Moreno Gómez, Lolita Sevilla (Sevilla, 11 de marzo de 1935) es una tonadillera y actriz española.
Cambió su nombre contando con muy poca edad. Se hallaba actuando en el Teatro de San Fernando, la ley impedía a los menores actuar en las variedades. Prestaron o alquilaron un carnet profesional que estaba a nombre de una artista llamada Dolores Sevilla, de donde se le conoce como Lolita Sevilla
Debuta como cantante cuando tan sólo era una niña, con diez años. Con trece debuta en Madrid, con la compañía de Cipriano Díaz Chavalillos sevillanos y a los diecisiete le llega la gran oportunidad profesional al ser seleccionada por Luis García Berlanga para interpretar el papel de Carmen Vargas en Bienvenido, Mister Marshall (1952), uno de los títulos más célebres y aclamados de la historia del cine español. La película la catapulta a la popularidad y su recuerdo ha quedado invariablemente vinculado al personaje y sobre todo a su interpretación del tema central de la película, Americanos, que cincuenta años después seguía siendo un icono de la música popular y folclórica española del siglo XX.
La Chica del Barrio fue su primera película, dirigida por Ricardo Núñez , seguida de Tremolina, proviniendo de los Álvarez Quintero. El título más popular fue Malagueña interpretada con Antonio Molina.
Su trayectoria posterior no pasó de la discreción. Tras firmar un contrato con Benito Perojo, rueda otras siete películas en la década de los cincuenta e interpreta la Revista Lava la señora lava el caballero, junto a Tony Leblanc. Sin embargo, su popularidad no llega a alcanzar incluso en su momento de máximo esplendor, la de otras figuras de la época como Lola Flores, Carmen Sevilla o Paquita Rico. Posteriormente, su carrera fue languideciendo hasta su retirada definitiva de los escenarios.
viernes, 20 de agosto de 2010
LIDYA MENDOZA
Lydia Mendoza (21 mayo 1916 hasta 20 diciembre 2007) fue un guitarrista y cantante de música tejana. Ella es conocida como La Alondra de la Frontera (La Alondra de la Frontera).
Mendoza nació en una familia musical en Houston, Texas. Aprendió a cantar y tocar instrumentos de cuerda de su madre y abuela. En 1928, como parte del grupo familiar Cuarteto Carta Blanca, hizo sus primeras grabaciones para la compañía OKeh en San Antonio. En los primeros años treinta, Mendoza llamó la atención de Manuel J. Cortez, un pionero de la radiodifusión mexicana-estadounidense. Sus actuaciones en vivo de radio preparar el escenario para sus grabaciones para el sello Blue Bird en 1934. Una de sus grabaciones, "Mal Hombre", se convirtió en un éxito de noche, y dio lugar a un intenso programa de giras y grabaciones. Después de la Segunda Guerra Mundial, Mendoza inscribirse para todos los grandes sellos récord mexicano-estadounidense. Una de las pocas canciones que ella escribió personalmente, y un favorito personal, fue "Amor Bonito", dedicado a su marido. Lydia Mendoza siguió tocando y grabando hasta frenado por un derrame cerebral en 1988. En 1982, Texas se convirtió en la primera en recibir un Fondo Nacional de las Artes del Patrimonio Nacional de Becas. En 1999, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes, y en 2003, ella estaba entre el segundo grupo de beneficiarios de Texas, el Texas Cultural Trust Medalla de las Artes
FRANK POURCEL
Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 — Neuilly-sur-Seine; 12 de noviembre de 2000) fue un destacado director de orquesta francés. Es también, uno de los pocos (posiblemente el único a gran escala) directores franceses que tiene reconocimiento en los Estados Unidos.
Nació en Marseille, Francia, el 11 de agosto de 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a Carl Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los 6 años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín.
Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You".
Compuso la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico. Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París.
Nació en Marseille, Francia, el 11 de agosto de 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a Carl Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los 6 años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín.
Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You".
Compuso la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico. Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París.
LA LUPE
La Lupe fue el nombre artístico de Lupe Victoria Yolí Raymond, cantante cubana nacida el 23 de diciembre de 1939 en Santiago de Cuba y fallecida el 29 de febrero de 1992 en Nueva York.
La Lupe, también conocida como "la Reina del Latin Soul", se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos locales habaneros, una vez terminada, por exigencia paterna, su carrera de magisterio o de maestra. En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio "Yoyo" Reyes, el Trío Tropicuba, que comenzó a presentarse de forma permanente en un legendario bar de La Habana, llamado La Red. Su forma de cantar, llena de energía y con un cierto toque estrafalario, la hizo famosa casi inmediatamente en la ciudad. Prueba de ellos son sus primeros dos discos: Con el diablo en el cuerpo e Is Back.
Exiliada de Cuba, pues su forma de cantar no era bien vista por el nuevo régimen fidelista que se había implantado en el país, viajó a México y, a los pocos meses, a Nueva York, donde empezó a cantar en un bar de Midtown: La Barraca. Allí fue "descubierta" por el percusionista Mongo Santamaría, con el que grabó el disco Mongo Introduces La Lupe (1963). Ciertas desaveniencias con Santamaría fueron aprovechadas por Tico Records para formar un tándem con Tito Puente que grabó cuatro discos que tuvieron un éxito inaudito y la catapultaron al estrellato.
