Giuseppe Tartini (8 de abril de 1692 – 26 de febrero de 1770) fue un compositor y violinista italiano del Barroco.
Tartini nació en Piran, una ciudad en la península de Istria, en la República veneciana (ahora Piran, Eslovenia), su padre era italiano y su madre eslovena.
Al parecer los padres de Tartini tenían proyectado que fuese sacerdote, y en este camino recibió un entrenamiento musical básico. Estudió leyes en la Universidad de Padua, donde logró maestría en el arte de la esgrima. Después de la muerte de su padre en 1710, se casó con Elisabetta Premazore, una mujer que su padre desaprobaba debido a su baja clase social y a la diferencia de edad.
Tartini.Desafortunadamente, Elisabetta era la favorita del poderoso Cardenal Cornaro, quien acusó a Tartini de abducción. Tartini decidió ir al Convento de San Francisco en Asís, donde él podría escapar del procesamiento; mientras, allí aprendió a tocar el violín.
Es una leyenda que cuando Giuseppe Tartini escuchó a Francesco Maria Veracini en 1712 en Venecia, quedó tan impresionado con él -y tan insatisfecho con su propia habilidad- que huyó a Ancona y se encerró en un cuarto a practicar.
La habilidad de Tartini mejoró enormemente y en 1721 fue designado maestro de capilla en Il Santo en Padua, con un contacto que le permitió tocar para otras instituciones que él quería.
En 1726, Tartini inició una escuela de violín que atrajo a estudiantes desde toda Europa. Tartini se fue interesando gradualmente por la teoría de la armonía y la acústica, y desde 1750 hasta el final de su vida publicó varios tratados.
sábado, 11 de diciembre de 2010
FRANCESCO MARIA VERACINI
Francesco Maria Veracini (Florencia, 1 de febrero de [1690] - Florencia, 31 de octubre de 1768) fue un compositor y violinista italiano del Barroco, famoso por sus sonatas para violín.
Perteneció a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia, su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín, interpretando ambos en público. Sin embargo, su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música, pues era farmacéutico.
En 1711 se traslada a Venecia donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini.
Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini, quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona, donde se encerró en un cuarto a practicar.
En 1714 Veracini fue a Londres, donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster.
Después de una temporada en Düsseldorf, regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde.
Perteneció a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia, su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín, interpretando ambos en público. Sin embargo, su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música, pues era farmacéutico.
En 1711 se traslada a Venecia donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini.
Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini, quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona, donde se encerró en un cuarto a practicar.
En 1714 Veracini fue a Londres, donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster.
Después de una temporada en Düsseldorf, regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde.
LA TONADILLA
Tonadilla es una canción tradicional española que nace de las jácaras del Siglo de Oro español. Las jácaras eran canciones de origen árabe, que se acompañaban con instrumentos y se interpretaban en los entreactos de una función de teatro, alternando con números de baile. La letra de las jácaras solía ser sobre temas de pícaros y sus aventuras y el lenguaje empleado era vulgar.
Es una obra escénica, generalmente corta, humorística y satírica con argumento basado en costumbres típicas españolas que se representaba en los siglos XVIII y XIX durante los intermedios de las comedias.
Se trata de un género exclusivamente español. La parte musical era muy importante, aunque se alternaban textos cantados y recitados. El número de personajes oscilaba entre uno y seis. El compositor solía inspirarse en temas folklóricos muchas veces de origen andaluz.
La tonadilla escenica se caracteriza por su carga de españolismo frente a otras expresiones musicales con influencia extranjera y supone un espectáculo teatral de una duración de 20 minutos. Las normas para su duración fueron expresamente indicadas por el literato y político español del siglo XVIII, Jovellanos, con motivo del concurso abierto para premiar nuevas tonadillas que tuvo lugar el 2 de diciembre de 1791.
El creador de la tonadilla escénica es el músico español (flautista y oboista), nacido en Mataró en 1727, Luis de Misón; su estreno en este género fue en 1757 con la obra titulada Una mesonera y un arriero. Su obra fue extensa y se conservan algunas, 7 de ellas en la Biblioteca Nacional de España y 100 catalogadas en la Biblioteca Municipal de Madrid.
Otro compositor que abordó este género fue Manuel García celebre también en su faceta de intérprete.
En total se conservan catalogadas 2.000 tonadillas. El musicólogo José Subirá las estudió, catalogó y sacó del olvido. Entre los autores de las letras están los ilustres escritores don Ramón de la Cruz y Tomás de Iriarte.
Los intérpretes fueron llamados tonadilleros y tonadilleras, nombre éste que se dio después a las cupletistas del siglo XX. Fueron famosas Catalina Pacheco, María la Granadina, María del Rosario Fernández, alias La Tirana y María Antonia Vallejo, alias La Caramba.
Las tonadillas dieciochescas más famosas fueron:
La calle de Sal si puedes, con letra de don Ramón de la Cruz y música de Luis Misón, estrenada en 1772
El campo de la Manuela
Las maravillas
El Rastro
La Fuente de la Teja
[editar] Tonadillas y Tiranas
Durante la segunda mitad del siglo XVIII se pusieron de moda cierta clase de canciones y bailes, cuyos temas eran de asunto palatino, sentenciosos, amorosos y costumbristas. Eran tonadillas llamadas tiranas por las palabras Ay Tirana, ay Tirana, con que empezaba la canción. Estaban compuestas en coplas octosílabas de cuatro versos asonantes, con unos estribillos muy peculiares.
Hacia 1820, la mayoría de los autores de tonadillas habían muerto sin descendencia artística. En estos años desaparece la tonadilla como género teatral y lírico y es sustituida por la ópera italiana que viene a monopolizar el teatro durante cerca de medio siglo. Sin embargo la tonadilla como canción o como cuplé resiste, favorecida en gran medida por la Corte.
Es una obra escénica, generalmente corta, humorística y satírica con argumento basado en costumbres típicas españolas que se representaba en los siglos XVIII y XIX durante los intermedios de las comedias.
Se trata de un género exclusivamente español. La parte musical era muy importante, aunque se alternaban textos cantados y recitados. El número de personajes oscilaba entre uno y seis. El compositor solía inspirarse en temas folklóricos muchas veces de origen andaluz.
La tonadilla escenica se caracteriza por su carga de españolismo frente a otras expresiones musicales con influencia extranjera y supone un espectáculo teatral de una duración de 20 minutos. Las normas para su duración fueron expresamente indicadas por el literato y político español del siglo XVIII, Jovellanos, con motivo del concurso abierto para premiar nuevas tonadillas que tuvo lugar el 2 de diciembre de 1791.
El creador de la tonadilla escénica es el músico español (flautista y oboista), nacido en Mataró en 1727, Luis de Misón; su estreno en este género fue en 1757 con la obra titulada Una mesonera y un arriero. Su obra fue extensa y se conservan algunas, 7 de ellas en la Biblioteca Nacional de España y 100 catalogadas en la Biblioteca Municipal de Madrid.
Otro compositor que abordó este género fue Manuel García celebre también en su faceta de intérprete.
En total se conservan catalogadas 2.000 tonadillas. El musicólogo José Subirá las estudió, catalogó y sacó del olvido. Entre los autores de las letras están los ilustres escritores don Ramón de la Cruz y Tomás de Iriarte.
Los intérpretes fueron llamados tonadilleros y tonadilleras, nombre éste que se dio después a las cupletistas del siglo XX. Fueron famosas Catalina Pacheco, María la Granadina, María del Rosario Fernández, alias La Tirana y María Antonia Vallejo, alias La Caramba.
