lunes, 21 de junio de 2010
LOS SHAINS
Los Shain's es una banda de rock & roll peruana formada en 1964. Fue una de las bandas más importantes de la "época dorada" del rock peruano. La banda estaba integrada originalmente por: Gerardo Manuel, Enrique Ego Aguirre, Hernan Chocano, Alexei Kotrisky Pereira, Julio Chavez Cabello, Pedro Pajuelo y Lynn Striclin. En 1969 la banda se disuelve con la salida de Gerardo Manuel. Ego Aguirre continuó con la banda bajo el nombre de "Los Nuevos Shain's". Sin embargo, la banda original decidió reunirse a mediados del 2005 para realizar una serie de conciertos. Debido al éxito de este regreso, han decidido continuar con la producción de nuevos álbumes.
LOS TIOS QUERIDOS
LOS TÍOS QUERIDOS: Grupo formado por Joe Borsani, dos hermanas muy bonitas de apellido Motti y otro muchacho conocido como Roko. Empezaron apadrinados por Palito Ortega, a quien hacían los coros en sus presentaciones y grabaciones. Después del primer LP se alejó Roko, reemplazado por Sergio Lara. Tuvieron varios éxitos, hasta que las chicas se fueron y empezó una serie de cambios que los perjudicó. Temas: "Corazón Loco", "Extiéndete Que Me Encontrarás", “El Globo Rojo”, “Luces de la Ciudad”, “Si me Ves Volar”, “Voy a Pintar las Paredes con tu Nombre”, "Es Mejor", “Me Voy a Morder la Lengua”.
BANDA SMASH
Smash fue un grupo español de blues-rock y de rock progresivo y psicodélico, originarios de Sevilla y pioneros del rock andaluz, que estuvo activo entre 1968 y 1973.
La banda empezó su actividad en 1968 y se hizo pronto conocida en el ambiente underground español. A la publicación de varios singles le siguió la de dos LPs, Glorieta de los lotos (1970) y We come to smash this time (1971).
Bajo la producción de Alain Milhaud, el grupo renovó su sonido a finales de 1971, integrando al cantante y guitarrista flamenco Manuel Molina (miembro después del dúo Lole y Manuel). El sencillo El garrotín, construido sobre el palo flamenco del mismo nombre, con letra en castellano e inglés, fue un gran éxito comercial. El grupo exploró este nuevo camino en varias canciones, que fueron recopiladas en 1978 como cara A del Lp Vanguardia y pureza del flamenco (cuya cara B presentaba al cantaor Agujetas con el guitarrista Manolo Sanlúcar).
La banda empezó su actividad en 1968 y se hizo pronto conocida en el ambiente underground español. A la publicación de varios singles le siguió la de dos LPs, Glorieta de los lotos (1970) y We come to smash this time (1971).
Bajo la producción de Alain Milhaud, el grupo renovó su sonido a finales de 1971, integrando al cantante y guitarrista flamenco Manuel Molina (miembro después del dúo Lole y Manuel). El sencillo El garrotín, construido sobre el palo flamenco del mismo nombre, con letra en castellano e inglés, fue un gran éxito comercial. El grupo exploró este nuevo camino en varias canciones, que fueron recopiladas en 1978 como cara A del Lp Vanguardia y pureza del flamenco (cuya cara B presentaba al cantaor Agujetas con el guitarrista Manolo Sanlúcar).
RAFFAELLA CARRÀ
Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión. Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
LUCIO BATTISTI
Lucio Battisti (Poggio Bustone, provincia de Rieti, 5 de marzo de 1943 – Milán, 9 de septiembre de 1998) fue un músico, compositor y cantante italiano. Sus comienzos a mediados de los años 60 fueron como compositor de canciones para otros artistas. De los textos de las canciones se encargaba el letrista Mogol. En 1966 grabó su primer sencillo, Per una lira. Muchas de sus canciones fueron grabadas, tanto entonces como a lo largo de los años posteriores, por innumerables cantantes y grupos, tanto italianos como extranjeros, tales como Mina Mazzini, Paolo Meneguzzi, I Camaleonti, Patty Pravo, Dik Dik, Antonio Zabaleta, Dyango, Fedra,Gypsy Kings, Ricardo Montaner, Laura Pausini, Emmanuel, etc
LITTO NEBBIA
JUAN & JUNIOR
Juan y Junior, dúo musical español.Sus integrantes son Juan Pardo Suárez (1942, Palma de Mallorca) y Antonio Morales Barretto "Junior" (1943, Filipinas). Juntos comenzaron su carrera primero en Los Pekenikes y posteriormente en Los Brincos en los años 60. En octubre de 1967 formaron el dúo Juan y Junior. Su discografía es breve (tan sólo 6 sencillos) pero llena de éxitos.
Cabe reseñar que la canción A dos niñas fue creada pensando en Rocío Dúrcal y Marisol. Posteriormente, Junior se casaría con Rocío Dúrcal, siendo una pareja muy sólida, tres hijos (la mayor, Carmen Morales, actriz), hasta el fallecimiento de Rocío en marzo de 2006.
En 1968 se encargarían de componer toda la banda sonora y temas musicales de la película Solos los dos, dirigida por Luis Lucía Mingarro y protagonizada por Marisol y Sebastián Palomo Linares. El último éxito fue Anduriña, balada que emocionaría al pintor Pablo Picasso hasta el punto de ofrecer uno de sus grabados para ilustrar su funda.
