JOHN DEBNEY

John Debney (Glendale, California, 18 de agosto de 1956) es un compositor y director de orquesta estadounidense, nominado al Oscar por la banda sonora de La Pasión de Cristo y autor también de la banda sonora de La isla de las cabezas cortadas, que obtuvo fantásticas críticas. Debney suele combinar su formación clásica con su gran conocimiento de los sonidos contemporáneos para adaptarse a cualquier tipo de composición.

Nació el 18 de agosto de 1956. Su padre fue el productor de los Estudios Disney Louis Debney. Nació y pasó su infancia en Glendale, California, donde comenzó a tocar la guitarra con seis años, llegando a formar algunos grupos musicales en el instituto. Estudió composición en el Instituto de Las Artes de California en 1979. Entonces empezó a trabajar componiendo para televisión de la mano del legendario Mike Post. También trabajó con el compositor de Hanna-Barbera Hoyt Curtin. Tras esto, Debney estuvo envuelto en proyectos de música para televión tan diversos como Star Trek: la nueva generación, Un cachorro llamado Scooby-Doo y seaQuest DSV, serie por la cual ganó un Emmy a la mejor composición de título principal. En los primeros años de la década de los 90, Debney empezóa componer música para atracciones de Disneyland. En 1991, Debney compuso la música para la Mansión Embrujada (Phantom Manor) de Disneyland Paris. En 1993, grabó su primera obra para la gran pantalla, la comedia de Disney Hocus Pocus (El retorno de las brujas en España, Abracadabra en Hispanoamérica), con Bette Midler como protagonista.

Desde entonces, Debney ha continuado componiendo para cine, llegando a tener una carrera muy prolífica en la cual ha trabajado en diversas películas de éxito, de géneros tan dispares como La isla de las cabezas cortadas, La Pasión de Cristo, Como Dios, Elf, Sin City, I Know What You Did Last Summer, Chicken Little, Liar Liar, Spy Kids, The Emperor's New Groove, El Rey Escorpión y The Princess Diaries. Estos trabajos le han dado fama de compositor versátil, pues en ellos incorpora estilos y técnicas diversas, yendo de instrumentos antiguos y exóticos a otras composiciones más vanguardistas.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG

Crosby, Stills & Nash (and Young) (comúnmente conocida como CSN o CSNY) es una banda de rock and roll y Folk Rock fundada en 1968. Algunos, sobre todo en Estados Unidos, la comparaban en popularidad a los Beatles. En su origen, el grupo se formó por la incorporación de Graham Nash, procedente del grupo The Hollies (Inglaterra), más David Crosby, miembro fundador de The Byrds y Stephen Stills antiguo componente de Buffalo Springfield; más tarde se incorporó Neil Young, también procedente del mismo grupo. Alcanzan la cumbre de su carrera como cuarteto con su álbum "Deja vú", de 1970. Es también muy recordada su espectacular participación en el festival de Woodstock, junto a The Who y Jimi Hendrix, en 1969.

Inventores de un estilo musical basado en una perfecta sincronización vocal, y estilizados, armónicos y contundentes acordes y melodías con guitarras acústicas. Algunas de sus canciones más importantes son "Suite: Judy blue eyes", "Our house", "Teach your children" y "Deja vú". Sus influencias abarcaron desde la mítica agrupación de rock progresivo, Yes, hasta grupos Folk Rock como Simon & Garfunkel.

BONNY TYLER

Gaynor Hopkins (nacida el 8 de junio de 1951, Sweken, Neath, Gales), más conocida por su seudónimo artístico Bonnie Tyler, es una cantante galesa de música pop y rock. Dueña de una voz muy característica, como ronca o cascada, se la puede considerar equivalente femenino de Rod Stewart y es mayormente famosa por los éxitos It's a Heartache y Total Eclipse of the Heart.

Llegó al mundo en medio de una gran familia trabajadora de seis hijos; su padre trabajaba como minero mientras que su madre, una fan de la ópera, compartió su amor por la música con sus hijos. Cuando era adolescente, cantó con un grupo llamado Bobby Wayne And The Dixies, después del cual formó su propia banda, llamada Imagination. Adoptando diferentes nombres escénicos hasta establecerse definitivamente como Bonnie Tyler, durante casi una década ella y su banda actuaron en pubs y nightclubs a lo largo de todo el sur de Gales.

En 1975, Bonnie Tyler grabó su primer sencillo para RCA Records, llamado My My Honeycomb, que no consiguió entrar en las listas de ventas. Su segundo sencillo, Lost In France, que mostró el potencial de su voz, la elevó al top 10 de las listas de música pop británicas, tras lo cual fue lanzado en Europa, donde se convertiría en un éxito aún mayor. A lo largo de las décadas siguientes, la canción se ha convertido en una de las favoritas de sus fans.

Su éxito con Lost In France llevó a Tyler a grabar su primer álbum en 1977. Titulado The World Starts Tonight, sólo obtuvo un éxito moderado, pero fue lo suficiente para permitirle hacer un tour por Europa. Antes del lanzamiento de este álbum, Tyler se sometió a cirugía para eliminar los nódulos de sus cuerdas vocales. El doctor le ordenó que no hablase; sin embargo, lo hizo, con el resultado de que su voz adoptó una cualidad rasgada que al principio le hizo creer que su carrera como cantante estaba acabada. Mientras se recuperaba, su siguiente sencillo, donde usaba toda la fuerza de su voz ronca, la convirtió en una estrella internacional. La canción It's A Heartache, de su segundo álbum Natural Force, alcanzó el top 5 en Gran Bretaña, Europa y los Estados Unidos, llevándola a su primer tour por Estados Unidos de América.

Las grabaciones posteriores a este éxito tuvieron sólo una aceptación moderada, pero las cosas cambiarían cuando firmó un contrato con CBS Records en 1982. Su álbum, Faster Than the Speed of Night, fue un número uno en ventas internacional y el single Total Eclipse of the Heart, escrito por Jim Steinman, alcanzó el primer puesto en las listas de todo el mundo, permaneciendo en esa posición durante varias semanas. El álbum (de ventas multimillonarias) supuso un huracán en el mundo de la música, debutando como número 1 en las listas británicas y se convertiría en un álbum considerado por los melómanos del rock como una obra maestra operística con atronadores cánones Tchaikovskianos. Este álbum consiguió una nominación en 1983 para los Grammy como Mejor Vocalista Femenina de Pop, y la canción Total Eclipse of the Heart obtuvo otra nominación para ella como Mejor Vocalista Femenina de Rock.