Las tonadillas dieciochescas más famosas fueron:
La calle de Sal si puedes, con letra de don Ramón de la Cruz y música de Luis Misón, estrenada en 1772
El campo de la Manuela
Las maravillas
El Rastro
La Fuente de la Teja
[editar] Tonadillas y Tiranas
Durante la segunda mitad del siglo XVIII se pusieron de moda cierta clase de canciones y bailes, cuyos temas eran de asunto palatino, sentenciosos, amorosos y costumbristas. Eran tonadillas llamadas tiranas por las palabras Ay Tirana, ay Tirana, con que empezaba la canción. Estaban compuestas en coplas octosílabas de cuatro versos asonantes, con unos estribillos muy peculiares.
Hacia 1820, la mayoría de los autores de tonadillas habían muerto sin descendencia artística. En estos años desaparece la tonadilla como género teatral y lírico y es sustituida por la ópera italiana que viene a monopolizar el teatro durante cerca de medio siglo. Sin embargo la tonadilla como canción o como cuplé resiste, favorecida en gran medida por la Corte.
Baldassare Galuppi
Baldassare Galuppi (18 de octubre de 1706 - 3 de enero de 1785) fue un compositor veneciano, famoso por sus óperas y principalmente por la Ópera bufa.
Nació en la isla de Burano en el lago de Venecia, por lo cual llegó a ser conocido como "Il Buranello". Su primer intento de ópera, La fede nell'incostanze ossia gli amici rivali (1722), fue un espectacular fracaso, siendo duramente siseado. Posteriormente estudió música con Antonio Lotti y, después de un breve periodo en Florencia trabajando como clavicordista, regresó a Venecia para intentar una vez más con la ópera. Esta vez, su ópera sería Dorinda (1729), la cual gozó de gran éxito y logró impulsar su carrera.
En 1740 fue designado director de música del Ospedale dei Mendicanti, trabajó en San Marco en Venecia desde 1748, siendo apuntado como maestro de capilla, considerado así como el mejor músico de la zona. La mayor parte de su vida la pasó en Venecia, aunque desde 1741 hasta 1743 permaneció en Londres y desde 1756 a 1768 viajó a San Petersburgo para ponerse a disposición de Catalina II de Rusia.
Su primera ópera bufa fue "L'Arcadia in Brenta (1749)". Esta también fue su primera colaboración con el libretista Carlo Goldoni, con el cual produjo después una serie de óperas. Estos trabajos fueron muy populares, particularmente "Il filosofo di campagna" (1754). El libreto de Goldoni, Il mondo della luna, fue posteriormente usado por un gran número de otros compositores, incluidos Joseph Haydn.
En 1759, estrenó en Turín su ópera seria La clemenza di Tito.
Nació en la isla de Burano en el lago de Venecia, por lo cual llegó a ser conocido como "Il Buranello". Su primer intento de ópera, La fede nell'incostanze ossia gli amici rivali (1722), fue un espectacular fracaso, siendo duramente siseado. Posteriormente estudió música con Antonio Lotti y, después de un breve periodo en Florencia trabajando como clavicordista, regresó a Venecia para intentar una vez más con la ópera. Esta vez, su ópera sería Dorinda (1729), la cual gozó de gran éxito y logró impulsar su carrera.
En 1740 fue designado director de música del Ospedale dei Mendicanti, trabajó en San Marco en Venecia desde 1748, siendo apuntado como maestro de capilla, considerado así como el mejor músico de la zona. La mayor parte de su vida la pasó en Venecia, aunque desde 1741 hasta 1743 permaneció en Londres y desde 1756 a 1768 viajó a San Petersburgo para ponerse a disposición de Catalina II de Rusia.
Su primera ópera bufa fue "L'Arcadia in Brenta (1749)". Esta también fue su primera colaboración con el libretista Carlo Goldoni, con el cual produjo después una serie de óperas. Estos trabajos fueron muy populares, particularmente "Il filosofo di campagna" (1754). El libreto de Goldoni, Il mondo della luna, fue posteriormente usado por un gran número de otros compositores, incluidos Joseph Haydn.
En 1759, estrenó en Turín su ópera seria La clemenza di Tito.
Giovanni Battista Pergolesi
Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
Pergolesi fue uno de los más importantes compositores de la "opera bufa" temprana (ópera cómica). Su ópera seria "Il prigioner superbo" incluye un segundo acto cómico, Intermezzo, la Serva Padrona , (La Campesina o La criada patrona) (1733) que se ha convertido en una pieza muy popular por derecho propio.
Entre otras obras operísticas se encuentran "La conversión y muerte de San Guillermo" (1731) , "El hermano enamorado" (1732), considerada su ópera más importante, Adriano en Siria (1734), "L'Olimpiade" (1735) e "Il Flaminio" (1735). Todas ellas estrenadas en Nápoles, salvo "L'Olimpiade" que lo fue en Roma.
Primer programa de La serva padrona.Pergolesi también escribió música sacra, incluyendo una Misa en Fa. Su obra de este estilo más conocida es, sin duda, su Stabat Mater, para soprano, contralto y orquesta. Fue elegida como reemplazo de la escrita por Alessandro Scarlatti para las representaciones del Viernes de Dolores, en Nápoles. La obra ha permanecido popular, convirtiéndose en la más editada e impresa del siglo XVIII, y arreglada o adaptada por un gran número de otros compositores, incluyendo a Johann Sebastian Bach, que la usó como base de su Salmo "Tilge, Höchster, meine Sünden", BWV 1083.
También compuso muchas obras seculares, incluyendo una sonata y un concierto para violín.
Un considerable número de obras atribuidas a Pergolesi han demostrado ser falsas; aparentemente otros autores menos conocidos de la Escuela Napolitana publicaban con mención de su nombre, por motivos meramente especulativos, o publicitarios. La mayoría de las piezas del ballet Pulcinella de Ígor Stravinski, quien ostensiblemente reescribió temas atribuidos a Pergolesi, se sabe hoy en día que corresponden a obras de otro origen. Los "Conciertos armónicos" fueron, por ejemplo, compuestos por Unico Wilhem van Wassenaer.
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
Pergolesi fue uno de los más importantes compositores de la "opera bufa" temprana (ópera cómica). Su ópera seria "Il prigioner superbo" incluye un segundo acto cómico, Intermezzo, la Serva Padrona , (La Campesina o La criada patrona) (1733) que se ha convertido en una pieza muy popular por derecho propio.
Entre otras obras operísticas se encuentran "La conversión y muerte de San Guillermo" (1731) , "El hermano enamorado" (1732), considerada su ópera más importante, Adriano en Siria (1734), "L'Olimpiade" (1735) e "Il Flaminio" (1735). Todas ellas estrenadas en Nápoles, salvo "L'Olimpiade" que lo fue en Roma.
Primer programa de La serva padrona.Pergolesi también escribió música sacra, incluyendo una Misa en Fa. Su obra de este estilo más conocida es, sin duda, su Stabat Mater, para soprano, contralto y orquesta. Fue elegida como reemplazo de la escrita por Alessandro Scarlatti para las representaciones del Viernes de Dolores, en Nápoles. La obra ha permanecido popular, convirtiéndose en la más editada e impresa del siglo XVIII, y arreglada o adaptada por un gran número de otros compositores, incluyendo a Johann Sebastian Bach, que la usó como base de su Salmo "Tilge, Höchster, meine Sünden", BWV 1083.
También compuso muchas obras seculares, incluyendo una sonata y un concierto para violín.
Un considerable número de obras atribuidas a Pergolesi han demostrado ser falsas; aparentemente otros autores menos conocidos de la Escuela Napolitana publicaban con mención de su nombre, por motivos meramente especulativos, o publicitarios. La mayoría de las piezas del ballet Pulcinella de Ígor Stravinski, quien ostensiblemente reescribió temas atribuidos a Pergolesi, se sabe hoy en día que corresponden a obras de otro origen. Los "Conciertos armónicos" fueron, por ejemplo, compuestos por Unico Wilhem van Wassenaer.
