domingo, 6 de junio de 2010

ANITA ODAY

Anita Belle Colton (Chicago, 18 de octubre de 1919 - 23 de noviembre de 2006), (Anita O'Day) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las principales voces femeninas del jazz. Su estilo es tradicional, y oscila entre el swing y el bop; tiene un gran sentido de la improvisación y del ritmo. La voz de Anita O'Day es ligeramente grave y siempre suave.

La primera aparición de Anita O'Day' en una big band rompió con la imagen tradicional de las vocalistas femeninas, situándose a un nivel similar al de los otros músicos del grupo.

Animada por su madre, entró desde muy joven en el mundo de la música a través de varios concursos en los que participaba tanto como bailarina como cantante. Tras malas experiencias en breves estancias con Benny Goodman y Raymond Scott, O'Day consiguió un puesto en la orquesta de Gene Krupa en 1941. Varias semanas más tarde, Krupa contrató al trompetista Roy Eldridge, formándose un trío que alcanzó grandes éxitos como "Let Me Off Uptown", "Boogie Blues" y "Just a Little Bit South of North Carolina". Estuvo también durante un breve periodo con Woody Herman para regresar otra vez con Krupa, hasta abandonarle otra vez en 1943. Estuvo con Stan Kenton en 1944 y, finalmente, antes de su iniciar su carrera en solitario en 1946, otra vez con Krupa.

Su carrera explosionó en 1955 con su primer disco (el primero que, además, editó VERVE) titulado Anita (o This Is Anita). Anita O'Day fue siempre mucho más apreciada en el mundo del jazz que en el del pop, y así frecuentó las actuaciones en los festivales de jazz, apareciendo junto a figuras como Louis Armstrong, Thelonious Monk y George Shearing. Su actuación en el Newport Jazz Festival de 1958 la convirtió en famosa en todo el mundo tras realizarse sobre el mismo una película titulada Jazz on a Summer's Day.

La serie de casi veinte discos para VERVE durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llenga de swing con Billy May (Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet (Anita Sings the Most), varios tradicionales con la Buddy Bregman Orchestra (Pick Yourself Up, Anita), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre (Cool Heat) e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader (Time for Two).

FRANKIE TRUMBAUER


AFRO CUBANOS

Mario Bauzá (La Habana, 1911 - Manhattan, 11 de julio de 1993) fue un músico y compositor cubano; trompeta, es conocidos sobre todo por haber sido el director musical de la orquesta de Machito (de quien era, además, cuñado) durante treinta y cinco años. Fue fundador de lo que hoy se conoce como Jazz latino.

Bauzá tocaba el clarinete en la Orquesta Filarmónica de La Habana. Sin embargo, tras viajar en 1926 a Nueva York con la orquesta de Antonio María Romeu, quedó tan impresionado por las big bands de Paul Whiteman, Fletcher Henderson y Tommy Dorsey, y por las revista musicales de Harlem, que en 1930 decidió emigrar definitivamente a Estados Unidos. Durante el viaje, se hizo amigo de Antonio Machín. Entre 1930 y 1931, fue trompetista del cuarteto de Antonio Machín y realizó con este grupo importantes grabaciones en la ciudad de New York. Como anecdota se cuenta que había aprendido a tocar la trompeta en solo dos semanas.

Sus primeros trabajos fueron con las orquestas de Cass Carr, Noble Sissle y Sam Wooding. En 1933 entró como primer trompeta en la orquesta de Chick Webb, en la que terminó como director musical. A continuación, trabajó con Don Redman y Fletcher Henderson, para finalmente quedarse con Cab Calloway.

El 3 de diciembre de 1940, debutó con Machito en el Park Plaza, una sala de baile, con los Afro-Cubans, para trabajar después durante casi cuatro años en el club La Conga. Bauzá trabaja para Machito como director artístico, encargándose de los arreglos y de la contratación de los músicos.

El estilo de los Afro-Cubans mezcla los ritmos de Cuba con rasgos de las bandas de swing y las armonías más avanzadas del bop. Gracias a ello, músicos como Dizzy Gillespie reintroducen ritmos africanos, pasados por Cuba, en el jazz.