KORTATU

«Sarri, Sarri» es una canción en euskera del grupo Kortatu, quizá la más célebre de éstos. La letra es de Lurdes y Josu Landa sobre la música de «Chatty Chatty», del grupo jamaicano Toots and the Maytals, compuesta por Frederick "Toots" Hibbert. En la canción colaboró Ruper Ordorika.

La letra fue escrita en 1985 a raíz de la fuga de la prisión de Martutene (Guipúzcoa), el 7 de julio de ese año, de dos presos condenados por su pertenencia a ETA, escondidos en sendos altavoces tras un concierto del cantante Imanol Larzabal. Se trataba de Iñaki Pikabea, Piti, y de Joseba Sarrionandia, Sarri, este último escritor de renombre en el campo de la literatura vasca cuyo apodo da título a la canción.

La letra de la canción fue esgrimida casi veinte años más tarde por la Asociación de Víctimas del Terrorismo para promover un boicot a Fermin Muguruza, cantante que en otro tiempo fuera miembro del trío Kortatu. La AVT terminó denunciando a Fermin por tocar en varios conciertos la canción.

LOS CAPI

ENRIC MADRIGUERA

WILLI QUINTEROS Y OTROS CUMBIEROS

ALFRED NEWMAN

Alfred Newman (New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 17 de marzo de 1901 - Los Ángeles, California, Estados Unidos, 17 de febrero de 1970), compositor estadounidense de música de cine, uno de los más importantes de la historia de este arte, además de ser el autor de la característica sintonía de la 20th Century Fox.

Recibió durante su carrera 45 nominaciones a los premios de la academia (un record que comparte con el también compositor John Williams) ganando el premio en 9 oportunidades; en 1940 fue nominado por 4 filmes al mismo premio. Su colaboración tanto con John Ford como con otros directores fue muy fructífera.

Fue el mayor de diez hijos, Newman nació en New Haven, Connecticut. Comenzó a estudiar el piano a la edad de cinco años. Fue capaz de complementar el ingreso de su familia tocando en teatros y restaurantes.Su familia está plagada de compositores para el cine; es padre de los compositores David y Thomas Newman, tío de Randy Newman y hermano de los también compositores Lionel y Emil Newman.

BRUNO WALTER

Bruno Walter (3 de diciembre de 1876 - 17 de febrero de 1962) Famoso director de orquesta y compositor alemán considerado pionero en la difusión de la obra de Gustav Mahler. Nació en Berlín, pero residió en varios países entre 1933 y 1939, emigrando finalmente a los Estados Unidos. Su nombre original era Bruno Schlesinger, comenzó a usar Walter como apellido en 1896. El nombre de familia Schlesinger fue remplazado oficialmente en 1911, cuando tomó ciudadanía austríaca.

En 1896 Walter tomó un puesto en la casa de ópera deBreslau gracias a Mahler. Aquí fue donde Walter comenzó a dejar su apellido “Schlesinger”, a petición de Mahler. En 1897, trabajó en la opera en Pressburg y en 1898 en Riga. Volvió en 1900 a Berlín, donde asumió como conductor en la casa de ópera real, teniendo gran éxito; sus colegas allí incluyeron a Richard Strauss y Otto Klemperer. Condujo la premiere de Der arme Heinrich de Hans Pfitzner, un compositor que fue su amigo de por vida.

En 1901 por invitación de Mahler es aceptado como ayudante en la ópera de la corte en Viena. Walter condujo a Aida de Verdi en su principio. Lo invitaron a dirigir a través de Europa, Praga, Londres (Tristan und Isolde y Ethel Smyth en el Covent Garden) y en Roma.

Meses después de la muerte de Mahler en 1911, Walter condujo el estreno de Das Lied von der Erde en Múnich, así como la novena sinfonía en Viena el año próximo. Aunque Walter se hizo ciudadano austríaco en 1911, será director de música en Múnich en 1913. En enero del año próximo Walter condujo su primer concierto en Moscú. Durante la Primera Guerra Mundial, condujo activamente y estrenó El anillo de Polykrates, Violanta de Erich Wolfgang Korngold así como Palestrina de Pfitzner.

MERLE TRAVIS

Nacido en Rosewood, Kentucky, se crió en el Condado Muhlenberg, en el mismo estado, un condado minero que inspiraría muchas de las canciones originales de Travis. Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano.

El estilo interpretativo de Merle se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking, entre cuyos seguidores estaba el guitarrista de country blues Arnold Shultz. Shultz enseñó su estilo a varios músicos locales, incluyendo a Kennedy Jones, quienes lo transmitieron a otros guitarristas, destacando Mose Rager y Ike Everly, padre de los The Everly Brothers. La técnica cautivó a muchos músicos de la región, y fue inspiración para el joven Travis.

A los 18 años Travis interpretó "Tiger Rag" en un programa aficionado de una emisora local en Evansville, Indiana, lo que le valió ofertas de trabajo en bandas locales. En 1937 fue contratado por el violinista Clayton McMichen para tocar la guitarra en su grupo, Georgia Wildcats. Posteriormente se unió a los Drifting Pioneers, un cuarteto de gospel del área de Chicago, que trabajó en la emisora WLW de Cincinnati, la mayor de música country al norte de Nashville. El estilo de Travis sorprendió a todo el mundo en la WLW, y se convirtió en un miembro famoso de su programa de baile campesino "Boone County Jamboree". En sus interpretaciones para la emisora trabajó a menudo con Grandpa Jones, los Delmore Brothers, Hank Penny y Joe Maphis, todos los cuales llegaron a hacer una gran amistad con él.

En 1943 él y Grandpa Jones grabaron para Syd Nathan, que había fundado un nuevo sello, King Records. Debido a que WLW impedía que sus músicos grabaran, Travis y Jones usaron el seudónimo "The Sheppard Brothers." Su grabación de "You'll be Lonesome Too" fue la primera en lanzarse por King Records.

Cuando los Drifting Pioneers abandonaron WLW, quedó un espacio de media hora que era necesario cubrir, y Merle, Grandpa Jones y los Delmore Brothers formaron un grupo de gospel llamado The Brown's Ferry Four. Interpretando un repertorio de canciones tradicionales gospel blancas y negras, se convirtieron en uno de los grupos gospel más famosos, grabando casi cuatro docenas de caras para el sello King entre 1946 y 1952. The Brown's Ferry Four fue llamado "posiblemente el mejor grupo gospel blanco de siempre".