Un incidente ocurrido cuando Juan, en ausencia de Junior, trata de corregir una grabación con su voz en lugar de la de su compañero, fue el desecandenante de su extinción como dúo, tomando cada uno de ellos carreras en solitario: breve la de Junior y más larga la de Juan Pardo (con éxitos como La Charanga, Mi Guitarra, María Magdalena...) además de su labor como productor.
Cabe reseñar que la canción A dos niñas fue creada pensando en Rocío Dúrcal y Marisol. Posteriormente, Junior se casaría con Rocío Dúrcal, siendo una pareja muy sólida, tres hijos (la mayor, Carmen Morales, actriz), hasta el fallecimiento de Rocío en marzo de 2006.
En 1968 se encargarían de componer toda la banda sonora y temas musicales de la película Solos los dos, dirigida por Luis Lucía Mingarro y protagonizada por Marisol y Sebastián Palomo Linares. El último éxito fue Anduriña, balada que emocionaría al pintor Pablo Picasso hasta el punto de ofrecer uno de sus grabados para ilustrar su funda.
Un incidente ocurrido cuando Juan, en ausencia de Junior, trata de corregir una grabación con su voz en lugar de la de su compañero, fue el desecandenante de su extinción como dúo, tomando cada uno de ellos carreras en solitario: breve la de Junior y más larga la de Juan Pardo (con éxitos como La Charanga, Mi Guitarra, María Magdalena...) además de su labor como productor.
LA JOVEN GUARDIA
La joven guardia fue un grupo musical argentino de la década de 1960. Fundado e integrado por los músicos Félix Pando siendo hoy un exitoso productor musical y discográfico radicado en los Estados Unidos, Hiacho Lezica fallecido en 1980, Roque Narvaja que sigue aun con su carrera artística como solista, y Enrique Masllorenz actualmente subgerente de Relaciones Institucionales del canal 7 en la Argentina.
La Joven Guardia fue uno de los grupos pioneros y pilares de la música beat y rock en la Argentina, contemporánea de Los Gatos y tildada justamente como comercial, llena de éxitos entre ellos El extraño del pelo largo, La extraña de las botas rosas, La reina de la canción, En el pueblo de San Esteban y otras canciones que marcaron una época, composiciones que albergan letras con contenido comprometido para una Argentina donde estaba prohibido decir, mientras otras bandas recogían éxitos con música y mensajes mas complacientes.
La joven guardia.La agrupación siguió presentándose con algunos cambios en sus integrantes hasta el año 1978 con el baterista Hiacho Lezica como único integrante original, desde ese entonces no se han vuelto a reunir.
La Joven Guardia fue uno de los grupos pioneros y pilares de la música beat y rock en la Argentina, contemporánea de Los Gatos y tildada justamente como comercial, llena de éxitos entre ellos El extraño del pelo largo, La extraña de las botas rosas, La reina de la canción, En el pueblo de San Esteban y otras canciones que marcaron una época, composiciones que albergan letras con contenido comprometido para una Argentina donde estaba prohibido decir, mientras otras bandas recogían éxitos con música y mensajes mas complacientes.
La joven guardia.La agrupación siguió presentándose con algunos cambios en sus integrantes hasta el año 1978 con el baterista Hiacho Lezica como único integrante original, desde ese entonces no se han vuelto a reunir.
FERNANDO UBIERGO
Fernando Ubiergo (* Valparaíso, Chile, 8 de febrero de 1955) es un cantor y músico chileno, destacado por un trabajo musical creativo desarrollado en más de treinta años de carrera, que incluye triunfos en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, el Festival de Benidorm y el Festival de la OTI, entre otros logros. La crítica ha premiado de manera casi constante sus líricas sencillas y profundas, y, además, se ha ganado la admiración de diversas generaciones de chilenos y latinoamericanos por su estilo de narración musical.[1] Actualmente renunció a ser presidente de la SCD, dedicándose a su carrera completamente, logrando un triunfo más en el Festival de Viña del Mar de Febrero de 2009, Presidiendo el Jurado, el público lo premio con antorcha y gaviotas de Plata y Oro
domingo, 20 de junio de 2010
FACUNDO CABRAL
En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba folklore, admiraba a Atahualpa Yupanqui y José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones eran "comerciales" y no tuvieron mayor repercusión. Luego presentó con su apellido verdadero.
En 1970, grabó No soy de aquí, ni soy de allá y su nombre es conocido alrededor del mundo, graba en nueve idiomas con cantantes de la talla de Alberto Cortez, Julio Iglesias, Pedro Vargas y Neil Diamond entre otros.
Influenciado en lo espiritual por Jesús, Gandhi y La Madre Teresa de Calcuta, en literatura por Jorge Luis Borges y Walt Whitman, imprimió a su vida un rumbo espiritual de observación constante a todo lo que le ocurría, no se conformó con lo que veía y su carrera como cantautor tomó el rumbo de la crítica social, sin abandonar su habitual sentido del humor.
En 1976, enmarcado como cantautor de protesta, dejó Argentina por la situación interna. Se radicó en México, donde continúa componiendo y peregrinando, nómada incansable, llevó su pensamiento y su arte alrededor del mundo (se estima que ha recorrido 159 países).
En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Luna Park, espacio reservado para los grandes. Siguió por Mar del Plata, donde cada noche cantaba para seis mil personas. En 1987, llenó el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para cincuenta mil personas.
Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” entrelazando humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos. En enero de 1996, actuaban en Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser llevado a una intervención quirúrgica debido a una obstrucción en la carótida, (hoy ya restablecido), Cabral continuó con la gira.
