martes, 30 de noviembre de 2010
LOS 14 CAÑONAZOS DE LA NAVIDAD
La historia de la música popular en Colombia se vive en esta serie que ya es tradicional para las festividades decembrinas, al igual que las luces, los colores y el espíritu navideño. 14 Cañonazos Bailables, es el primer variado de Colombia
Ya es tradición en Colombia que cuando llegan las festividades del mes de diciembre, el variado 14 Cañonazos Bailables es la compañía musical imprescindible; un álbum que Discos Fuentes publica sin interrupción desde el año de 1960. Año tras año esta producción es la número uno en el gusto de quienes celebran la Navidad con buena música bailable.
La idea nació en 1960 por iniciativa de Pedro y José María Fuentes Estrada, en un año en que el ambiente musical de Colombia se encontraba liderado por Discos Fuentes y en el exterior ya empezaban a conocerse los aires tropicales, gracias a las producciones realizadas por la compañía. Pedro y José María Fuentes manifestaron su inquietud de hacer un variado y de inmediato su padre, don Antonio Fuentes, la acogió.
Se empezó a buscar un nombre para esta serie y surgió la palabra que recordaba los cañones que defendieron a la ciudad de Cartagena, cuna del fundador de la empresa. Se seleccionaron 14 temas de los que en las festividades anteriores habían sido éxito. Así nació el primer volumen de la famosa serie 14 Cañonazos Bailables, donde se incluyeron porros, cumbias, gaitas y el paseaíto que estaba en todo su furor.
Las carátulas de la serie siempre han causado gran impacto entre el público, que cada año está a la expectativa del lanzamiento. En el empaque de sus dos primeros volúmenes aparecen los cañones de Cartagena, donde nació la disquera en 1934. En la tercera, además de los cañones, se ubicó una pareja y así empieza a prevalecer la figura femenina. Es ésta la que va a conquistar el protagonismo de las futuras carátulas de la serie, algunas de ellas, bastante atrevidas para la época en que se publicaron. Por ejemplo, en 1966 apareció la primera modelo en bikini, rodeada de cañones de juguete apuntándole. Fue fotografiada por el aviador Hugo Molina, que años después moriría en un accidente aéreo. Luego de Hugo Molina, esta responsabilidad la asumió luego la hija de don Antonio Fuentes, quien por más de 12 años proporcionó la imagen de 14 Cañonazos, usando modelos de Medellín. En el volumen 20, apareció una mujer totalmente desnuda dentro de una canasta de mimbre y la imagen del cañón había desaparecido por completo. En 1977, se recurrió a imágenes de modelos internacionales, ya que la familia Fuentes se radicó en Estados Unidos.
Se volvieron a contratar modelos colombianas en 1990, cuando apareció en la portada una fotografía de Alejandro Velásquez, y desde entonces han aparecido casi veinte modelos, entre las que se cuentan Sandra Posada (Vol. 33), Diana Mondragón (Vol. 35 y 36), Ana Carolina Da Fonseca (Vol. 40), María Patricia Montoya (Vol. 41 y 42) y la periodista Carolina Abad (Vol. 38).
Como anécdota, no faltó quien se asombrara cuando vio la modelo en la realidad y como apareció en la carátula. Por ejemplo en el volumen 33, la División de Imagen de Discos Fuentes, contando con los avances tecnológicos, dio el retoque digital a la modelo aumentándole la cadera, el busto y organizándole el peinado. El traje de baño también fue cambiado en su color.
¿SABIAS?
¿Sabías que...
El árbol de Navidad, fue una costumbre originada en zonas germanas, que posteriormente se extendió por el resto de Europa y América?
¿Sabías que...
En Suecia se mantiene el arbolito adornado y con luces hasta 20 días después de la celebración de Navidad.
¿Sabías que...
Las tarjetas de Navidad se comenzaron a utilizar a partir de 1846, año en que se imprimió la primera postal en Londres?
¿Sabías que...
La Navidad como se celebra actualmente, año a año comenzó en el siglo XIX?
¿Sabías que...
Se supone que en el año 200 d.C. ya se presentaba el uso de árboles en la celebración de la Navidad. Pero el árbol decorado, se cree que recién aparece en el S. XVII; en Alemania. En 1605, un árbol fue decorado para ambientar el frío de la Navidad, costumbre que se difundió rápidamente por todo el mundo. El árbol de Navidad llegó a Finlandia en el año de 1800; a Inglaterra en 1829, y fue el príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria, quien ordenó adornar el castillo de Windsor con un árbol navideño en 1841.
domingo, 28 de noviembre de 2010
RICARDO CASTILLO
Tras iniciarse en Quetzaltenango, Ricardo Castillo tuvo la oportunidad de estudiar violín y composición en el Conservatorio de París. Pronto se hizo notar su talento para la composición, y sus primeras piezas para piano fueron publicadas en París por las casas editoriales de E. Gallet y J. Gamelle. En 1918 se casó con la joven pianista francesa Georgette Contoux, con quien se radicó en la Ciudad de Guatemala en 1922. Desde ese año hasta 1960, Castillo fue profesor en el Conservatorio Nacional, a cargo de las cátedras de Historia de la Música, Armonía, Contrapunto, Composición y Orquestación. Como compositor valoró la herencia autóctona de Guatemala, postura que compartió con su hermano Jesús Castillo. Sus obras a menudo basan sobre la mitología Maya, con un estilo musical muy personal que presenta elementos del impresionismo y neoclasicismo francés de su tiempo.