En este período Travis actuó en varios soundies, una primitiva forma de video musical ideada para utilizar en las máquinas de discos (jukebox). Su primer soundie fue "Night Train to Memphis" con la banda Jimmy Wakely and his Oklahoma Cowboys and Girls, incluyendo a Johnny Bond, Wesley Tuttle y Mary Ford. Varios años más tarde grabó un grupo de Snader Transcriptions, videos musicales de corta duración pensados para completar la programación en cadenas televisivas locales. En ellos se incluyen duetos con Judy Hayden, su esposa en aquella época, así como varias canciones de su álbum de 1947 Folk Songs from the Hills.

ELLIOT CARTER

Elliott Cook Carter, Jr. (11 de diciembre de 1908) es un compositor estadounidense de música culta. Carter nació en Nueva York. Fue animado cuando era un joven músico por Charles Ives y estudió inglés y música en la Universidad de Harvard y en la Longy School of Music, donde entre sus profesores estaban Walter Piston y Gustav Holst y donde cantó con el Harvard Glee Club. Entonces viajó a París para estudiar con Nadia Boulanger, retornando a EE.UU en 1935 donde dirigió el Ballet Caravan. Entre 1939 y 1941 enseñó física, matemática y griego clásico, además de música, en el St. John's College en Annapolis, Maryland.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Carter trabajó en la Oficina de Información de Guerra. Posteriormente tomó puestos de enseñanza en el Conservatorio de Peabody (1946-48), la Universidad de Columbia, el Queens College, New York (1955-56), la Universidad de Yale (1960-62), la Universidad Cornell (desde 1967) y la Juilliard School (desde 1972). En 1967 fue nombrado miembro de la Academia Angloamericana de las Artes y las Letras.

SINEAD O`CONNOR

Sinéad Marie Bernadette O'Connor nació en Dublín y su nombre proviene de Sinéad de Valera, esposa del presidente irlandés Éamon de Valera y madre del doctor que ayudó en el nacimiento de Sinéad, y de santa Bernadette Soubirous. Sus padres, Jack O'Connor y Marie O'Connor, se casaron a muy temprana edad y tuvieron grandes problemas matrimoniales. Ella fue la tercera de 5 hijos y fue testigo de inestabilidades en el matrimonio que más tarde se reflejaron en una personalidad rebelde a los dogmas y convenciones. Sinead tenía ocho años cuando sus padres se divorciaron.

Los tres hijos mayores fueron a vivir con su madre, donde los O'Connor fueron objeto de frecuentes abusos físicos. Su canción "Fire on Babylon" es acerca de los efectos de su propio abuso. En 1979, Sinéad dejó a su madre y se fue a vivir con su padre y su nueva esposa. Sin embargo, su mal comportamiento escolar llevó a que fuera internada en una escuela-reformatorio a los 15 años, el Centro de Capacitación de Grianan, dirigido por las Hermanas de Nuestra Señora de la Caridad. De alguna manera, evolucionó allí, sobre todo en la escritura y la música.

Una de las voluntarias del Centro de Capacitación de Grianan era la hermana de Paul Byrne, baterísta de la banda In Tua Nua, quien escuchó a Sinead cantando "Evergreen" de Barbra Streisand. Grabó una canción con ellos llamada "Take My Hand", pero alegaron que era demasiado joven para unirse a la banda, tenía 15 años.

En 1983, su padre la envió a Newtown School, una exclusiva escuela en Waterford, una institución con una atmósfera mucho más permisiva que Grianan. Con la ayuda y el aliento de su profesor de lengua irlandesa, Joseph Falvy, grabó un demo de cuatro canciones, con dos covers y dos de sus propias canciones, que más tarde aparecerían en su primer álbum.

En el verano de 1984, formó un grupo llamado Ton Ton Macoute, denominado así por los zombies de los mitos de Haití. En otoño, la banda se trasladó a Waterford brevemente, mientras Sinéad asistía a Newtown, pero pronto abandonó la escuela y los siguió a Dublín, donde su actuación recibió comentarios positivos.

El 10 de febrero de 1985, la madre de Sinéad murió en un accidente de coche. Para Sinead fue devastador, pese a la tensa relación con su madre. Poco después abandonó la banda, que permaneció junto a Sinéad, a pesar de declaraciones contrarias en entrevistas que se efectuaron más tarde, y se trasladó a Londres

GRIEG

Edvard Grieg nació en Bergen (Noruega), el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses, cuyo apellido original era "Greig"—después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770—.

Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle.

Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano posteriormente en el año de 1858, y pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, aun así, alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo Pathétique de Beethoven.

PINK FLOYD

Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes e influyentes de la escena del rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo del mundo, de los cuales 74,5 millones sólo en los Estados Unidos.

Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb"). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre.

JOHNNY DINAMO Y LOS LEOS

MAUREEN MCGOVERN

JERRY GOLDSMITH

Jerrald King Goldsmith (Pasadena, 10 de febrero de 1929 – Beverly Hills, 21 de julio de 2004), mejor conocido como Jerry Goldsmith, fue uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografía.

Jerry Goldsmith en Londres, 2003.Goldsmith aprendió a tocar el piano a la edad de seis años. A los catorce, estudió composición, teoría y contrapunto con los maestros Jakob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco. Goldsmith ingresó en la Universidad del Sur de California, con el maestro Miklós Rózsa, quien escribió la partitura de la película Recuerda de 1945 con Ingrid Bergman. Goldsmith se interesó en escribir música para el cine al ser inspirado por la música compuesta por el mismo Rózsa.

Su música no se queda estancada en ningún estilo, sino que se adapta a las exigencias de la película, yendo desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas, pasando por música folk, étnica e incluso por el sintetizador. Aun así, se podría definir su música como enérgica, pues es especialmente brillante en lo rítmico, sin por ello desdeñar la melodía. Es un defensor de utilizar la música solamente cuando sea estrictamente necesario, por lo que en numerosas ocasiones ha acusado al cine reciente de tener demasiada música. Y pone como ejemplo su propia partitura para Patton, en la cual solamente hay media hora de música, pese a tratarse de una cinta que supera las dos horas de metraje.

Ha tocado todos los géneros a lo largo de su carrera, aunque es en el cine fantástico donde ha logrado sus éxitos más populares: El planeta de los simios, varias partes de la saga Star Trek, La trilogía de La profecía, La fuga de Logan, Atmósfera cero, Alien, el octavo pasajero o Desafío Total, por citar algunos títulos. Por su cualidad rítmica, también ha destacado en el género del thriller de acción. Sin embargo, siempre ha declarado preferir las películas pequeñas y de personajes, por lo que durante mucho tiempo declaró que La isla del adiós era su trabajo favorito.