DE TROVA CON LEOPOLDO FERNANDEZ (TRES PATINES)
Leopoldo Fernández Salgado (*Jagüey Grande, Cuba, 26 de diciembre de 1904 - † Miami, 11 de noviembre de 1985) fue un humorista cubano, creador e intérprete del personaje José Candelario Tres Patines, del programa radial La Tremenda Corte, que aún en la actualidad se difunde tanto en la radio como en VHS y DVD.
Desde muy joven dejó los estudios para contribuir al sustento de su familia. Fue repartidor de pan, luego se hizo telegrafista, tabaquero, lector de tabaquería, hasta que en 1926 funda junto a algunos amigos una compañía teatral. En ese mismo año es contratado para una gira nacional con Blanquita Gómez. Al terminar la gira vuelve a su ciudad natal para reincorporarse a su compañía, y viaja a La Habana donde conoce a Candita Quintana, Federico Piñero, Alberto Garrido y a Mimí Cal, quien sería la Nananina de La Tremenda Corte y quien fuera su esposa durante dieciséis años. Sus actuaciones lo llevaron a países como Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Perú, Panamá y la República Dominicana donde todavía se escucha diariamente la Tremenda Corte. También actuó en algunas películas.
Su mayor éxito es en La Tremenda Corte, inaugurado en 1941 y cuyo éxito se mantiene en la actualidad. Fue también creador del personaje Pototo que apareció en El show de Cutipín y Cutipón de la televisión. El personaje del señor juez en la Tremenda Corte y el de Filomeno fue representado magistralmente por Aníbal de Mar. Leopoldo y Aníbal también desarrolaron carrera como cantantes de humor, acompañados por la Orquesta Melodías del Cuarenta.
En 1959 llega primero a México y después a Puerto Rico participando en teatro, televisión y cine después pasó a la ciudad de Miami, donde continuó su carrera en el teatro, y donde murió en 1985, no sin antes regresar a México donde en la XEFB se lanza La Tremenda Corte en la década de 1960 (haciendo tanto el papel estelar como los guiones del programa), con un gran éxito, que lo lleva a toda Latinoamérica, y que actualmente se sigue transmitiendo por la radiodifusora XEU la U de Veracruz, de la ciudad de Veracruz, Ver., con tres emisiones diarias.
En Cuba, En la actualidad se transmite por la Televisión Cubana un remake o versión de La Tremenda Corte, realizado en su homenaje, con el título de ¿Jura decir la verdad?, y cuyo personaje central, Chivichana (una especie de patineta rústica de los niños cubanos), conserva mucho del estilo clásico del Trespatines de Leopoldo Fernández. con quien se caso?
AL HAIG
Alan Warren Haig (Newark, 19 de julio de 1924–16 de noviembre de 1982) fue un pianista estadounidense de jazz, uno de los pioneros del bebop.
Comenzó su carrera profesional tocando con Dizzy Gillespie y Charlie Parker en 1944, y trabajó y grabó con Gillespie de 1944 a 1946, como miembro de Eddie Davis and His Beboppers en 1946 (grupo en el que también tocaba Fats Navarro), con the Eddie Davis Quintet en 1947, con Parker de 1948 a 1950, y con Stan Getz de 1949 a 1951. Formó parte del reconocido noneto que grabó la primera sesión del disco Birth of the Cool de Miles Davis.
Aunque Haig llegó a ser conocido por su distintivo y pionero estilo bebop, la mayor parte de su carrera la dedicó a tocar en contextos no jazzísticos. Su trabajo fue revisitado en los años setenta.
En 1969 Haig fue declarado inocente de una acusación de asesinato. Había sido acusado de estrangulamiento por su tercera esposa, Bonnie, en su casa de Clifton, Nueva Jersey el 9 de octubre de 1968. En su defensa él había dicho que su mujer estaba borracha y que había muerto al caer por unas escaleras. Grange Rutan, la segunda mujer de Haig, cambió el relato de Haig en un libro de recuerdos, Death of a Bebop Wife. El libro de Rutan es parcialmente autobiográfico, parcialmente basado en entrevistas con amigos y miembros de la familia. Describe la historia de Bonnie detalladamente, describiendo un lado oculto de Haig que incluye una historia de constantes abusos domésticos. Rutan indica que varios miembros de la familia hicieron sonar las señales de alarma recordando la violenta personalidad de Haig que había sido desatendida. Además, cita al bajista Hal Gaylor, quien recuerda una conversación inculpatoria con Haig
Comenzó su carrera profesional tocando con Dizzy Gillespie y Charlie Parker en 1944, y trabajó y grabó con Gillespie de 1944 a 1946, como miembro de Eddie Davis and His Beboppers en 1946 (grupo en el que también tocaba Fats Navarro), con the Eddie Davis Quintet en 1947, con Parker de 1948 a 1950, y con Stan Getz de 1949 a 1951. Formó parte del reconocido noneto que grabó la primera sesión del disco Birth of the Cool de Miles Davis.
Aunque Haig llegó a ser conocido por su distintivo y pionero estilo bebop, la mayor parte de su carrera la dedicó a tocar en contextos no jazzísticos. Su trabajo fue revisitado en los años setenta.