GRAND FUNK RAILROAD
Grand Funk Railroad es un grupo de música Rock estadounidense cuya base interpretativa se sostenía bajo la modalidad de Power trio, y cuyo estilo está marcado por la fusíon del Rock con el Funk y el Blues. La alineación original de Grand Funk fue muy popular durante la década de los años 1970, habiendo vendido más de 25 millones de discos y actuando en escenarios del mundo entero. También fueron galardonados 4 veces por la RIAA en 1970, caso único en cualquier grupo norteamericano en aquel año. También fueron citados como "la banda de rock and roll más fuerte del mundo". La alineación de Grand Funk usa el sobrenombre de "La banda americana", de su primer canción éxito "We're an American Band".
FREE
Free es el nombre de un grupo de rock británico formado en Londres en 1968 conocido especialmente por su popular canción "All Right Now". La banda se forma cuando el vocalista Paul Rodgers se junta con el baterista Simmon Kirke. Paul Kossoff, guitarrista principal de la banda y reverenciado guitarrista de blues-rock, muere de una insuficiencia cardia procovado con por el uso constantes de drogas en 1976 a la edad de 25 años. El grupo se hizo famoso por sus sensacionales conciertos y sus incesantes giras, aunque sus primeros álbumes de estudio tuvieron pocas ventas hasta el lanzamiento de "Fire and Water", el cual incluía su gran éxito "All Right Now". Esta canción les ayudó a asegurar su presencia en el Festival de la Isla de Wight (1970), donde tocaron para 600.000 personas. Como los propios miembros supervivientes de la banda han reconocido, los problemas personales se cruzaron en su camino y les impidieron alcanzar metas mayores, evitando quizás que alcanzaran todo su potencial.
NINI CAFARO
Erasmo Cáffaro Durán, artísticamente Niní Cáffaro (Nacido el 25 de noviembre de 1939, en la ciudad de San Pedro de Macorís) es un cantante, licenciado y ejecutivo dominicano.
Cáffaro nace del matrimonio de Alfonso Nicolás Cáffaro y Lourdes Violeta Durán Ponce de León, en San Pedro de Macorís, República Dominicana. El matrimonio procreó otros cinco hijos aparte de Niní. Estudió en el "Colegio La Milagrosa", y desde pequeño mostró afición por la música. En sus comienzos como cantante se dedicó casi exclusivamente a la música sacra.
Cáffaro comenzó presentándose en el programa La hora del moro, conducido por el compositor dominicano Rafael Solano y transmitido en el canal Rahintel. Para aquel tiempo Niní hacía una licenciatura en Finanzas en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. En 1962 realizó su primera grabación, "Violeta", canción seleccionada por los presos políticos del Movimiento 14 de Junio. Esta canción tiene autor desconocido y fue enviada a grabar por la Sra. Atala Blandino, mujer ejemplar de aquella época. En el mismo año, su primera canción popular "Ayúdame a Olvidarte", del autor Juan Lockward y "El Corazón no miente", de Juan Bruno Terraza. En 1965, Niní Cáffaro cosecha sus primeros éxitos nacionales con las canciones del maestro Solano, "En Ruinas" y "Cada Vez Más." Culminó sus estudios en 1967, dos años después de la Revolución de abril de 1965.
Su vida fue marcada por el año 1968, fecha en que, durante el primer "Festival de la Canción Popular Dominicana", interpreta la canción de Solano, "Por amor" logrando el primer lugar en aquel evento. En 1969 es el primer dominicano que asiste a un festival fuera de su país participando en el Primer Festival de la Canción Latina en el Mundo.
Desde 1969 se hace una tradición sus presentaciones en los más grandes escenarios de Nueva York, Puerto Rico, Venezuela y Haití. En 1973 logra obtener el tercer lugar en el Festival OTI, celebrado en Belo Horizonte, Brasil, con la canción "El Juicio Final", de Rafael Solano
viernes, 26 de noviembre de 2010
miércoles, 24 de noviembre de 2010
FANDANGO
El fandango es un aire popular bailable, ejecutado por una pareja, de movimiento vivo. El compás ternario, los versos octosílabos y el frecuente empleo de castañuelas marcan un estrecho parentesco con la jota. La secuencia descendente armónica más tópica (La menor, Sol mayor, Fa mayor, Mi mayor) es un motivo ostinato conocido desde finales del Barroco.
