ANITA ODAY

Anita Belle Colton (Chicago, 18 de octubre de 1919 - 23 de noviembre de 2006), (Anita O'Day) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las principales voces femeninas del jazz. Su estilo es tradicional, y oscila entre el swing y el bop; tiene un gran sentido de la improvisación y del ritmo. La voz de Anita O'Day es ligeramente grave y siempre suave.

La primera aparición de Anita O'Day' en una big band rompió con la imagen tradicional de las vocalistas femeninas, situándose a un nivel similar al de los otros músicos del grupo.

Animada por su madre, entró desde muy joven en el mundo de la música a través de varios concursos en los que participaba tanto como bailarina como cantante. Tras malas experiencias en breves estancias con Benny Goodman y Raymond Scott, O'Day consiguió un puesto en la orquesta de Gene Krupa en 1941. Varias semanas más tarde, Krupa contrató al trompetista Roy Eldridge, formándose un trío que alcanzó grandes éxitos como "Let Me Off Uptown", "Boogie Blues" y "Just a Little Bit South of North Carolina". Estuvo también durante un breve periodo con Woody Herman para regresar otra vez con Krupa, hasta abandonarle otra vez en 1943. Estuvo con Stan Kenton en 1944 y, finalmente, antes de su iniciar su carrera en solitario en 1946, otra vez con Krupa.

Su carrera explosionó en 1955 con su primer disco (el primero que, además, editó VERVE) titulado Anita (o This Is Anita). Anita O'Day fue siempre mucho más apreciada en el mundo del jazz que en el del pop, y así frecuentó las actuaciones en los festivales de jazz, apareciendo junto a figuras como Louis Armstrong, Thelonious Monk y George Shearing. Su actuación en el Newport Jazz Festival de 1958 la convirtió en famosa en todo el mundo tras realizarse sobre el mismo una película titulada Jazz on a Summer's Day.

La serie de casi veinte discos para VERVE durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llenga de swing con Billy May (Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet (Anita Sings the Most), varios tradicionales con la Buddy Bregman Orchestra (Pick Yourself Up, Anita), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre (Cool Heat) e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader (Time for Two).

FRANKIE TRUMBAUER

AFRO CUBANOS

Mario Bauzá (La Habana, 1911 - Manhattan, 11 de julio de 1993) fue un músico y compositor cubano; trompeta, es conocidos sobre todo por haber sido el director musical de la orquesta de Machito (de quien era, además, cuñado) durante treinta y cinco años. Fue fundador de lo que hoy se conoce como Jazz latino.

Bauzá tocaba el clarinete en la Orquesta Filarmónica de La Habana. Sin embargo, tras viajar en 1926 a Nueva York con la orquesta de Antonio María Romeu, quedó tan impresionado por las big bands de Paul Whiteman, Fletcher Henderson y Tommy Dorsey, y por las revista musicales de Harlem, que en 1930 decidió emigrar definitivamente a Estados Unidos. Durante el viaje, se hizo amigo de Antonio Machín. Entre 1930 y 1931, fue trompetista del cuarteto de Antonio Machín y realizó con este grupo importantes grabaciones en la ciudad de New York. Como anecdota se cuenta que había aprendido a tocar la trompeta en solo dos semanas.

Sus primeros trabajos fueron con las orquestas de Cass Carr, Noble Sissle y Sam Wooding. En 1933 entró como primer trompeta en la orquesta de Chick Webb, en la que terminó como director musical. A continuación, trabajó con Don Redman y Fletcher Henderson, para finalmente quedarse con Cab Calloway.

El 3 de diciembre de 1940, debutó con Machito en el Park Plaza, una sala de baile, con los Afro-Cubans, para trabajar después durante casi cuatro años en el club La Conga. Bauzá trabaja para Machito como director artístico, encargándose de los arreglos y de la contratación de los músicos.

El estilo de los Afro-Cubans mezcla los ritmos de Cuba con rasgos de las bandas de swing y las armonías más avanzadas del bop. Gracias a ello, músicos como Dizzy Gillespie reintroducen ritmos africanos, pasados por Cuba, en el jazz.

LUISIN LANDAEZ

Luis Felipe Landáez (Higuerote, Estado Miranda, Venezuela, 1931 - Peñalolén, Santiago de Chile, 16 de noviembre de 2008), mejor conocido como Luisín Landáez, fue un cantante de cumbia venezolano que adquirió popularidad en Chile, principalmente, por sus canciones "La piragua" y "Macondo".

Nació en Higuerote, pero se mudó a la capital venezolana cuando era pequeño. De joven trabajaba en el taller mecánico de su familia, mientras que por las noches se dedicaba a la música. Comenzó su carrera profesional a los 21 años, cuando sus temas rotaban con éxito en las radioemisoras. Luego de participar en algunos grupos musicales, como los Billo's Caracas Boys y la Orquesta de Luis Alfonzo Larraín, empezó su carrera como solista a fines de los años 1950.

En 1960, salió de gira por países como Colombia, Ecuador, Perú y Chile. A este último llegó en 1962 y se unió al tour que diversos artistas de la nueva ola llevaban a cabo. Decidió radicarse en Chile y eventualmente se convirtió en un ícono musical, llegando a grabar 45 álbumes de cumbia. Fue simpatizante del presidente Salvador Allende, y se marchó de Chile tras el Golpe de Estado de 1973. Cuando la democracia se restableció a fines de los años 1980, Landáez volvió y realizó presentaciones hasta el 18 de septiembre de 2004. En diciembre de ese año, acusó a La Sonora de Tommy Rey de abaratar la profesión por cobrar $500.000 por presentación. El vocalista de la Sonora, Patricio Zuñiga, respondió a estas críticas calificando a Landáez de "viejo tonto envidioso".