LOS HITTERS

El grupo inicia en el norte de México a fines de 1964, influidos por la música juvenil que escuchaban en la frontera. Al llegar a la Ciudad de méxico y superando las dificultades firman para la disquera Orfeón en 1965, en su primer LP se incluyen temas como "Hey Lucy" que seria el tema de "Lupe" que el vocalista "Menny" le cambio el nombre por de su esposa la cual era una de la chicas de Orfeon "a go-go"

PARA REFLEXIONAR

GRANDES COMPOSITORES Y SUS HITS

CHARLIE ZAA

Un homenaje a un gran interprete de la musica de los años de oro de la talla de Luis MIguel. Fue bautizado por sus padres con el nombre de Carlos Alberto Sánchez Ramírez. Se inició en el mundo del espectáculo cuando tenía doce años de edad.

Su primera producción discográfica se tituló Sentimientos, en la cual se hallan grabados por parejas 20 de los boleros más conocidos y difundidos por destacados intérpretes y compositores como los ya fallecidos Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas y Oswaldo Morales. En 1998 sale su segundo producción titulada Un Segundo Sentimiento que representa una continuación de su disco anterior.

En 2000 presenta su tercera producción Ciego de amor, bajo la producción de Emilio Estefan Jr. y la colaboración de Jon Secada. Incluyó temas inéditos de su autoría. En 2001 viajó a Estados Unidos para participar en la grabación del tema El último adiós con otros artistas, con motivo del atentado terrorista a las Torres Gemelas de Nueva York, el 11 de septiembre de 2001. Ese mismo año realiza su cuarta producción, titulada De un solo sentimiento, la cual fue grabada, al igual que las dos primeras, en Colombia. Al año siguiente es editado su primer disco de recopilación, titulado Grandes sentimientos, con temas de sus trabajos anteriores.

En 2004 presenta su quinta producción discográfica titulada Puro sentimiento. En los años siguientes, Charlie Zaa se convierte al cristianismo evangélico, luego de pasar por una crisis personal de dos años y medio. Sin embargo, este cambio no afectó su repertorio conocido y en el año 2008 presenta el disco Sueña, sueña, volcándose a la música latina y pop. Una nueva compilación, titulada Bohemio fue presentada en el año 2009.

ALEXANDER VON ZEMLINSKY

Alexander von Zemlinsky (4 de octubre de 1872, Viena - 16 de marzo de 1942, Larchmont, Nueva York) fue un compositor y director de orquesta austriaco.

Estudió piano y composición en el Conservatorio de Viena hasta 1889. En 1900 se enamoró de Alma Schindler, sin embargo debido a la presión de la familia de Alma, el noviazgo se rompe. Dos años más tarde, Alma se convertirá en la esposa de Gustav Mahler. En 1900 fue nombrado director del Karlstheater de Viena, en 1906 director de orquesta de la Volksoper y en 1908 de la Hofoper.

En 1907 se casó con Ida Guttmann pero el matrimonio fracasará al estar marcado por las constantes infidelidades de ambos cónyuges. Después de un breve paso por la orquesta de Mannheim en 1909, asumió de nuevo la dirección de la Volksoper de Viena. Posteriormente dirigió el Deutsches Landestheater de Praga (1911) y la Deutsche Musikakademie (1920).

El 31 de enero de 1929 muere su esposa Ida y el 4 de enero del año siguiente, se casa con Luise Sachsel, 29 años más joven que él, siendo este segundo matrimonio mucho más feliz y equilibrado que el primero. De 1927 a 1932 compartió la dirección de la Kroll Oper de Berlín junto a Otto Klemperer.

En 1933, y dado el origen judío de su madre, los nazis clasificaron a Zemlinsky como “H” Halbjuden (medio judío) y su obra fue a engrosar la lista del entartete Kunst (Arte degenerado). Zemlinsky se ve obligado a emigrar a Viena donde manda construir una elegante mansión al arquitecto Walter Loos, en el exclusivo barrio de Grinzing.

En 1938 se exilió a Estados Unidos, donde vivió sus últimos años, gravemente enfermo, falleciendo en marzo de 1942 a causa de un infarto de miocardio. Fue maestro de Arnold Schönberg, que más tarde se convirtió en su cuñado al casarse en 1901 con Mathilde von Zemlinsky, y ejerció una cierta influencia sobre los músicos de la Segunda Escuela de Viena. También fue maestro de Erich Wolfgang Korngold a quien a los 12 años le dijo que ya no tenía nada que enseñarle.

ERICH WOLGANG KORNGOLD

Erich Wolfgang Korngold (Brno, Imperio austrohúngaro -actual República Checa-, 29 de mayo de 1897 - Los Ángeles, EE. UU., 29 de noviembre de 1957).

Compositor de gran prestigio en Hollywood, además de cinco óperas y varias obras orquestales, de cámara y canciones. Nace en Brno, por entonces parte del Imperio austrohúngaro, hijo de uno de los críticos más importantes de su tiempo, quien le enseñaría lo fundamental del problema de la música en la comodidad del hogar. Su madre solía decir: «Erich siempre tocó el piano», nadie sabe con exactitud cuando se le descubrió su genialidad, pero es sin duda el niño prodigio más interesante de la historia, pues además su estilo musical pareciera haberse formado desde el útero y no cambió nunca en toda su vida. Siempre se le puede reconocer como Korngold.

Desde una edad temprana destacará en sus composiciones (así lo vieron Gustav Mahler, Richard Strauss y Bruno Walter); con tan sólo once años estrenará en el Teatro Imperial su primera obra. Luego vino la obertura Schauspiel, que su maestro Alexander von Zemlisnky no podía creerle que hubiese orquestado solo, a sus 14 años. Ya antes de la primera guerra mundial apareció publicado en un periódico vienés una estatua del compositor cubriendo todo el frontis de la Ópera de Viena. Sus primeras dos óperas en un acto tuvieron gran éxito, pero nada comparado con lo que fuera el mayor éxito de su vida: Die tote Stadt (La ciudad muerta), compuesta durante varios años y cuya canción del primer acto aún es cantada por sopranos alrededor del mundo.