Diversos escritores románticos intentaron vincularlo a un antiguo baile sensual de los tiempos romanos conocido como cordax (también llamado iconici motus por el poeta Horacio y por el comediógrafo Plauto). El escritor de sátiras Juvenal hace una mención específica hacia el testárum crépitus (chasquear las castañuelas) que, en su expresión griega temprana, eran usadas como címbalos o platillos para dedos.
Dada la popularidad del fandango como danza de exhibición a finales del siglo XVIII y principios del XIX, no es de extrañar su presencia y arraigo en la tradición de Asturias, Castilla-La Mancha, Cataluña, Murcia, Valencia, País Vasco o Portugal. En su forma galante, el género llegó a tener cierta proyección en la tradición culta europea a través de la obra de Luigi Boccherini, el padre Antonio Soler y Domenico Scarlatti.
Desde principios del siglo XIX, el flamenco adoptó rasgos de los fandangos andaluces, dando así lugar a los llamados "fandangos aflamencaos" que son considerados hoy en día como uno de los palos flamencos fundamentales. La forma del fandango posiblemente es la que más variaciones posee como ninguna otra expresión del flamenco. La variante procedente de los bailes de candil, toma especial mención en Andévalo, Huelva, donde se presenta de manera especialmente prolija; en Málaga con sus característicos Verdiales, posiblemente el modo originario de esta clase de manifestación artística; en las provincia de Murcia, Albacete y Alicante más conocido como malagueña, y la zona de influencia granadina, caso de Almería, conocido aquí popularmente como fandanguillo. En La Alpujarra, el fandango constituye el baile típico del Trovo.
En la localidad conquense de Mota del Cuervo se baila un fandango parecido a la seguidilla pero más sencillo; el baile añade el cruce lento y la batida final de piernas con parada y cruce. Se le conoce como fandanguillo manchego.
De modo general, en el folclore portugués, el baile alterna momentos a dúo con exhibiciones alternadas de cada uno de los dos danzantes, mientras que el otro se limita a marcar el ritmo sobriamente. Dado el carácter de la danza, la expresión "Fandango" ha sido utilizada como sinónimo de ajetreo, tumulto o incluso como exhibición de maestría.
Cabe también mencionar que el término "fandango" es referido a una danza folklórica, surgida después del periodo de la conquista española, que se originó en el sur del estado de Veracruz, México, el cual tiene sus raíces principalmente en el flamenco y en danzas africanas entre otras.
CARL ORFF
Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 — Múnich, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán del neoclasicismo musical que continuó con la corriente comenzada por Ígor Stravinski (aunque este tuvo una obra ecléctica). Inventó un sistema de enseñanza musical para niños que tuvo notables resultados (Schulwerk) y se lo conoce principalmente por su obra Carmina Burana.
Orff nació en Munich, el 10 de Julio de 1895. Su familia era original de Baviera y poseía un rol activo en las Fuerzas Armadas Alemanas. Orff comenzó estudiando piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo se mostró más interesado en la composición de música original más que en el estudio orientado para ser un intérprete. Por esto mismo, Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó un cuento en una revista para niños en 1905 y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras que en su tiempo libre disfrutaba coleccionar insectos.
Para cuando era un adolescente, Orff escribió canciones aunque no había estudiado armonía ni composición, por lo que su madre lo ayudó escribiendo sus primeros trabajos en notación musical. Luego, Orff escribió sus propios textos y aprendió el arte de la composición musical, sin un profesor, mediante el estudio de las obras maestras de la música clásica.
En 1911 a la edad de 16 años, parte de la música de Orff fue publicada. Muchos de los trabajos de su juventud fueron inspirados en la poesía alemana. Y por esto mismo, se podían clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero con ciertas pistas acerca de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff.
Luego, en 1911-1912 Orff escribió Zaratustra, Op.14, un amplio trabajo para barítono, tres coros y orquesta; inspirado en la novela filosófica de Friedrich Nietzsche, Así habló Zaratustra. Luego, en 1913 compuso una ópera o drama musical titulado Gisei, das Opfer (Gisei, el sacrificio). Influenciado también por el compositor impresionista francés, Claude Debussy, comenzó a utilizar inusuales y coloridas combinaciones de instrumentos en su orquestación.
El Musik-Lexikon de Moser nos dice que Orff estudió en la Königlichen Akademie der Tonkunst (Academia de música de Munich) ahora llamada Hochschule für Musik und Theater hasta 1914. Entonces, sirvió al ejército en la Primera guerra mundial durante la cual fue gravemente herido y casi fue muerto durante un bombardeo de artillería cuando se encontraba en una trinchera. Más adelante, ocupó varios puestos en casas de ópera en Mannheim y Darmstadt, finalmente volvió a Munich a proseguir sus estudios musicales.