El domingo 16 de noviembre de 2008, y tras permanecer dos semanas en el Hospital Doctor Luis Tisné de Peñalolén, sufrió un paro cardíaco y falleció a los 77 años. Durante su vida, se casó cinco veces y tuvo 13 hijos. Al momento de fallecer padecía de diabetes y problemas renales. Su cuerpo fue velado en la Parroquia de la La Asunción, y el martes 18 de noviembre fue sepultado en el Mausoleo de los Artistas, ubicado en el Cementerio General de Santiago.

LUCIA POP

Soprano eslovaca nacida en Ukorska Ves. En su juventud cantaba en los invernaderos de Brunn y Praga, para más tarde estudiar en la Academia de Música de Bratislava junto a Ana Hrusovska-Prosenkova. Cantante de voz excelsa, debutó con 23 años en la ópera de Bratislava, en el personaje de Reina de la Noche de la Flauta Mágica de Mozart. En 1963 Herbert Von Karajan la contrató para la Compañía del estado de Viena y ese mismo año debutó en el festival de Salzburgo. Durante los años 70 interpretó papeles de coloratura lírica, particularmente Mozart (Pamina y Susana), y en los años 80 los papeles de Wagner y de Richard Strauss. Realizó grabaciones con los más importantes directores del mundo, como Georg Solti, Raphael Frübeck de Burgos y Otto Klemperer. Además fue una extraordinaria cantante de lieders. Murió en Munich (Alemania) en 1993.

MONTSERRAT CABALLE

Soprano española de fama internacional, conocida por su gran técnica vocal y la ductilidad de su voz, así como por sus interpretaciones de Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi. Nació en Barcelona y estudió en el Liceo de su ciudad natal durante doce años con Eugenia Kenny, Napoleone Annovazi y Conchita Baddia. Ganó la medalla de oro de dicho centro en 1954. Construyó su carrera despacio pero con cimientos sólidos. Tras unirse a la Basle Opera en 1956, el abandono de una de las cantantes hizo que interpretara el papel de Mimi en La Bohéme, de Puccini con lo que obtuvo gran éxito. Se hizo con un amplio repertorio: Pamina (en La flauta mágica de Mozart), Tosca de Puccini y Aida de Verdi, entre otras. En 1959 comenzó a trabajar como primera cantante en la ópera de Bremen, donde interpretó por primera vez los papeles de Violetta (en La Traviata de Verdi) y Tatiana (en Eugene Onegin de Tchaikovsky). Más tarde debutó en La Scala como muchacha-flor en Parsifal de Wagner. Su fama ya era importante cuando debutó en México, D.F. en 1964, el mismo año en que contrajo matrimonio con el tenor Bernabé Martín. En 1965 le ofrecieron, en el Carnegie Hall de Nueva York, sustituir a Marilyn Horne en la ópera de Donizetti Lucrezia Borgia. Desde entonces han sido varias las obras de Donizetti que han visto de nuevo la luz para ser interpretadas por ella; lo mismo ha pasado con varias obras poco conocidas de Verdi. Es una de las grandes sopranos de Verdi y Donizetti. Caballé es una cantante más majestuosa que espectacular; consigue este efecto ante el público a través de su voz y su presencia. Gracias a la calidad de su voz puede interpretar tanto los papeles más dramáticos como los más románticos. El dúo con la estrella del pop Freddie Mercury en la canción "Barcelona" consiguió que su arte llegase a un nuevo público

BIRGITT NILSSON

Soprano sueca, considerada la mejor soprano wagneriana de su época. Nació cerca de Malmö, estudió canto en la Real Academia de Música de Estocolmo y debutó en 1948 con Macbeth, del compositor italiano Giuseppe Verdi. Se consagró en el ámbito internacional, en 1954, con las óperas del compositor alemán Richard Wagner en el Festival de Bayreuth, Alemania.

JUSSI BJORLING

LITLE WALTER

Little Walter o Marion Jacobs, fue un armonicista, cantante y también guitarrista de blues. Nacido en Marksville, Louisiana, Jacobs es mencionado usualmente como uno de los más grandes del blues y constructor del sonido de Chicago. Su forma de tocar la armónica fue tan revolucionaria que es directamente comparable a lo que hizo Jimi Hendrix con la guitarra o Charlie Parker con el saxo, logrando sonidos, fraseos y expresionismo a niveles inimaginados para la época, marcando un estándar para siempre.

Tentado por conocer la gran ciudad y expandir sus horizontes musicales, Walter abandonó su escuela rural en Lousiana a los 12 años. Posteriormente fue vagando por diversas localidades: New Orleans, Helena, donde conoció a Sonny Boy Williamson, Memphis, St. Louis hasta llegar finalmente a Chicago en 1946.

Jacobs era alcohólico y esto siempre le trajo problemas personales, de esta manera aceptó giras a Europa dos veces, en 1964 y 1967 para recuperar el dinero que perdía en apuestas o peleas. Murió de una trombosis cerebral en el año 1968 luego de una pelea callejera.

Su instrumental del año 1952, Juke, fue elegido como una de las 500 canciones que le dieron la forma definitiva al Rock and Roll según de la Rock & Roll Hall of Fame.