Korngold nunca diferenció música de concierto del resto de las músicas, no tenía ningún problema en ser director de opereta, y en este trabajo siempre contó con la voz de Richard Tauber y sobre todo Max Reinhardt, el influyente director escénico alemán. Gracias a este director tendrá la oportunidad de mostrar su valía en la incipiente industria cinematográfica hollywoodiense. Será llamado para ilustrar musicalmente El sueño de una noche de verano (1935), adaptando a Mendelssohn. Debido a la calidad de la adaptación hará que firme un contrato inusual para la época donde se trabaja bajo un concepto fordiano de producción. Disfrutará de una total libertad para elegir películas y realizar composiciones, así se librará de la presión ejercida por los productores. Como consecuencia únicamente tendrá en su haber la escasa cifra de veinte películas, pero siendo cada una de ellas una verdadera joya musical.

JOHN WILLIAMS y SU MUSICA

John Towner Williams (Floral Park, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se extiende durante cinco décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter, entre muchas otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión y varias piezas de concierto.

Williams ha recibido el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en cinco ocasiones y tiene en su poder 45 nominaciones. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.

Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymon Scott. En 1948, la familia Williams se mudó a Los Ángeles; allí, John Williams asistió a la escuela secundaria North Hollywood High School, graduándose en 1950. Luego se trasladó a la Universidad de California, donde estudió piano y composición, y tomó clases particulares con el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco y con el pianista-arreglista Bobby Van Eps. En 1952, fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde arregló y dirigió música para la banda de la fuerza aérea, como parte de sus deberes.

Cuando su servicio militar terminó en 1955, Williams se trasladó a la ciudad de Nueva York y entró en la Academia Juilliard, donde estudió piano con Rosina Lhévinne. En aquel período trabajó como pianista de jazz en varios estudios y clubes de Nueva York. También tocó para el compositor Henry Mancini en las bandas sonoras de Peter Gunn (1959), Días de vino y rosas (1962) y Charade (1963). A principios de la década de 1950 trabajó como arreglista y líder de banda para Frankie Laine y Vic Damone. En 1960 fue contratado por Columbia Records como pianista y compositor, realizando numerosos álbumes junto al compositor de origen alemán André Previn.

Williams estuvo casado con la actriz Barbara Ruick desde 1956 hasta la muerte de ella por hemorragia intracerebral, el 3 de marzo de 1974. Juntos, tuvieron tres hijos: Joseph Williams (cantante y compositor), Mark Towner Williams (percusionista) y Jennifer Williams (doctora). Se casó por segunda vez el 21 de julio de 1980 con Samantha Winslow, su actual esposa, con quien vive en la ciudad de Boston. Mantiene una estrecha amistad con los músicos Itzhak Perlman, Yo Yo Ma y Seiji Ozawa; incluso les ha dedicado algunas obras.

Williams ha compuesto más de 50 composiciones más allá del cine y la televisión; el expresó que "cuando escribo música fuera del mundo del cine, siento que puedo ser más experimental, siento que puedo ponerme a prueba y tratar de no desalentarme por los grandes maestros del pasado"., entre algunas de ellas tenemos:

Preludio y fuga (1965), estrenado el 29 de marzo del mismo año por Los Ángeles Neophonic Orchestra.

Ensayo para cuerdas (1965), estrenado el 6 de diciembre del mismo año por la Sinfónica de Huston, dirigida por André Previn.

Sinfonietta para ensamble de vientos (1968).

Concierto para flauta y orquesta (1969), estrenado en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin.

Concierto para violín y orquesta (1976, rev. 1998), estrenado también en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin. Compuesto en memoria de Barbara Ruick Williams.

Jubilee 350 Fanfare (1980) compuesta para conmemorar el 350.º aniversario de la ciudad de Boston. Estrenada el 21 de septiembre del mismo año por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de John Williams.

Fanfare for a festive occasion (1980), dedicada a la Boston Civic Orchestra.

Concierto para tuba y orquesta (1985), estrenado por Chester Schmitz, tubista de la Boston Pops, para el centenario de dicha orquesta.

Fanfarría de la Libertad (Liberty Fanfare, 1986), compuesta para el centenario de la Estatua de la Libertad, fue estrenada el 4 de julio del mismo año, por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de Williams.

LOS HERMANOS ARRIAGADA

Los HERMANOS ARRIAGADA conforman un trío vocal y musical cuyo origen se remonta a la época de su niñez. Nacieron en el pueblo de Cañete (Sur de Chile), en una familia compuesta de 8 miembros: los padres y seis hermanos; tres de éstos heredaron claramente las condiciones musicales de los padres, siempre dispuestos a tocar la guitarra, a cantar ya hacer un buen papel como bailarines, especialmente de cueca (danza folklórica nacional de Chile).

El mayor del trío, Mario, fue el primero en tomar con seriedad y convicción el arte de cantar acompañándose con guitarra, instrumento que comenzó a estudiar a los 6 años de edad. Trasladados a la ciudad de Concepción, a los 12 formó un grupo "cómico-musical" que se denominó "Los 4 Chicotes", pero sus tres compañeros eran unos amigos, no aún sus hermanos. Esta experiencia le sirvió de mucho; con gran entusiasmo y dedicación estudiaban los temas más populares de entonces para interpretarlos en fiestas escolares y amenizando la barra del Club Naval (de fútbol) de Talcahuano, el gran puerto sureño. Tiempo después nació (en 1954) el trío de los HERMANOS ARRIAGADA, compuesto por Omar, Mario y Jorge - apenas unos adolescentes. Así, pues, desde su infancia y primera juventud el grupo se constituyó en una unidad musical además de familiar, cuyas mayores virtudes han sido su estilo notablemente afiatado, su línea musical constante y su mensaje melódico romántico y directo. Todas ellas, características aparentemente simples, pero en cuya sencillez precisamente radica su éxito inalterable a lo largo del tiempo. En efecto, tienen esa rara virtud de interpretar, idealizadas, las emociones de la gente común, que ven reflejados sus más genuinos sentimientos en las canciones románticas de siempre, contándose por supuesto entre ellas sus inolvidables creaciones como "SIGAMOS PECANDO", "MAR y CIELO", "POEMA ", "NO VUEL VO A AMAR", "QUE COSAS TE HICE YO" y muchas otras.

MICK JAGGER

Sir Michael Philip "Mick" Jagger (n. el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra) es un músico de rock muy conocido por su trabajo como vocalista y compositor en el popular grupo británico The Rolling Stones, del que es cofundador. También ha trabajado como productor musical y de cine, actor y empresario.