Más famosa que Celia Cruz en los años 60, el éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años 50, en la ciudad de los rascacielos. Ese canto arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en La Lupe su mejor exponente femenino.
Viajó por muchos países de la región y fue cartel principal en los reputados carnavales de Caracas, en los que ganó premios a la mejor cantante y llenaba el aforo de sus presentaciones. En Nueva York fue la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden, tal y como lo recuerdan muchas publicaciones, entre ellas The Village Voice.
En los años 70, sin embargo, varios factores incidieron para que su estrellato decayese. Su vida personal y sentimental era un auténtico terremoto (ella era santera y muchos de sus "mayores" se aprovechaban de su influencia y dinero; su segundo esposo, Willie García, empezó a desarrollar un cuadro esquizofrénico que la obligó a gastar ingentes sumas de dinero en tratamientos médicos), sus hábitos dispensiosos hacían que, por ejemplo, gastase los 20.000 dólares que ganaba en un concierto en un nuevo abrigo de piel. También, la consolidación de la salsa contribuyó a que sus producciones musicales fuesen perdiendo relevancia.
En 1974 el sello disquero Tico Records fue adquirido por Fania Records y sus directivos, que habían logrado que Celia Cruz se mudase a la ciudad y formase parte de las portentosas Fania All Stars, decidieron dejarla a ella en un segundo plano. Esto, además, fue fortalecido por una pelea que tuvo con Cruz, al afirmar La Lupe que el marido de la cantante, Pedro Knight, era palero. La conversación que sostuvo con la periodista fue "off the record", pero salió publicada en El Diario/La Prensa. Parece ser que Celia Cruz le dijo a Jerry Masucci (capitoste de Fania) a modo de ultimátum: "o ella o yo".
DARIO GOMEZ
Uno de los artistas populares más destacados que han nacido en Colombia, comenzó a escribir versos a los 14 años y a buscar apoyo mientras trabajaba como mecánico. Su iniciación en la interpretación ocurrió con un grupo llamado Los Legendarios, hasta lograr conformar su propio sello disquero. Desde entonces ha sido un gran impulsor de la música popular.
Ha gozado de gran fama y dinero, siendo quizá el cantante popular preferido de Colombia, y allá en los tiempos de la pernicia; predilecto en cantinas, donde sus temas suenan de principio a fin del CD y no sólo, como generalmente sucede, una o dos canciones. Ha realizado muchísimas giras mundiales, tanto que el video de Nadie es eterno fue realizado con imágenes de conciertos en Francia.
Crea su propio sello musical (DAGO), con el que lanza éxitos propios con la composición casi absoluta suya de todos los temas.
Divorciado 1 veces -- ("...por eso busqué otro amor que hiciera lo que tú no hiciste en tu lugar, sentirse propia y dueña de mi corazón, que no me impida si con ella quiero estar; me gusta hacer el amor, que a los dos la pasión nos obligue a llorar, hacer sentir lo que por ella siento yo, que no me tenga por un rato nada más") --.
"Indiscutiblemente -dice la crítica-, Darío Gómez ha sido el cantante número uno del género de despecho mundial; Basta con mencionar ‘Nadie es eterno’ para confirmarlo".
Ha gozado de gran fama y dinero, siendo quizá el cantante popular preferido de Colombia, y allá en los tiempos de la pernicia; predilecto en cantinas, donde sus temas suenan de principio a fin del CD y no sólo, como generalmente sucede, una o dos canciones. Ha realizado muchísimas giras mundiales, tanto que el video de Nadie es eterno fue realizado con imágenes de conciertos en Francia.
Crea su propio sello musical (DAGO), con el que lanza éxitos propios con la composición casi absoluta suya de todos los temas.
Divorciado 1 veces -- ("...por eso busqué otro amor que hiciera lo que tú no hiciste en tu lugar, sentirse propia y dueña de mi corazón, que no me impida si con ella quiero estar; me gusta hacer el amor, que a los dos la pasión nos obligue a llorar, hacer sentir lo que por ella siento yo, que no me tenga por un rato nada más") --.
"Indiscutiblemente -dice la crítica-, Darío Gómez ha sido el cantante número uno del género de despecho mundial; Basta con mencionar ‘Nadie es eterno’ para confirmarlo".
ORQUESTA CASINO DE LA PLAYA
La orquesta Casino de la Playa fue fundada en 1937 en la ciudad de La Habana, Cuba. Recibió ese nombre por ser la orquesta de planta del casino del mismo nombre. Esta orquesta propició un puente entre la música popular cubana y el sonido de las big bands americanas. También sirvió de plataforma para el surgimiento de grandes músicos.
A mediados de 1937, la discográfica RCA Victor realizó una serie de grabaciones en La Habana con más de 20 grupos de diferente formato. La orquesta Casino de la Playa grabó seis números, entre los que se encontraba la célebre canción Bruca Maniguá de Arsenio Rodríguez. Éste fue el primer eslabón de su proyección tanto en Cuba como en el extranjero. Entre 1937 y 1939, la orquesta grabó unas 60 canciones y realizó diversas giras por América.