LUISIN LANDAEZ

Luis Felipe Landáez (Higuerote, Estado Miranda, Venezuela, 1931 - Peñalolén, Santiago de Chile, 16 de noviembre de 2008), mejor conocido como Luisín Landáez, fue un cantante de cumbia venezolano que adquirió popularidad en Chile, principalmente, por sus canciones "La piragua" y "Macondo".

Nació en Higuerote, pero se mudó a la capital venezolana cuando era pequeño. De joven trabajaba en el taller mecánico de su familia, mientras que por las noches se dedicaba a la música. Comenzó su carrera profesional a los 21 años, cuando sus temas rotaban con éxito en las radioemisoras. Luego de participar en algunos grupos musicales, como los Billo's Caracas Boys y la Orquesta de Luis Alfonzo Larraín, empezó su carrera como solista a fines de los años 1950.

En 1960, salió de gira por países como Colombia, Ecuador, Perú y Chile. A este último llegó en 1962 y se unió al tour que diversos artistas de la nueva ola llevaban a cabo. Decidió radicarse en Chile y eventualmente se convirtió en un ícono musical, llegando a grabar 45 álbumes de cumbia. Fue simpatizante del presidente Salvador Allende, y se marchó de Chile tras el Golpe de Estado de 1973. Cuando la democracia se restableció a fines de los años 1980, Landáez volvió y realizó presentaciones hasta el 18 de septiembre de 2004. En diciembre de ese año, acusó a La Sonora de Tommy Rey de abaratar la profesión por cobrar $500.000 por presentación. El vocalista de la Sonora, Patricio Zuñiga, respondió a estas críticas calificando a Landáez de "viejo tonto envidioso".

El domingo 16 de noviembre de 2008, y tras permanecer dos semanas en el Hospital Doctor Luis Tisné de Peñalolén, sufrió un paro cardíaco y falleció a los 77 años. Durante su vida, se casó cinco veces y tuvo 13 hijos. Al momento de fallecer padecía de diabetes y problemas renales. Su cuerpo fue velado en la Parroquia de la La Asunción, y el martes 18 de noviembre fue sepultado en el Mausoleo de los Artistas, ubicado en el Cementerio General de Santiago.

LUCIA POP

Soprano eslovaca nacida en Ukorska Ves. En su juventud cantaba en los invernaderos de Brunn y Praga, para más tarde estudiar en la Academia de Música de Bratislava junto a Ana Hrusovska-Prosenkova. Cantante de voz excelsa, debutó con 23 años en la ópera de Bratislava, en el personaje de Reina de la Noche de la Flauta Mágica de Mozart. En 1963 Herbert Von Karajan la contrató para la Compañía del estado de Viena y ese mismo año debutó en el festival de Salzburgo. Durante los años 70 interpretó papeles de coloratura lírica, particularmente Mozart (Pamina y Susana), y en los años 80 los papeles de Wagner y de Richard Strauss. Realizó grabaciones con los más importantes directores del mundo, como Georg Solti, Raphael Frübeck de Burgos y Otto Klemperer. Además fue una extraordinaria cantante de lieders. Murió en Munich (Alemania) en 1993.

MONTSERRAT CABALLE

Soprano española de fama internacional, conocida por su gran técnica vocal y la ductilidad de su voz, así como por sus interpretaciones de Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi. Nació en Barcelona y estudió en el Liceo de su ciudad natal durante doce años con Eugenia Kenny, Napoleone Annovazi y Conchita Baddia. Ganó la medalla de oro de dicho centro en 1954. Construyó su carrera despacio pero con cimientos sólidos. Tras unirse a la Basle Opera en 1956, el abandono de una de las cantantes hizo que interpretara el papel de Mimi en La Bohéme, de Puccini con lo que obtuvo gran éxito. Se hizo con un amplio repertorio: Pamina (en La flauta mágica de Mozart), Tosca de Puccini y Aida de Verdi, entre otras. En 1959 comenzó a trabajar como primera cantante en la ópera de Bremen, donde interpretó por primera vez los papeles de Violetta (en La Traviata de Verdi) y Tatiana (en Eugene Onegin de Tchaikovsky). Más tarde debutó en La Scala como muchacha-flor en Parsifal de Wagner. Su fama ya era importante cuando debutó en México, D.F. en 1964, el mismo año en que contrajo matrimonio con el tenor Bernabé Martín. En 1965 le ofrecieron, en el Carnegie Hall de Nueva York, sustituir a Marilyn Horne en la ópera de Donizetti Lucrezia Borgia. Desde entonces han sido varias las obras de Donizetti que han visto de nuevo la luz para ser interpretadas por ella; lo mismo ha pasado con varias obras poco conocidas de Verdi. Es una de las grandes sopranos de Verdi y Donizetti. Caballé es una cantante más majestuosa que espectacular; consigue este efecto ante el público a través de su voz y su presencia. Gracias a la calidad de su voz puede interpretar tanto los papeles más dramáticos como los más románticos. El dúo con la estrella del pop Freddie Mercury en la canción "Barcelona" consiguió que su arte llegase a un nuevo público

