

Esa que levantó el nombre de Honduras a nivel internacional. Este grupo se formó en 1974 e inició como una banda de rock. Luego cambió de estilo y comenzó a cantar música merengue y posteriormente punta.

Fue así como inició la aventura musical para esta famosa banda. En los 90, la Banda Blanca viajó a Miami, al festival de la Calle Ocho, donde la canción ya era conocida.

En el año 1991, la Banda Blanca fue nominada a los premios Lo nuestro, donde competía contra Juan Luis Guerra, Willi Chirinos y La Banda de la Luz, y los catrachos fueron los vencedores de la noche. 

Posteriormente, este grupo conquistó al monstruo de Chile y Viña del Mar cayó a los pies de la “Sopa de caracol”. Ahí la Banda Blanca logró obtener el máximo galardón: la Gaviota de Plata.  En el 94, la banda Blanca se fue a vivir a México y pasó a ser parte del elenco de Televisa; ese mismo año, “Siempre en domingo” se hizo presente en Honduras trayendo a artistas de la talla de Thalía, Bibi Gaitán, Paulina Rubio, Los Broncos y, por su puesto, el grupo anfitrión: Banda Blanca.

GRUPO SAN MIGUEL DE EL SALVADOR


LOS VIKINGS DE USULUTAN


sábado, 29 de mayo de 2010

TEMAS DE PELICULA CON CLAUDIA CARDINALLE


MAS DE LEO DAN


TEMAS EN PIANO


ENRIQUE Y ANA (TOPO GIGIO)

Topo Gigio es una marioneta de televisión infantil que interpreta a un ratoncito italiano.

Fue creado por Maria Perego en 1958, su primera aparición televisiva fue en 1959 en el programa italiano, Canzonissima y su voz original fue interpretada por el actor, Peppino Mazzullo.

Debido a su nombre, algunos espectadores de habla hispana creían que Topo Gigio era un topo en lugar de un ratón, sin considerar que ratón en italiano se dice topo.

El trabajo de animación de este personaje fue famoso, como lo fue su "caída de ojos", cuando le daba vergüenza o quería conseguir algo.

En sus apariciones televisivas, el Topo Gigio dialogaba con su contraparte humana, y contaba historias y cantaba canciones, como lo son:

"A la camita...".

"En un bosque de la China".

"¡Lo dije yo primero, lo dije yo primero!!".

"Quiero ser como mi papá".

Entre algunas características que ha mostrado se encuentran que:

Topo Gigio se considera un ratoncito pacífico.

Dice oraciones, incluyendo las dirigidas a "San Peppino".

Ha sido un gran admirador de Brigitte Bardot.

Cuando Topo Gigio apareció originalmente en televisión, sus programas fueron vistos en blanco y negro, y posteriormente a color. Sus programas han sido grabados en DVD.

VLADIMIR COSMA

Vladimir Cosma es un compositor francés, violonista de formación, pianista y jefe de orquesta, nacido el 13 de abril de 1940 en Bucarest, Rumanía.

En 1963, se instala en Paris y empieza su aprendizaje musical con Nadia Boulanger, en la Escuela Normal de Música de París. En 1966, Michel Legrand, que estaba trabajando en Les Demoiselles de Rochefort, le pide que se ocupe de las canciones (Oum le dauphin, Où vont les ballons ?) y le propone, el año siguiente, de sustituirle en la composición de la banda sonora de la película Alexandre le bienheureux que realiza Yves Robert.

Comienza a partir de ese momento para Cosma una vida de compositor de bandas sonoroas, entre las cuales cabemos destacar Les Aventures de Rabbi Jacob o La Chèvre, con su tema interpretado con la flauta de pan, que son entre las más conocidos. Su trabajo fue premiado en el Festival de Cannes y consigue dos César de la mejor banda sonora gracias a las películas Diva de Jean-Jacques Beineix en [1982] et Le Bal de Ettore Scola en 1984.

Compone también la sintonía del telediario de TF1 que se emitieron entre 1975 y 1976, y las nuevas versiones entre 1976 y 1984. Después de más de 300 melodías y bandas sonoras, se dedica ahora a la escritura de Symphonie, suites symphoniques basadas en las célebres sintonías que compuso para el cine. Trabaja también desde hace unos años en un musical de Marcel Pagnol : la « trilogie marseillaise » cuya creación tuvo lugar en la Ópera Municipal de Marsella en septembre 2007.