A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó "elementare Musik" (música elemental); el cual estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas (vocablo del cual viene el nombre Música) involucrando al tono, la danza, la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por el émigré (emigrante) Ruso-Francés Ígor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el estilo neoclásico "fresco y balanceado" de algunos trabajos de Stravinsky, habían otros como Les noces (La boda), una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda que agradaron a Orff. Entonces, el también comenzó a adaptar trabajos musicales de eras tempranas para la representación teatral en su tiempo, incluyendo la ópera de Claudio Monteverdi, Orfeo (1607). La versión alemana de Orff, Orpheus, fue puesta en escena en 1925 en Mannheim, Alemania bajo la dirección del propio Orff y usando algunos de los instrumentos que fueron utilizados en la ejecución original de 1607. Esta apasionada y declamada ópera de Monteverdi era prácticamente desconocida en los '20, sin embargo, la producción de Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta lo ridículo
Luego, desde 1925 hasta el fin de su vida, Orff fue jefe de un departamento y co-fundador de la Escuela Guenther para gimnasia, música y danza en Múnich; donde trabajó con alumnos principiantes. Aquí es donde desarrolló sus teorías en educación musical, teniendo un contacto constante con los niños. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk, donde comparte su método educativo. Previamente a escribir la Carmina Burana, Orff edita óperas del siglo XVII habiendo fundado también previamente una escuela gimnástica con Dorothee Günther en 1924.
Engelbert Humperdinck (BRITANICO)
Engelbert Humperdinck, nombre artístico de Arnold George Dorsey, es un cantante y actor británico nacido en Madras, India, el 2 de mayo de 1936.
Su primera actuación en un escenario fue a los 17 años, usando el nombre de Gerry Dorsey. Empezó a hacerse conocido con ese nombre en el Reino Unido, pero su carrera se vio interrumpida en dos oportunidades, la primera porque debió cumplir el servicio militar y más tarde cuando enfermó de tuberculosis. En 1965, para volver a escena decidió cambiar su imagen y nombre por sugerencia de su manager Gordon Mills, quien también lo era de Tom Jones. Humperdinck comenzó su carrera en Bélgica (Knokke-Cup) en 1966.YouTube - Engelbert - Dommage Dommage Su álbum "Release me" (abril de 1967) alcanza gran éxito y vende un millón de copias en Inglaterra, gracias a su actuación en un programa de televisión. Después de ese hit logra colocar otros en las listas de más vendidos acrecentando su fama. Su poderosa voz, su estilo único y particular hacen de Engelbert una de las voces más privilegiadas entre los cantantes masculinos llamados crooner. Posee más de 150 millones de discos vendidos en forma global, 64 discos de oro y 24 de platino, una estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood y 4 nominaciones al Grammy. Ha incursionado en baladas, música electrónica, gospel, country, latin music. Ha cantado en inglés, alemán, español e italiano. Ha actuado en series de televisión como Hotel, VIP, Chicago Hope, La Isla de la Fantasia, Crucero del Amor, etc. Ha participado en soundtrack de películas como Beavis And Butt Head Do América, Gagnter N°1, Romance & Cigarretes, The Last Yellow, You're Dead, Fly Me Too The Moon. Curiosamente participó doblando la voz de un personaje animado en la película australiana Tales From a Little Princes: Friends Are Forever, donde dobló al hechicero Marlon. Tiene en la actualidad cerca de 60 fans clubs en el mundo, principalmente en Estados Unidos, Europa y Australia (donde recientemente ha participado en un dueto con el grupo Trinity). En América Latina se le difunde poco. El Show de Engelbert Humperdinck de principios de los '70 marcó a varias generaciones. Solo ha estado en Argentina. En Chile se anunció su participación en el Festival de Viña Del Mar del año 2007 como jurado, pero su carrera en Las Vegas USA se lo impidió. Sin embargo posee un fans club en Brasil y en Chile la Sra. María Farías de Calama tiene la mayor colección discográfica y filmográfica del cantante (juvillaf@yahoo.com). Su última gran jugada es haber sido jurado en la edición americana de American Idol.
LUIS ABANTO MORALES (PERUANO)
Luis Abanto Morales (* Trujillo (Perú), 25 de agosto de 1923 - ) es un cantante y compositor peruano.
Nacido en Trujillo, su infancia transcurrió en Cajamarca en donde, al quedar huérfano de padre, quedó al cuidado de su abuela paterna. Sus primeros estudios los hizo en la Escuela 113. A la edad de 13 años se traslada a Lima, ciudad en la que reside hasta la actualidad.