EL PICAFLOR DE LOS ANDES

Víctor Alberto Gil Mallma más conocido como Picaflor de Los Andes (* Huancayo, 8 de abril de 1930, - La Oroya, 15 de julio de 1975) cantante peruano de música vernacular, vendió aproximadamente 80 mil discos del canción "Corazón Mañoso", en 1960 obtiene su carnet de artista por la Casa de La cultura, con el nombre de "Picaflor de Los Andes", e hizo una presentación en la carpa el Coliseo Nacional.

Víctor Gil nació en la ciudad de Huancayo en 1930. Una tercera oleada de migrantes provincianos de fuerte raigambre popular y clase media empobrecía a Lima durante los años sesenta. Los pueblos jóvenes y los barrios populosos colindandtes con "La Parada" o el Mercado Mayorista recibieron a éstos provincianos que llegaban en busca de trabajo. Era una marea humana que arribaba con toda su existencia a cuestas; no sólo sus costumbres, enraizadas desde varias generaciones posteriores, sino un afán indesmayable de sobrevivencia y superación. El gran intérprete de ésta conocida y nueva manera de ser del provinciano andino en Lima, es sin duda alguna "Picaflor de los Andes". Gracias a Él, los miles de migrante se identificaban entre ellos sus triunfos, derrotas y aspiraciones. Víctor Gil Mallma y sus canciones lograron abrir las puertas de un mundo complejo y lleno de contradicciones. Gracias a su música y persona, los provincianos sacudieron en gran parte sus complejos y vergüenzas. Sus canciones era escuchadas, con nostalgia del terruño y ganas de vivir mejor, en pequeñas habitaciones que poseían las empleadas del hogar, talleres, fábricas y mercados, así como también choferes de ómnibus y camiones que viajaban por los distintos caminos del Perú. Ese multitudinario sentimiento se extendía por la gran Lima, especialmente los días domingos. Era el encuentro semanal tan ansiado: Uno se vestía con lo mejor y con algún dinero ahorrado y se dirigían a los coliseos a escuchar los huayños, a reconocer en la letra y música de esas canciones todos los sueños guardados. Entonces en el Coliseo Nacional, en el gran escenario, estaba El Picaflor de los Andes, cantando la música del centro en medio de gritos y aplausos, acompañado siempre por diversas orquestas típicas. Fue un líder indiscutible de la canción popular andina. Indentifcado con el agricultor, minero, chofer y músico, actividades que también realizó desde joven, no sólo entonaba el huayno en sí, si no los diversos motivos costumbristas del calendario agrícola y de las fiestas patronales y religiosas. El 15 de julio de 1975, en el distrito de la La Oroya víctima de una Mielitis e infarto deja de existir éste máximo exponente de la música vernacular peruana, a su entierro fueron más de 100 mil personas, todo un record para la época.

YMA SUMAC (PERU)

Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo (Ichocán, Perú, 10 de septiembre de 1922, Los Ángeles, Estados Unidos, 1 de noviembre de 2008), más conocida como Yma Sumac, transliteración del quechua Ima Sumaq ("qué linda"), fue una tiple peruana de gran éxito internacional en los años cincuenta especialmente conocida por su inusual registro vocal, que llegó a abarcar cinco octavas.

Además se destacó por su belleza y exotismo, ya que afirmaba ser una princesa inca descendiente del emperador Atahualpa. Es la única peruana que tiene su nombre inscrito en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Usando el nombre artístico de Yma Sumac grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, para el sello discográfico Odeón, era acompañada por la agrupación de Vivanco "Compañía Peruana de Arte", integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos: "A ti solita te quiero", "El Picaflor", "La Benita", "Amor", "Amor Indio", "Waraka Tusuy", "Carnaval Indio", "Un Amor", "Mi Vida y La Tuya", "Te Quiero", "Cholo Traicionero", "Wifalitay", "El Payandé", "La Sirena", "Pariwana", "Mashiringa", "Melgar", "Andina", "Punchauniquipy", "Cholitas Puneñas", "Qué Lindos Ojos", "Vírgenes del Sol", "Un Picaflor la Desangró".

Yma Sumac falleció el en Los Ángeles el 1 de noviembre de 2008 tras seis meses de lucha contra el cáncer de colón. Por deseo de la cantante y de sus parientes más cercanos fue inhumada en Hollywood, donde había pasado 60 años de su vida.

ATAULFO ARGENTA

FEDERICO MORENO TORROBA

LA ZARZUELA

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro Elías Gutiérrez.

En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenizacion de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocido como la Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama tambien zarzuelta en varios lugares del país.

La zarzuela es un subgénero de la Opereta, la opereta es una representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales. Para que una opereta pueda ser considerada zarzuela tiene que cumplir dos requisitos: que la acción se desarrolle en territorio español y que contenga algún número musical que se inspire en el folclore de alguna región española. Así La corte de faraón o los gavilanes no pueden ser consideradas zarzuelas porque no cumplen estos dos requisitos.

En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

La zarzuela se va manteniendo con estas producciones que, a veces, se ajustan a la estructura musical de una ópera italiana, gracias a autores de la talla de Francisco Alonso, José Padilla, Pablo Sorozábal, Federico Moreno Torroba, Rafael Calleja y Jacinto Guerrero. La guerra española abre un paréntesis y en la posguerra, la decadencia es casi total. No existen apenas nuevos autores para este género y no se renuevan las obras. Por otro lado, la zarzuela existente es difícil y costosa de representar y sólo aparece esporádicamente, por temporadas, durante unos pocos días o semanas.