ANDRE RIEU

André Rieu (Maastricht, 1 de octubre de 1949) es un violinista y director de orquesta holandés. Es famoso por revivir el vals y por sus muchas grabaciones con la "Orquesta Johan Strauss".

Inició su carrera musical siendo niño y perteneció a diversas orquestas hasta que en 1987 fundó la suya propia, con el nombre holandés de «Johann Strauss Orkest» y a partir del año siguiente empezó su fulgurante carrera de éxitos por todo el mundo, comenzando por su propia patria, y convirtiéndose en una de las grandes estrellas de la música a nivel de los más prestigiosos divos del pop o del rock, al tiempo que ganó multitud de adeptos y aficionados a su música.

Con su característico estilo de difundir la música clásica, que otrora parecía reservada a las clases de élite o acomodadas, André Rieu decidió ponerla al servicio de un público joven y en aquellos lugares que dichos jóvenes suelen frecuentar, tales como plazas públicas, estadios deportivos u otros, bien sean de ocio o culturales. Y lo consiguió con gran éxito, pues ganó diversos premios como el top 10 o el 100, este último ostentando un número uno. En sus palabras:

“Pero no sólo mi corazón de músico está en Maastricht. También como persona, como esposo, como padre me siento aquí en casa. Estoy casado con una persona que ya conocéis “Marjorie Rieu, Mestreechs Meitske” (una chica de Maastricht) y mis dos hijos han nacido aquí. Tenemos una vida de lo más normal, a pesar de la agitación que a veces conlleva la vida de artistas. Cuando paseo por la ciudad, me saludan con un “ha jong, hoofste neet te wèrreke vandaog?” (¡eh, chico! ¿es que no trabajas hoy?) ¡Me encanta! Ni me piden autógrafos, ni fotos, ¡así es la gente de Maastricht! Pero hay algo que sí hacen, y me siento a veces muy cohibido. Me lanzan aquel piropo que sólo la gente de Maastricht sabe decir así: “ Sjiek jong, totste eine vaan us bis!” (Fantástico, chico, que seas uno de nosotros). Entonces me saltan las lágrimas y me siento superorgulloso.”

El violín que usa en la actualidad es un Stradivarius construido en 1667 por este famoso luthier

MARIO LANZA

Alfredo Arnold Cocozza nació en 1921 en Filadelfia. Sus padres eran inmigrantes italianos. Su madre, María Lanza, tenia una hermosa voz, pero no pudo estar en los escenarios porque su padre no se lo permitió. El padre de Alfredo, Antonio Cocozza, fue un héroe de la I Guerra Mundial. A los cinco años, Alfredo mostró un gran interés en la vieja Vitrola (gramola con motor a cuerda) familiar.

A los dieciséis años, anunció su intención de convertirse en cantante. Su madre, entusiasmada con el sueño que no había podido cumplir, le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky, que quedó tan impresionado con su voz que le garantizó una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, con el apellido de su madre, quien no pudo cantar.

En el Festival de Música de Berkshire hizo su debut, en la obra Las alegres comadres de Windsor. Su carrera operística fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, cuando fue asignado a los Servicios Especiales de la Fuerza Aérea Estadounidense. Retomó su carrera de cantante en octubre de 1945 en un programa de la cadena radial CBS denominado Great Moments in Music (Grandes momentos de la música), donde hizo seis apariciones cantando música operística. Más tarde estudió bajo la dirección de Enrico Rosati por quince meses.

Posteriormente, inició una extensa gira de 86 conciertos en los Estados Unidos, Canadá y México entre julio de 1947 y mayo de 1948. A raíz de un concierto en el Hollywood Bowl su talento llamó la atención del ejecutivo y fundador de la cinematográfica MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), Louis B. Mayer, quien hizo firmar a Lanza un contrato cinematográfico de siete años de duración.