En 1969 Haig fue declarado inocente de una acusación de asesinato. Había sido acusado de estrangulamiento por su tercera esposa, Bonnie, en su casa de Clifton, Nueva Jersey el 9 de octubre de 1968. En su defensa él había dicho que su mujer estaba borracha y que había muerto al caer por unas escaleras. Grange Rutan, la segunda mujer de Haig, cambió el relato de Haig en un libro de recuerdos, Death of a Bebop Wife. El libro de Rutan es parcialmente autobiográfico, parcialmente basado en entrevistas con amigos y miembros de la familia. Describe la historia de Bonnie detalladamente, describiendo un lado oculto de Haig que incluye una historia de constantes abusos domésticos. Rutan indica que varios miembros de la familia hicieron sonar las señales de alarma recordando la violenta personalidad de Haig que había sido desatendida. Además, cita al bajista Hal Gaylor, quien recuerda una conversación inculpatoria con Haig
WOODY HERMAN
Entre 1940 y 1946, Woody Herman mantiene la primera de las versiones de sus Herds, en la que militaron músicos como Sonny Berman, Flip Phillips, Pete Candoli, Ralph Burns, Shorty Rogers... Es en esta época cuando Stravinsky escribe, especialmente para la banda, su Concierto de ébano, obra que se estrenó en marzo de 1946, en el Carnegie Hall de Nueva York. Solo unos meses más tarde, Herman disuelve su banda.
Dentro de la era del swing, la banda de Herman era característica, por su sonido novedoso, respetuoso con la tradición swing, pero receptivo con las innovaciones del bebop. Esta especial manera de entender el papel de una big band, fue decisivo en el desarrollo del West coast jazz.
Paralelamente, Herman mantuvo un pequeño grupo, extraído de su Herd, autodenominado The Woodchoppers, que desarrolló de forma aún más clara sus conceptos pre-bop, con arreglos de Rogers y del vibrafonista Red Norvo.
STAN GETZ
Stanley Gayetzky, conocido como Stan Getz (Filadelfia, 2 de febrero de 1927 - Malibu, California, 6 de junio de 1991), fue un saxofonista de jazz estadounidense .
Considerado como uno de los más importantes saxos tenores de la historia del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound ("El Sonido") debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La Chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young.
En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter. En 1955 se editó su disco West Coast Jazz, que tuvo una gran repercusión como paradigma del estilo homónimo. Después, ya en 1958, Getz intentó escapar de su adicción a las drogas (por la cual había sido arrestado cuatro años antes) trasladándose a Copenhague, Dinamarca.
En 1961 regresó a Estados Unidos donde descubrió que el público americano le había olvidado, en buena medida debido a John Coltrane. Para "contraatacar" grabó su álbum histórico Focus. Pero el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue Jazz Samba, su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema "Desafinado".
THE STRANGLERS
The Stranglers es un grupo de rock del Reino Unido. El grupo, creado en 1974 como Guildford Stranglers se encuadra dentro del punk rock a pesar de haber aparecido antes de la primera oleada del género y se les considera como uno de sus precursores[cita requerida], más por sus actitudes que por la similitud estrictamente musical, ya que han explorado multitud de estilos. La banda dio sus primeros pasos en los circuitos de pub rock y finalmente alcanzó la categoría de grupo de mainstream con un notable éxito comercial, especialmente en el Reino Unido y el resto de Europa. En aquél han conseguido que 17 de sus álbumes y 23 de sus sencillos hayan entrado en las listas del Top 40.
El grupo comienza su carrera con el nombre de Guildford Stranglers en Chiddington, una localidad cercana a Guildford (condado de Surrey, Inglaterra) en 1974. Operaba desde The Jackpot, un despacho de bebidas regentado por Brian Duffy, nombre real de Jet Black, batería de la banda. Junto a él, el cantante y guitarrista Hugh Cornwell, el bajista y también vocalista Jean Jacques Burnel, y el guitarrista, teclista y cantante Hans Wärmling eran los miembros de la primera formación, aunque este último fue pronto reemplazado en los teclados por Dave Greenfield. Ninguno de ellos procedía de Guidlford: Black era de Ilford, Burnel de Notting Hill, Cornwell de Kentish Town y Greenfield de Brighton. Wärmling, de Suecia, regresó a su país tras abandonar el grupo.
De todos ellos, Cornwell era el único que tenía una carrera previa en la escena del rock, como compañero de Richard Thompson en el grupo adolescente Emil & the Detectives. Según Thompson, su repertorio iba desde blues de los años cincuenta hasta "caras B de Kiki Dee" y otras canciones pop. Burnel era un guitarrista clásico que había llegado a tocar en orquestas, Jet Black procedía del jazz, y Greenfield había tocado en alguna base militar en Alemania.
BURT BACHARACH
Burt Bacharach (n. 12 de mayo de 1928 en Kansas City (Misuri) es un premiado pianista y compositor estadounidense. Se le conoce mejor por sus muchos éxitos de música pop alcanzados entre 1962 y 1970 con letras de Hal David, muchos de los cuales fueron grabados por Dionne Warwick. Hasta 2006 había escrito un total de 70 éxitos de las listas de los principales 40 en Estados Unidos y 52 de los principales 40 del Reino Unido.
Durante los años 60 y 70 las canciones de Bacharach se hicieron famosas en las voces de artistas como The Beatles, The Carpenters ("Close to You"), Barbra Streisand, Aretha Franklin, B.J. Thomas ("Raindrops Keep Falling on my Head"), Tom Jones ("What's New, Pussycat"), The Stranglers, Dusty Springfield, The Drifters, Jack Jones, Jackie DeShannon y Luther Vandross.
Muchos temas de Bacharach fueron adaptados por músicos de jazz como Stan Getz y Wes Montgomery. Adicionalmente fue compositor y arreglista de la película de 1967 Casino Royale. Bacharach y David también trabajaron en Broadway con el productor David Merrick en el musical de 1968 Promises, Promises. En 1969 la canción "Raindrops Keep Falling on My Head" de la película Butch Cassidy and the Sundance Kid ganó el premio Óscar como mejor canción de Banda Sonora
MARLENE DIETRICH
Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing. Tenía una hermana dos años mayor que ella llamada Elisabeth.
Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg. Para esta película, Dietrich literalmente trastocó su figura inicialmente robusta a una más delgada y esbelta.
Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción. Una vez establecido el mito, Dietrich quedó virtualmente atada a esa imagen que le daba fama y viviría toda su vida en pos del refinamiento continuo de su look.
Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg. Para esta película, Dietrich literalmente trastocó su figura inicialmente robusta a una más delgada y esbelta.
Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción. Una vez establecido el mito, Dietrich quedó virtualmente atada a esa imagen que le daba fama y viviría toda su vida en pos del refinamiento continuo de su look.
RONSEMARY CLOONEY
Rosemary Clooney (Maysville, 23 de mayo de 1928 - Beverly Hills, 29 de junio de 2002) fue una cantante estadounidense de música popular.
Rosemary Clooney - Bing Crosby.Aunque sin habilidades improvisadoras, hizo varias aproximaciones al jazz (donde se encuentran sus raíces musicales) por la vía del swing. Sus especialidades fueron las baladas y los estándares. Se hizo famosa durante los años cincuenta. Está considerada como una valiosa intérprete, con un afinado sentido del swing, con un fraseo cuidadoso y con unas cualidades dramáticas considerables en la interpretación.
Firmó por Columbia en 1950 y consiguió varios éxitos con ella, entre los que se encuentran canciones como "You're Just in Love", "Beautiful Brown Eyes", "Half As Much" y "Hey There", "Come on-A My House" y "If Teardrops Were Pennies". Consiguió 13 éxitos dentro del Top 40 durante esa década, incluyendo duetos con Guy Mitchell y Marlene Dietrich. La revolución del rock y su decisión de dedicarle más tiempo a su familia conllevaron su semi-retiro. Regresó a finales de los 70, cantando con renovada fuerza y confianza temas de orientación jazzística para Concord. A los largo de los ochenta y noventa siguió grabando, sobre todo estándares y recopilatorios.
JOLLY LAND
Jolly Land (Rosario, 1933 - Buenos Aires, 29 de agosto de 2008) fue una exitosa cantante argentina del Club del Clan.
Miembros del Club del Clan. De izquierda a derecha: Palito Ortega, Jolly Land, Johnny Tedesco (arriba) y Violeta Rivas (abajo).Nació con el nombre de Yolanda Juana Magdalena DELISIO PUCCIO en Rosario (provincia de Santa Fe). En 1950 (con 17 años de edad) se anotó en un concurso para cantantes, organizado por la radio LT8 de Rosario. Se casó muy joven, pero al poco tiempo se separó (en esa época no existía el divorcio en Argentina) y viajó a Buenos Aires a buscar trabajo.
En Buenos Aires, Yolanda Delisio adopta el seudónimo de Jolly Land y consigue trabajo para cantar jazz en algunos shows de prestigiosos locales nocturnos de Buenos Aires (como Maison Doré, Pigalle, y Reviens). En 1955 (a los 22 años de edad) se presentó en Radio Splendid. En 1956 Blackie (Paloma Efrón, 1912-1977, periodista, cantante y conductora de televisión), la contrata para trabajar en el Canal 7, donde trabaja en comedias y en programas musicales dedicados a la juventud.
En 1958 obtiene su propio programa en ese canal: En lo de Jolly a las 20:00. Graba sus primeros discos (uno de ellos de jazz, cantado en inglés) en la discográfica Orfeo. En 1960 trabaja en el programa Tropicana. En noviembre de 1960, el empresario ecuatoriano Ricardo Mejía (gerente artístico de RCA Víctor Argentina) la contrata para grabar un disco, junto a Violeta Rivas y Mariquita Gallegos (tres cantantes de RCA Víctor) para el nuevo movimiento musical que él denominó La Nueva Ola.
Mejía quiso cambiarle el seudónimo, pero Jolly Land se negó, ya que ella lo utilizaba desde los años cincuenta. los temas elegidos eran El fantasma de Cristina y La nueva ola, que fue la primera canción con el rotulo del nuevo movimiento musical. Jolly Land se casó con Mejía (que será el padre de sus sus dos hijos varones). El martes 7 de febrero de 1961, Mejía realiza el primer programa musical televisivo de RCA Víctor, llamado Swing, Juventud y Fantasía. Los cantantes principales eran Jolly Land, Fernando Borges, Lalo Fransen, Nena y Terry Morán, Los 4 de Lujo y Carlos Alberto. Víctor Buchino era el director musical.
En RCA Jolly Land graba varios discos simples como: Gastón, Mi corazón pertenece a papito, Bat Masterson y Esos locos días de verano, y el long play Vos sos un amor (que contenía la canción Mi corazón pertenece a papito, al estilo jazz). Trabajó en el famoso teatro Maipo, en el centro de Buenos Aires, en una comedia musical junto a Leonardo Favio y también en teatro de revista.
BRUNO MADERNA
Bruno Maderna (Venecia, 21 de abril de 1920 — Darmstadt, 13 de noviembre de 1973) fue un compositor y director de orquesta italiano y una de las grandes figuras de la música de su país en el siglo XX. Con sus composiciones, su enseñanza y desde la dirección de orquesta contribuyó a difundir las obras maestras de la vanguardia europea. Junto con Luciano Berio, fundó el Studio di Fonologia Musicale de la RAI en 1955.