A mediados de los años 1980, Jagger decidió apartarse del grupo y empezar una carrera solista, que con los años pasaría a compartir con la de los Stones. En 1984 había participado como artista invitado en un tema de Michael Jackson: State of Shock. En 1985 actúa al margen del grupo en Live Aid, junto a Tina Turner, y participa en un vídeo con David Bowie (Dancing In The Street). Tras el disco de los Rolling Stones Undercover, Mick Jagger decidió debutar como solista. Para ello reclutó a músicos de la talla de Pete Townshend, Herbie Hancock, Jeff Beck y Carlos Alomar; y a los productores Bill Laswell y Nile Rodgers. La idea era sonar lo más eighties posible, y el resultado fue She's The Boss (1985).

El primer corte de la placa fue Just Another Night, que se transformó en el single más exitoso en la trayectoria en solitario de Sir Mick (llegó al número 12 del Billboard Hot 100). Pero, con el paso de los años, Jagger reniega de la canción. «Tiene ese arrastre de las técnicas de grabación que se usaban entonces. Ese gran eco de fondo... Eran los primeros tiempos de los samples y las máquinas de ritmo, que ahora se consideran tan malos», le dijo el cantante a Rolling Stone.

JOHN LEE HOOKER

John Lee Hooker (Clarksdale, Misisipi, 22 de agosto de 1917 - San Francisco, 21 de junio de 2001) fue un influyente cantante y guitarrista de blues estadounidense.

Nació en una granja cerca de Clarksdale (Mississippi) del matrimonio formado por William Hooker y Minnie Ramsey. Su padre era aparcero y pastor de la iglesia baptista. Tuvo seis hermanos y cuatro hermanas. Siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación bananera cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers y al judoka profesional Andrew J. Road. En 1928 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre. Andrew J. Road tuvo una aventura con su hermosa madre y se quedó en la casa como figura paternal.

Su madre se volvió a casar, esta vez con el músico local de blues William Moore, que enseñó a John a tocar la guitarra cuando tenía trece años. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa.

En 1931 decide emigrar hacia el norte industrial, al igual que hacían muchos otros negros del sur en aquella época. Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía, trabajó en cines locales y tocó con Robert Lockwood. En 1935 se trasladó a Cincinnati, donde alternaba trabajos de limpiabotas o de acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. Después de un período en el ejército, se instaló en Detroit durante la II Guerra Mundial, en 1943, donde consigue un empleo en la industria del automóvil, cuyo sueldo consigue completar cantando en bares de suburbios.

La carrera musical de Hooker empezó en 1948 cuando consiguió el éxito con el single "Boogie Chillum", cantado en un estilo medio hablado que se convertiría en característico. Rítmicamente, su música era muy libre, característica que ha sido común entre los primeros músicos acústicos de blues del Delta. Su fraseado no estaba tan atado a los estándares de la mayoría de los cantantes de blues. Este estilo informal e incoherente se fue diluyendo con la aparición de las bandas de blues eléctrico de Chicago pero, incluso cuando no tocaba solo, Hooker mantuvo su propio sonido.

En 1955 acabó su contrato con Modern Records y fichó por la compañia Vee Jay, de Chicago, que publicó los clásicos Dimples y Boom boom.

THE EAGLES

Eagles es una banda estadounidense de rock formada en Los Ángeles, California en 1971.Inicialmente su música era una mezcla entre country e instrumentación bluegrass con armonías de surfer rock californiano. El resultado fueron baladas sensibles y música con cierto toque country y pop-rock. Sus letras hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores tremendamente dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon.

The Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de una formación musical, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y se movió hacia un sonido claramente más rock.

Con cinco sencillos y seis álbumes números uno, The Eagles están entre los mejores grupos de estudio de los años 70. Al final del siglo XX dos de sus álbumes, Their Greatest Hits (1971-1975) y Hotel California, quedaron clasificados entre los 20 álbumes superventas de EE UU según la RIAA (The Recording Industry Association of America - Asociación de Industria de Grabación de América). Asismismo, según la revista Rolling stone en 2004, el álbum "Hotel California" está clasificado entre los 500 mejores de todos los tiempos, y el grupo ocupa el número 75 en la lista de los 100 mayores artistas de todos los tiempos. Hasta la muerte de Michael Jackson en 2009 (hecho que aumentó las ventas de su álbum Thriller), tenían en su haber el álbum más vendido de EE UU: Their Greatest Hits (1971-1975).

DAVID CLAYTON THOMAS

ROGER WILLIAMS Y OTROS PIANISTAS

MATT MONRO

Terrence Parsons (Londres, 1 de diciembre de 1932 - 7 de febrero de 1985), conocido como Matt Monro, fue un cantante inglés de música popular que se hizo internacionalmente conocido al interpretar una de las canciones de la banda sonora de una de las películas de James Bond, "From Russia with Love".

Con un reconocido sentido del swing, y en la estela de cantantes al estilo de Frank Sinatra, Monro obtuvo sus principales éxitos durante los años sesenta, sobre todo en Gran Bretaña.

Comenzó su carrera cantando en anuncios de televisión y con una cuantas orquestas británicas (entre ellas, la Orquesta de Cyril Stapleton) a comienzos de los años cincuenta. Tras unas pocas grabaciones para diversas compañías, firmó con Decca para un disco de estándares titulado Blue and Sentimental (1957). Un año después su carrera vivió un momento crucial cuando el productor George Martin le pidió que prestase su voz para un disco de Peter Sellers, Songs for Swingin' Sellers, en el que se satirizaban diversos temas de Sinatra. La contribución de Monro, "You Keep Me Swingin'", le proporcionó un contrato para Parlophone, y alcanzó el número tres en las listas británicas con su tema de 1960 "Portrait of My Love". Otros temas exitosos fueron "My Kind of Girl" (que sería su primer éxito en Estados Unidos) y "Softly, As I Leave You".

En 1962 publicó un LP para Parlophone, Matt Monro Sings Hoagy Carmichael, con gran repercusión, aunque sería su interpretación del tema para la película de James Bond la que le haría ser conocido en todo el mundo. Su siguiente tema, "Walk Away", llegó al número cuatro en Gran Bretaña y entró entre los veinte primeros en Estados Unidos.

En 1965 se convirtió en el primer artista en versionar el tema de los Beatles, "Yesterday". Se trasladó a Estados Unidos y empezó a prodigarse en night clubs y a grabar de forma esporádica durante los años setenta. Su disco de 1980 Heartbreakers lo situó de nuevo en el ambiente musical pero su salud se fue deteriorando y por culpa de un cáncer falleció cinco años después.

MANUEL ALEJANDRO

Manuel Álvarez-Beigbeder Pérez (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1933), conocido artísticamente como Manuel Alejandro es un compositor español, hijo del también compositor español Germán Álvarez-Beigbeder (1882-1968). Tiene otros seis hermanos.