En estos primeros años del siglo se empieza a dar el apelativo de género ínfimo a las representaciones conocidas como revistas. Son obras musicales con una conexión de ideas parecida al de la zarzuela pero más ligeras y atrevidas, con números escénicos que, en la época, se calificaron de «verdes», es decir, pícaros, de temas sexuales y con letras de doble intención, en casi todas hay "cuplés". Una de estas obras fue La Corte de Faraón, basada en la opereta francesa Madame Putiphar. La música se hizo tan popular que algunos de sus números acabaron siendo verdaderos cuplés difundidos por el público.

MARUJITA DIAZ

María del Dulce Nombre Díaz Ruiz Marujita Díaz 26 de abril de 1931 (79 años) Es una actriz y cantante española de los años cincuenta y sesenta del siglo XX.

Debutó en el teatro infantil a los 9 años y en el cine en 1947. Su voz le abre las puertas tanto del teatro como del cine. Actriz dramática con una notable vena cómica alcanzó el éxito en el cine en los años 60 gracias fundamentalmente al tirón de las comedias de esta época, por lo cual interpretaba papeles similares en sus películas.

Alterna la revista musical, la zarzuela, la TV y el cine con bastante éxito hasta los años 80. Empieza su andadura en el cine en títulos del cine folclórico como El pescador de coplas o Puebla de las mujeres, sin abandonar nunca su carrera teatral que es donde se forma como artista. Alcanzó cierto éxito con películas como Pelusa, La casta Susana o La Cumparsita.

En el teatro musical desarrolló una extensa carrera plagada de éxitos alternando diversos géneros que van desde la revista más clásica a la zarzuela de corte madrileño: A todo Color, Las 4 copas, La Princesa Alegría, La fierecilla domada, Bésame Catalina, Caridad de noche, Chorizos y polacos, Madrid, Madrid, Agua, azucarillos, y aguardiente, La Verbena de la Paloma, Revista, revista, siempre revista, Si Eva fuera española, Cantando los cuarenta, La Gran Vía, De Madrid al Cielo o El oso y el madrileño fueron sus incursiones más significativas. En televisión presentó en 1976 un programa dedicado al género de la revista titulado Música y estrellas.

Estuvo casada en dos ocasiones, primero con Espartaco Santoni, junto al que creó una productora llamada Producciones cinematográficas MD.Y posteriormente por la iglesia con Antonio Gades durante un breve período. No tiene hijos.

Conocida desde joven por su desparpajo, en los últimos tiempos su imagen pública se ha visto de nuevo en el candelero, por su afán de protagonismo y discutibles apariciones televisivas.

SALVADOR RUIZ DE LUNA

Gabriel Salvador Ruiz de Luna Arroyo (Talavera de la Reina, 18 de marzo de 1908 - Madrid, 5 de agosto de 1978) fue un compositor español, conocido sobre todo por sus bandas sonoras.

Hijo del ceramista Juan Ruiz de Luna Rojas, estudió con Pablo Luna y Conrado del Campo, con quien mantuvo una amistad incondicional durante 38 años. Fue profesor titular de la Escuela Oficial de Cinematografía y director de la sección de cinematografía de la SGAE. En 1935 realiza ballets para Carmen Amaya como El Embrujo y Un ballet con libreto de Gerardo Rivas. Es también autor de bandas sonoras de películas como El Malvado Carabel de Fernando Fernán Gómez (1955), Boda en Castilla de Manuel Augusto García Viñolas, Abuelita Charlestón (1962) con Marujita Díaz, Gayarre (1959) o Embajadores en el infierno (1959

RAUL GARCES

LOS CABALLEROS DEL TANGO

LOS PROVINCIANOS

ORQUESTA TIPICA VICTOR

Cuando a los directivos del sello discográfico se les ocurrió la formación de una orquesta que representara a la empresa, recurrieron a un pianista de formación clásica, que aún no había incursionado en el tango: Adolfo Carabelli.

Este gran artista estudió con los mejores maestros de su época y a los quince años ya daba conciertos en salas de la ciudad de Buenos Aires. Siendo muy joven viaja a Bologna, donde permanece hasta 1914. Allí cursó el liceo y continuó sus estudios musicales. El comienzo de la guerra lo devuelve a su país donde forma un pequeño conjunto de música clásica: "Trío Argentina".

En esos años conoce al pianista Lipoff, que acompañaba a la célebre bailarina Anna Pavlova, y a través suyo lo atrapa el jazz, género que recién comenzaba a difundirse.

Su primer orquesta se llamó "River Jazz Band", después, al pasar a la radio, el conjunto llevó su nombre, y la orquesta obtuvo un éxito descomunal y era demandada por todos los clubs nocturnos de la época. Por ella pasaron Eduardo Armani y Antonio Pugliese, entre otros. Graba sus primeros discos en el sello Electra y luego es contratado por la Victor como asesor musical y responsable de la formación de una orquesta típica.

Orquesta mítica del tango, que nunca actuó en público, pero que dejó, en su larga trayectoria, el recuerdo indeleble de su perfección y calidad.

La conformación de la orquesta era muy variable, los músicos eran reemplazados de continuo, pero todos ellos de excelente nivel. Es así que algunos expertos reconocen, en determinadas grabaciones, el violín de Elvino Vardaro, por ejemplo.

Otros nombres importantes que pasaron por la orquesta fueron: los bandoneones de Federico Scorticati, Carlos Marcucci y Pedro Laurenz; Orlando Carabelli, hermano del director y Nerón Ferrazzano en contrabajo; en violines, Antonio Buglione, Eduardo Armani y Eugenio Nobile. También desfilaron por la orquesta: Cayetano Puglisi, Alfredo De Franco y Aníbal Troilo, en algunas oportunidades.