En 1941, Anselmo Sacasas, director de la orquesta, y el cantante Miguelito Valdés dejan la orquesta y deciden desarrollar sus propios proyectos en los Estados Unidos. Sacasa fue sustituido por Julio Gutiérrez y, en la orquesta, se trabaja con vocalistas invitados hasta que, en el año 1945, ocupa la plaza de cantante Orlando Guerra "Cascarita". Más adelante se incorporará al piano Dámaso Pérez Prado quien no duraría mucho en el grupo y emigraría a México donde daría un impulso fundamental al género del mambo.
En 1948, Cascarita abandona el grupo y la vida de la orquesta se prolonga hasta desaparecer a fines de los años cincuenta.
MANOLO ESCOBAR
Manolo García Escobar (19 de octubre de 1931; Las Norias de Daza, El Ejido, Almería), más conocido como Manolo Escobar, es un cantante español de copla andaluza y canción española. También ha trabajado como actor en diversas películas musicales. Entre sus éxitos se encuentran Mi carro (1969) o Y viva España, del compositor belga Leo Rozenstraten.
jueves, 19 de agosto de 2010
JESUS VASQUEZ
María de Jesús Vásquez Vásquez (*Lima, 20 de diciembre de 1920 – † 3 de abril de 2010), conocida como Jesús Vásquez, fue una cantante peruana, reconocida como la Reina y Señora de la Canción Criolla, epíteto ganado en 1939.
Fue hija de don Pedro Vásquez Chávez, y de doña María Jesús Vásquez Vásquez, nacida en la céntrica calle de Pachacamilla (Hoy Jr. Huancavelica), en un callejón de propiedad de la familia Paz Soldán, en la misma calle donde está el Santuario del Señor de los Milagros de quien es fiel devota desde que tiene memoria.
Comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greyeaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar y en cada función que se transmitía semanalmente le pagaban 50 centavos. Debido al éxito las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y nocturno.
Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.
Fue hija de don Pedro Vásquez Chávez, y de doña María Jesús Vásquez Vásquez, nacida en la céntrica calle de Pachacamilla (Hoy Jr. Huancavelica), en un callejón de propiedad de la familia Paz Soldán, en la misma calle donde está el Santuario del Señor de los Milagros de quien es fiel devota desde que tiene memoria.
Comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greyeaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar y en cada función que se transmitía semanalmente le pagaban 50 centavos. Debido al éxito las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y nocturno.
Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.
JEFFERSON AIR PLANE
Jefferson Airplane fue una banda de Estados Unidos surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico.
A fines del decenio de la década del 60', Jefferson Airplane era una de las actuaciones más altamente remuneradas en todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 americano más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit")
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Kassady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady). Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
A fines del decenio de la década del 60', Jefferson Airplane era una de las actuaciones más altamente remuneradas en todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 americano más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit")
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Kassady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady). Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
STEPPENWOLF
Steppenwolf fue un grupo de rock de los años 1960 y 1970. Es famoso por sus canciones "Magic Carpet Ride" y "Born to Be Wild" (que apareció en la película de Dennis Hopper Easy Rider). Algunos de sus miembros eran de ascendencia alemana, y tomaron el nombre de la novela Steppenwolf (El lobo estepario) de Herman Hesse.
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.
Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).
En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.
El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.
La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.
Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).
En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.
El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.
La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.
THE BYRDS
El germen de los Byrds fue el trío folk acústico californiano The Jet Set de 1964, integrado por Roger McGuinn (nacido como Jim en Chicago, 1941), Gene Clark (Tipton, Misouri 1941) y David Crosby (Los Ángeles 1941).
Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk.
Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle.
Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.
Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.
Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk.
Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle.
Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.
Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.
MARTY FRIEDMAN
Friedman es un guitarrista empírico, conocido por su improvisación y por fusionar la música oriental con estilos musicales de occidente, tales como el metal neoclásico, thrash metal y más adelante el rock progresivo, J-pop, jazz, new age y similares. yendo más allá de las escalas tradicionales, Friedman frecuentemente usa arpegios en las escalas con las que toca, utilizando una técnica poco convencional de tocar las cuerdas, favoreciendo los movimientos hacia arriba. También es conocido por su uso frecuente de vibratos melódicos y extensos.
Antes de unirse a Megadeth, formo y tocó en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no se confunda con la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en Cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.
Antes de unirse a Megadeth, formo y tocó en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no se confunda con la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en Cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.
TONI MC ALPINE
Tony MacAlpine (29 de agosto de 1960 en Massachusetts) es un guitarrista estadounidense que mezcla elementos del Neo-Classical Metal y el Jazz. Además de la guitarra eléctrica es también pianista, grabando todos los teclados de sus discos solistas. Junto a Yngwie J. Malmsteen, Vinnie Moore y otros guitarristas fueron pioneros en el metal neoclásico. A lo largo de los años ha creado un estilo único que lo diferencia de otros músicos, adquiriendo fama mundial.
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
DEEP PURPLE
Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del pop y del rock progresivo. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, 1984 a 1989 y nuevamente entre 1992 a 1993 cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002
martes, 10 de agosto de 2010
EVA AYLLON
'María Angélica Ayllón Urbina, (Lima, 7 de febrero de 1956). Conocida como Eva Ayllón, es una intérprete y folclorista peruana. Interpreta géneros afro-peruanos y valses criollos.