Manuel Alejandro conoció el éxito durante los años 60 como autor de las canciones más exitosas del cantante Raphael, para quien compuso "Yo soy aquel", "Cuando tú no estás" y "Cierro mis ojos", entre muchas otras.

A principios de los años 70 compuso para el popular artista valenciano Nino Bravo, los temas "Como todos", "Es el viento", "No debo pensar en ti" y "Quién eres tú". Continuó cosechando grandes éxitos en esa década en las voces de Julio Iglesias, Rocío Jurado y del mismo Raphael, entre otros artistas.

En los años años 80 y 90 compuso y produjo discos completos para:José José, Raphael, Rocío Jurado, Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Plácido Domingo, Hernaldo Zúñiga, José Luis Rodríguez "El Puma",Emmanuel, Jeanette, Basilio y Pecos Kanvas.

Uno de los grandes intérpretes de Manuel Alejandro es José José, para quien realizó dos discos: Secretos (lanzado en 1983 convirtiéndose en el disco mas vendido en Latinoamérica para el cantante y el compositor; este disco es el más vendido en la historia de México, donde, según el cantante, ha logrado vender más de 10 millones de copias) y Grandeza mexicana (1994) y en el que el maestro jerezano canta a dúo con el "Príncipe de la Canción" el tema "José y Manuel".

También ha compuesto discos completos para los cantantes mexicanos Emmanuel (Íntimamente... [1980]; Emmanuel [1984] y Amor Total [1996]) y Luis Miguel con quien recientemente lanzó su última producción titulada Cómplices.

Como solista ha grabado 3 álbumes; uno en 1972 con la disquera RCA y otros 2 con Ariola en 1973 y 1974. Ha producido dos recopilaciones de éxitos; una junto a Ana Magdalena (nombre artístico de Purificación Casas Romero) en un doble LP llamado Amor grande, Alejandro "El Grande" y recientemente uno titulado "Etiqueta Negra". En 1968 grabó un LP en Hispavox, con versiones instrumentales de los éxitos de Raphael y otro LP instrumental en 1969 con canciones al estilo barroco.

CUBAN SON MONTUNO-SALSAS CUBANAS

El son montuno sentó las bases para el desarrollo de lo que a partir de los años 70 se denominó comercialmente como Salsa. A pesar de que la salsa es una mezcla de ritmos antillanos, muchos dicen que se basa principalmente en el son montuno de Arsenio Rodríguez. Arsenio se inspiró en el guaguancó y acentuó su orquestación mediante el uso de trompetas , del tres y la introducción de nuevos instrumentos como la conga y el piano. También Benny Moré le añadió nuevas influencias al son montuno, principalmente de elementos provenientes de la guaracha y el bolero.

GINGER ROGERS

Ginger Rogers (Independence, (Missouri), 16 de julio de 1911 - 25 de abril de 1995), actriz, bailarina y cantante estadounidense y ganadora de un Oscar. En sus 35 años de carrera, hizo un total de 73 películas, aunque sus papeles más recordados fueron los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales, que revolucionaron el concepto del musical moderno.

 Primeros años [editar]Virginia Katherine McMath era hija de Eddins McMath, de ascendencia escocesa y Lela Owens McMath, de antepasados galeses. Su madre se separó de su padre poco después de su nacimiento. Así madre e hija se fueron a vivir cerca de Kansas City. A partir de ahí, la pequeña Virginia vivió una constante lucha entre sus padres por su custodia hasta que se quedó definitivamente viviendo con sus abuelos Walter y Saphrona Owens. Muchos de sus primos empezaron a cortar el nombre de Virginia por el de "Ginga", dando origen a su nombre artístico.

Cuando contaba con nueve años, su madre se volvió a casar con John Logan Rogers. Ginger comenzó a usar el nombre de Rogers, aunque nunca fue legalmente adoptada. Vivieron en Fort Worth, Texas, y su madre empezó a trabajar como crítica de teatro para un diario local, el Fort Worth Record. Así fue como Ginger empezó a interesarse por el mundo del espectáculo. Esperando a su madre mientras terminaban las entrevistas, Ginger empezaba a cantar y bailar encima de los escenarios.

JOSE CURBELO Y SU ORQUESTA

BAILES DE 1920 (LINDY HOP Y CHARLESTON) 1941

El Lindy Hop es un estilo de baile popularizado en Nueva York por bailarines afro-americanos en una sala de baile llamada Savoy Ballroom.

A mediados de la década de 1920 los bailarines del Savoy bailaban el estilo Charleston, incorporando elementos de otros estilos como el "Texas Tommy", el "Black Bottom" y el "Cakewalk". El Lindy Hop nació cuando estos bailarines empezaron a incorporar posiciones abiertas intercalándolas con las tradicionales posiciones cerradas. Esta apertura de posición es en lo que se conoce como 'Whip' o 'Swing Out'.

Se dice que el nombre 'Lindy Hop' surgió en 1927 en el Savoy Ballroom durante un concurso de baile en conmemoración al famoso vuelo de Charles Lindberg a través del Océano Atlántico. Técnicamente, tiene un paso básico de 8 tiempos y se define a partir de su patrón básico de "swing out" o "whip". En estos patrones básicos, la estructura de baile en tiene forma rectangular y alargada y los bailarines giran simultáneamente sobre un eje central. Este eje tiende a permanecer en el mismo sitio en lugar de moverse sobre la pista.

El Lindy Hop se extendió por todos los EE.UU. La edición de la revista Life del 23 de agosto de 1943, declaraba el Lindy Hop como "baile nacional". Con el tiempo, el Lindy Hop evolucionó en una variedad de estilos de swing, como West Coast, Jive, Boogie Woogie, Balboa, Wendy, etc.

EL FOXTROT DE 1920

Fox trote (Foxtrot) es un popular baile estadounidense, que nace en 1912 con las primeras orquestas de Jazz. Su nombre significa, literalmente, "trote del zorro" y este nombre alude a las primitivas danzas negras que imitaban pasos de animales y en las que se inspiraron los primeros bailarines de Fox trote. Rápidamente, este baile se convierte en el más popular de Estados Unidos. Cuando llega a Europa, encuentra una fuerte oposición entre los sectores más conservadores, hostiles a cualquier cambio, pero nada pudo impedir que se popularizara también en el viejo continente.