ALESSANDRO SCARLATTI
Alessandro Scarlatti (Palermo, 2 de mayo de 1660 - Nápoles, 22 de octubre de 1725) fue un célebre compositor italiano que jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera, contribuyendo a perfeccionar las formas del aria da capo y de la obertura italiana de tres movimientos. Fue uno de los primeros compositores en utilizar el recitativo con instrumentos, denominado recitativo acompañado, en lugar del recitativo anterior, llamado seco, con clavicémbalo y órgano.
Su lista de obras es inmensa y prácticamente desconocida para el gran público, incluyendo más de cien óperas italianas, ochocientas cantatas italianas, serenatas para voces e instrumentos, madrigales, treinta y ocho oratorios (de los que sólo veinte se conservan), más de cien motetes y cantatas sacras, una pasión y doce misas. En los géneros de la música instrumental compuso también sinfonías, concerti grossi, sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave.
Scarlatti comenzó a labrarse un nombre como compositor con tan sólo 18 años en Roma, donde produjo su primera ópera conocida Gli Equivoci nel Sembiante, en 1679, con gran éxito
Su lista de obras es inmensa y prácticamente desconocida para el gran público, incluyendo más de cien óperas italianas, ochocientas cantatas italianas, serenatas para voces e instrumentos, madrigales, treinta y ocho oratorios (de los que sólo veinte se conservan), más de cien motetes y cantatas sacras, una pasión y doce misas. En los géneros de la música instrumental compuso también sinfonías, concerti grossi, sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave.
Scarlatti comenzó a labrarse un nombre como compositor con tan sólo 18 años en Roma, donde produjo su primera ópera conocida Gli Equivoci nel Sembiante, en 1679, con gran éxito
DANIELA ROMO
Daniela Romo (nacida el 27 de agosto de 1959, Ciudad de México) es una primera actriz, cantante y presentadora mexicana. Ha interpretando papeles multifacéticos desde mujeres inocentes hasta villanas malvadas.
Teresa Presmanes Corona (Nombre Real) nació el 27 de agosto de 1959. A los 11 años ingresó al coro del grupo mexicano de los Hermanos Zavala donde debutó con la obra Contigo pan y cebolla. Posteriormente estudió teatro en la Academia Andrés Soler y luego viajó a Los Ángeles para estudiar canto con Seth Riggs. Sus inicios se dieron en el terreno del teatro, actuando en obras de diversos géneros, desde tragedias griegas hasta comedias musicales.
De entre otras obras en las que actuó destacan El soldadito de plomo, Pastoral navideño, Ifigenia en Áulide (de Eurípides), Gypsy y El diluvio que viene. En 1978, el productor Ernesto Alonso decide darle una oportunidad estelar en la telenovela Ardiente secreto.
ADRIANA VALERA
Beatriz Adriana Lichinchi, conocida como Adriana Varela, (Avellaneda, Buenos Aires, 9 de mayo de 1952) es una famosa e importante cantante de Tango de la Argentina. Considerada una de las máximas exponentes de su género en la actualidad tanto para el país como en el mundo.
Se educó en colegio de monjas. Tiene dos hijos, Rafael y Julia, y es una conocida simpatizante del Club Atlético Independiente de Avellaneda.
En 1990, comenzó su carrera artística un recorrido por el mundo. Al año siguiente, editó su primer disco: “Tangos”. Entonces comenzó sus continuas presentaciones en la ciudad de Buenos Aires, con mucha admiración y respeto que la han ubicado en un lugar privilegiado entre la prensa y los músicos argentinos, consagrándola como “La voz del tango” de la última década.
Se educó en colegio de monjas. Tiene dos hijos, Rafael y Julia, y es una conocida simpatizante del Club Atlético Independiente de Avellaneda.
En 1990, comenzó su carrera artística un recorrido por el mundo. Al año siguiente, editó su primer disco: “Tangos”. Entonces comenzó sus continuas presentaciones en la ciudad de Buenos Aires, con mucha admiración y respeto que la han ubicado en un lugar privilegiado entre la prensa y los músicos argentinos, consagrándola como “La voz del tango” de la última década.
EMILIO JOSE
José Emilio López Delgado (Fernán Núñez, Córdoba, 16 de junio de 1950) es un cantautor español, conocido artísticamente como Emilio José.
Sus padres, maestros de escuela, se trasladaron a Barcelona en 1962, con sus siete hijos. Emilio José empezó a estudiar magisterio, pero no acabó la carrera. Y no porque triunfara pronto en la música, sino porque no le gustaban los estudios y ejerció diversos trabajos administrativos.
A la vez empezó a escribir canciones imbuidas de sabor rural, a la moda de la vuelta a las raíces que se estaba produciendo en la canción de autor española a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta. Sus canciones, con el mismo sabor popular que las de Víctor Manuel o Andrés Do Barro. Firmó contrato con la barcelonesa Belter y editó su primer álbum, Campo herido, lleno de temas de corte campesino como "Puerto pescador" y "¿Con qué te lavas la cara?".
Aunque habitualmente escribe la letra y la música de sus canciones, en "Barrio de los marineros" musicó un poema del escritor gaditano José María Pemán. En otros discos pondría música a León Felipe ("Ser en la vida romero"), los hermanos Machado ("Soñé que tú me llevabas") o a los grandes poetas andaluces en el álbum Poetas andaluces (1992).
En 1972 comenzó la gira de festivales de la canción. Ese año ganó el premio de la Crítica en el III Festival de Almería y logró el primer premio del VI Festival de Villancicos Nuevos. En 1973 triunfó en el Festival de la Canción Testimonio y obtuvo su mayor éxito al ganar en el Festival de Benidorm con su composición "Soledad", tema con el que consiguió gran popularidad. Esta canción la han grabado numerosos intérpretes y grandes orquestas europeas, aunque el mayor éxito internacional del tema llegó cuando lo grabó la cantante griega Nana Mouskouri que vendió más de dos millones de copias en toda Europa.
En junio de 2009 participa en el programa de Tele5 "Pasa Palabra" junto a la actriz Nani Gaitan, realizando una meritoria actuación y respondiendo a todo tipo de preguntas de cultura general, actualidad y ciencia.
A su abundante discografía española se deben añadir las ediciones publicadas en Hispanoamérica, muchas de ellas inéditas en España
Sus padres, maestros de escuela, se trasladaron a Barcelona en 1962, con sus siete hijos. Emilio José empezó a estudiar magisterio, pero no acabó la carrera. Y no porque triunfara pronto en la música, sino porque no le gustaban los estudios y ejerció diversos trabajos administrativos.
A la vez empezó a escribir canciones imbuidas de sabor rural, a la moda de la vuelta a las raíces que se estaba produciendo en la canción de autor española a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta. Sus canciones, con el mismo sabor popular que las de Víctor Manuel o Andrés Do Barro. Firmó contrato con la barcelonesa Belter y editó su primer álbum, Campo herido, lleno de temas de corte campesino como "Puerto pescador" y "¿Con qué te lavas la cara?".
Aunque habitualmente escribe la letra y la música de sus canciones, en "Barrio de los marineros" musicó un poema del escritor gaditano José María Pemán. En otros discos pondría música a León Felipe ("Ser en la vida romero"), los hermanos Machado ("Soñé que tú me llevabas") o a los grandes poetas andaluces en el álbum Poetas andaluces (1992).
En 1972 comenzó la gira de festivales de la canción. Ese año ganó el premio de la Crítica en el III Festival de Almería y logró el primer premio del VI Festival de Villancicos Nuevos. En 1973 triunfó en el Festival de la Canción Testimonio y obtuvo su mayor éxito al ganar en el Festival de Benidorm con su composición "Soledad", tema con el que consiguió gran popularidad. Esta canción la han grabado numerosos intérpretes y grandes orquestas europeas, aunque el mayor éxito internacional del tema llegó cuando lo grabó la cantante griega Nana Mouskouri que vendió más de dos millones de copias en toda Europa.