Su actividad artística es muy extensa y se inicia en 1942 como ganador del concurso La canción de los Barrios" que organiza Radio Callao. Viajero incansable por América del Sur, Estado Unidos y algunos países de Europa, donde las colonias de peruanos lo solicitan continuamente.
Es compositor de temas criollos que hablan de la vida de las provincias y de la Sierra más específicamente. Tal vez sus temas más emblemáticos sean "Cielo Serrano", "La Pitita", "Quiéreme", "Cholo soy", entre otros.
GLORIA ESTEFAN
Gloria María Milagrosa Fajardo García Estefan (La Habana, Cuba, 1 de septiembre de 1957) es una cantante, compositora y actriz cubana.
Gloria María Fajardo García es nieta de Leonardo García de Pola de Siero, Asturias y su madre de Logroño, España. Nació en Cuba. Apenas contaba 16 meses de edad, cuando su familia tuvo que abandonar la isla por razones políticas, alojándose en Miami. Su padre, en ese tiempo era guardaespaldas de la esposa del dictador cubano Fulgencio Batista.
Tras unos años en Miami, la familia se trasladó al estado estadounidense de Texas, donde el padre de Gloria había sido destinado por ejército de los Estados Unidos, en el que había ingresado al llegar al país.
Gloria cultivó desde muy pequeña su amor a la música, en la que encontró una aliada especial durante su niñez. Encerrada en su habitación, y como un escape a la dura realidad que la rodeaba, se hacía eco de los éxitos del momento, tocándolos con su guitarra.
Con el paso de los años y con la idea de organizar un grupo musical, conoció a Emilio Estefan, con él volvería a coincidir semanas después de dicho grupo. Tras varios conciertos, el nombre del grupo cambió por el de "Miami Sound Machine".
En 1977, el grupo lanzó su primer álbum titulado Renacer/Live Again, con el que consiguieron su primer éxito titulado Renacer. Figuró durante 16 semanas en el puesto Nº 1 de las principales canciones latinas (Top Latin) de la publicación Billboard de Estados Unidos a pesar de no ser internacionales en ese entonces su música sonaba en Perú y Chile.
Gloria y Emilio se casaron en 1978, adoptando según la ley estadounidense el apellido de su esposo. En 1980 nació el primer hijo de la pareja, Nayib Estefan. Ese mismo año, falleció el padre de Gloria.
Después de su primer álbum Renacer, comenzaron a publicar sus primeros trabajos en 1978 "Miami Sound Machine", en 1979 "Imported", y en 1980, "MSM" titulado como el disco lanzado en 1978 "Miami Sound Machine". Del disco MSM salió la canción "Regresa a mi" con este un video. En estos discos se mezclaban sonidos latinos con letras en castellano y en inglés. En 1981 la discográfica transnacional CBS (hoy llamada SonyBMG) les ofreció un contrato con el que se dieron a conocer por toda Latinoamérica y publicaron varios discos más con la agrupación Miami Sound Machine.
En 1981 publicaron "Otra Vez", en 1982 "Rio" y en 1983 "A toda Máquina". Canciones como "No será fácil", "Regresa a mi", "Otra vez", "Me enamoré otra vez", "Dinguili Bangui", "A toda máquina", "Yo quiero bailar" fueron éxitos de ella antes que "Dr. Beat" en latinoamérica.
En 1984 salió el disco Eyes of Innocence , del cual se extrajo el tema Dr. Beat que fue un éxito a nivel mundial ganándose, de paso, al mercado de los Países Bajos. El disco llegó a la posición 20 de los álbumes más vendidos en este país, el disco vendió aproximadamente un millón de copias.
En 1985 lanzó Primitive Love de donde salió el tema Conga, Bad Boy entre otros. El álbum fue tan exitoso como el anterior pues se vendieron aproximadamente 5 millones de copias. Gracias a este álbum Gloria ganó dos premios American Music en 1986 el disco llegó a ser el #1 en ventas en los discos de los latinos en Estados Unidos y 21 en la lista oficial que permaneció por mucho tiempo hasta que la certificaron con triple disco de platino en este país.
En 1987 se lanzó Let It Loose , fue #1 en dos países y obtuvo el puesto 101 entre los mejores discos de la historia realizados por una artista femenina. Los sencillos 1-2-3 y Rhythm Is Gonna Get You lideraron el primer lugar en el listado US Hot Latin Tracks y el sencillo Anything For You llegó a la posición número 1 en el listado Hot 100 de la publicación Billboard y convirtiéndose así en una de las mejores canciones románticas a nivel mundial. El disco vendió 7 millones en todo el mundo.
LUCHO BARRIOS (PERU)
Luis Barrios Rojas, más conocido como Lucho Barrios (Callao, 1935 - Lima, 2010), fue un popular cantante peruano de boleros, que llegó a ser muy popular en varios países de Latinoamérica, especialmente en Chile. También fue conocido como "Mr. Marabú".