BIRGITT NILSSON

Soprano sueca, considerada la mejor soprano wagneriana de su época. Nació cerca de Malmö, estudió canto en la Real Academia de Música de Estocolmo y debutó en 1948 con Macbeth, del compositor italiano Giuseppe Verdi. Se consagró en el ámbito internacional, en 1954, con las óperas del compositor alemán Richard Wagner en el Festival de Bayreuth, Alemania.

JUSSI BJORLING


LITLE WALTER

Little Walter o Marion Jacobs, fue un armonicista, cantante y también guitarrista de blues. Nacido en Marksville, Louisiana, Jacobs es mencionado usualmente como uno de los más grandes del blues y constructor del sonido de Chicago. Su forma de tocar la armónica fue tan revolucionaria que es directamente comparable a lo que hizo Jimi Hendrix con la guitarra o Charlie Parker con el saxo, logrando sonidos, fraseos y expresionismo a niveles inimaginados para la época, marcando un estándar para siempre.

Tentado por conocer la gran ciudad y expandir sus horizontes musicales, Walter abandonó su escuela rural en Lousiana a los 12 años. Posteriormente fue vagando por diversas localidades: New Orleans, Helena, donde conoció a Sonny Boy Williamson, Memphis, St. Louis hasta llegar finalmente a Chicago en 1946.

Jacobs era alcohólico y esto siempre le trajo problemas personales, de esta manera aceptó giras a Europa dos veces, en 1964 y 1967 para recuperar el dinero que perdía en apuestas o peleas. Murió de una trombosis cerebral en el año 1968 luego de una pelea callejera.

Su instrumental del año 1952, Juke, fue elegido como una de las 500 canciones que le dieron la forma definitiva al Rock and Roll según de la Rock & Roll Hall of Fame.

EL PICAFLOR DE LOS ANDES

Víctor Alberto Gil Mallma más conocido como Picaflor de Los Andes (* Huancayo, 8 de abril de 1930, - La Oroya, 15 de julio de 1975) cantante peruano de música vernacular, vendió aproximadamente 80 mil discos del canción "Corazón Mañoso", en 1960 obtiene su carnet de artista por la Casa de La cultura, con el nombre de "Picaflor de Los Andes", e hizo una presentación en la carpa el Coliseo Nacional.

Víctor Gil nació en la ciudad de Huancayo en 1930. Una tercera oleada de migrantes provincianos de fuerte raigambre popular y clase media empobrecía a Lima durante los años sesenta. Los pueblos jóvenes y los barrios populosos colindandtes con "La Parada" o el Mercado Mayorista recibieron a éstos provincianos que llegaban en busca de trabajo. Era una marea humana que arribaba con toda su existencia a cuestas; no sólo sus costumbres, enraizadas desde varias generaciones posteriores, sino un afán indesmayable de sobrevivencia y superación. El gran intérprete de ésta conocida y nueva manera de ser del provinciano andino en Lima, es sin duda alguna "Picaflor de los Andes". Gracias a Él, los miles de migrante se identificaban entre ellos sus triunfos, derrotas y aspiraciones. Víctor Gil Mallma y sus canciones lograron abrir las puertas de un mundo complejo y lleno de contradicciones. Gracias a su música y persona, los provincianos sacudieron en gran parte sus complejos y vergüenzas. Sus canciones era escuchadas, con nostalgia del terruño y ganas de vivir mejor, en pequeñas habitaciones que poseían las empleadas del hogar, talleres, fábricas y mercados, así como también choferes de ómnibus y camiones que viajaban por los distintos caminos del Perú. Ese multitudinario sentimiento se extendía por la gran Lima, especialmente los días domingos. Era el encuentro semanal tan ansiado: Uno se vestía con lo mejor y con algún dinero ahorrado y se dirigían a los coliseos a escuchar los huayños, a reconocer en la letra y música de esas canciones todos los sueños guardados. Entonces en el Coliseo Nacional, en el gran escenario, estaba El Picaflor de los Andes, cantando la música del centro en medio de gritos y aplausos, acompañado siempre por diversas orquestas típicas. Fue un líder indiscutible de la canción popular andina. Indentifcado con el agricultor, minero, chofer y músico, actividades que también realizó desde joven, no sólo entonaba el huayno en sí, si no los diversos motivos costumbristas del calendario agrícola y de las fiestas patronales y religiosas. El 15 de julio de 1975, en el distrito de la La Oroya víctima de una Mielitis e infarto deja de existir éste máximo exponente de la música vernacular peruana, a su entierro fueron más de 100 mil personas, todo un record para la época.