En junio de 2009 participa en el programa de Tele5 "Pasa Palabra" junto a la actriz Nani Gaitan, realizando una meritoria actuación y respondiendo a todo tipo de preguntas de cultura general, actualidad y ciencia.
A su abundante discografía española se deben añadir las ediciones publicadas en Hispanoamérica, muchas de ellas inéditas en España
SILVANA DE LORENZO
Silvana Di Lorenzo nació en Argentina; pero rápidamente su familia fue a vivir a Italia. A la edad de catorce años regresa a su país natal; pero no hablaba español, aunque esto no supuso impedimento para su futuro musical.
En la década de los setenta logra un éxito increíble; primero con su debut en el programa televisivo Música En Libertad. Esto le sirvió para que en 1973 publicara su primer trabajo discográfico, logrando una larga carrera musical y que también incluye la actuación. En el cine apareció en 1980 por vez primera en el film “Locos Por La Música” y aquí comparte reparto con estrellas de la canción como Manolo Galván, Fernando De Madariaga, Katunga y Los Iracundos, esto después de lograr en 1977 el premio Record World como la mejor voz femenina del momento.
En 1983 logra recibir otro prestigioso premio en Chile, otorgado por la crítica, el premio Circe.
En 1985 realiza diferentes apariciones internacionales, incluyendo el Festival de Varadero en Cuba y en Viña del Mar como jurado.
Tanto su carrera musical, como actora han tenido resultados extraordinarios en su país y también en América y aun se mantiene trabajando como en sus inicios y prueba de ello han sido sus apariciones en Perú, en este caso junto su amiga Tormenta, que le compuso el tema “En Un Sábado De Verano” y en Miami junto a otros artistas de la época.
Su lista de éxitos es larga; pero podemos mencionar “Ya Yo No Soy Una Niña”, “Locuras Tengo De Ti”, “La Culpa Ha Sido Tuya”, “Me Muero Por Estar Contigo”, “Palabras, Palabras” y “Grande, Grande, Grande”, estas dos ultimas grabadas en español e italiano.
Recientemente salio al mercado su último trabajo titulado “Italia Clásica Y Moderna”, donde incluye viejos temas italianos que escuchaba en su infancia y otros de artistas de actualidad como Ramazzotti y Pino Daniel.
En la década de los setenta logra un éxito increíble; primero con su debut en el programa televisivo Música En Libertad. Esto le sirvió para que en 1973 publicara su primer trabajo discográfico, logrando una larga carrera musical y que también incluye la actuación. En el cine apareció en 1980 por vez primera en el film “Locos Por La Música” y aquí comparte reparto con estrellas de la canción como Manolo Galván, Fernando De Madariaga, Katunga y Los Iracundos, esto después de lograr en 1977 el premio Record World como la mejor voz femenina del momento.
En 1983 logra recibir otro prestigioso premio en Chile, otorgado por la crítica, el premio Circe.
En 1985 realiza diferentes apariciones internacionales, incluyendo el Festival de Varadero en Cuba y en Viña del Mar como jurado.
Tanto su carrera musical, como actora han tenido resultados extraordinarios en su país y también en América y aun se mantiene trabajando como en sus inicios y prueba de ello han sido sus apariciones en Perú, en este caso junto su amiga Tormenta, que le compuso el tema “En Un Sábado De Verano” y en Miami junto a otros artistas de la época.
Su lista de éxitos es larga; pero podemos mencionar “Ya Yo No Soy Una Niña”, “Locuras Tengo De Ti”, “La Culpa Ha Sido Tuya”, “Me Muero Por Estar Contigo”, “Palabras, Palabras” y “Grande, Grande, Grande”, estas dos ultimas grabadas en español e italiano.
Recientemente salio al mercado su último trabajo titulado “Italia Clásica Y Moderna”, donde incluye viejos temas italianos que escuchaba en su infancia y otros de artistas de actualidad como Ramazzotti y Pino Daniel.
MYRIAM HERNANDEZ
Myriam Raquel Hernández Navarro (Ñuñoa, Santiago de Chile, 2 de mayo de 1967) es una cantante chilena. Desde 1989, ha lanzado ocho discos inéditos además de recopilaciones y álbumes en vivo, con los cuales suma más de cinco millones de copias vendidas en toda América.
El estilo musical de Myriam es principalmente la balada romántica, por lo que a veces es referida como la baladista de América, pero en los últimos años ha diversificado su estilo en álbumes como + y más... (2000) donde mezcla electrónica con sus características letras románticas, e incluso hip-hop en El amor de mi vida, canción del disco Huellas (2004) a dúo con el grupo chileno de funk Los Tetas. Desde el año 2000, Hernández dejó su residencia chilena para radicarse en Miami (Estados Unidos) con el fin de proyectar su carrera internacional.
Hernández también ha participado exitosamente como presentadora de televisión, trabajando en programas como Con mucho cariño (TVN) y animando durante cinco años el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.(Canal 13)
El estilo musical de Myriam es principalmente la balada romántica, por lo que a veces es referida como la baladista de América, pero en los últimos años ha diversificado su estilo en álbumes como + y más... (2000) donde mezcla electrónica con sus características letras románticas, e incluso hip-hop en El amor de mi vida, canción del disco Huellas (2004) a dúo con el grupo chileno de funk Los Tetas. Desde el año 2000, Hernández dejó su residencia chilena para radicarse en Miami (Estados Unidos) con el fin de proyectar su carrera internacional.
Hernández también ha participado exitosamente como presentadora de televisión, trabajando en programas como Con mucho cariño (TVN) y animando durante cinco años el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.(Canal 13)
CHIQUETETE
Antonio José Cortés Pantoja, conocido artísticamente como Chiquetete (Algeciras, Cádiz, 26 de julio de 1948) es un cantante flamenco español, primo hermano de Isabel Pantoja.
Antonio José Cortés Pantoja, adoptó el nombre artístico de muchos de los miembros de su familia, entre ellos, su tío materno, padre de la también artista Isabel Pantoja, que debutó precisamente en el espectáculo de Antonio Cortés.
Se inicia en el mundo artístico a finales de los años 60, formando parte del conjunto Los Algecireños, hasta que en 1975, tras obtener el Premio Mairena, inicia su carrera en solitario.
Durante unos años continúa como cantaor flamenco hasta que a principios de los años ochenta da un giro a su carrera y se adentra en un género de balada romántica con influencia flamenca.
El primer LP de esta etapa, Tú y yo, de 1981, contenía todavía ritmos tradicionales como bulerías, fandangos o soleares. En 1988 lanzaba Sevilla sin tu amor, que contenía uno de sus mayores éxitos: la sevillana A la Puerta de Toledo.
Un año más tarde publica Canalla, con temas compuestos por Juan Pardo, que sin embargo no alcanzó una gran repercusión comercial.
En la década de los noventa llegó a publicar tres LP's, anque su carrera inició un cierto declive, pues no repetiría los éxitos alcanzados en décadas anteriores.
Tras un tiempo retirado, en 2004 publicó Como la marea, bajo la producción musical de su hijo Fran Cortés. Este hijo, junto con el mayor, Antonio, y una hija, Rocío, son los tres habidos en su matrimonio con su primera esposa, la bailaora Amparo Cazalla Mora.
En los últimos años fue objeto de atención de la denominada prensa del corazón, al hacerse públicas sus desavenencias conyugales con su ex-mujer, la colaboradora de Telecinco Raquel Bollo Dorado, con la que tiene dos hijos: Alma y Manuel. Actualmente comparte su vida con la empresaria María del Carmen Álvarez Gahona.