El estilo compositivo de Maderna —distinto del de sus amigos y contemporáneos Berio, Boulez, Stockhausen y Nono— se basa en el uso de técnicas deterministas precomposicionales, en una interpretación personal del concepto de «obra abierta» y en un tratamiento melódico que aparece incluso en las más complejas texturas. Sus obras más conocidas son: Musica su due dimensione (1952), Concierto para piano (1959), Concierto para oboe (1962), Don Perlimplín (1962), Hyperion (1964), Stele a Diotima (1965) y Quadrivium (1969) y Juilliard Serenade (1970)
RICARDO LOPEZ MENDEZ
Ricardo López Méndez (El Vate). Poeta, escritor, periodista, locutor y publicista mexicano. Nacido en Izamal, Yucatán, México en 1903. Muerto en Cuernavaca, Morelos, México, en 1989. Hijo de Don Juan López Pacheco y de Doña Francisca Méndez Palma.
Desde muy joven destacó por su talento literario, habiendo pertenecido en la década de los 20 al grupo Esfinge, integrado por los literatos yucatecos José Esquivel Pren, Filiberto Burgos Jiménez, Oswaldo Baqueiro Anduze, Alberto Bolio Ávila, José Salomón Osorio, Clemente López Trujillo, Luis Augusto Rosado, Ernesto Albertos y Ramón Mendoza Medina. Fue también coetáneo, paisano izamaleño y sostuvo perdurable amistad con Miguel Ángel Menéndez Reyes, premio nacional de literatura (México) en 1940
El Poema de las Alas, declamado públicamente en 1925 en una reunión del mencionado grupo fue la primera obra que proyectó a López Méndez en su medio local. En ese entonces el Estado de Yucatán se encontraba en caótica situación política después del fusilamiento en 1924 del líder socialista y ex-gobernador del estado Felipe Carrillo Puerto, con quién El Vate se había vinculado desde 1920, y de quien recibiera el nombramiento de Director de la Biblioteca Zamná del Partido Socialista del Sureste
sábado, 19 de junio de 2010
RICARDO PALMERIN
Ricardo Palmerín Pavía, trovador y compositor yucateco. Nació el 3 de Abril de 1887 en la ciudad de Tekax, Yucatán, México, en un domicilio ubicado entre las calles 50 y 52. Sus padres fueron un capitán del ejército originario de Michoacán de nombre Bernabé Hernández Palmerín el cual, por razones desconocidas, invirtió sus apellidos antes de casarse, y de doña Feliciana Pavía Herrera oriunda de Tekax. Sus primeros diez años de vida transcurrieron en Tekax hasta que en el año de 1897, su familia se trasladó a la capital del estado, Mérida. Posteriormente se fueron a radicar a la ciudad de México posiblemente hasta el año de 1922, cuando nuevamente se avecindó en la ciudad de Mérida, lugar donde permaneció hasta 1935, año en que retornó de nueva cuenta al Distrito Federal, donde viviría hasta la fecha de su muerte.
En cuanto a sus estudios, se sabe que inició el primer grado de medicina, carrera que pronto abandonaría para dedicarse de lleno a sus aspiraciones musicales. Se considera su primera creación la canción "Hay una Virgen" con versos de Lord Byron, los cuales musicalizó cuando apenas contaba con catorce años de edad. Dominaba varios instrumentos musicales, entre ellos la guitarra, los cuales aprendió de forma autodidacta, ya que nunca tuvo formación musical académica. Se ganó el aprecio de quienes le conocieron en vida por su carácter afable, además de su sencillez y modestia; acostumbraba vestir, por lo general de traje y sombrero.
En México, D.F., se desempeñó como inspector de espectáculos y laboró en la Secretaría de Comunicaciones. Combinaba su labor como compositor y trovador con las clases de guitarra, las cuales impartió hasta poco tiempo antes de su muerte en 1944.
Con respecto a sus canciones él mismo confesaba que solamente era autor de la música y que no sabía escribir poemas; pero se preciaba de saber elegirlos muy bien antes de proceder a musicalizarlos. Su producción musical fue abundante en número y en ritmos, pues lo mismo compuso valses que bambucos, claves, boleros, danzas y caprichos. Sin embargo el género que más explotó fue el bambuco.
Entre los bambucos de Palmerín podemos citar: “Las turbias olas”, con versos de Ermilo Padrón López; “El crucifijo”, con letra de Luis Rosado Vega, “Que entierren mi cuerpo” y “Las dos rosas”, con versos de José Esquivel Pren; “Semejanzas” con el poema de José I. Armida; “El rosal enfermo” con letra de Lázaro Sánchez Pinto; “Fuente serena” con texto de Arcadio Zentella; “Flores aladas” y novia envidiada”, con versos de Roberto Sarlat Corrales; “Claveles”, con letra de Manuel Machado Ruiz; “Cobarde”, con texto de José Díaz Bolio”, “Alburas de magnolias”, con poema de Juan Bautista Arrechedera; etc.
Otro género que cultivó con gran acierto fue la Danza y la que más satisfacciones y fama le dio fue sin duda alguna “Peregrina” (1923) tanto por la belleza de su letra y de su música como por haber estado ligada a la romántica historia entre el entonces Gobernador Yucateco Felipe Carrillo Puerto y la bella periodista norteamericana Alma Reed, corresponsal y enviada especial del rotativo “New York Times” a la ciudad de Mérida, Yucatán, México. Fue un amor malogrado por el artero asesinato del Gobernador Felipe Carrillo Puerto; pero su recuerdo perdura aún hasta nuestros días tomando tintes de leyenda y enmarcado por la belleza de esta canción. Es un poema musicalizado que subyuga a propios y extraños con una extraña fuerza que avasalla los sentimientos de quienes la escuchan.