Fue despedido en 1952, después de grabar las canciones de la cinta The Student Prince (El príncipe estudiante). La razón más frecuentemente citada en la prensa del momento fue el recurrente problema de peso que le hacía imposible encajar en el vestuario del Príncipe, pero según sus biógrafos la razón real fue una discusión que se generó con el director inicial de la cinta, Curtis Bernhardt, quien exigió al tenor que grabara de nuevo la banda sonora porque le parecía que estaba cantada «de una manera muy emocional». Mario Lanza decidió no trabajar en esta película con este director, a no ser que fuese designado otro. MGM se negó a sustituir a Bernhardt, y la película se hizo posteriormente con el actor Edmund Purdom doblando la voz de Lanza. Irónicamente, el director de la película fue Richard Thorpe, el mismo hombre propuesto por Lanza ante MGM para sustituir a Bernhardt, y con quien había tenido una excelente relación de trabajo en El Gran Caruso.

Regresó a la actividad cinematográfica en 1955 en la cinta Serenade (Serenata), de Anthony Mann, con Joan Fontaine y Sara Montiel. Sin embargo, a pesar de su fuerte contenido musical, no fue un filme tan exitoso como los anteriores. Lanza se trasladó a Roma en mayo de 1957, donde trabajó en la película Las Siete Colinas de Roma y volvió a realizar una serie de conciertos de fama en todo el Reino Unido, Irlanda y el continente europeo. A pesar de que su salud decaía, lo que se tradujo en una serie de cancelaciones durante este período, Lanza siguió recibiendo ofertas para óperas, conciertos, y películas

LUIS POISON PINTO


DE EGIPTO A ARABIA


LA CANCION MAS ANTIGUA DEL MUNDO


KALINKA


MARCHAS MILITARES ARGENTINAS


MARCHAS MILITARES


THE DOLLY SISTERS


NINON SEVILLA

Née Emelia Pérez Castellanos nació en La Habana, un 10 de noviembre de 1926, de niña quería ser monja, como todas las cabareteras. Su nombre artístico lo toma de la legendaria cortesana francesa Ninón de Lenclos. Gracias a sus rasgos felinos, sus hermosas piernas y su escultural figura, empezó a bailar en centros nocturnos y cabarets de Cuba, pues tenia una gran habilidad como bailarina. Fue la primera rumbera en llegar a México. Gracias a ella llega a México Dámaso Pérez Prado y juntos ponen de moda el ritmo del Mambo.

Su debut en el mundo del cine, fue en México, a donde llego en 1946, para quedarse.Aunque desde un principio se distinguio por la excentricidad de sus peinados y su forma de vestir, fue el cineasta Alberto Gout quien la consolido como figura erotica del cine mexicano en la década de los años 50. Rápidamente se le reconoció como la reina de las rumberas, lo que la llevo a hacer muchos papeles en los que tenia que bailar, además, ella hacia las difíciles coreografías que bailaba en las películas y fue la primera actriz en introducir movimientos alusivos a la santeria en sus bailes. Durante su carrera trabajo con los cineastas y los actores más reconocidos de México y se convirtió en un símbolo sexual y en una super estrella. Su éxito la llevo a ser reconocida en países como Brasil y Francia. Con el declive del cine mexicano a finales de los años 50, se retiro de la industria, pero regresa triunfal en la década de los 80, con la cinta Noche de carnaval, por la cual gano un Ariel por su actuación. Se consagra gracias a la mítica cinta Aventurera en 1951. Ha hecho muchas telenovelas, entre las que sobresalen las realizadas junto a Verónica Castro y Thalía.

DANIEL SANTOS



LUCHO MACEDO


LA GUARACHA DE YIYO


MYRTA SILVA

Myrta Blanca Silva Oliveros, (*Arecibo, 11 de septiembre de 1927 - † Nueva York, 2 de diciembre de 1987). Destacada cantante, compositora y músico puertorriqueña, conocida popularmente como la Gorda de Oro.

Su primera presentación la hizo cuando aún tenía diez años de edad en un teatro local de Arecibo. Durante la década de 1930, siendo aún adolescente, viaja junto con su familia a Nueva York e inicia sus primeros pininos en el desempeño de producciones musicales en los teatros hispanos locales y en las radiodifusoras. Sus grandes talentos son reconocidos inmediatamente ya que brillan por luz propia, y sin duda alguna de los productores firma un interesante contrato con la RCA Victor.