JOSE PEREZ DE LA RIESTRA

Carlos José Pérez de la Riestra, conocido popularmente como Charlo (n. 6 de junio de 1907, La Pampa - † 30 de octubre de 1990, Buenos Aires), cantante, músico, pianista, actor y compositor argentino.

Nació el 6 de junio de 1907 en la estancia La Piedad, ubicada entre las estaciones ferroviarias Guatraché y Avestruces, en la provincia de La Pampa. Al no existir Registro Civil en el lugar, sus padres, humildes inmigrantes españoles, lo inscribieron apenas se instalaron en el partido de Puán, en la provincia de Buenos Aires. Cursó los estudios primarios en la Escuela Nº 1, siendo su maestra la señorita Juana Marchi, luego casada con Carlos Ramón Dobal, entre cuyos hijos figura el famoso dibujante Miguel Angel Dobal y el periodista Juan Carlos Dobal, que durante muchísimos años condujo en Bahía Blanca los noticieros de LU3 Radio del Sur.

Desde los ocho años mostró que estaba dotado para la música, por lo que por indicación paterna realizó los primeros estudios de solfeo y piano en el Conservatorio Santa Cecilia, conducido por Alejandro Leone.

El año 1926 fue de una intensa actividad, ensayaba diariamente durante cinco horas, y practicaba vocalización con su maestro de canto Enrico Castronuovo. Además grababa con Francisco Canaro, con Francisco Lomuto y como solista. Tres veces a la semana actuaba en radio, y en los fines de semana se presentaba en los principales cines de la Capital y sus alrededores

Gracias a la difusión de sus discos su voz se hizo muy popular en toda América, especialmente en los países limítrofes. Esto le abrió las puertas al exterior, y supo aprovecharlo. Primero viajó a Uruguay, contratado por la Casa "Max Gluscksmann" para inaugurar el cine "Rex" de Montevideo. Su primera gira importante comenzó en 1938, actuando con suceso en Chile. "Esta es tu oportunidad, vestite y cantá como sabés, y vas a ver que vas a matar", le había pronosticado su manager José Razzano, y tuvo razón. Actuó luego en Bolivia, Venezuela, Cuba y los Estados Unidos. Principalmente en La Habana y en Lima su éxito fue tal que lo catapultó a la fama, consagrándolo como sucesor de Gardel. En sucesivas giras siguió ampliando su éxito. En Brasil, como en los países anteriormente citados, entonó tangos, boleros y folklore. Otros lugares desde donde alcanzó reconocimiento fueron Panamá, Portugal y España. En estos dos últimos países estuvo radicado a partir de 1955, cantando a dúo con su compañera Sabina Olmos en el espectáculo "Estampas de Hispanoamérica", ofrecido por la televisión y en el casino de Estoril, y más tarde en el cine y la televisión española. De allí pasó a actuar en Francia y Bélgica, y por último, en 1956, visitó Colombia, donde fue recibido con gran suceso no sólo el músico y cantor de tangos, sino un Charlo universal intérprete de ritmos melódicos y tropicales. En esa gira compuso unos de los últimos éxitos: su "Tango en Colombia".

ARCHIE BLEYER

THE WEAVERS

THE CHORDETTES

The Chordettes fueron un cuarteto femenino de pop, que cantaban generalmente a capella, especializado en la música popular tradicional. Fueron uno de los grupos vocales de más larga duración, con inicio en la corriente principal del pop y armonías vocales de la década de 1940 y principios de 1950.

El grupo se crea en 1946 en Sheboygan, Wisconsin, formado originalmente por Janet Ertel (21 de septiembre de 1913 - 4 de noviembre de 1988), Carol Buschmann, su hermanastra, Dorothy Schwartz y Jinny Osborn (o Jinny Lockard) (25 de abril de 1928 - 19 de mayo de 2003). En 1952 Lynn Evans sustituirá a Schwartz y en 1953, Margie Needham sustituye a Osborn, cuando iban a ser madres, aunque esta última regresó más tarde al grupo. Nancy Overton (6 de febrero de 1926 - 5 de abril de 2009) también perteneció al grupo en un momento posterior.

Originalmente cantaban música popular al estilo de The Weavers, pero con el tiempo cambiaron a un estilo de armonización del tipo conocido como barbershop o close harmony

MARK KNOPFLER

Mark Freuder Knopfler OBE (n. 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.

Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone lo situó en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos

CHET ATKINS

Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul - le trajo admiradores ambos dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Él creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como el sonido Nashville, que amplió la música country incluyendo a admiradores de música pop adultos

LES BAXTER

NELSON RIDDLE

Nelson Smock Riddle, Jr. (1 de junio de 1921 – 6 de octubre de 1985) fue un conocido director de orquesta, arreglista y orquestador estadounidense cuya carrera se desarrolló desde finales de los años cuarenta hasta comienzos de los ochenta.

Riddle es conocido sobre todo por su obra para Capitol Records, proveyendo arreglos jazzísticos de big banda para acompañar a cantantes como Frank Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole, Judy Garland, Peggy Lee, Louis Prima y Keely Smith. Más tarde, su talento arreglístico fue también usado por Ella Fitzgerald, Shirley Bassey, Matt Monro, Linda Ronstadt y otros. Sus arreglos se caracterizan por una orquestación innovadora con melodías enfrentadas y una instrumentación que expresa las emociones de cada verso de una canción.