Antonio José Cortés Pantoja, adoptó el nombre artístico de muchos de los miembros de su familia, entre ellos, su tío materno, padre de la también artista Isabel Pantoja, que debutó precisamente en el espectáculo de Antonio Cortés.
Se inicia en el mundo artístico a finales de los años 60, formando parte del conjunto Los Algecireños, hasta que en 1975, tras obtener el Premio Mairena, inicia su carrera en solitario.
Durante unos años continúa como cantaor flamenco hasta que a principios de los años ochenta da un giro a su carrera y se adentra en un género de balada romántica con influencia flamenca.
El primer LP de esta etapa, Tú y yo, de 1981, contenía todavía ritmos tradicionales como bulerías, fandangos o soleares. En 1988 lanzaba Sevilla sin tu amor, que contenía uno de sus mayores éxitos: la sevillana A la Puerta de Toledo.
Un año más tarde publica Canalla, con temas compuestos por Juan Pardo, que sin embargo no alcanzó una gran repercusión comercial.
En la década de los noventa llegó a publicar tres LP's, anque su carrera inició un cierto declive, pues no repetiría los éxitos alcanzados en décadas anteriores.
Tras un tiempo retirado, en 2004 publicó Como la marea, bajo la producción musical de su hijo Fran Cortés. Este hijo, junto con el mayor, Antonio, y una hija, Rocío, son los tres habidos en su matrimonio con su primera esposa, la bailaora Amparo Cazalla Mora.
En los últimos años fue objeto de atención de la denominada prensa del corazón, al hacerse públicas sus desavenencias conyugales con su ex-mujer, la colaboradora de Telecinco Raquel Bollo Dorado, con la que tiene dos hijos: Alma y Manuel. Actualmente comparte su vida con la empresaria María del Carmen Álvarez Gahona.
LORENZO ANTONIO
Lorenzo Antonio (3 de octubre de 1969 en Albuquerque, Nuevo México, Estados Unidos), es un cantautor mexicano uno de los más reconocidos en la década de los años 80' y los 90'. Cuenta que desde muy pequeño soñaba ser cantante, lo cual eso le fascinaba, cuando cumplía los 5 años de edad fue entonces donde ya empezó a cantar y sobre todo lo más sorprendente a tocar la guitarra. Cuando cumplía 12 años de edad, fue donde incursionó en la música como cualquier cantante profesional donde vendió un millón de discos. A los 17 años de edad, ya Lorenzo era conocido a escala internacional. Si bien su vitrina musical, tiene una gran cantidad de reconocimiento a lo largo de su carrera artística como las mejores premios como los discos de platino y oro. Las canciones con que más se hizo conocer fueron: Doce Rosas, No soy de Roca, No lloraré, Completamente enamorados, canción que también la interpretó el cantante puertorriqueño Chayanne y entre otras, además cuenta que su compatriota, la cantante Lucero, era su novia durante la década de los 80. Aunque el noviazgo de ambos artistas duró poco tiempo, ya que cada uno por su lado hicieron sus vidas. Actualmente el cantante está retirado de la música, aunque hizo su reaparición para posar en un calendario de 2009 como una de las figuras masculinas más cotizadas todavía. Si bien muchos de sus seguidores no lo han olvidado ya que hasta la fecha todas sus exitosas canciones siguen siendo escuchadas, entre ellas Doce Rosas que ha sido declarado un himno por el día de la primavera, el amor y la juventud.
PERLA
Perla (Caacupé, 17 de marzo de 1952) es el nombre artístico de Ermelinda Pedroso Rodríguez D'Almeida, es una cantante paraguayo - brasileña.
Nacida y criada en Paraguay, se trasladó a Brasil cuando era joven en búsqueda de oportunidades. Se consagró en la década de 1970 con el éxito Fernando, versión en portugués de una canción del grupo Abba de esa misma década. A lo largo de su carrera, vendió más de diez millones de discos y ganó diez discos de oro y tres de platino, entre otros premios.
Su éxito mayor lo obtuvo con el tema musical Comienza a amanecer, el cual relata la situación que pasan muchas mujeres debido a la infidelidad de sus esposos. Este tema musical data del año 1981. Actualmente, Perla tiene conciertos tres veces a la semana en pequeñas ciudades de Brasil. En 2006, recibió un gran homenaje a su carrera en Paraguay. Perla se casó con un brasileño, que fué su empresario y tiene una hija adoptiva ya adulta que se llama Perlinha, actualmente tiene una nieta, de 13 años.
De una familia de seis hijos con ascendencia guaraní, española, y alemana, Perla sufrió prejuicio en los primeros años de su vida, Artística en Brasil, que luego ella con mucho esfuerzo y ganas, ha ganado el corazón de todos los brasileros.
Ella de niña, sufría de Asma, y su padre lo llevó a la Virgencita de Caacupe, y pidió por su salud, pedido que fué escuchado por la Virgencita, y en forma de Gratitud, Perla estará en la Explanada de la Iglesia de Caacupé el dia 6 de Diciembre , llevando su serenata a la Virgencita. Esto bajo la Coordinacion de su Empresario en Paraguay, el Sr. Vicente Aguilera
MANOLO GALVAN
Manolo Galván, es un cantante y compositor español nacido en Alicante (Comunidad Valenciana) el 13 de marzo de 1947.
A la edad de 15 años comenzó a cantar, en contra de la voluntad de su familia. Manolo abandona sus estudios y se traslada a Madrid, donde se integra a un grupo llamado "Sonors".
Más tarde Manolo Galván abandona el grupo para iniciar una carrera solista, pero no puede lograrlo. Se traslada a Málaga donde se forma el grupo Los Gritos, con quienes compone durante tres años. Los éxitos de esta época son "La vida sigue igual", "Sentado en la estación", "Adios verano, adios amor", "Lamento" (o El Lamento de tu voz). En 1970 decide comenzar su carrera como solista.
En 1972 realiza una gira por Latinoamérica, teniendo gran repercusión en Argentina su tema "¿Porqué te quiero tanto?". En 1973 decide instalarse en Buenos Aires.
Realizó varias presentaciones con la cantante argentina Tormenta, e incluso grabó un par de sencillos a dúo con ella.
Manolo Galván ha grabado alrededor de 40 discos y es interprete de temas muy reconocidos como "Poema del alma", "Deja de llorar", "El lamento de tu voz", "Te quise, te quiero y te querré", "Hoy no me levanto", "¿Porqué te marchas abuelo?", "Solo pienso en ti", "Suspiros de amante" entre otros. Este cantante ha triunfado en 19 festivales en España y ha participado varias veces en Viña del Mar, uno de los festivales mas famosos del mundo.
A la edad de 15 años comenzó a cantar, en contra de la voluntad de su familia. Manolo abandona sus estudios y se traslada a Madrid, donde se integra a un grupo llamado "Sonors".
Más tarde Manolo Galván abandona el grupo para iniciar una carrera solista, pero no puede lograrlo. Se traslada a Málaga donde se forma el grupo Los Gritos, con quienes compone durante tres años. Los éxitos de esta época son "La vida sigue igual", "Sentado en la estación", "Adios verano, adios amor", "Lamento" (o El Lamento de tu voz). En 1970 decide comenzar su carrera como solista.
En 1972 realiza una gira por Latinoamérica, teniendo gran repercusión en Argentina su tema "¿Porqué te quiero tanto?". En 1973 decide instalarse en Buenos Aires.
Realizó varias presentaciones con la cantante argentina Tormenta, e incluso grabó un par de sencillos a dúo con ella.
Manolo Galván ha grabado alrededor de 40 discos y es interprete de temas muy reconocidos como "Poema del alma", "Deja de llorar", "El lamento de tu voz", "Te quise, te quiero y te querré", "Hoy no me levanto", "¿Porqué te marchas abuelo?", "Solo pienso en ti", "Suspiros de amante" entre otros. Este cantante ha triunfado en 19 festivales en España y ha participado varias veces en Viña del Mar, uno de los festivales mas famosos del mundo.
