sábado, 18 de septiembre de 2010
DAVE BERRY
Dave Berry (nacido David Holgate Grundy, 6 de febrero de 1941, Woodhouse, Sheffield ) es una cantante de pop británica y ex ídolo adolescente de la década de 1960. Tenía una ambición inusual para un artista intérprete o ejecutante pop tratando de hacer un nombre por sí mismo - a aparecer en la televisión totalmente oculta por una hélice. En sus propias palabras, a "no aparece, a permanecer detrás de algo y no salir". A menudo se escondió detrás del cuello levantado de su chaqueta de cuero, o se envolvió alrededor, y detrás de eficacia, el cable del micrófono.
Él realizó una mezcla de hard R & B y baladas pop. Se hizo popular en Gran Bretaña, y en Europa continental. Su nombre los primeros éxitos de comprobarse su banda de apoyo, los cruceros que en ese momento fueron compuestos de Juan de la flota (bajo y piano), Roy Barrera (guitarra rítmica), Frank Miles (guitarra) y Kenny Slade (batería). Berry se separó de esta formación en el momento del "Juego de lágrimas". Reclutó a otros cuatro músicos locales - Frank Blanco, Riley Johnny, Cliff Pete y viejo amigo Alan Taylor a ser la segunda generación de cruceros, con el guitarrista de plomo blanco finalmente reemplazado por Roy Ledger hasta alrededor de 1965, cuando los cambios de personal comenzó a ser más frecuentes.
"Juego de lágrimas" (1964), BJ Thomas "sentimental" Mama "(1966) y" This Strange Effect "(1965) - esta última escrita por Ray Davies, están entre sus éxitos más recordados. De hecho, "This Strange Effect" se convirtió en un éxito número uno para él en Holanda y Bélgica, países donde aún goza de estatus de superestrella, dando lugar a un premio especial de Radio Verónica, Holanda, por su pop single más vendido de todos los tiempos. Su éxito de 1965 "Little Things" fue un cover de Bobby Goldsboro Stateside los Top 40. Otra de sus canciones, "Gimme No No" Niño de labios, fue cubierto por los Sex Pistols. Su etapa acto, basado en gran medida de Elvis Presley y Gene Vincent, siempre una inspiración para Alvin Stardust. Tal fue su enigmática, y la presencia poco convencional, que varios grupos de rock punk, como los Sex Pistols, más tarde lo reconoció como una inspiración.
El Stephens Geoff canción compuesta por "The Crying Game", trajo la voz de Berry a su mayor audiencia internacional de la historia en 1992, cuando fue utilizado como tema para uno de ese año de más éxito películas - Neil Jordan Juego de lágrimas . Berry también recuperó algo muy pasado por alto reconocimiento, cuando fue el éxito sorpresa del tributo anual, Alexis Korner en 1995.
THE CHANTAYS
El Chantays es una banda de surf rock de la década de 1960, conocido por el éxito instrumental "Pipeline" (1963). Se formaron en 1961 cuando cinco amigos de escuela secundaria decidieron iniciar su propia banda. Bob Spickard, Brian Carman (co-escritores de la tubería), Bob Welch, Aguas Warren y Marshall fueron Rob todos los estudiantes en Santa Ana High School en California, cuando un grupo local llamado The Rockers Ritmo inspiró a los cinco para formar la Chantays. En diciembre de 1962 el grupo grabó y lanzó "Pipeline", que finalmente alcanzó el puesto # 4 en el Hot 100 en mayo de 1963.
El Chantays grabaron su primer álbum en 1963, también titulado "Pipeline", que incluía "Blunderbus" y "El Conquistador". Su seguimiento fue de "dos caras de la Chantays" en 1964. Su música combina teclados electrónicos y guitarras de surf, creando un sonido fantasmal único. Sus canciones han estado en listas de popularidad en todo el mundo y ayudó a hacer música de la resaca en un éxito internacional.
El Chantays gira por Japón y los EE.UU. que une los Righteous Brothers y Roy Orbison en algunas ocasiones, y fueron la única roca and roll para llevar a cabo en el Show de Lawrence Welk . Pipeline" (publicado bajo la música de la hoja en 1962 por Downey Music Publishing) se ha convertido en un estándar de surf rock golpe. La canción ha sido versionada por el propio Lawrence Welk (en el punto álbum Scarlet O'Hara), Al Caiola (United Artists - Álbum "Greasy Kid Stuff"), Ventures, el Agente Naranja, Marvin Hank, Dick Dale con la ayuda de Stevie Ray Vaughan (nominado al Grammy), por la banda de thrash metal de Ántrax, Bad Manners, y también de Johnny Thunders. Pipeline ha sido utilizada en varias películas, programas de televisión y comerciales. También aparece en numerosos CDs de recopilación.
El Chantays han sido galardonados por sus contribuciones a la música. Algunos de los aspectos más destacados incluyen el ser honrado el 12 de abril de 1996 por Rock de Hollywood Walk, que fue fundada para honrar a individuos y grupos que han hecho contribuciones duraderas e importantes a la música. El Chantays También se han incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama y Museo en Cleveland, Ohio. El conducto está catalogada como una de las 500 canciones que formaron la rock and roll. Junto con Bill Medley de The Righteous Brothers y el ganador del Oscar Diane Keaton, El Chantays fueron honrados por la ciudad de Santa Ana, California y Santa Ana High School cuando se nombre a una calle detrás de ellos, Chantays Way. OC Weekly Magazine también llamado El Chantays como uno de los Mejores Bandas del Condado de Orange Ever.