Lucho Barrios nació el 22 de abril de 1935, en el Callao, Perú, aunque vivió allí sólo hasta los 9 años, edad a la que se traslada a los Barrios Altos. Mantuvo una relación por un tiempo con la cantautora Zenobia Cáceres Sánchez. con la que tuvo dos hijos: Luis y Armando Barrios Cáceres. Tuvo una hija con la cantante ecuatoriana Mary Arauz, Angélica María Barrios Arauz, y tuvo una hija con la ex gerente general de Radio San Isidro Elsa Espejo , llamada Milagros Barrios Espejo.
En la década de 1950, aun siendo aficionado, Lucho Barrios participó en un concurso denominado "Escalera del triunfo" que se realizaba en los teatros de Lima, quedando finalista. Luego formó el trío "Los Incas", que tuvo una corta existencia.
Grabó discos sencillos con el sello disquero Smith. Fue Edith Barr quien lo ayudó a dar el gran salto internacional, al llevarlo a Radio Callao, donde conocería a Julio Jaramillo, quien quedó asombrado por su calidad vocal, y lo invitó a cantar al Ecuador. En 1957 ingresa a la Escuela Nacional de Ópera, donde se preparó hasta los 19 años, estudiando junto a Alejandro Vivanco, cuñado de Yma Sumac.
Después de mucho esfuerzo logró grabar sus primeros discos. Uno de sus primeros éxitos fue el vals Juanita. Ya con una vasta fama en Ecuador, en 1960 decide regresar al Perú donde siguió cosechando éxitos que lo llevaron al estrellato en toda América, firmando para el sello disquero de Marco Antonio Guerrero "MAG", éxitos tales como "Marabú", "Me engañas mujer", "Mentirosa", "Te alejas", "Copas de licor", "Mala", "Adúltera", "Mirando y sonriendo", "Borrasca", "Nido de amor" y muchos más.
Sus discos llegaron a toda la América. El 18 de septiembre de 1960 se presenta en la Quinta El Rosedal, Arica, Chile junto con la orquesta del Puma Valdez de Cuba, asistiendo más de mil personas en cada presentación. En 1961 volvió a Chile y en Santiago grabó su primer Long Play, creciendo aún más su fama en ese país, Argentina, México, e incluso en los Estados Unidos
martes, 16 de noviembre de 2010
AL MARTINO
Alfred Cini, conocido como Al Martino, (Filadelfia, Pensilvania, 7 de octubre de 1927, - 13 de octubre de 2009) fue un cantante y actor italoamericano.
En el portal Allmusic, el crítico musical Steve Huey escribe: "Martino fue uno de los grandes crooners del pop italiano de América, con una cadena de éxitos en sencillos y álbumes que va desde principios de la década de 1950 a mediados de la de 1970. Sin embargo, es probablemente más conocido por su papel en El Padrino como el cantante Johnny Fontane, un misterioso personaje, supuestamente basado en Frank Sinatra, pero con similitudes a la propia carrera de Martino".
De joven trabajó junto a sus hermanos como albañil en el negocio de construcción de su padre, un inmigrante italiano. Tras servir durante la Segunda Guerra Mundial en la campaña del Pacífico, obtendría su primer éxito con Here in my heart en 1952, al que seguirían muchos otros. En 1973, la reedición de su tema de 1966, Spanish Eyes, alcanzó el número 5 en el Reino Unido, devolviéndole de nuevo a la fama durante un tiempo.
Además de cantar, Martino hizo el papel de Johnny Fontane en 1972 la película El Padrino, siendo el cantante del tema de la película, Speak Softly Love, desempeñando el mismo papel en el resto de la trilogía.
Volvió a actuar en un cortometraje de Sal Stevens que recorrió distintos festivales de cine por todo el mundo en 2006.
ALEXANDER BRAILOWSKY
Brailowsky nació en Kiev, Ucrania. De niño, estudió piano con su padre, un pianista amateur. Cuando tenía 8 años, estudió en Kiev a Vladimir Puchalsky, discípulo de Theodor Leschetizky. A la edad de 18 años, asistió a Kiev Conservatorio, graduándose con medalla de oro en 1911. Él estudió con Theodor Leschetizky en Viena hasta 1914, luego con Ferruccio Busoni en Zürich, y, finalmente, con Francis Planté en París. Se convirtió en un ciudadano francés en 1926.
Brailowsky hizo su primer concierto en París en 1919.
Brailowsky programado las 160 piezas de Chopin de piano para tocar en una serie de seis conciertos. En 1924, dio un recital en París del ciclo completo de las obras de Chopin, el primero en la historia, con el piano del propio compositor para una parte del recital. A continuación, pasó a presentar una nueva treinta ciclos de música de Chopin en París, Bruselas, Zurich, Ciudad de México, Buenos Aires y Montevideo. Una gira mundial de gran éxito seguido. Brailowsky debut en Estados Unidos fue en el Aeolian Hall de Nueva York en 1924.