LOS DOLTONS
Los Doltons es un grupo de rock and roll peruano formado en 1965. Fue parte de la época que se conoce como la Nueva ola.
Grupo peruana formada por los años 1965, en la época de la Nueva Ola. Formado en el distrito de Breña, en Lima. Walter Bolarte fue el iniciador de esta banda, ya que comenzó a unir a algunos conocidos que sabían de música. Se dice que Walter anduvo caminando por las calles de Breña, hasta escuchar en un jardín tocando varios temas; Walter pidió una guitarra y se les unió a esa tocada. Desde ese día comenzaron a tocar desde valses hasta rock. Estos músicos eran Roberto Andia y Javier Román. Y así iniciaron tocando en fiestas particulares y amenizando reuniones. En 1966, el grupo se pone a ensayar en los estudios de “EL Show de Sergio” ( transmitido por el Canal 2 y conducido por Sergio Vergara). Es allí donde conocen a Gerardo Manuel, y lo invitan a participar en su grupo. El nombre de Los Doltons lo puso Gerardo Manuel, esto se debe a que en Ica ( tierra natal de Gerardo Manuel Rojas), tuvo Gerardo su primer grupo llamado “Los Doltons”, y además, el sello en donde graban el grupo The Ventures era “dolton”. Gerardo Manuel seria reemplazado por Cesar Ichikawa ( le motivo fue la vocalización del ingles), cantante de ascendencia japonesa, la cual le dio la popularidad. Gerardo Manuel Rojas, nunca dejo un material grabado con Los Doltons. Gerardo Manuel emigra a otra banda “ Los Shains”. Desde ese momento siempre una rivalidad entre Los Doltons y Los Shains, pero solo una rivalidad amistosa. En su primer 45 rpm se incluyó el tema “Visión de Otoño” y “Rey Tablista”, la cual causó una gran acogida en el Perú. Este EP, fue gracias a la ayuda de Mario Cavagnaro, director de “Radio Sono” en ese entonces. Gracias a este primer disco fueron artistas exclusivos en Panamericana Televisión. En sus inicios interpretaban cover’s, que gracias a ello, se hicieron conocido en todo el Perú y en Latinoamérica. Cabe resaltar que su productor fue el músico argentino Enrique Lynch. Posteriormente sacan su primer disco, con canciones como “Nila”, “La Ventana”, etc. Graban su primer LP 33 rpm con temas como “Amarrado”, “Nadie Me Puede Juzgar” , etc. Sus canciones mas exitosas fueron “EL Ultimo Beso” cover de “Last Kiss”. Grabaron mas de siete Long Play y varios discos de 45 rpm. En 1967, la revista Billboard los nombró como mejor agrupación latina de ese año. La banda se retiró en 1970 por mutuo acuerdo y a causa de sus estudios universitarios. Cesar Ichikawa parte a EEUU por motivos laborales. En 1975 deciden juntarse para grabar un Lp. Esto se debe a que los discos de 33 rpm estaban siendo muy aclamadas por todos los admiradores del país, y es así que se acuerda en sacar un LP mas de Los Doltons. Fue muy duro la búsqueda de los integrantes, ya que Cesar estaba en EEUU, mientras que los otros ejercían sus profesiones. Este LP fue titulado “El Retorno de Los Doltons”, bajo la dirección y arreglos de Rulli Rendo, la cual este marcaría el final del conjunto original.
NSYNC
N Sync (a veces escrito *NSYNC) fue una banda pop de Estados Unidos que tuvo su auge a finales de la década de los 90s y principios de los años 2000. El despegue a la fama de la banda fue financiado por el magnate empresarial Lou Pearlman. Desde 1996, 'N Sync ha vendido más de 56 millones de copias en todo el mundo.
'N Sync se formó en Orlando, Florida en 1995 y despegaron a Alemania en 1996 por BMG Ariola Records. La banda consistía en Justin Timberlake, Chris Kirkpatrick, Joey Fatone, Lance Bass y JC Chasez. El nombre de la banda se deriva de las últimas letras de los miembros: Justi-N, Chri-S, Joe-Y, Lancete-N (originalmente la "N" venía de un miembro original llamado Jason antes de que fuera reemplazado por Lance) y J-C. Después de que sus batallas legales con su antiguo representante Lou Pearlman y su antigua disquera, Sony BMG fueran altamente publicitadas, el álbum del 2000 de la banda, No Strings Attached vendió 1,1 millones de copias en un día y 2,4 millones de copias en una semana, dándoles la mayor primera semana de ventas de álbumes en Estados Unidos y la #5 en el mundo, y su álbum del 2001, Celebrity tiene el récord de la segunda mayor primera semana completa de ventas de álbumes.
Además de una serie de nominaciones al Grammy, 'N Sync ha realizado presentaciones en los Premios de la Academia, la Serie Mundial, el Super Bowl y en los Juegos Olímpicos de Invierno y han cantado o grabado duetos con Aerosmith, Mary J. Blige, Britney Spears, Michael Jackson, The Jackson Five, Gloria Estefan, Nelly, Stevie Wonder y Céline Dion. Los miembros de la banda también aparecieron como ellos mismos en Los Simpsons, en un episodio titulado "New Kids on the Blecch", el cual fue presentado el 25 de febrero de 2001. En ese mismo año hicieron una aparición en el programa mexicano Otro Rollo.
Mientras que 'N Sync anunció una "pausa temporal" en la primavera del 2002, la banda no ha grabado material nuevo desde entonces. El sitio web oficial de la banda (www.nsync.com) fue cerrado en el verano del 2006 y en el 2007, Lance Bass confirmó que para él la banda se ha "separado definitivamente". En 2009, JC Chasez afirmó que nunca habrá una reunión de 'N Sync
miércoles, 8 de diciembre de 2010
ANGIE STONE
Angie Stone (18 de diciembre de 1961) es una cantante de R&B, soul y neo soul, a la vez de teclista, actriz y prolífica compositora. Comenzó su carrera musical como vocalista del grupo Vertical Hold y canciones de smooth urban como "Seems You're Much Too Busy", en el verano de 1993, la cual le sirvió para emprender su carrera en solitario. En 1999, firmó con Arista y grabó su álbum debut Black Diamond.
Stone es nativa de Columbia, Carolina del Sur y desde niña cantaba como una de las voces principales en el coro gospel de "First Nazareth Baptist Church". Su padre era miembro de un cuarteto local de gospel, inició a su hija en la música llevándole a actuaciones de The Singing Angels y The Gospel Keynotes. En su juventud escribió poesía, y triunfó en otra de sus grandes aficiones, el baloncesto. En su niñez intentaba ahorrar para hacer sus propias grabaciones en un estudio local llamado PAW. Formó el trío de rap The Sequence junto a Gwendolyn Chisolm y Cheryl Cook. Firmaron por el sello Sugarhill y cosecharon éxitos menores como el remake de un tema de Parliament, "Funk You Up", o el single "I Don't Need Your Love (Part One)". Después de trabajar con Matronix y Lenny Kravitz formó el trío Vertical Hold. Después de su debut en Arista editó Mahogany Soul en 2001, acompañado del éxito "Brotha". En 2003 creó su disco más exitoso Stone Love con el cual tras más de quince años de carrera dentro de la música urban, se consolidó como una de las grandes progresistas dentro del neo soul.