MORRIS STOLOFF

ANA GABRIEL

María Guadalupe Araujo Young, artísticamente Ana Gabriel (nacida el 10 de diciembre del 1955 en Guamúchil) es una cantautora mexicana.

Es la cantante mexicana que más ventas de discos ha tenido a nivel internacional. A lo largo de su trayectoria musical ha vendido mas de 100 millones de discos. Además Ana Gabriel representa uno de los más sorprendentes fenómenos de los últimos años pues su voz ha cautivado al mundo entero, no en vano toda América Latina disfruta de sus éxitos al saber que se ha convertido en una cantante muy talentosa y la que trajo el pop latino junto a la lambada a México hasta llamarse la "Diva de América" y la reina de México. Incluso Ana Gabriel ha sido ganadora de varios premios Grammy ya que ha sido por más de 5 años consecutivos la reina del pop y la más escuchada en la radio. A principios del 2010 interpreta el tema Las leyes del Corazón para la telenovela "La loba" de Tv Azteca

VIKKY CARR

Desciende de una familia mexicana que la bautizó como Florencia Vicenta de Casillas Martínez Cardona. Después de adoptar el seudónimo “Vikki Carr”, la cantante firmó un contrato con Liberty Records en 1962.

El primer sencillo que tuvo algún éxito fue He’s a Rebel, que en 1962 alcanzó el n.º 5 en Australia y el n.º 115 en EE. UU. En 1966 hizo una gira por Vietnam para apoyar a los soldados estadounidenses en la guerra de Vietnam, con el actor y comediante estadounidense Danny Kaye.

En 1967 su álbum It Must Be Him fue nominado a tres premios Grammy. Ese año la canción que da nombre al disco alcanzó el n.º 3 de los Billboard Hot 100 en EE. UU. Carr tuvo otras dos canciones que entraron en la lista Top 40: The Lesson (1968) y With Pen in Hand (1969). En esta época, el actor Dean Martin la bautizó “la mejor cantante en el negocio” Carr grabó 10 sencillos y y 13 álbumes que entraron en las listas de popularidad de EE. UU.

Trabaja en radio, televisión, cine y teatro. Canta en varios estilos, incluido jazz, pop y country, pero ha desarrollado sus más grandes éxitos cantando en español. Tuvo muchos éxitos discográficos y ha interpretado canciones junto a figuras tales como Julio Iglesias, Ana Gabriel, Manoella Torres, Vicente Fernández, Trini López, Danny Rivera, etc.

Sus canciones han tenido gran éxito en Estados Unidos, Europa y América Latina. Desarrolló una gran tarea en el área humanitaria.

En 1968, grabó seis especiales para London Weekend TV. En 1970 fue nombrada "Mujer del año" por el periódico Los Angeles Times. Recibió una estrella en el paseo de la fama en 1981.

Carr también realizó la rara proeza de cantar para cinco presidentes de EE. UU. durante su carrera: Richard Nixon, Gerald Ford, Ronald Reagan, George Bush y Bill Clinton.

En los años ochenta y noventa, Carr tuvo un inmenso éxito en el mundo de la música latina. Ganó premios Grammy a la mejor grabación mexicano-estadounidense de 1985 por su álbum Simplemente mujer; en 1992 por el mejor álbum pop latino, por el disco Cosas del amor; en 1995 por la mejor grabación mexicano-estadounidense, por Recuerdo a Javier Solís. También fue nominada a los Grammy por los discos Brindo a la vida, al bolero, a ti (1993) y Emociones (1996).

DORIS DAY

Doris Mary Ann von Kappelhoff, más conocida como Doris Day (Evanston, Ohio, 3 de abril de 1924) es una actriz cantante y defensora de los derechos de los animales, estadounidense. Fue una de las actrices más prolíficas durante los años 50 y 60. Capaz de cantar, bailar e interpretar papeles tanto de comedia como dramáticos, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante mediados del siglo XX y está considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte.

ALGO DE 1920-1941

CARNAVALES DE PERU

LAS BANDAS DE HONDURAS

La imborrable huella de las bandas de oro

Algunos de esos exitosos grupos se han desintegrado, pero han dejadosu recuerdo en el corazón de los hondureños y en le resto del mundo

Lo conquistaron con sus canciones e hicieron bailar a todos los hondureños, su música rompió la fronteras y dio a conocer el sabor catracho.

“La sirenita” animó a muchos, “El sambunango teleño” ha quedado en la historia y todo el sabor mundial de la “Sopa de caracol” marcó la historia.

El siguiente será un recorrido por los tiempos de oro de algunos de los grupos que han hecho historia en la música hondureña:

La inolvidable One

Sus más grandes legados fueron “La sirenita” y “La muerte de pedro”. La banda One es uno de los grandes grupos que marcaron pautas en Honduras. Nació en la década de los 70. Es un grupo que inició tocando rock, su propietario y cantante principal era Carlos Arturo Rubio.

La banda One fue uno de los grupos que pusieron de moda los festivales de rock en El Picacho, cuando este lugar tenía su campo grande y podían hacerse conciertos a los que iban de 6 mil a 8 mil personas.

La banda cambio de género en 1982 y del rock pasó a un ritmo más tropical. “Nosotros estuvimos viajando casi seis años seguidos. El grupo contaba con un estudio y un buen equipo de escenografía. La banda One hizo tres sencillos y un disco de música navideña.