NICOLAS URCELAY
Nicolás Urcelay Alonzo, (Yucatán, 20 de diciembre de 1919 - † Tampico, 1 de julio de 1959). Fue uno de los cantantes más importantes de México. También conocido como "El Caruso del Mayab.
Indudablemente, Nicolás Urcelay figura entre los más grandes tenores mexicanos del siglo XX. Pese a su prematura desaparición física, antes de cumplir los cuarenta años de edad, dejó un legado musical imperecedero en el terreno de la lírica popular latinoamericana. Su voz, bien timbrada, potente, aterciopelada, de sonido broncíneo en el registro medio, y ligero color oscuro, hace evocar al célebre tenor napolitano; por ello merece ser considerado “El Caruso del Mayab”. Nicolás Urcelay Alonzo nació el 20 de diciembre de 1919, en la ciudad de Mérida, Yucatán. Provenía de una familia acaudalada y de mucho abolengo dentro de la península. Sus padres fueron Nicolás Urcelay Ruiz y Sara Alonzo Góngora, y eran propietarios de grandes fincas henequeras, que heredó su madre. Fue en su ciudad natal donde cursó sus primeros estudios musicales, a la edad de 5 años. Pronto aprendió a leer y música y a tocar el piano, aunque, curiosamente, no tuvo inquietudes por estudiar canto. De hecho, sus estudios profesionales no estuvieron relacionados con la música sino más bien con la contabilidad, profesión que se vio obligado a ejercer años más tardes cuando emigró a la Capital en compañía de su madre. Durante la adolescencia perdió a su padre y dado que en el periodo cardenista (1934-1940) se dio impulso al reparto agrario, la finca de los Alonzo y Góngora fue una de las afectadas. En consecuencia, tal movimiento dejó sin bienes el futuro cantante y a doña Sarita Alonzo Góngora viuda de Urcelay, por lo que en 1939, emprendieron un viaje a la ciudad de México, para buscar nuevos horizontes.
Nicolás trabajó como empleado bancario, aunque sus dotes de cantante ya habían sido advertidas por sus nuevos amigos. Fueron ellos los que lo motivaron para que, a principios de 1940, concursara en la Hora de los Aficionados de la XEW. El caso es que Nicolás se puso nervioso y olvidó la letra de la canción “Mujer” de Agustín Lara, y naturalmente, fue descalificado (“le sonaron la campana”). Tal parecía que allí acababan las aspiraciones del joven yucateco que aunque poseía una voz bien timbrada no había desarrollado al máximo sus potencialidades vocales. A este tropiezo se sumó la muerte de su madre (que nunca pudo verlo convertido en figura del canto), de tal suerte que el joven Nicolás, a la edad de 20 años, súbitamente se encontró solo, desamparado, sin fortuna y lejos de las tierras del Mayab. No obstante, como reza el dicho “cuando más oscuro se ve, es que ya está a punto de amanecer”, y el meridense pudo sobreponerse a tantas adversidades para afrontar con valentía su destino. Era el heredero de Ricardo Palmerín, Guty Cárdenas y Ricardo López Méndez, entre otros excelsos músicos y poetas del Mayab, y no podía defraudar a la gran tradición de trovadores yucatecos.
viernes, 18 de junio de 2010
FIEDRICH VON SCHILLER
Johann Christoph Friedrich Schiller, desde 1802 von Schiller (Marbach am Neckar, 10 de noviembre de 1759 – Weimar, 9 de mayo de 1805), fue un poeta, dramaturgo, filósofo e historiador alemán. Se le considera el dramaturgo más importante de Alemania y es, junto a Goethe, una de las figuras centrales del clasicismo de Weimar. Muchas de sus obras de teatro pertenecen al repertorio habitual del teatro en alemán. Sus baladas se cuentan entre los poemas más famosos.
Por orden del duque de Wurttemberg y contra la voluntad de sus padres, ingresó en 1773 en la academia militar Hohe Karlsschule ubicada en el palacio Solitude Schloss Solitude, cerca de Stuttgart y comenzó a estudiar derecho. Los alumnos eran tratados de forma brutal y tenían que realizar muchísimos ejercicios militares, lo que era posiblemente la razón de que con 15 años todavía mojara la cama. Por dos veces fue castigado con dureza por ello. En secreto esnifaba tabaco y leía textos prohibidos con sus camaradas.
Con el traslado de la academia desde Schloss Solitude al centro de Stuttgart, Schiller cambia sus estudios y comienza medicina. Durante esta época lee de forma intensa los poetas del Sturm und Drang y también se entretiene con los poemas del crítico literario Klopstock. Ese mismo año compone el drama Der Student von Nassau (El estudiante de Nassau) que no se ha conservado. En 1776 aparece su primer poema publicado, Der Abend (El atardecer). Estudió las obras de Plutarco, Shakespeare, Voltaire, Rousseau, Immanuel Kant y Goethe. También en 1776 comenzó a trabajar en la obra de teatro liberal Die Räuber (Los bandidos). En 1779 aprobó el primer examen final y solicitó la licencia. Sólo tras la lectura de la tesis doctoral le fue permitido abandonar la academia militar como médico militar en 1780.
En 1781 Schiller terminó la obra Die Räuber, que se publicó de forma anónima ese mismo año. En la cárcel-fortaleza de Hohenasperg se encuentra por primera vez con Christian Schubart, que se encontraba allí encarcelado. El 13 de enero de 1782 se estrenó con éxito Die Räuber en el Teatro Nacional de Mannheim. La obra generó tormentosos aplausos, sobre todo en el público más joven. También Schiller, a pesar de la prohibición del duque, había ido a ver la obra con su amigo Andreas Streicher. Como consecuencia, el duque Karl Eugen lo encerró 14 días en el calabozo y le prohibió hasta nueva orden escribir comedias y cosas del estilo. Jóvenes defensores de la libertad fundaron en los meses siguientes muchas bandas de bandidos (Räuberbanden) en el sur de Alemania.