Nacida en 1956, en Lima, fue criada en el seno de una tradicional familia limeña, encabezada por su abuela. Es devota del Señor de los Milagros. De muy joven relizaba algunos ensayos en la casa del conocido Guitarrista Javier Munaico en el distrito popular de la victoria, èl ayudò a corregir algunas posturas relacionadas a sus movimientos corporales e interpretaciòn que le han sido de mucha utilidad posteriormente en su carrera.
Cuando empieza a ser algo conocida en el àmbito de la mùsica popular, lo hace paralelamente a otras dos connotadas cantantes del Perù, la gran Maria Obregòn y Lucia de la Cruz. En 1970, comienza a trabajar en peñas criollas con marcado éxito y años más tarde se integra al grupo Los Kipus siendo la voz principal y acompañándolos a recorrer todo el Perú.
En 1979 presenta su primera producción discográfica “Esta noche… Eva Ayllón”. A partir de 1980, su arte trasciende las fronteras latinas llegando a diversas ciudades de EE. UU. Considerada como la mejor cultora de la música afroperuana, es una mujer que encanta con su voz a propios y a extraños. En base a disciplina y talento se ha convertido en una de las mejores intérpretes de la música peruana con proyección internacional. La versatilidad de su voz le permite incursionar en diversos géneros musicales, característica que la ha llevado a compartir escenario con artistas internacionales como El Gran Combo de Puerto Rico, Gilberto Santa Rosa, Soledad Pastorutti y Marc Anthony.
En Agosto del 2006, graba su más reciente producción Eva Ayllón Live From Hollywood, DVD que cuenta con tecnología de 5.1 Surround que encuentra a EVA en su esencia en vivo, contando con grandes músicos invitados como Ramón Satagnaro, Alex Acuña, Allan Phillips, Abraham Laboriel, Harry Kim, Justo Almario, Gino Gamboa , Marco Campos, Dennis Jirón, Arturo Velasco, Luis Velásquez y Melena. Junto a su grupo musical de siempre Felipe Pumarada, Leonardo "Gigio" Parodi , Rony Campos, Luis Manrique, Rosa Ayllón y Sofia Buitrón.
Nacida en 1956, en Lima, fue criada en el seno de una tradicional familia limeña, encabezada por su abuela. Es devota del Señor de los Milagros. De muy joven relizaba algunos ensayos en la casa del conocido Guitarrista Javier Munaico en el distrito popular de la victoria, èl ayudò a corregir algunas posturas relacionadas a sus movimientos corporales e interpretaciòn que le han sido de mucha utilidad posteriormente en su carrera.
Cuando empieza a ser algo conocida en el àmbito de la mùsica popular, lo hace paralelamente a otras dos connotadas cantantes del Perù, la gran Maria Obregòn y Lucia de la Cruz. En 1970, comienza a trabajar en peñas criollas con marcado éxito y años más tarde se integra al grupo Los Kipus siendo la voz principal y acompañándolos a recorrer todo el Perú.
En 1979 presenta su primera producción discográfica “Esta noche… Eva Ayllón”. A partir de 1980, su arte trasciende las fronteras latinas llegando a diversas ciudades de EE. UU. Considerada como la mejor cultora de la música afroperuana, es una mujer que encanta con su voz a propios y a extraños. En base a disciplina y talento se ha convertido en una de las mejores intérpretes de la música peruana con proyección internacional. La versatilidad de su voz le permite incursionar en diversos géneros musicales, característica que la ha llevado a compartir escenario con artistas internacionales como El Gran Combo de Puerto Rico, Gilberto Santa Rosa, Soledad Pastorutti y Marc Anthony.
En Agosto del 2006, graba su más reciente producción Eva Ayllón Live From Hollywood, DVD que cuenta con tecnología de 5.1 Surround que encuentra a EVA en su esencia en vivo, contando con grandes músicos invitados como Ramón Satagnaro, Alex Acuña, Allan Phillips, Abraham Laboriel, Harry Kim, Justo Almario, Gino Gamboa , Marco Campos, Dennis Jirón, Arturo Velasco, Luis Velásquez y Melena. Junto a su grupo musical de siempre Felipe Pumarada, Leonardo "Gigio" Parodi , Rony Campos, Luis Manrique, Rosa Ayllón y Sofia Buitrón.
ROBERT SOETENS
Robert Soetens (19 julio 1897 a 22 octubre 1997) fue un violinista francés, recordado sobre todo para estrenar el Concierto para violín N º 2 de Sergei Prokofiev en 1935.
Robert Soetens nació en Montluçon, Francia en 1897, en una familia musical de origen belga. Su padre había sido alumno de Eugène Ysaÿe. Jugó en público a los siete años, ya la edad de 11 años también estudió con Ysaÿe. A los 13 años fue admitido en el Conservatorio de París, donde estudió con Vincent d'Indy, Chevillard Camille y Lucien Capeto.
A la edad de 16 años, jugó en el estreno del Cuarteto de Cuerdas de Primera Darius Milhaud, una compañera de estudios en el Conservatorio. Abandonó el Conservatorio para inscribirse en el ejército durante la Primera Guerra Mundial En su repatriación se convirtió en líder-solista de una orquesta en Aix-les-Bains, y más tarde con orquestas en Cannes (donde André Messager fue uno de los conductores), Deauville , y Angers. También fue a jugar con regularidad en París, donde hizo amistad con otros miembros de Les Six. En 1921 se casó con la soprano Maud Laury, pero se separaron muy pronto.