Este grupo se separó en 1998, cuando llegó el huracán Mitch y se llevó su sede, donde estaban su equipo, fotos y vestuarios.

Al ritmo de los Gatos

¿Quién no se enciende con “El sambunango teleño” o la “Ranchepunta”? Así es, Los Gatos Bravos han quedado en la historia de Honduras.

Este grupo era otro especialista en animar a los bailadores. Se fundó en 1970 y fue creado por Fonchín Flores, pero el nombre fue idea de Jorge Sikafy. Igual que la Banda One, Los Gatos Bravos comenzaron a perder fuerza por el Mitch.

Los Gatos Bravos también hacían giras internacionales: “viajábamos tres a cuatro veces en giras por Estados Unidos y Centroamérica, todos los años, y nos iba muy bien porque a la gente le encantaba bailar con muestra música en el exterior”, comenta Fonchín hijo.

La mayoría de los integrantes de los Gatos Bravos en estos momentos están en la iglesia cristiana y algunos son pastores evangélicos.

“¿Saben quién llegó?”

Pero estas páginas del recuerdo no podían quedarse sin un sorbo de la famosísima “Sopa de caracol”. Esta espectacular canción dio la vuelta al mundo e hizo bailar a todos al ritmo del “¡riquitiqui... riquitiqui...!”

Esa que levantó el nombre de Honduras a nivel internacional. Este grupo se formó en 1974 e inició como una banda de rock. Luego cambió de estilo y comenzó a cantar música merengue y posteriormente punta.

Fue así como inició la aventura musical para esta famosa banda. En los 90, la Banda Blanca viajó a Miami, al festival de la Calle Ocho, donde la canción ya era conocida.

En el año 1991, la Banda Blanca fue nominada a los premios Lo nuestro, donde competía contra Juan Luis Guerra, Willi Chirinos y La Banda de la Luz, y los catrachos fueron los vencedores de la noche. 

Posteriormente, este grupo conquistó al monstruo de Chile y Viña del Mar cayó a los pies de la “Sopa de caracol”. Ahí la Banda Blanca logró obtener el máximo galardón: la Gaviota de Plata.  En el 94, la banda Blanca se fue a vivir a México y pasó a ser parte del elenco de Televisa; ese mismo año, “Siempre en domingo” se hizo presente en Honduras trayendo a artistas de la talla de Thalía, Bibi Gaitán, Paulina Rubio, Los Broncos y, por su puesto, el grupo anfitrión: Banda Blanca.

GRUPO SAN MIGUEL DE EL SALVADOR

LOS VIKINGS DE USULUTAN

TEMAS DE PELICULA CON CLAUDIA CARDINALLE

MAS DE LEO DAN

TEMAS EN PIANO

ENRIQUE Y ANA (TOPO GIGIO)

Topo Gigio es una marioneta de televisión infantil que interpreta a un ratoncito italiano.

Fue creado por Maria Perego en 1958, su primera aparición televisiva fue en 1959 en el programa italiano, Canzonissima y su voz original fue interpretada por el actor, Peppino Mazzullo.

Debido a su nombre, algunos espectadores de habla hispana creían que Topo Gigio era un topo en lugar de un ratón, sin considerar que ratón en italiano se dice topo.

El trabajo de animación de este personaje fue famoso, como lo fue su "caída de ojos", cuando le daba vergüenza o quería conseguir algo.

En sus apariciones televisivas, el Topo Gigio dialogaba con su contraparte humana, y contaba historias y cantaba canciones, como lo son:

"A la camita...".

"En un bosque de la China".

"¡Lo dije yo primero, lo dije yo primero!!".

"Quiero ser como mi papá".

Entre algunas características que ha mostrado se encuentran que:

Topo Gigio se considera un ratoncito pacífico.

Dice oraciones, incluyendo las dirigidas a "San Peppino".

Ha sido un gran admirador de Brigitte Bardot.

Cuando Topo Gigio apareció originalmente en televisión, sus programas fueron vistos en blanco y negro, y posteriormente a color. Sus programas han sido grabados en DVD.

VLADIMIR COSMA

Vladimir Cosma es un compositor francés, violonista de formación, pianista y jefe de orquesta, nacido el 13 de abril de 1940 en Bucarest, Rumanía.

En 1963, se instala en Paris y empieza su aprendizaje musical con Nadia Boulanger, en la Escuela Normal de Música de París. En 1966, Michel Legrand, que estaba trabajando en Les Demoiselles de Rochefort, le pide que se ocupe de las canciones (Oum le dauphin, Où vont les ballons ?) y le propone, el año siguiente, de sustituirle en la composición de la banda sonora de la película Alexandre le bienheureux que realiza Yves Robert.

Comienza a partir de ese momento para Cosma una vida de compositor de bandas sonoroas, entre las cuales cabemos destacar Les Aventures de Rabbi Jacob o La Chèvre, con su tema interpretado con la flauta de pan, que son entre las más conocidos. Su trabajo fue premiado en el Festival de Cannes y consigue dos César de la mejor banda sonora gracias a las películas Diva de Jean-Jacques Beineix en [1982] et Le Bal de Ettore Scola en 1984.

Compone también la sintonía del telediario de TF1 que se emitieron entre 1975 y 1976, y las nuevas versiones entre 1976 y 1984. Después de más de 300 melodías y bandas sonoras, se dedica ahora a la escritura de Symphonie, suites symphoniques basadas en las célebres sintonías que compuso para el cine. Trabaja también desde hace unos años en un musical de Marcel Pagnol : la « trilogie marseillaise » cuya creación tuvo lugar en la Ópera Municipal de Marsella en septembre 2007.