En 1939, se contacta con el destacadísimo compositor puertorriqueño Rafael Hernández, quien fue cautivado por su voz, y es invitada integrarse a su conjunto, Grupo Victoria. Con este grupo, Myrta viaja por Puerto Rico y otros países de América Latina, ese mismo año también le ofrecen un contrato para presentarse en La Habana, Cuba. Para inicios de 1940, dejó el Grupo Victoria y ejecuta con las orquestas de Moncho Usera y Armando Castro. No obstante, han sido mayormente sus presentaciones en el famosísimo Club Playa El Escambrón las que elevaron su nombre. Tal es así que su popularidad y fama y ante sus miles de seguidores la convirtieron en la artista de grabación de mayor ventas entre los años 1947 y 1949.

Corría el año de 1941, y empieza a destacar como compositora, teniendo éxito un sinnúmero de temas como: "Que sabes Tu", "Cuando Vuelvas" "Fácil de Recordar" y "En mi Soledad". Muchas de sus inspiraciones fueron llevadas al disco por los cantantes más populares del momento, entre ellos Ruth Fernández, los afamados, Olga Guillot y Daniel Santos. Pero es sin lugar a dudas, la canción "Chencha la Gamba", la que lleva a Silva al reconocimiento internacional. Su carrera como cantante progresa y su popularidad se extiende más allá de Puerto Rico y de la comunidad radicada en Nueva York. En Cuba la proclaman la artista extranjera más popular y llega a trabajar en países latinoamericanos como México, Panamá, República Dominicana, Venezuela y Perú

Su trabajo incansable como compositora continua en la década de los 70, con grandes canciones como "No te vayas de mi vida" y "Sabes una cosa cariño", popularizada en 1971 por Evelyn Souffront, a través de las ondas sonoras. Ese mismo año, Myrta regresa a la televisión en Puerto Rico y vuelve al programa "Una Hora Contigo". A finales de la década transmite un espectáculo dedicado a la música y artistas de Puerto Rico. Porque Silva además de ser una magistral compositora nacional, salpico sus canciones con sentimientos patrios nacionalistas que le ganaron adeptos y enemigos en un ambiente isleno político caldeado por el colonialismo maquillado.

Una de sus clásicas composiciones, "Esos No Son de Aquí", popularizo el sentimiento nacionalista usando humor, un ritmo pegajoso, y una letra con mensaje abiertamente pro-nacionalista. También su canción "Este Es Mi Pais" establecía directamente su nacionalidad puertorriquena ante la incipiente migración de extranjeros a la isla borincana. Por estas posturas fue controversial y vivio exilios. Sin embargo, triunfo.

Su carrera ilustre se extendió por varias décadas y cubrió un camino ancho. A lo largo de esa ruta participó con algunos de los mejores artistas de la época y tuvo un gran impacto sobre la música de Puerto Rico. El talento y sabor de Myrta terminó con un cáncer generalizado, el 2 de diciembre de 1987. Con la herencia disputada entre varios miembros de su familia, y una controversia sobre su capacidad mental para asignar herederos

THE CLEVELAND ORCHESTRA

RUSSIAN NATIONAL ORCHESTRA

ORQUESTA FILARMONICA CHECA


ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA (LONDRES)


viernes, 28 de mayo de 2010

BASILIO

Basilio Fergus Alexandre conocido artísticamente como Basilio (Panamá, 13 de octubre de 1947 - Miami, 11 de octubre de 2009) fue un cantante de origen afroamericano, que tuvo mucho éxito en las décadas 1970 y 1980. Tiene un hijo llamado Brandon Fergus, es idéntico a su padre y canta también.

Sus canciones más conocidas son Ve con él, Vivir lo nuestro, Tú ni te imaginas, Demasiado amor, Costumbres, Tanto tanto amor, Cisne cuello negro, Sueño cosas hermosas y Te llevaré una rosa, entre otros, que han sido cantadas y tocadas en todo estilo de género musical como la balada y el pop.

En mayo de 2008 tuvo un ataque cerebrovascular al llegar a Cali (Colombia) como parte de una gira de conciertos junto a otros artistas.