Realiza una gira por los Estados Unidos en 1936. Durante una serie de recitales diecinueve en Buenos Aires, nunca se repitió una sola obra. Durante la Segunda Guerra Mundial, dio recitales de la USO. En 1960, jugó de nuevo el ciclo de Chopin en París y en Bruselas en honor del 150 aniversario del nacimiento de Chopin.
Brailowsky primeras grabaciones fueron producidas en Berlín desde 1928 hasta 1934 y puesto en libertad en discos de 78 rpm. En 1938, grabó en Londres para HMV. Más tarde se produjeron los discos para el sello RCA Víctor y, en la década de 1960, para la CBS. Además de su enorme producción de Chopin, su repertorio también incluyó Rachmaninoff, Saint-Saëns, Liszt, Debussy y otros.
Brailowsky hizo su primer concierto en París en 1919.
Brailowsky programado las 160 piezas de Chopin de piano para tocar en una serie de seis conciertos. En 1924, dio un recital en París del ciclo completo de las obras de Chopin, el primero en la historia, con el piano del propio compositor para una parte del recital. A continuación, pasó a presentar una nueva treinta ciclos de música de Chopin en París, Bruselas, Zurich, Ciudad de México, Buenos Aires y Montevideo. Una gira mundial de gran éxito seguido. Brailowsky debut en Estados Unidos fue en el Aeolian Hall de Nueva York en 1924.
Realiza una gira por los Estados Unidos en 1936. Durante una serie de recitales diecinueve en Buenos Aires, nunca se repitió una sola obra. Durante la Segunda Guerra Mundial, dio recitales de la USO. En 1960, jugó de nuevo el ciclo de Chopin en París y en Bruselas en honor del 150 aniversario del nacimiento de Chopin.
Brailowsky primeras grabaciones fueron producidas en Berlín desde 1928 hasta 1934 y puesto en libertad en discos de 78 rpm. En 1938, grabó en Londres para HMV. Más tarde se produjeron los discos para el sello RCA Víctor y, en la década de 1960, para la CBS. Además de su enorme producción de Chopin, su repertorio también incluyó Rachmaninoff, Saint-Saëns, Liszt, Debussy y otros.
MARI TRINI
María Trinidad Pérez de Miravete Mille (12 de julio de 1947, Caravaca de la Cruz, Murcia - 6 de abril de 2009, Murcia), conocida artísticamente como Mari Trini, fue una cantante y compositora española.
Nació en la pedanía de Singla, del término de Caravaca de la Cruz, Murcia, España, el 12 de julio de 1947 , aunque a muy temprana edad se trasladó a Madrid con su familia, en la que no existía tradición artística.
Alumna de un colegio religioso, su infancia se vio marcada por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama desde los siete años hasta los catorce. Quizá por eso salió de su casa con ganas de libertad y en busca de amplios horizontes. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música, aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones.
Contaba quince años cuando conoció en Madrid a Nicholas Ray, director de películas como Rebelde sin causa. Ray se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca pudo realizarse. Allí permaneció un año, estudiando con Peter Ustinov y participando en algunos programas de radio.
Más tarde Mari Trini se trasladó a París, donde grabó sus primeras canciones en francés. Después de permanecer cinco años en Francia, Mari Trini regresó a España para continuar su carrera musical. Graba su primer disco en español con la discográfica RCA, en el que canta canciones de otros autores, como Luis Eduardo Aute y Patxi Andión, además de algunas compuestas por ella misma.
Sin embargo, es con su siguiente disco, Amores, grabado en 1970, con el que se dará realmente a conocer y con el que obtendrá un gran éxito. En este disco, el primero que graba con la discográfica Hispavox, se revela como excelente compositora además de intérprete, arropada por Waldo de los Ríos y Rafael Trabucchelli. Es la época en la que triunfa la factoría de cantantes procedentes del llamado "sonido Torrelaguna". En él, además de la canción que da título al disco, se encuentran temas como "Un hombre marchó", "Mañana", "Cuando me acaricias" o "Vals de otoño", ya clásicos en la carrera de Mari Trini.
Su siguiente álbum, Escúchame, incluyendo canciones como "Yo no soy ésa" o "Yo confieso", conoce similar impacto que el anterior y confirma a Mari Trini como una de las cantautoras más importantes de habla hispana.
Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: Ventanas, ¿Quién?, Transparencias o Como el rocío son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continua grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones.
En la segunda mitad de la década de los setenta, Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento. Con sus discos Sólo para ti y A mi aire, la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.
PETER HINNEN
Pedro Hinnen (nacido el 19 de septiembre 1941 en Zurich) es un yodeler Suiza y cantante.