A partir del Fox trote original aparecerán dos de las modalidades de los actuales concursos internacionales: el Slow-Fox (fox lento) y el Quickstep (fox rápido). El fox lento se bailaba inicialmente con un tiempo de 48 compases por minuto, número que se fue reduciendo hasta llegar a 32 compases por minuto a finales de los años 20. El Quickstep, en cambio, tiene entre 50 y 52 compases por minuto.

Este baile debe su nombre a su creador, un americano llamado Harry Fox. Los años 30 fueron la época dorada de este género, y fue entonces cuando el Slow Fox se introdujo en los bailes Standard.

LO MEJOR DE LA CUMBIA (COLOMBIA)

MAS DE CUCO SANCHEZ

LOS TRES SUDAMERICANOS

Los 3 Sudamericanos fueron un trío musical paraguayo, formado en 1959 por Alma María Vaesken, Casto Darío Martínez y Johnny Torales. Torales había sido enviado siendo niño por su familia a Buenos Aires, para que cursara sus estudios. Comenzó aquí su carrera musical y regresó luego a Asunción. Grabó como solista un par de LPs, uno con la orquesta de Lucio Milena y otro con la Orquesta Nóvel, para el sello Guarania. Cantaba temas paraguayos en guaraní y castellano, y también versiones en inglés de temas popularizados por Frank Sinatra y Bing Crosby.

Casto Darío se destacó desde niño como intérprete de armónica y luego se volcó a la guitarra. Alma María era una quinceañera estudiante de magisterio, conocida de Darío, que solía tocar el piano y cantar en fiestas familiares.

El nombre de Los 3 Sudamericanos lo adoptaron cuando fueron convocados por Columbia Argentina para grabar en Buenos Aires un LP, que tuvo un gran éxito en Argentina, aunque en Paraguay recibió algunas críticas porque los temas tradicionales paraguayos fueron interpretados con arreglos modernizados. Decidieron radicarse en Argentina para continuar grabando. Antes de viajar Alma y Johnny debieron contraer matrimonio, ya que ella era menor de edad.

A principios de la década de los 60 viajan a España, donde adquieren una enorme popularidad y donde finalmente se instalan en 1965. Quince años después, Casto Darío abandonaba la formación lo que precipitó el definitivo declive del grupo.

CARLOS GESUALDO

Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa y conde de Conza (Venosa, 8 de marzo de 1566 - Avellino, 8 de septiembre de 1613) fue un compositor italiano, una de las figuras más significativas del Renacimiento.

Era el segundo hijo de Fabrizio Gesualdo, nacido en el seno de una familia aristocrática estrechamente relacionada con la Iglesia, era sobrino del arzobispo de Nápoles Alfonso Gesualdo y de San Carlo Borromeo, también era sobrino nieto del Papa Pío IV. Cuando murió su hermano mayor heredó los títulos y derechos dinásticos de la familia, a la que pertenecía el principado de Venosa desde 1560. Comenzó sus estudios musicales en la academia fundada por su padre y frecuentada por importantes músicos. Recibió a muy temprana edad clases de laúd y composición, probablemente su maestro fue P. Nenna.

En 1586 se casó con su hermosa prima María de Avalos, hija del duque de Pescara, pero fue sorprendida cometiendo adulterio y Gesualdo la asesinó junto a su amante en octubre de 1590. El ensañamiento y salvajismo con el que cometió el crimen convulsionó a la sociedad de la época. Este acto hizo que se retirara a su mansión en la ciudad de Gesualdo para escapar de las iras de las familias de los asesinados. En 1593 con la ayuda de su tío el arzobispo, contrajo matrimonio con Eleonora de Este, hija del duque de Ferrara pero debido a las infidelidades del compositor el matrimonio fracasó. Tuvo dos hijos, uno por matrimonio, que murieron a muy temprana edad; la muerte del primero por sofocamiento, fue imputada a Gesualdo y la muerte del segundo en 1600 le afectó notablemente, esto podría ser el punto de partida de la particular penitencia que se administró.

Consideró la muerte de sus hijos como castigo de la justicia divina y vivió atormentado hasta el día de su muerte. Para expiar sus culpas se sometió a prácticas masoquistas con escenas de flagelación con muchachos, para según él, expulsar a los demonios. Después de una de estas sesiones se encontró a Carlo Gesualdo muerto y desnudo el 8 de septiembre de 1613. Según algunas fuentes su muerte fue voluntaria pero otras indican que pudiera ser asesinado por alguno de los jóvenes con los que se flagelaba.

ROBERTO GOMEZ BOLAÑOS (HOMENAJE A CHAVO DEL OCHO)

Roberto Gómez Bolaños (n. Ciudad de México, 21 de febrero de 1929), mejor conocido como Chespirito, es un comediante, cantautor, dramaturgo, poeta, escritor, director y productor de televisión mexicano, creador de "El Chavo" y "El Chapulín Colorado".

También realizó gran parte de la carrera de Ingeniería en la UNAM, pero nunca se graduó, ni ejerció la profesión. Casado desde 2004 con Florinda Meza quien interpretó a doña Florinda en el Chavo del Ocho, después de una larga relación amorosa.

Su nombre profesional Chespirito, se debe al director cinematográfico Agustín P. Delgado, derivado del diminutivo de la pronunciación españolizada del nombre William Shakespeare , debido a la estatura de Gómez Bolaños y por el talento de este para escribir historias que asemejaba a las de Shakespeare. Entre 1960 y 1965, escribíó guiones para los dos programas de mayor audiencia en la televisión mexicana: Cómicos y Canciones y El Estudio de Pedro Vargas, de la cadena Telesistema Mexicano.

En 1970, extendieron su horario a una hora y en un programa propio. El mismo se denominó Chespirito, y nació el personaje del Chapulín Colorado. Un año más tarde, apareció el Chavo. Ambos personajes funcionaron tan bien que el programa se dividió en dos, dedicando media hora a cada uno.

A pesar de ser muy conocido por sus papeles del Chavo y del Chapulín Colorado, también fue creador de varios personajes más, como el Chómpiras, el Doctor Chapatín y Chaparrón Bonaparte. A pesar de sus guiones recurrentes, estos programas se convirtieron en éxitos a lo largo de toda América Latina, Estados Unidos y España, en gran medida gracias a la simpatía del cuadro de actores de sus programas, integrado en distintas épocas por Carlos Villagrán, Ramón Valdés, Florinda Meza, Rubén Aguirre, Édgar Vivar, Angelines Fernández, Raúl Padilla, Horacio Gómez Bolaños y María Antonieta de las Nieves, que encontraron también la fama internacional.