El 11 de octubre de 2009, el cantante fallece víctima de una bronconeumonía, en su casa en Miami, Estados Unidos. Su esposa, Patricia, lo confirmaba diciendo a la prensa: “A inicios de mayo él (Basilio) tuvo un derrame cerebral a raíz de un concierto, inició su tratamiento, en estos días tuvo una neumonía. Su desenlace fatal ocurrió cuando desayunaba por la mañana”.

JAZZ CASINO


PACO DE LUCIA

Francisco Sánchez Gomes, de nombre artístico Paco de Lucía, (Algeciras (Cádiz), 21 de diciembre de 1947), es un guitarrista flamenco español. Su segundo apellido "Gomes" es debido a su madre, Lucía Gomes, natural de Castro Marim (Portugal); de ahí el nombre de su disco Castro Marín (Universal, 1987).

Está considerado uno de los mejores maestros de la guitarra de todos los tiempos. Ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004). Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music de la Universidad de Boston, distinción concedida en mayo de 2010.

Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales

SMOKIE


JAMES BROWN

Nació el 3 de mayo de 1933, en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Sin apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por ellos a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor pero le encerraron y le juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, le soltaron y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando le acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que le lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Flamous Flames.

En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single "Please, Please, Please". En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, "Try me" y "It's a man's, man's, man's world", . El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto el teatro Apollo de Nueva York como nombre "Live at The Apollo" en el que participó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como "I've Got Money" los contraritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown.

A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como "I´ll Go Crazy", "Think" (un tema ideal para bailar 'Monkey' y 'Shake'), "Shout and Shimmy" y "Prisioner of Love". Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas del Soul, no fue sino hasta 1965 cuando con "Papa´s Got A Brand New Bag" hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarra del grande blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en "Cold Sweat" de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del Funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius 'Tenoo' Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos y máximas influencias, Little Richard y Joseph 'Smokey' Johnson quien tocó en el más claro antecedente funky pre-Brown, el tema "Trick Bag" de 1961.

El Funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del Jazz y la poliritmia de los ritmos Afrocubanos como la rumba y el mambo.

CAMARON DE LA ISLA

José Monge Cruz nació en la localidad de San Fernando, en Cádiz (España), el 5 de diciembre de 1950. Hijo de Juana Cruz Castro y Juan Luis Monge Núñez, fue el penúltimo de ocho hermanos de familia gitana. El apodo por el que es conocido le fue dado por un tío suyo, de nombre José, debido a su delgadez, pelo rubio y piel blanca, que en su opinión le hacían parecer un camarón. Por otro lado, la ciudad de San Fernando se halla ubicada en la Isla de León, por lo que es conocida como la Isla, topónimo que Camarón añadiría a la segunda parte de su apodo para formar su nombre artístico.

De niño estudió en el Colegio del Liceo, sección beneficencia, hasta que dejó la escuela para ayudar a su padre, gran aficionado al cante flamenco, en la fragua donde trabajaba. La casa de los Monge era frecuentada por los grandes cantaores de la época de toda Andalucía a su paso por San Fernando y allí el pequeño José comenzó a escuchar a artistas como Manolo Caracol o Antonio Mairena. Cuando su padre falleció a causa del asma, siendo aún muy joven, la familia pasó por apuros económicos, por lo que desde los siete años de edad Camarón comenzó a cantar en distintas tabernas y en la estación del tranvía de San Fernando. En 1958 comienza a cantar de forma esporádica en la Venta de Vargas de San Fernando. Lo hace por las tardes, ya que debido a su corta edad no se le permite asistir de noche. Allí lo escuchan por primera vez los grandes cantaores de la tierra.

En 1962, con doce años, gana el primer premio del Concurso Flamenco del Festival de Montilla (Córdoba). Empieza a extenderse su fama y se inicia como profesional en el mundo del cante en compañía de su mejor amigo de entonces, el cantaor Rancapino. Juntos frecuentan las ferias más importantes de Andalucía, demostrando su arte en las casetas en las que actúan. A partir de entonces canta junto a Dolores Vargas y la Singla, entre otros, y hace varias giras por Europa y América enrolado en la compañía de Juanito Valderrama. En 1966 gana el primer premio en el Festival del Cante Jondo de Mairena del Alcor y posteriormente se traslada a Madrid con Miguel de los Santos.