YMA SUMAC (PERU)

Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo (Ichocán, Perú, 10 de septiembre de 1922, Los Ángeles, Estados Unidos, 1 de noviembre de 2008), más conocida como Yma Sumac, transliteración del quechua Ima Sumaq ("qué linda"), fue una tiple peruana de gran éxito internacional en los años cincuenta especialmente conocida por su inusual registro vocal, que llegó a abarcar cinco octavas.

Además se destacó por su belleza y exotismo, ya que afirmaba ser una princesa inca descendiente del emperador Atahualpa. Es la única peruana que tiene su nombre inscrito en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Usando el nombre artístico de Yma Sumac grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, para el sello discográfico Odeón, era acompañada por la agrupación de Vivanco "Compañía Peruana de Arte", integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos: "A ti solita te quiero", "El Picaflor", "La Benita", "Amor", "Amor Indio", "Waraka Tusuy", "Carnaval Indio", "Un Amor", "Mi Vida y La Tuya", "Te Quiero", "Cholo Traicionero", "Wifalitay", "El Payandé", "La Sirena", "Pariwana", "Mashiringa", "Melgar", "Andina", "Punchauniquipy", "Cholitas Puneñas", "Qué Lindos Ojos", "Vírgenes del Sol", "Un Picaflor la Desangró".

Yma Sumac falleció el en Los Ángeles el 1 de noviembre de 2008 tras seis meses de lucha contra el cáncer de colón. Por deseo de la cantante y de sus parientes más cercanos fue inhumada en Hollywood, donde había pasado 60 años de su vida.

ATAULFO ARGENTA

FEDERICO MORENO TORROBA

LA ZARZUELA

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro Elías Gutiérrez.

En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenizacion de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocido como la Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama tambien zarzuelta en varios lugares del país.

La zarzuela es un subgénero de la Opereta, la opereta es una representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales. Para que una opereta pueda ser considerada zarzuela tiene que cumplir dos requisitos: que la acción se desarrolle en territorio español y que contenga algún número musical que se inspire en el folclore de alguna región española. Así La corte de faraón o los gavilanes no pueden ser consideradas zarzuelas porque no cumplen estos dos requisitos.

En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

La zarzuela se va manteniendo con estas producciones que, a veces, se ajustan a la estructura musical de una ópera italiana, gracias a autores de la talla de Francisco Alonso, José Padilla, Pablo Sorozábal, Federico Moreno Torroba, Rafael Calleja y Jacinto Guerrero. La guerra española abre un paréntesis y en la posguerra, la decadencia es casi total. No existen apenas nuevos autores para este género y no se renuevan las obras. Por otro lado, la zarzuela existente es difícil y costosa de representar y sólo aparece esporádicamente, por temporadas, durante unos pocos días o semanas.

En estos primeros años del siglo se empieza a dar el apelativo de género ínfimo a las representaciones conocidas como revistas. Son obras musicales con una conexión de ideas parecida al de la zarzuela pero más ligeras y atrevidas, con números escénicos que, en la época, se calificaron de «verdes», es decir, pícaros, de temas sexuales y con letras de doble intención, en casi todas hay "cuplés". Una de estas obras fue La Corte de Faraón, basada en la opereta francesa Madame Putiphar. La música se hizo tan popular que algunos de sus números acabaron siendo verdaderos cuplés difundidos por el público.