En 1925 Soetens dio la primera representación de Tzigane de Maurice Ravel (en la versión revisada para violín y piano), y luego se fue en una gira por Escandinavia con Ravel. Durante los siguientes 60 años, Soetens era un virtuoso de viaje. En Bruselas, se puso en contacto con Sergei Prokofiev, que eligió Soetens y Dushkin Samuel para estrenar su Sonata para dos violines en 1932. Prokofiev estaba tan contento con el rendimiento de la Sonata que, debido a Dushkin acababa de recibir un Concierto para violín de Igor Stravinsky , escribió de inmediato su segundo Concierto para violín de Soetens, que se estrenó en Madrid el 01 de diciembre 1935, bajo Enrique Fernández Arbós. Prokofiev dio Soetens derecho exclusivo de un año para realizar el trabajo , y los dos entonces emprendió una gira de 40 conciertos en Europa y el norte de África - una ocurrencia inusual ya que Prokofiev, como pianista, rara vez para compartir una plataforma con otro solista. Soetens tocaba el concierto de los tiempos, incluyendo las dos primeras actuaciones británicas (al mando de Sir Henry J. Wood en 1936 y en el propio compositor en 1938), y concluyendo con la primera actuación en Sudáfrica en 1972.
En 1925, se convirtió en líder Soetens de la Filarmónica de Oslo, pero continuó actuando como solista en toda Europa. Hilding Rosenberg dedicó su Segunda Sonata para violín, op. 32, en Soetens en 1926. Jugó en el estreno de la Segunda Sonata para violín de Albert Roussel. Antes de su muerte, Roussel también planeaba escribir un Fantaisie para violín y orquesta de Soetens.
Soetens jugó con frecuencia en Londres en los años 1920 y 1930 y más tarde apareció en otras partes del Reino Unido. Él escribió una sonata para violín de su propia (realizada 1934). En 1942, se aceptó la posibilidad de una gira por España, que también actúa como un agente para el descanso de la Francia Libre. No ser capaz de regresar sin el permiso oficial alemana, permaneció allí hasta el final de la guerra, concertising en España, Portugal y Norte de África. Después de la guerra, él jugó en Egipto, Palestina, Líbano, Turquía y Bulgaria. En 1947-1950, realiza una gira por África, y apareció en Gran Bretaña de nuevo en 1952-53 para una gira con la Orquesta Nacional de Escocia, y una vez más en 1957. Los años 1960 a 1962 se gastaron principalmente en América del Sur, el próximo tres de Asia, los próximos cinco años en América del Norte. En 1967-68 fue profesor en la Universidad de Oberlin en Ohio. Él formó una sociedad de conciertos con la pianista búlgara Minka Roustcheva en 1966, que duró casi 30 años. En los setenta años que jugó en el sur de África, Azores, Mauricio e Irán. En 1982 dio clases magistrales y conciertos en Londres y Oxford. En 1983, de 85 años, interpretó la Sonata de Prokofiev para dos violines en un concierto para conmemorar el 30 aniversario de la muerte del compositor. Le dio una clase magistral en Trondheim, Noruega, en mayo de 1992, dos meses antes de su 95 cumpleaños. Dio su último concierto público en 1992, a la edad de 95, y murió el 22 de octubre de 1997, 100 años de edad.
SERGEI PROKOFIEV
Sergéi Sergéyevich Prokófiev (en ruso Серге́й Серге́евич Проко́фьев) (Sontsovka, 23 de abril de 1891 – Moscú, 5 de marzo de 1953) fue un compositor y pianista ruso.
Sergéi Prokófiev nació en Sóntsovka (actualmente el pueblo de Krásnoye, en el Óblast de Donetsk), Ucrania, fue hijo único. Su madre era pianista y su padre un ingeniero agrónomo relativamente acomodado.
Prokófiev demostró a temprana edad unas dotes musicales poco usuales y en 1902, cuando empezó a recibir lecciones particulares de composición, ya había compuesto algunas piezas. En cuanto dispuso de las herramientas teóricas necesarias, se puso a experimentar, sentando las bases del que sería su propio estilo musical.
Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico contra la línea nacionalista rusa. Su gran obra es Pedro y el lobo , con narrador y grandes instrumentos musicales.
De 1918 a 1933 vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus 5 Conciertos para piano y sus 5 primeras Sonatas para piano. Su obra más destacada en esta época es la Sinfonía clásica (1918). Durante los años en que vivió fuera de su país compuso para el empresario de los Ballets Rusos, Sergéi Diágilev, los ballets Chout (1921), El bufón y El paso de acero (1927), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula del dramaturgo Carlo Gozzi (autor de Turandot), y El ángel de fuego (1919). En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera.
El Concierto para violín n.º 2 en sol menor opus 63, escrito en 1935 fue estrenado el 1 de diciembre de 1935 en Madrid por el violinista francés Robert Soëtans y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós. En 1936 Prokófiev volvió a Rusia, donde siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo para narrador y orquesta (1934), Romeo y Julieta (ballet, 1936), la ópera Guerra y paz (1946), la Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kizhé (1933) y Alejandro Nevski (cantata, 1938, para la película del director soviético Sergéi Eisenstein, también destaca su trabajo musical para la película Iván el Terrible, del mismo director).