WILLIAM GONZALEZ


GIULIETTA SIMIONATO

La mezzosoprano italiana Giulietta Simionato (Forlì, Emilia-Romana, Italia, 12 de mayo de 1910 - Roma, 5 de mayo de 2010 ) fue una de las grandes voces de la ópera de postguerra. Su carrera se extendió desde los años 1930 hasta 1966. Simionato fue muy admirada por su canto vibrante en un repertorio amplio, sobresaliendo en roles dramáticos y cómicos, líricos y pesados. En la línea de grandes mezzosopranos italianas fue la sucesora de Ebe Stignani y la predecesora de Fiorenza Cossotto.

Ganó el concurso de Florencia en 1933 donde el maestro Tullio Serafin la recomendó para La Scala. Su fama se acrecentó en 1945 como Dorabella en Cosí fan tutte de Mozart en Génova y París pero su consagración llegó como Mignon en Génova con Gianandrea Gavazzeni, éxito que repitió en La Scala en 1947, donde había debutado en febrero de 1936 pero como no era miembro del partido fascista no se le otorgaron papeles importantes.

Fue solicitada por los mejores teatros de ópera del mundo, trabajaba con los directores musicales más importantes y tuvo especial empatía con las dos sopranos más destacadas y famosas de la época, Maria Callas y Renata Tebaldi, y fue admirada tanto por colegas como por el público por su calidad, sentido del humor y profesionalismo.

Compartió el escenario del Palacio de Bellas Artes con María Callas en 1950 juntas como Aida y su rival Amneris y como Adalgisa de Norma de Bellini éxito que repetirán en Covent Garden en 1953 (donde la debutante Joan Sutherland canta el pequeño rol de Clotilde), en La Scala en diciembre de 1955 junto a Mario del Monaco y en París en 1965 durante las últimas representaciones de Callas en el rol.

En 1959 debutó en la Ópera del Metropolitan. También cantó en el Festival de Edimburgo (1947), Ópera de San Francisco (1953), Teatro Nacional São Carlos (1954), Ópera Lírica de Chicago (1954-61), Liceo de Barcelona, Ópera del Estado de Viena (desde 1956), y el Festival de Salzburgo dirigida por Herbert von Karajan en Il trovatore junto a Franco Corelli y Leontyne Price en 1962.

El extenso repertorio de Simionato incluyó Rosina y Cenerentola, Charlotte, Dalila, Octaviano en El caballero de la rosa, Tancredi, Marfa, Marina, Donna Evira, Cherubino, Orfeo, Dulcinea, Ifigenia, Cornelia, Judith, Dido en Les Troyens, Carmen y Valentin de Los Hugonotes en el clamoroso revival de La Scala 1962 junto a Joan Sutherland, Ganzarolli, Nicolai Ghiaurov y Fiorenza Cossotto

ANNI FRID LYNGSTADE


KINGSTONE TRIO


ORQUESTA SINFONICA DE MEXICO


FILARMONICA DE TRANSILVANIA


ORQUESTA SINFONICA DE RTVE



ORQUESTA SINFONICA DE LA JUVENTUD VENEZOLANA


LOS CORRALEROS DE MAJAGUAL


AGUSTIN LARA Y SU ORQUESTA

Son varias las composiciones de este insigne maestro de las letras y el piano; junto a èl se forjaron otras grandes lumbreras en la musica y en el canto, disfrutemos de lo mejor de Agustin Lara:

martes, 25 de mayo de 2010

SPAS WENKOFF


ANNA TOMOWA SINTOV


BORIS CHRISTOFF

Desde niño demostró su talento en el coro de la catedral de Sofía, estudió leyes y se graduó prosiguiendo su afición por cantar en coros. Cantando en el Gusla Chorus de Sofia, obtuvo gran éxito como solista, muy impresionado con su actuación el Zar Boris lo becó a Italia en 1942 para estudiar con el legendario barítono Riccardo Stracciari.