Stone es nativa de Columbia, Carolina del Sur y desde niña cantaba como una de las voces principales en el coro gospel de "First Nazareth Baptist Church". Su padre era miembro de un cuarteto local de gospel, inició a su hija en la música llevándole a actuaciones de The Singing Angels y The Gospel Keynotes. En su juventud escribió poesía, y triunfó en otra de sus grandes aficiones, el baloncesto. En su niñez intentaba ahorrar para hacer sus propias grabaciones en un estudio local llamado PAW. Formó el trío de rap The Sequence junto a Gwendolyn Chisolm y Cheryl Cook. Firmaron por el sello Sugarhill y cosecharon éxitos menores como el remake de un tema de Parliament, "Funk You Up", o el single "I Don't Need Your Love (Part One)". Después de trabajar con Matronix y Lenny Kravitz formó el trío Vertical Hold. Después de su debut en Arista editó Mahogany Soul en 2001, acompañado del éxito "Brotha". En 2003 creó su disco más exitoso Stone Love con el cual tras más de quince años de carrera dentro de la música urban, se consolidó como una de las grandes progresistas dentro del neo soul.
JANETH JACKSON
Janet Damita Jackson (nacida el 16 de mayo del 1966 en Gary) es una cantante y actriz estadounidense perteneciente a una de las familias más afamadas de la música estadounidense: los Jackson. Cinco de sus hermanos integraron la popular banda de los años 70 The Jackson Five, con la que Janet tendría sus primeras apariciones. Su hermano Michael, ya fallecido, es considerado El Rey del Pop.
El trabajo de Janet se caracteriza por la mezcla de elementos de R&B Contemporáneo con otros sonidos como rap, el uso de samples y ritmos industriales. Sus videoclips, coreografías, y la consistencia social de sus letras son a menudo reconocidos.
Janet ha ganado hasta la fecha 6 premios Grammy y 12 American Music Awards. Es una de los diez artistas musicales de mayores ventas en la historia de la música contemporánea, habiendo vendido más de 200 millones de grabaciones en todo el mundo. Según la Recording Industry Association of America, Jackson es la undécima artista mujer de mayores ventas en Estados Unidos con 40 millones de discos certificados.Paralelamente a su carrera musical Janet también ha trabajado para la televisión y el cine. Su primera aparición en televisión tuvo lugar en la serie The Jacksons, de la CBS, junto a sus hermanos mayores (excepto Jermaine que había firmado por Motown). En el cine obtuvo su primer papel como protagonista en la película Poetic Justice, de 1993. Desde entonces ha seguido actuando en películas de larga duración, siendo la más reciente "Why Did I Get Married?", de Tyler Perry.
BOBBY BROWN
Barisford Robert "Bobby" Brown (nacido el 05 de febrero 1969) es un cantante de R & B, compositora y cantante, el rapero ocasionales, y la bailarina. Tras el éxito en el pop grupo New Edition, Brown comenzó su carrera en solitario en 1987 y tuvo una serie de Top 10 de Billboard, que culminó con un premio Grammy. Fue un pionero de la música New Jack Swing, una fusión de hip hop y R & B. Su segundo álbum, Don't Be Cruel, incluye canciones populares como "My Prerogative". Brown es el ex marido de la cantante R & B Whitney Houston y actuó en el "reality show" Being Bobby Brown.
CARLY SIMON
Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de los años 60 ella y su hermana, Lucy, formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village, en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".
Las hermanas se separaron a finales de los 60 y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista folk. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan; desafortunadamente, el intento no prosperó.
Diferentes productores y ejecutivos conocían sus dotes vocales pero no sabían que hacer con ella, como encajarla en el negocio y de una forma natural decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine, Jacob Brackman.
De la mano del sello Elektra las cosas empezaron a funcionar mejor y, en 1971, dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: "You’re So Vain", de la que se dice habla de Warren Beatty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción. Aún hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva que simplemente tiende a enredar más la cuestión.
A inicios de los años 60 ella y su hermana, Lucy, formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village, en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".
Las hermanas se separaron a finales de los 60 y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista folk. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan; desafortunadamente, el intento no prosperó.
Diferentes productores y ejecutivos conocían sus dotes vocales pero no sabían que hacer con ella, como encajarla en el negocio y de una forma natural decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine, Jacob Brackman.
De la mano del sello Elektra las cosas empezaron a funcionar mejor y, en 1971, dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: "You’re So Vain", de la que se dice habla de Warren Beatty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción. Aún hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva que simplemente tiende a enredar más la cuestión.
LUTHER VANDROSS
Luther Vandross (Luther Ronzoni Vandross Jr.) (Nació el 20 de abril de 1951 - Murió el 1 de julio de 2005) fue un cantante estadounidense de R&B, Soul, Gospel. Durante su carrera, Vandross vendió más de 25 millones de álbumes y ganó ocho premios Grammy incluyendo mejor interpretación vocal masculina de R&B, cuatro veces. Él ganó cuatro premios Grammy en 2004 incluyendo el galardón para la canción del año para su pista "Dance with my Father," co-escrita con Richard Marx.
Nació en el lado del este más bajo de Manhattan en New York City, Vandross creció en una familia musical que se trasladó al Bronx cuando él tenía 13. Su hermana cantó con el grupo vocal The Crests que tuvieron un número uno en los años 60 con las "Sixteen Candles." El padre de Vandross murió de diabetes cuando Luther tenía solo ocho años de edad. El momento que cambio su vida vino cuando teniendo 13 años él oyó a Dionne Warwick cantar "Anyone Who Had A Heart"(una canción que él grabaría en sus últimos años). Después de escucharla, supo entonces que el debía ser cantante.
Antes de ser un cantante profesional Vandross cantó los coros de David Bowie, Roberta Flack, Carly Simon, Chaka Khan, Bette Midler, Chic, y Barbra Streisand. Durante el principio de su carrera, Vandross estaba contento de permanecer como corista, como un compositor, productor y cantante de reserva para otros artistas. Roberta Flack empujó a Vandross en comenzar su propia carrera. Ella creyó que él era un talento increíble que, además de sus habilidades en la composición y producción, mereció ser oído para cantar en solitario. Antes de su lanzamiento oficial, él lanzó dos álbumes con un grupo de cantantes que él formó, también llamado Luther.
En los años 80's, "The Glow Of Love" y de "Searching" le dieron gran éxito conduciéndolo a un contrato con Epic Records, y en 1981, él hizo su gran debut en el mercado comercial con la grabación con el LP "Never Too Much." El álbum, que contuvo la pista "A House is Not a Home" fue doble platino rápidamente, con la canción "Never Too Much" alcanzando el #1 en las listas de R&B.
Vandross lanzó una serie de álbumes no muy vendedores durante los años 80. Aun así muchos de ellos hicieron gran impacto en las listas de popularidad de R&B de los 80's.
THE NEVILLE BROTHERS
El grupo se remonta a 1976, cuando los cuatro hermanos de la familia Neville, el arte (nacido en 1937), Charles (nacido en 1938), Aaron (1941), y Cirilo (n. 1948) se reunieron para participar en la La grabación de la sesión de Tchoupitoulas salvaje, un grupo de indios de Mardi Gras, dirigido por su tío Grande Jolly Jefe.
Esta experiencia los llevó a formar el grupo al año siguiente. Su álbum debut fue lanzado de Capitol Records en 1978. En 1988, el grupo lanzó Uptown de EMI con sus huéspedes Branford Marsalis, Keith Richards y Carlos Santana. El año siguiente vio el lanzamiento de Yellow Moon de A & M Records producido por Daniel Lanois. La canción "Canto de curación" de ese álbum ganó Mejor Interpretación Instrumental Pop de los Premios Grammy. En 1990, los hermanos Neville contribuido "En el embargo de la noche" con el SIDA beneficio álbum de Red Hot azul producida por la Red Hot Organización. También en 1990, aparecieron en el proyecto de ley en el Festival de Glastonbury de ese año
Debido a los problemas de salud de Art Neville, la banda mantiene el perfil bajo en la década de 1990 en la década de 2000. Sin embargo, hizo una reaparición en 2004 con el álbum, Walkin 'In The Shadow Of Life, de Back registros Porche, su primer esfuerzo que acaba de grabar en cinco años.