Fue destinado a Stuttgart a servir como médico militar del regimiento de peor fama de los que disponía el duque. El sueldo asignado era misérrimo, le fue denegado el permiso de ejercer la medicina a enfermos no militares, además de que el ambiente cultural era muy pobre en la ciudad. En la noche del 22 al 23 de septiembre, Schiller huye de Stuttgart junto con Andreas Streicher, éste último dispone de los medios económicos para el viaje, y llega de nuevo a Mannheim, donde lee el drama Fiesco. Siguieron viajes a Fráncfort del Meno, Oggersheim y Bauerbach en Turingia. A finales de 1782 apareció la Anthologie auf das Jahr 1782 (Antología del año 1782) con 83 poemas, casi todos de Schiller. La huida de Stuttgart fue descrita por el amigo Streicher en el libro Schillers Flucht von Stuttgart und Aufenthalt in Mannheim von 1782 bis 1785 (La huida de Schiller de Stuttgart y su estancia en Mannheim de 1782 a 1785).
JEAN MARIE LECLAIR
Jean-Marie Leclair (Lyon, 10 de mayo de 1697 - París, 22 de octubre de 1764) fue un violinista y compositor francés del Barroco. Se le considera el fundador de la escuela francesa de violín.
Leclair abandona su Lyon natal para estudiar danza y violín en Turín, donde se convierte en discípulo de Somis, el cual a su vez fue alumno de Arcangelo Corelli. Por eso se le conoce como "El Corelli de Francia". En 1716 se casa con Marie-Rose Casthanie, una bailarina que falleció en 1728. Ese mismo año se establece en París, donde tiene gran éxito como violinista y compositor. Actúa en el Concert Spirituel. En 1734 entra como violinista al servicio de Luis XV y su «Chapelle Royale». Sin embargo, diversas desavenencias en la corte le hacen abandonar.
En 1736 viaja a Holanda y entra en contacto con Pietro Locatelli, también discípulo de Corelli, de quien recibe lecciones. En 1743 se traslada a Madrid donde entra al servicio del Infante Infante Don Felipe, gran apasionado de la música francesa, a quien dedica su 2º libro de conciertos. De vuelta en París, estrena en 1745 su única ópera Scylla et Glaucus.
Su muerte, ocurrida en 1764 (el mismo año que Rameau) por asesinato, está rodeada de misterio. Leclair se había mudado poco antes a un barrio de París considerado inseguro. La noche anterior había estado jugando una partida de billar con un amigo. Por la mañana, el jardinero acudió como era habitual y le resultó extraño ver el sombrero de Leclair tirado en el jardín. Al entrar en la vivienda lo encontraron muerto por heridas de arma blanca, sobre un charco de sangre. El caso causó gran conmoción, pues Leclair era un músico muy conocido. La policía encontró tres sospechosos: el jardinero, su segunda mujer de la que se había separado y un sobrino también violinista con el que mantenía serias desavenencias, pues lo acusaba de entorpecer su carrera por no recomendarlo. Nunca se averiguó la verdad.
Sus hermanos Jean-Marie Leclair el joven (1703–77), Pierre Leclair (1709–84) y Jean-Benoît fueron también músicos. Sus composiciones se interpretan y graban con regularidad. Lo más destacado de su obra son sus 4 libros de 12 sonatas para violín, 6 sonatas a trío y 12 conciertos para violín.
JOSEPH BODIN
Joseph Bodin de Boismortier (Thionville, Lorena, 23 de diciembre de 1689 — Roissy-en-Brie, 28 de octubre de 1755) fue un compositor francés del Barroco que escribió tanto obras instrumentales como vocales, cantatas y ballets. Fue uno de los primeros compositores que no dependían de un patrón o protector.
La familia de Boismortier se trasladó desde el lugar de nacimiento del compositor, Thionville (Lorena), a la ciudad de Metz donde recibió su educación musical por Joseph Valette de Montygny, un conocido compositor de motetes. En 1713 viajó a Perpiñán, donde se casó con Mara Valette, la hermana de un rico orfebre y pariente de su profesor Montygny.
En 1724 Boismortier y su mujer se trasladan a París donde comienza su prolífica carrera de compositor. Sus primeras obras aparecen en 1724, y en 1747 había publicado más de 100 obras para diferentes combinaciones de voz e instrumentos. Su música vocal fue muy popular y se menciona que le proporcionó abundantes recursos económicos.
Boismortier fue el primer compositor francés que utilizó la forma de concierto italiano en sus seis conciertos para cinco flautas op. 15 (1727). También fue pionero dentro de la música francesa en escribir conciertos para instrumentos solistas como violonchelo, viola o fagot (1729). Mucha de su música es para flauta. Para este instrumento escribió un método actualmente perdido. Su op. 91 para clavicémbalo y flauta se inspira en la obra de Rameau “Pieces de clavecin en concerts” y está dedicado al flautista Michel Blavet.
Una obra importante, que a menudo se interpreta actualmente, es su “Deuxieme Serenade Ou Simphonie”. Al igual que otros compositores franceses de su misma época, como Jean-Marie Leclair (1697-1764) y Rameau, vivió durante la época Rococó de Luis XV, componiendo todos ellos música de gran belleza y sofisticación que fue muy apreciada por el publico francés
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