Luego de actuar en recitales en Austria entre 1944 fue obligado por los nazis a enrolarse en sus filas pero como Christoff se negó fue internado en un campo de concentración. Llegada la liberación y fin de la guerra en 1945 hizo su debut en la Academia de Santa Cecilia romana en recital y en Reggio Calabria como Colline en La Boheme en 1946. Fue dirigido en 1949 en el Festival de Salzburgo por Herbert von Karajan, Bruno Walter y Otto Klemperer.

Se sucedieron debuts en La Scala(allí canto en 1947 el Pimen de Boris Godunov), La Fenice (en Tristán e Isolda con Maria Callas dirigido por Tullio Serafin), Roma, en Florencia (en I vespri siciliani con Maria Callas dirigidos por Erich Kleiber), Covent Garden, Liceo de Barcelona( Boris Godunov, 1952), Napoles (como Oroveso con Maria Caniglia), Verona (Lohengrin con Renata Tebaldi),Trieste, Teatro Massimo de Palermo, Cagliari, Lisboa, Río de Janeiro (Norma con Maria Callas, 1952), Bologna, Berna, Vicenza, Modena, París, Niza y el Teatro Colón de Buenos Aires en 1956 como Borís Godunov y Mefistófeles.

En La Scala cantó, entre otros, Un Requiem alemán (Brahms) con Victoria de los Ángeles, Fausto con Elisabeth Schwarzkopf, la Misa Solemnis, la Misa en do menor de Bach, el Réquiem de Verdi, Moisés de Rossini y toda su galería de grandes personajes.

En 1956 finalmente hizo su debut americano en la Ópera de San Francisco luego de que en 1950 le fuera negada la visa por pertenecer a un país integrante del entonces bloque soviético dejando sin efecto su debut planeado en el Metropolitan Opera de Nueva York (fue reemplazado por el joven bajo italiano Cesare Siepi). Actuó en la Ópera Lírica de Chicago pero nunca cantó en el gran teatro neoyorkino donde Rudolf Bing había querido inaugurar su gestión de director general con Don Carlo con Christoff como Felipe II. Cantó en Carnegie Hall y regresó a Chicago en 1963 y Boston en 1966.

En 1958 participó en la histórica producción de Don Carlo en Londres dirigida por Luchino Visconti con Gré Brouwenstijn, Fedora Barbieri, Jon Vickers y Tito Gobbi que además fue su cuñado y con quien tuvo serios altercados. En 1962 la Wiener Staatsoper como Filippo II acompañó a Sena Jurinac, Giulietta Simionato, Flaviano Labo, Eberhard Wächter y Hans Hotter.

lunes, 24 de mayo de 2010

TRIO LOS DELFINES


LOS MONTAÑESES DEL ALAMO


DANI DANIEL


DERRICK MORGAN


TRIO CARIBE


IAN GILLAN

Ian Gillan ( * 19 de agosto de 1945 (64 años) en Hounslow, Londres) es conocido por ser el cantante de la legendaria banda de hard rock británica Deep Purple.

En 1970 interpretó el papel de Jesús de Nazaret en el disco conceptual original de la ópera rock Jesucristo Superstar. Fue también, aunque de manera muy breve, vocalista de Black Sabbath, una de las grandes bandas del Heavy metal clásico.

Ian Gillan es considerado uno de los cantantes de rock más destacados e influyentes de la historia del género, pues poseía en sus inicios un rango de voz muy extenso, en el cual se movía sin aparente esfuerzo, y con mucha precisión en los registros más altos. El tema "Child in Time" de Deep Purple, y sus famosos duelos voz/guitarra junto a Ritchie Blackmore, son algunas de las muestras más significativas y sorprendentes de ello.

Gracias a sus aportes y trascendencia, Gillan es tenido como uno de los principales gestores del estilo de canto del Hard Rock, y del que a la larga sería el del Heavy Metal, y es citado como fuente de inspiración por cantantes como Bruce Dickinson (Iron Maiden), Rob Halford (Judas Priest), James LaBrie (Dream Theater), Sebastian Bach (ex Skid Row), Joe Elliott (Def Leppard) y Andi Deris (Helloween).
 