En 1947 compuso la última de sus Sonatas para piano. En total suman nueve, de las que destacan la tercera, escrita en un solo movimiento; las llamadas sonatas de guerra (la sexta, séptima y octava), compuestas durante la segunda guerra mundial; y la novena, dedicada a Sviatoslav Richter, donde se simplifica su lenguaje.
El 10 de febrero de 1948, año del decreto Zhdánov, el Politburó condenó la música «formalista», fuera de los parámetros del realismo socialista, que estaban componiendo Prokófiev, Shostakóvich y otros. Sus armonías fueron juzgadas como «cacofónicas» y tuvo que prometer que realizaría obras con mayor lirismo realista. El 20 de febrero, su mujer Lina fue acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo al norte del paralelo 67.
Ese mismo año compuso Cuento de un hombre auténtico (1948) pero fue nuevamente censurado. Cuatro años más tarde compuso la Sinfonía n.º 7, por la cual recibió el premio Stalin (1952). Prokófiev falleció en Moscú el 5 de marzo de 1953 (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950), que fue puesto en escena el año siguiente.
Después de su muerte, en 1955, se representó por primera vez, en La Fenice de Venecia, su ópera El ángel de fuego, con libreto de Valery Bryusov.
Sergéi Prokófiev nació en Sóntsovka (actualmente el pueblo de Krásnoye, en el Óblast de Donetsk), Ucrania, fue hijo único. Su madre era pianista y su padre un ingeniero agrónomo relativamente acomodado.
Prokófiev demostró a temprana edad unas dotes musicales poco usuales y en 1902, cuando empezó a recibir lecciones particulares de composición, ya había compuesto algunas piezas. En cuanto dispuso de las herramientas teóricas necesarias, se puso a experimentar, sentando las bases del que sería su propio estilo musical.
Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico contra la línea nacionalista rusa. Su gran obra es Pedro y el lobo , con narrador y grandes instrumentos musicales.
De 1918 a 1933 vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus 5 Conciertos para piano y sus 5 primeras Sonatas para piano. Su obra más destacada en esta época es la Sinfonía clásica (1918). Durante los años en que vivió fuera de su país compuso para el empresario de los Ballets Rusos, Sergéi Diágilev, los ballets Chout (1921), El bufón y El paso de acero (1927), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula del dramaturgo Carlo Gozzi (autor de Turandot), y El ángel de fuego (1919). En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera.
El Concierto para violín n.º 2 en sol menor opus 63, escrito en 1935 fue estrenado el 1 de diciembre de 1935 en Madrid por el violinista francés Robert Soëtans y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós. En 1936 Prokófiev volvió a Rusia, donde siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo para narrador y orquesta (1934), Romeo y Julieta (ballet, 1936), la ópera Guerra y paz (1946), la Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kizhé (1933) y Alejandro Nevski (cantata, 1938, para la película del director soviético Sergéi Eisenstein, también destaca su trabajo musical para la película Iván el Terrible, del mismo director).
En 1947 compuso la última de sus Sonatas para piano. En total suman nueve, de las que destacan la tercera, escrita en un solo movimiento; las llamadas sonatas de guerra (la sexta, séptima y octava), compuestas durante la segunda guerra mundial; y la novena, dedicada a Sviatoslav Richter, donde se simplifica su lenguaje.
El 10 de febrero de 1948, año del decreto Zhdánov, el Politburó condenó la música «formalista», fuera de los parámetros del realismo socialista, que estaban componiendo Prokófiev, Shostakóvich y otros. Sus armonías fueron juzgadas como «cacofónicas» y tuvo que prometer que realizaría obras con mayor lirismo realista. El 20 de febrero, su mujer Lina fue acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo al norte del paralelo 67.
Ese mismo año compuso Cuento de un hombre auténtico (1948) pero fue nuevamente censurado. Cuatro años más tarde compuso la Sinfonía n.º 7, por la cual recibió el premio Stalin (1952). Prokófiev falleció en Moscú el 5 de marzo de 1953 (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950), que fue puesto en escena el año siguiente.
Después de su muerte, en 1955, se representó por primera vez, en La Fenice de Venecia, su ópera El ángel de fuego, con libreto de Valery Bryusov.
MODEST MUSSORGSKY
Modest Petróvich Mussorgsky, en ruso: Модест Петрович Мусоргский (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881), fue un compositor ruso. Nótese que su nombre se pronuncia Modést y no Módest.
Modest Mussorgsky nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano, que se utilizó en Rusia hasta 1918), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Mussorgsky como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Modest Mussorgsky, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.
Mussorgsky cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre. El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Mussorgsky pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce. Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir los 42 años de edad.
CHARLES GOUNOD
Charles François Gounod (18 de junio de 1818 - † 18 de octubre de 1893), fue un compositor francés. Gounod se conoce sobre todo como el autor de la ópera Fausto y del famoso Ave María, basado en la música del primer preludio del Clave Bien Temperado de Juan Sebastián Bach. En vida, sin embargo, se distinguió como uno de los más prolíficos y respetados compositores franceses. Su catálogo incluye obras en todos los géneros, tanto sacras como profanas.