ANDRE RIEU

André Rieu (Maastricht, 1 de octubre de 1949) es un violinista y director de orquesta holandés. Es famoso por revivir el vals y por sus muchas grabaciones con la "Orquesta Johan Strauss".

Inició su carrera musical siendo niño y perteneció a diversas orquestas hasta que en 1987 fundó la suya propia, con el nombre holandés de «Johann Strauss Orkest» y a partir del año siguiente empezó su fulgurante carrera de éxitos por todo el mundo, comenzando por su propia patria, y convirtiéndose en una de las grandes estrellas de la música a nivel de los más prestigiosos divos del pop o del rock, al tiempo que ganó multitud de adeptos y aficionados a su música.

Con su característico estilo de difundir la música clásica, que otrora parecía reservada a las clases de élite o acomodadas, André Rieu decidió ponerla al servicio de un público joven y en aquellos lugares que dichos jóvenes suelen frecuentar, tales como plazas públicas, estadios deportivos u otros, bien sean de ocio o culturales. Y lo consiguió con gran éxito, pues ganó diversos premios como el top 10 o el 100, este último ostentando un número uno. En sus palabras:

“Pero no sólo mi corazón de músico está en Maastricht. También como persona, como esposo, como padre me siento aquí en casa. Estoy casado con una persona que ya conocéis “Marjorie Rieu, Mestreechs Meitske” (una chica de Maastricht) y mis dos hijos han nacido aquí. Tenemos una vida de lo más normal, a pesar de la agitación que a veces conlleva la vida de artistas. Cuando paseo por la ciudad, me saludan con un “ha jong, hoofste neet te wèrreke vandaog?” (¡eh, chico! ¿es que no trabajas hoy?) ¡Me encanta! Ni me piden autógrafos, ni fotos, ¡así es la gente de Maastricht! Pero hay algo que sí hacen, y me siento a veces muy cohibido. Me lanzan aquel piropo que sólo la gente de Maastricht sabe decir así: “ Sjiek jong, totste eine vaan us bis!” (Fantástico, chico, que seas uno de nosotros). Entonces me saltan las lágrimas y me siento superorgulloso.”

El violín que usa en la actualidad es un Stradivarius construido en 1667 por este famoso luthier

MARIO LANZA

Alfredo Arnold Cocozza nació en 1921 en Filadelfia. Sus padres eran inmigrantes italianos. Su madre, María Lanza, tenia una hermosa voz, pero no pudo estar en los escenarios porque su padre no se lo permitió. El padre de Alfredo, Antonio Cocozza, fue un héroe de la I Guerra Mundial. A los cinco años, Alfredo mostró un gran interés en la vieja Vitrola (gramola con motor a cuerda) familiar.

A los dieciséis años, anunció su intención de convertirse en cantante. Su madre, entusiasmada con el sueño que no había podido cumplir, le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky, que quedó tan impresionado con su voz que le garantizó una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, con el apellido de su madre, quien no pudo cantar.

En el Festival de Música de Berkshire hizo su debut, en la obra Las alegres comadres de Windsor. Su carrera operística fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, cuando fue asignado a los Servicios Especiales de la Fuerza Aérea Estadounidense. Retomó su carrera de cantante en octubre de 1945 en un programa de la cadena radial CBS denominado Great Moments in Music (Grandes momentos de la música), donde hizo seis apariciones cantando música operística. Más tarde estudió bajo la dirección de Enrico Rosati por quince meses.

Posteriormente, inició una extensa gira de 86 conciertos en los Estados Unidos, Canadá y México entre julio de 1947 y mayo de 1948. A raíz de un concierto en el Hollywood Bowl su talento llamó la atención del ejecutivo y fundador de la cinematográfica MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), Louis B. Mayer, quien hizo firmar a Lanza un contrato cinematográfico de siete años de duración.

Fue despedido en 1952, después de grabar las canciones de la cinta The Student Prince (El príncipe estudiante). La razón más frecuentemente citada en la prensa del momento fue el recurrente problema de peso que le hacía imposible encajar en el vestuario del Príncipe, pero según sus biógrafos la razón real fue una discusión que se generó con el director inicial de la cinta, Curtis Bernhardt, quien exigió al tenor que grabara de nuevo la banda sonora porque le parecía que estaba cantada «de una manera muy emocional». Mario Lanza decidió no trabajar en esta película con este director, a no ser que fuese designado otro. MGM se negó a sustituir a Bernhardt, y la película se hizo posteriormente con el actor Edmund Purdom doblando la voz de Lanza. Irónicamente, el director de la película fue Richard Thorpe, el mismo hombre propuesto por Lanza ante MGM para sustituir a Bernhardt, y con quien había tenido una excelente relación de trabajo en El Gran Caruso.

Regresó a la actividad cinematográfica en 1955 en la cinta Serenade (Serenata), de Anthony Mann, con Joan Fontaine y Sara Montiel. Sin embargo, a pesar de su fuerte contenido musical, no fue un filme tan exitoso como los anteriores. Lanza se trasladó a Roma en mayo de 1957, donde trabajó en la película Las Siete Colinas de Roma y volvió a realizar una serie de conciertos de fama en todo el Reino Unido, Irlanda y el continente europeo. A pesar de que su salud decaía, lo que se tradujo en una serie de cancelaciones durante este período, Lanza siguió recibiendo ofertas para óperas, conciertos, y películas

LUIS POISON PINTO

DE EGIPTO A ARABIA

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