RUSH


Rush es una banda canadiense de rock progresivo formada en agosto de 1968 en el barrio de Willowdale de Toronto, Ontario. La formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al batería original, John Rutsey, antes de su primera gira estadounidense. Está integrada por el bajista, teclista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el batería y letrista Peart.

Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la ecléctica temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria y desarrollando también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales.

Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años; en sus primeros álbumes era heavy metal inspirado en el blues, después fue hard rock y rock progresivo, además de un período en el que predominó el uso de sintetizadores. Han influenciado a numerosos artistas y bandas, como Metallica, The Smashing Pumpkins y Primus, además de bandas de metal progresivo como Dream Theater y Symphony X.

En 2004, sus ventas totales a nivel mundial se estimaron en cuarenta millones de copias. Hasta 2009, la banda había vendido sólo en los Estados Unidos veinticinco millones de álbumes, según la agencia de certificación RIAA, que los sitúa en su lista de artistas con más ventas, y que les ha otorgado 24 discos de oro y 14 de platino, 3 de ellos de multiplatino (más de dos millones de copias vendidas) por los álbumes de estudio 2112 (1976), Moving Pictures (1981) y el recopilatorio doble Chronicles (1990). Según la RIAA, son también una de las bandas en obtener más certificaciones de oro o platino consecutivas detrás de bandas como The Beatles, The Rolling Stones o Aerosmith. Desde 1974 a 2010 han editado 19 álbumes de estudio, 8 álbumes en directo y 8 álbumes recopilatorios.

LEE HAZLEWOOD

Barton Lee Hazlewood, más conocido como Lee Hazlewood, fue un cantante, compositor y productor estadounidense nacido en Mannford, Oklahoma el 9 de julio de 1929 y fallecido el 4 de agosto de 2007 en Henderson cerca de Las Vegas.

En 1963 editó su primer disco como cantante, Trouble In a Lonesome Town, en el que describía su ciudad natal, Mannford. Tanto en éste como en sus siguientes álbumes incluiría temas nuevos junto a otros que había escrito anteriormente para otros artistas. En estos discos, ya estaba definido el estilo de Hazlewood, quien no tenía ningún reparo en combinar en sus canciones diferentes estilos, como el country, el jazz, el pop orquestado o posteriormente el rock psicodélico algo que unido a su profunda voz de barítono hacía que su sonido fuera fácilmente reconocible.

En 1965 comenzó a colaborar con Nancy Sinatra , para quien escribió y produjo These Boots Are Made for Walkin', canción que obtuvo un gran éxito en todo el mundo. Esta colaboración se prolongó durante varios años, llegando a producir nueve de los discos de la cantante. También grabaron varias canciones interpretadas a dúo que fueron recopiladas en el disco Nancy and Lee en el año 1968, entre ellas la popular Some Velvet Morning. En 1967 grabaron You Only Live Twice, el tema principal de Sólo se vive dos veces, la quinta película de la saga de James Bond, así como el single Something Stupid, en el que Nancy hacía un dueto con su padre Frank.

En 1969 editó The Cowboy and the Lady, donde esta vez se hizo acompañar por la actriz Ann Margret. A principios de los 70 decidió dejar los Estados Unidos para vivir entre Londres, París y Suecia, país en el que realizaría el álbum Cowboy in Sweeden en 1970.

De vuelta en EEUU, registraría su segundo disco de duetos con Nancy Sinatra, Nancy & Lee Again, que contenía su éxito Did You Ever?. Después de este disco Lee siguió grabando tanto en su país como en Suecia hasta 1977, año en el que lanzaría Back On The Street Again, su último disco hasta trece años después.

En 1993 rompería su silencio con el disco Gypsies and Indians, interpretado junto a la cantante finesa Anna Hanski, aunque sus nuevas canciones carecían de la fuerza de sus mejores años. A partir de este álbum reactivaría su carrera, editando varios álbumes más y también volviendo a los escenarios junto a Nancy, con la que la que registró su tercer disco de duetos.

En 2006 se le diagnosticó un cáncer renal terminal, lo que no impidió que grabara en ese mismo año su último LP, Cake or Death, en el que participan varios miembros de su familia y que fue su disco de despedida. Murió el 4 de agosto de 2007 a la edad de 78 años de edad.