Su influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo "necesario" en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano.
Gounod compuso el himno de la Ciudad del Vaticano. Destacó tanto en su obra operística como en la religiosa. De la primera producción destaca su Faust y de la religiosa su inmortal Ave María, en esta última faceta se encuadra el himno. En lo personal fue de gran religiosidad hasta el punto de querer convertirse en sacerdote. tambien se le conoce como vagh gound
MARCHA PROCESIONAL
Una marcha procesional es la música utilizada para acompañar los desfiles procesionales. Es un género musical que debe contar con unos requisitos de estructura y estilo o carácter; la estructura hace referencia a la forma musical conocida como marcha, la cual consta de tema, desarrollo, trío y reexposición del tema, pudiendo en ocasiones contar con una introducción y una coda. El estilo o carácter queda fijado por el compás, el ritmo, el tempo y la adaptación y adecuación al acto para el que ha sido concebida la obra, la procesión.
La marcha procesional goza de gran popularidad en España y en otros países como Italia y Guatemala, y forma parte del repertorio musical de las bandas de música.
La marcha procesional enraíza en la segunda mitad del siglo XIX y lo hace bajo el concepto de marcha fúnebre, forma musical muy recurrida durante dicha centuria, albergada bajo la corriente estilista del Romanticismo. De ella emanaron grandes composiciones que posteriormente, y debido al escaso repertorio a que tuvieron que enfrentarse las primeras bandas de música, fueron adaptadas, siendo tocadas en las procesiones de Semana Santa, continuando hoy en día, vigentes en algunos lugares. Este es el caso del segundo movimiento de la Tercera Sinfonía de Beethoven; de la marcha fúnebre que Frédéric Chopin compuso para el segundo movimiento de su Sonata para piano n.º 2; la marcha fúnebre de Sigfrido de la ópera El Ocaso de los Dioses de Richard Wagner; la marcha Juana de Arco de Gounod; las marchas fúnebres de Schubert; o el «Adiós a la vida» de la ópera Tosca de Giacomo Puccini; entre otras.
Pero muy pronto comenzarían a aparecer las primeras marchas fúnebres compuestas específicamente para cofradías y hermandades.
Aunque aún hoy queda mucho por investigar, se considera a José Gabaldá Bel, quien fuera director de la Banda de la Guardia Real en Madrid, uno de los primeros autores en componer expresamente música para la Semana Santa. Su serie de marchas fúnebres, entre las que se encuentran las tituladas «El llanto» o «Soledad», acompañan a la adaptación de la marcha fúnebre de la ópera Ione del maestro Enrico Petrella.
Pronto tomaría la alternativa Andalucía. Así, aunque existen referencias que apuntan a la existencia de marchas fúnebres ya en la segunda mitad del XIX, según los documentos existentes, es la marcha fúnebre compuesta por el cordobés Rafael Cebreros para la Semana Santa de Sevilla, y que se publicó en 1874. En 1876, y en Cádiz, Eduardo López Juarranz, compone la marcha fúnebre «¡Piedad!» en honor a la corporación del mismo nombre de esta ciudad. En años sucesivos, Juarranz, acometería nuevas marchas, entre la que destaca «Pobre Carmen», común en innumerables ciudades españolas.
En Córdoba, Eduardo Lucena Vallejo, músico destacado del romanticismo andaluz, compone, en 1883 «Un recuerdo», marcha dedicada expresamente al Ayuntamiento de Córdoba, siendo director de la Banda Municipal de esta ciudad andaluza, formación en la que el propio Lucena, Cipriano Martínez Rücker y Juan Antonio Gómez Navarro, dejaron un curioso e importante catálogo de marchas fúnebres.
Pero, si hay una época dentro del siglo XIX que resultó verdaderamente prolífica, esta fue la década de los noventa, saliendo a la luz marchas como «El Señor de Pasión» de Ramón González, compuesta en Sevilla en 1897; «El destierro» de Vicente Victoria Valls, compuesta en 1891 en la ciudad de Cartagena; «Pange Lingua» y «Sacris Solemnis» compuestas en 1898 en San Fernando por Camilo Pérez Montllor; o «Virgen del Valle», compuesta por Vicente Gómez Zarzuela en 1898 y «Quinta Angustia», compuesta por José Font Marimont en 1895. Ambas marcarían el estilo de otras muchas composiciones que le precederían. Ya desde esta época tan temprana, algunas de ellas comenzarían a introducir melodías que se pueden denominar «alegres» dentro del patetismo propio de la marcha fúnebre. Así es el caso de las mencionadas «Pobre Carmen», «Un Recuerdo» o «El Señor de Pasión».
Aunque como ya se ha mencionado, existe un punto de inflexión personificado en Sevilla en Vicente Gómez Zarzuela y en la saga de los Font; en otros lugares de España como Cartagena, Madrid e incluso Canarias, donde, en la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, Santiago Tejera Ossavarry, compone la marcha titulada «La Espada del Dolor»; se continuaba componiendo siguiendo estrictamente la estética establecida por la marcha fúnebre, es decir, haciendo caso omiso a lo establecido por «Virgen del Valle». Es en este momento cuando el género comienza a desarrollarse, adquiriendo personalidad propia, y haciendo que las bandas militares se constituyan como referente en este estilo musical.