Todos los hermanos, excepto Carlos que vivía en Massachusetts, había estado viviendo en Nueva Orleans, pero que sufren daños por el huracán Katrina en 2005, Cirilo y Aarón se mudó de la ciudad después. No habían estado llevando a cabo en Nueva Orleáns desde que Katrina azotó la ciudad. Sin embargo, finalmente se volvió a realizar allí en el New Orleans Jazz & Heritage Festival en 2008, en el punto de cierre que se había reservado para ellos durante años.
Ivan Neville, hijo de Aarón (teclados) pocas veces ha jugado con la banda en los últimos años
Esta experiencia los llevó a formar el grupo al año siguiente. Su álbum debut fue lanzado de Capitol Records en 1978. En 1988, el grupo lanzó Uptown de EMI con sus huéspedes Branford Marsalis, Keith Richards y Carlos Santana. El año siguiente vio el lanzamiento de Yellow Moon de A & M Records producido por Daniel Lanois. La canción "Canto de curación" de ese álbum ganó Mejor Interpretación Instrumental Pop de los Premios Grammy. En 1990, los hermanos Neville contribuido "En el embargo de la noche" con el SIDA beneficio álbum de Red Hot azul producida por la Red Hot Organización. También en 1990, aparecieron en el proyecto de ley en el Festival de Glastonbury de ese año
Debido a los problemas de salud de Art Neville, la banda mantiene el perfil bajo en la década de 1990 en la década de 2000. Sin embargo, hizo una reaparición en 2004 con el álbum, Walkin 'In The Shadow Of Life, de Back registros Porche, su primer esfuerzo que acaba de grabar en cinco años.
Todos los hermanos, excepto Carlos que vivía en Massachusetts, había estado viviendo en Nueva Orleans, pero que sufren daños por el huracán Katrina en 2005, Cirilo y Aarón se mudó de la ciudad después. No habían estado llevando a cabo en Nueva Orleáns desde que Katrina azotó la ciudad. Sin embargo, finalmente se volvió a realizar allí en el New Orleans Jazz & Heritage Festival en 2008, en el punto de cierre que se había reservado para ellos durante años.
Ivan Neville, hijo de Aarón (teclados) pocas veces ha jugado con la banda en los últimos años
FRANKIE FORD
Frankie Ford (nacido el 04 de agosto 1939) es un estadounidense de rock and roll y el ritmo y la cantante de blues.
Frankie Ford reina como el rey de la Krewe du Vieux, 2009He es el hijo adoptivo de Vicente y Anna Guzzo, quien lo nombró Francisco Guzzo. Nació en Gretna, Louisiana, a través del río Mississippi desde Nueva Orleans, donde todavía vive. Ford tuvo un éxito Top 20 en 1959 con "Sea Cruise" (b / w "Roberta"), cantado en una pista de musica grabada anteriormente Huey "Piano" Smith, publicado en el sello Ace. El disco vendió más de un millón de copias, ganando el estado del disco de oro
Era conocido como el "Dynamo Nueva Orleans", y todavía gasta alrededor de 200 días al año en la carretera.
El 16 de mayo de 2010, en la Fiesta de Louisiana Music en Erwinville, Ford fue inducido al Salón de la Fama de la Música de Louisiana.
MADONNA
Madonna Louise Veronica Ciccone, más conocida cómo Madonna (Bay City, Míchigan, 16 de agosto 1958) es una cantautora, actriz y empresaria estadounidense. Nació en Bay City, y en 1977 se mudó a Nueva York para perseguir una carrera en la danza moderna. Después de participar en dos grupos musicales, "Breakfast Club" y "Emmy", lanzó su álbum debut en 1983, Madonna. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y "explotando" las imágenes en sus videos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte. Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales, su mayores éxitos son "Like a Virgin", "Papa Don't Preach", "La Isla Bonita", "Like a Prayer", "Vogue", "Frozen", "Ray of light", "Music", "Hung Up", y "4 Minutes". Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena. Es conocida alrededor del mundo como «La Reina del Pop»
Su carrera se vio reforzada por sus apariciones en diversas películas, por las que ha recibido comentarios mixtos. Su protagonico más elogiodo ha sido el de Evita Perón para la película de 1996, Evita, por el que incluso ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz en Película Musical o Comedia; pero ha recibido críticas duras por otros protagonicos. Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora, además que es dueña del sello discográfico, Maverick, que ha publicado álbumes para cantantes cómo Alanis Morissette, en la actualidad Time Warner tiene ciertas acciones del sello. Ella ha sido aclamada como una mujer de negocios, y en 2007, ella firmó un hecho sin precedentes, un contrato de 120 millones dólares con Live Nation.
Madonna ha vendido cerca de 500 millones de discos en todo el mundo y tiene el récord mundial de "la artista femenina más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos" por el Guinness World Records. Según la Recording Industry Association of America (RIAA), es la artista musical feminina más vendida del siglo XX y la segunda artista femenina más vendida en los Estados Unidos, detrás de Barbra Streisand, con 64 millones de álbumes certificados.
En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists (los 100 artistas más vendidos de todos los tiempos), convirtiéndola en el artista solista más exitoso en la historia musical. También fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en el mismo año. Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas, cómo Lady Gaga y Britney Spears.
BEASTIE BOYS
Beastie Boys es un grupo musical neoyorquino fundado en 1979. Comenzaron tocando Hard Rock (algo Heavy)con toques de Rap,en sus primeros discos, pero más tarde comenzaron a experimentar como pioneros del hip hop y el rap, convirtiéndose en referencia fundamental de los mismos. También han editado discos basados en el funk y el jazz y no es infrecuente que en sus discos de hip hop incluyan algún momento de rock o punk o algún corte acústico. También son conocidas las actividades de turntablism y de producción musical de sus miembros.
El grupo está compuesto actualmente por Adam Yauch (MCA), Mike Diamond (Mike D) y Adam Horovitz (Adrock), aunque otros músicos han formado parte del grupo: Kate Schellenbach (batería) y John Berry (guitarrista) habían formado parte antes al grabar su primer disco, el hardcore punk "Pollywog Stew" en el sello independiente punk Ratcag Records en 1981. Es recién en 1983, y después de visitar clubes de la Gran Manzana donde se exponía el embrionario estilo hip hop, que demuestran sus primeros coqueteos con éste en su EP "Cooky Puss". Uno de los temas de ese disco, el semi dub "Beastie Revolution", les significó un golpe de suerte inesperado al ganar una demanda a la British Airways por usar la canción sin permiso para un comercial, lo que les valió que se llevaran $40,000 de la compañía.
PESAJ BURSTENIS (ISRAEL)
Pesaj "Peishachke" Burstein (ab 15, 1896-ab 6, 1986) fue un comediante israelí-estadounidense, cantante y director de vodevil yiddish de teatro. Su esposa Lillian Lux, y su hijo Mike Burstyn también fueron actores.
Nacido como Pesaj-ke Burstein debido a su nacimiento en la Pascua, fue criado en Berdiansk. Él se escapó de casa cuando era un adolescente a unirse a una compañía de teatro yiddish viaje. Fue arrestado como espía por los rusos durante la Primera Guerra Mundial nunca más vio a sus padres, que fueron asesinados en un pogrom.
Nacido como Pesaj-ke Burstein debido a su nacimiento en la Pascua, fue criado en Berdiansk. Él se escapó de casa cuando era un adolescente a unirse a una compañía de teatro yiddish viaje. Fue arrestado como espía por los rusos durante la Primera Guerra Mundial nunca más vio a sus padres, que fueron asesinados en un pogrom.
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