MARUJITA DIAZ

María del Dulce Nombre Díaz Ruiz Marujita Díaz 26 de abril de 1931 (79 años) Es una actriz y cantante española de los años cincuenta y sesenta del siglo XX.

Debutó en el teatro infantil a los 9 años y en el cine en 1947. Su voz le abre las puertas tanto del teatro como del cine. Actriz dramática con una notable vena cómica alcanzó el éxito en el cine en los años 60 gracias fundamentalmente al tirón de las comedias de esta época, por lo cual interpretaba papeles similares en sus películas.

Alterna la revista musical, la zarzuela, la TV y el cine con bastante éxito hasta los años 80. Empieza su andadura en el cine en títulos del cine folclórico como El pescador de coplas o Puebla de las mujeres, sin abandonar nunca su carrera teatral que es donde se forma como artista. Alcanzó cierto éxito con películas como Pelusa, La casta Susana o La Cumparsita.

En el teatro musical desarrolló una extensa carrera plagada de éxitos alternando diversos géneros que van desde la revista más clásica a la zarzuela de corte madrileño: A todo Color, Las 4 copas, La Princesa Alegría, La fierecilla domada, Bésame Catalina, Caridad de noche, Chorizos y polacos, Madrid, Madrid, Agua, azucarillos, y aguardiente, La Verbena de la Paloma, Revista, revista, siempre revista, Si Eva fuera española, Cantando los cuarenta, La Gran Vía, De Madrid al Cielo o El oso y el madrileño fueron sus incursiones más significativas. En televisión presentó en 1976 un programa dedicado al género de la revista titulado Música y estrellas.

Estuvo casada en dos ocasiones, primero con Espartaco Santoni, junto al que creó una productora llamada Producciones cinematográficas MD.Y posteriormente por la iglesia con Antonio Gades durante un breve período. No tiene hijos.

Conocida desde joven por su desparpajo, en los últimos tiempos su imagen pública se ha visto de nuevo en el candelero, por su afán de protagonismo y discutibles apariciones televisivas.

SALVADOR RUIZ DE LUNA

Gabriel Salvador Ruiz de Luna Arroyo (Talavera de la Reina, 18 de marzo de 1908 - Madrid, 5 de agosto de 1978) fue un compositor español, conocido sobre todo por sus bandas sonoras.

Hijo del ceramista Juan Ruiz de Luna Rojas, estudió con Pablo Luna y Conrado del Campo, con quien mantuvo una amistad incondicional durante 38 años. Fue profesor titular de la Escuela Oficial de Cinematografía y director de la sección de cinematografía de la SGAE. En 1935 realiza ballets para Carmen Amaya como El Embrujo y Un ballet con libreto de Gerardo Rivas. Es también autor de bandas sonoras de películas como El Malvado Carabel de Fernando Fernán Gómez (1955), Boda en Castilla de Manuel Augusto García Viñolas, Abuelita Charlestón (1962) con Marujita Díaz, Gayarre (1959) o Embajadores en el infierno (1959

RAUL GARCES

LOS CABALLEROS DEL TANGO

LOS PROVINCIANOS


ORQUESTA TIPICA VICTOR

Cuando a los directivos del sello discográfico se les ocurrió la formación de una orquesta que representara a la empresa, recurrieron a un pianista de formación clásica, que aún no había incursionado en el tango: Adolfo Carabelli.

Este gran artista estudió con los mejores maestros de su época y a los quince años ya daba conciertos en salas de la ciudad de Buenos Aires. Siendo muy joven viaja a Bologna, donde permanece hasta 1914. Allí cursó el liceo y continuó sus estudios musicales. El comienzo de la guerra lo devuelve a su país donde forma un pequeño conjunto de música clásica: "Trío Argentina".

En esos años conoce al pianista Lipoff, que acompañaba a la célebre bailarina Anna Pavlova, y a través suyo lo atrapa el jazz, género que recién comenzaba a difundirse.