Banda Primitiva de Llíria en el Palau de la Música de Valencia.Los años veinte serían testigos de la aparición de la revista musical Harmonía, fundada por el empresario y músico guipuzcoano Mariano San Miguel Urcelay, y autor de dos piezas que dejarían clara la maestría de su autor, «Mektub», compuesta en 1925, y «El héroe muerto», que data de 1929. A su revista acudirían a enriquecer sus repertorios las bandas, surtiéndose de piezas famosas y desconocidas.
Es en este momento, 1929, cuando surge una de las marchas que hoy por hoy goza de mayor popularidad. Se trata de «Rocío», marcha que aunque no puede ser calificada como original, fue compuesta por Manuel Ruiz Vidriet, y dedicada a la Virgen del Rocío de Almonte, sirviéndose de una melodía mexicana, la canción «La peregrina», y de parte de una composición original de Joaquín Turina Pérez, perteneciente a su poema sinfónico «La Procesión del Rocío».
De igual manera, en el primer tercio del siglo XX se produce un hecho verdaderamente curioso, la aparición de las primeras marchas para bandas de cornetas y tambores, y el surgimiento de los primeros poemas sinfónicos en forma de marchas fúnebres, dos aspectos diametralmente opuesto.
WARREN HEYNES
Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista estadounidense de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov't Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov't Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks
DENIIS CHAMBERS
Dennis Chambers (nacido en 9 de mayo de 1959) es un estadounidense baterista que ha grabado y actuado con John Scofield, Carl Filipiak, Steely Dan, Carlos Santana, Parliament / Funkadelic, John McLaughlin, Niacin, Mike Stern, Victor Wooten & Greg Howe (con los que editó el CD "Extraction") y muchos otros. A pesar de una total falta de entrenamiento formal, Chambers ha pasado a ser notoriamente conocido entre los bateristas por su impresionante técnica, velocidad y solidez. Chambers es especialmente considerado por su capacidad de tocar "en el bolsillo", pero también puede estirar muy lejos de los de bolsillo que también es un sello distintivo de su técnica. Chambers exhibe un estilo poderoso que es técnicamente competente, pero muy musical y orientada hacia la improvisación. Él puede tocar en una amplia variedad de géneros musicales, pero es tal vez más notable dentro del Jazz Fusion, Funk y Música Latina
Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.
Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.
lunes, 9 de agosto de 2010
LINDA RONSTADT
Linda Ronstadt conocida también por el sobrenombre de La Reina del Rock o la Primera Dama del Rock (Linda Susan Marie Ronstadt) nacida el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona, es una cantante estadounidense, cercanamente asociada al género country y rock prevalente en la década de 1970; pero se la conoce mejor por interpretar canciones de otros autores.
Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi. Su biografía de la página web Rolling Stone dice:
No tiene éxito en cada estilo que prueba, pero eso no le ha impedido explorar nuevas avenidas... Echa un vistazo a sus grabaciones a trío con Emmylou Harris y Dolly Parton; son la escucha esencial para admiradores de todo tipo de música.
Su éxito está relacionado con su propio talento y por la influencia que obtuvo de artistas como: Emmylou Harris, Dolly Parton, J.D. Souther, The Eagles, Andrew Gold, Kate and Anna McGarrigle, Paul Simon, Mark Goldenberg, Karla Bonoff, Aaron Neville, James Taylor, Warren Zevon, Maria Muldaur, Nicolette Larson y Elvis Costello. Su reputación a través de la década de 1970 la obtuvo trabajando con algunos de los músicos más respetados del rock contemporáneo y por tener su fuerte y propio sentido de la disciplina.
Algunos de sus éxitos mejor conocidos son versiones de canciones de: Zevon, Costello, Souther, the Rolling Stones, Mel Tillis, Tom Petty & the Heartbreakers, the Everly Brothers, George Jones, the Flying Burrito Brothers, Little Feat, Neil Young, the Miracles, Betty Everett y Buddy Holly and the Crickets.
Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi. Su biografía de la página web Rolling Stone dice:
No tiene éxito en cada estilo que prueba, pero eso no le ha impedido explorar nuevas avenidas... Echa un vistazo a sus grabaciones a trío con Emmylou Harris y Dolly Parton; son la escucha esencial para admiradores de todo tipo de música.
Su éxito está relacionado con su propio talento y por la influencia que obtuvo de artistas como: Emmylou Harris, Dolly Parton, J.D. Souther, The Eagles, Andrew Gold, Kate and Anna McGarrigle, Paul Simon, Mark Goldenberg, Karla Bonoff, Aaron Neville, James Taylor, Warren Zevon, Maria Muldaur, Nicolette Larson y Elvis Costello. Su reputación a través de la década de 1970 la obtuvo trabajando con algunos de los músicos más respetados del rock contemporáneo y por tener su fuerte y propio sentido de la disciplina.
Algunos de sus éxitos mejor conocidos son versiones de canciones de: Zevon, Costello, Souther, the Rolling Stones, Mel Tillis, Tom Petty & the Heartbreakers, the Everly Brothers, George Jones, the Flying Burrito Brothers, Little Feat, Neil Young, the Miracles, Betty Everett y Buddy Holly and the Crickets.
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