En la década de 1950, se inició como Yodelling Peterli Hinnen su carrera en el Zurich restaurante "Kindli", donde fue descubierto por los hermanos Schmid y alienta. A Schmid trío, se enteró de que el compositor Artur Beul saber quién escribió la canción para él, "Gol". Hinnen consiguió un contrato discográfico con Polydor y tuvo entre otras apariciones en las películas de éxito de lo normal como la de 1954 en una película con Cornelia Froboess amor Channel X con la canción Ro-Ro Ro-Ro-Robinson.
En la década de 1960 se trasladó a la Ariola y continuó su carrera continúa con éxito con canciones Wild West-pop con depósitos yodel. Él fue siempre, incluso más tarde en los EE.UU. y Japón, donde fue celebrado como un rey yodel, en el traje de vaquero y se tocaba la guitarra acústica.
En mayo de 1966 encabezó una gira bajo el título "Swiss Folklore Show" a través de Checoslovaquia. Estuvo acompañado por el Sauterelles, cada carrera la final de la serie. En 1992 recibió una entrada en el Libro Guinness de los Récords, que creó con 22 sonidos de cantos tiroleses en un segundo el récord mundial en yodel rápido. Estuvo acompañado por el Cuarteto Berner "RSGM".
A mediados del decenio de 1980 se retiró del mundo del espectáculo y se mudó a una granja cerca de Wattenwil en Suiza. Tanto sus dos matrimonios y sus actividades como jefe de un spa y una enfermera en una clínica de reposo, no trajo el éxito deseado personales. Sólo a veces da un paso a la gente en varios programas de música en la radio alemana y suiza. En 1991 compuso el Ku-Ku Jodel , que en 2008 se convirtió en la tercera parte de Oesch hay de nuevo.
lunes, 8 de noviembre de 2010
LOS DEL RIO
Los del Río es un dúo musical formado por Antonio Romero Monge y Rafael Ruiz Perdigones. Iniciaron su carrera musical en la década de los 60. Su mayor éxito llegó con "Macarena" entre los años 1995 y 1997, convirtiendose en el tercer sencillo y la primera canción en Español más vendido de la hístoria de la música a nivel mundial con más de 14 millones, según media traffic.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
RITMO RANCIO
Deseamos presentar a ustedes un grupo de la madre patria: RITMO RANCIO con su estilo; digo yo entre la protesta, la historia y el reconocimiento a la musica, a la vida y a la realidad; pero vean ustedes como la toman, los invito a escuchar sus interpretaciones:
jueves, 4 de noviembre de 2010
ADESTES FIDELES
«Adeste fideles» (en español «Venid fieles todos») es un himno usado en la bendición durante la Navidad en Francia, España, Portugal e Inglaterra desde fines del siglo XVIII. Se cantaba en la misión portuguesa en Londres en 1797, por lo que todavía hoy es llamado en muchos países «El himno portugués» (Portuguese Hymn). Vincent Novello, organista de ese lugar, atribuyó la versión musical más popular a John Reading, quien fue organista en la Catedral de Winchester de 1675 a 1781, y posteriormente en la Universidad de Winchester. El himno en sí mismo ha sido atribuido a San Buenaventura, pero no se encuentra entre sus obras. Invita a los fieles a acudir a Belén a adorar al Salvador recién nacido.
Es probable que su autor sea el rey Juan IV de Portugal. «El Rey Músico» nació en 1604, fue un mecenas de la música, las artes y un sofisticado autor; mientras reinó poseía una de las mayores bibliotecas del mundo. La primera parte de su obra musical se publicó en 1649. Hizo construir una escuela de música en Vila Viçosa (Portugal) que «exportaba» músicos a España e Italia y fue allí, en su palacio, que se encontraron dos manuscritos de esta obra. Esos escritos (1640) son anteriores a la versión de 1760 hecha por Francis Wade. Entre sus escritos están la Defesa da Música Moderna (Lisboa, 1649) año en que el rey Juan IV luchó contra el Vaticano para conseguir que se aprobara la música instrumental en las iglesias. Otra famosa composición suya es la Crux fidelis, un trabajo que sique siendo popular en los servicios eclesiásticos.
miércoles, 3 de noviembre de 2010
lunes, 1 de noviembre de 2010
ANDRES SEGOVIA
Andrés Segovia Torres, I Marqués de Salobreña, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 - Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto.
Conoció la guitarra desde niño, en la ciudad de Linares, donde nació. Más tarde, criado en Granada en casa de unos tíos acomodados, aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco convertido en barbero. Ya en su adolescencia, cuando quiso encontrar un mejor maestro no lo logró, por lo que durante sus estudios de música en el Instituto de Música de Granada tuvo que continuar su aprendizaje de este instrumento de forma autodidacta.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
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