Su primer orquesta se llamó "River Jazz Band", después, al pasar a la radio, el conjunto llevó su nombre, y la orquesta obtuvo un éxito descomunal y era demandada por todos los clubs nocturnos de la época. Por ella pasaron Eduardo Armani y Antonio Pugliese, entre otros. Graba sus primeros discos en el sello Electra y luego es contratado por la Victor como asesor musical y responsable de la formación de una orquesta típica.

Orquesta mítica del tango, que nunca actuó en público, pero que dejó, en su larga trayectoria, el recuerdo indeleble de su perfección y calidad.

La conformación de la orquesta era muy variable, los músicos eran reemplazados de continuo, pero todos ellos de excelente nivel. Es así que algunos expertos reconocen, en determinadas grabaciones, el violín de Elvino Vardaro, por ejemplo.

Otros nombres importantes que pasaron por la orquesta fueron: los bandoneones de Federico Scorticati, Carlos Marcucci y Pedro Laurenz; Orlando Carabelli, hermano del director y Nerón Ferrazzano en contrabajo; en violines, Antonio Buglione, Eduardo Armani y Eugenio Nobile. También desfilaron por la orquesta: Cayetano Puglisi, Alfredo De Franco y Aníbal Troilo, en algunas oportunidades.

JOSE PEREZ DE LA RIESTRA

Carlos José Pérez de la Riestra, conocido popularmente como Charlo (n. 6 de junio de 1907, La Pampa - † 30 de octubre de 1990, Buenos Aires), cantante, músico, pianista, actor y compositor argentino.

Nació el 6 de junio de 1907 en la estancia La Piedad, ubicada entre las estaciones ferroviarias Guatraché y Avestruces, en la provincia de La Pampa. Al no existir Registro Civil en el lugar, sus padres, humildes inmigrantes españoles, lo inscribieron apenas se instalaron en el partido de Puán, en la provincia de Buenos Aires. Cursó los estudios primarios en la Escuela Nº 1, siendo su maestra la señorita Juana Marchi, luego casada con Carlos Ramón Dobal, entre cuyos hijos figura el famoso dibujante Miguel Angel Dobal y el periodista Juan Carlos Dobal, que durante muchísimos años condujo en Bahía Blanca los noticieros de LU3 Radio del Sur.

Desde los ocho años mostró que estaba dotado para la música, por lo que por indicación paterna realizó los primeros estudios de solfeo y piano en el Conservatorio Santa Cecilia, conducido por Alejandro Leone.

El año 1926 fue de una intensa actividad, ensayaba diariamente durante cinco horas, y practicaba vocalización con su maestro de canto Enrico Castronuovo. Además grababa con Francisco Canaro, con Francisco Lomuto y como solista. Tres veces a la semana actuaba en radio, y en los fines de semana se presentaba en los principales cines de la Capital y sus alrededores

Gracias a la difusión de sus discos su voz se hizo muy popular en toda América, especialmente en los países limítrofes. Esto le abrió las puertas al exterior, y supo aprovecharlo. Primero viajó a Uruguay, contratado por la Casa "Max Gluscksmann" para inaugurar el cine "Rex" de Montevideo. Su primera gira importante comenzó en 1938, actuando con suceso en Chile. "Esta es tu oportunidad, vestite y cantá como sabés, y vas a ver que vas a matar", le había pronosticado su manager José Razzano, y tuvo razón. Actuó luego en Bolivia, Venezuela, Cuba y los Estados Unidos. Principalmente en La Habana y en Lima su éxito fue tal que lo catapultó a la fama, consagrándolo como sucesor de Gardel. En sucesivas giras siguió ampliando su éxito. En Brasil, como en los países anteriormente citados, entonó tangos, boleros y folklore. Otros lugares desde donde alcanzó reconocimiento fueron Panamá, Portugal y España. En estos dos últimos países estuvo radicado a partir de 1955, cantando a dúo con su compañera Sabina Olmos en el espectáculo "Estampas de Hispanoamérica", ofrecido por la televisión y en el casino de Estoril, y más tarde en el cine y la televisión española. De allí pasó a actuar en Francia y Bélgica, y por último, en 1956, visitó Colombia, donde fue recibido con gran suceso no sólo el músico y cantor de tangos, sino un Charlo universal intérprete de ritmos melódicos y tropicales. En esa gira compuso unos de los últimos éxitos: su "Tango en Colombia".