Hoy El Chantays todavía están jugando. miembros originales de la banda de Bob Spickard, Carman y Brian Welch Bob se unen por los miembros de mucho tiempo Orr Gil, Ricky y Lewis Brian Nussle. El Chantays ha grabado dos nuevos álbumes: "El siguiente conjunto" (grabación en vivo) y "Waiting for the Tide". Algunos de los aspectos más destacados incluyen nuevas canciones "T Cristal" y "Killer Dana", junto con remakes de los originales Chantays Pipeline, Conquistador y Blunderbus. Usted puede encontrar la nueva música en iTunes, el sitio web oficial Chantays o la página de MySpace Chantays
LUCIANA SOUZA
Luciana Souza (São Paulo en 14 de junio de 1966), es una cantante de jazz brasileña y compositora que ha hecho carrera sobre la música clásica, el Jazz y la Bossa Nova.
Hija de la poetisa Tereza Souza y del cantante-compositor-guitarrista Walter Santos, creció en São Paulo. Es licenciada en Música por la Universidad Berklee en Boston del cual recibió un Bachelor, grado en Composición de Jazz. Ha recibido el grado de Maestra del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
Empezó su carrera a la edad de tres años, grabando jingles para anuncios. También ha trabajado en el campo de la música clásica europea, trabajando con el Bach Akademie en Stuttgart, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Brooklyn, la Orquesta Sinfonía de Atlanta, con el compositor Osvaldo Golijov, la Filarmónica de Nueva York y el Cuarteto de Guitarra de Los Ángeles.
Ha sido nominada tres veces para un Premio Grammy como mejor vocalista de jazz en 2002, 2003 y 2005. Ha aparecido y grabado con renombrados músicos de jazz y compositores, incluyendo Danilo Perez, Hermeto Pascoal, Romero Lubambo, Maria Schneider, Kenny Werner, John Patitucci, y Osvaldo Golijov.
En la actualmente enseña en la Escuela de música de Manhattan. Esta casada con el productor de música Larry Klein. Con quien hizo un dúo con Walter Becker en el 2008 para el álbum Circus Money, producido por Larry Klein.
Hija de la poetisa Tereza Souza y del cantante-compositor-guitarrista Walter Santos, creció en São Paulo. Es licenciada en Música por la Universidad Berklee en Boston del cual recibió un Bachelor, grado en Composición de Jazz. Ha recibido el grado de Maestra del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
Empezó su carrera a la edad de tres años, grabando jingles para anuncios. También ha trabajado en el campo de la música clásica europea, trabajando con el Bach Akademie en Stuttgart, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Brooklyn, la Orquesta Sinfonía de Atlanta, con el compositor Osvaldo Golijov, la Filarmónica de Nueva York y el Cuarteto de Guitarra de Los Ángeles.
Ha sido nominada tres veces para un Premio Grammy como mejor vocalista de jazz en 2002, 2003 y 2005. Ha aparecido y grabado con renombrados músicos de jazz y compositores, incluyendo Danilo Perez, Hermeto Pascoal, Romero Lubambo, Maria Schneider, Kenny Werner, John Patitucci, y Osvaldo Golijov.
En la actualmente enseña en la Escuela de música de Manhattan. Esta casada con el productor de música Larry Klein. Con quien hizo un dúo con Walter Becker en el 2008 para el álbum Circus Money, producido por Larry Klein.
DIANA KRALL
Diana Krall nació en el seno de una familia de músicos en Nanaimo, una pequeña localidad de pescadores de la Isla de Vancouver en la Columbia Británica de Canadá. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano. Las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre y que ella intentaba reproducir nota por nota desde los cuatro años, cuando comenzó a tomar clases de piano, fueron su primera influencia musical consciente. Muy joven se trasladó con su familia a la ciudad de Vancouver y allí se unió a la banda de jazz de su escuela superior. A los quince años ya tocaba regularmente en varios restaurantes de Vancouver. A esa edad, aunque se sentía muy cómoda como instrumentista, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, como lo eran Roberta Flack o Nina Simone, sus artistas admiradas de aquel entonces.
A los diecisiete años, en 1981, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music en Boston donde estudió y residió durante tres años, tras lo cual regreso a su pueblo natal. En Nanaimo, durante una de sus presentaciones nocturnas en un pequeño local, llamó la atención de un afamado bajista llamado Ray Brown (ex marido de Ella Fitzgerald) quien, impresionado por su talento, se presentó en su camerino y le propuso ser su mentor y manager. Ella aceptó la propuesta, iniciándose así una relación profesional que duraría hasta Julio de 2004, con el fallecimiento de Brown. Este último la había persuadido para que se mudara a Los Ángeles donde, gracias a una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Allí conoció a notables profesores y productores y comenzó también a cantar. En 1990, tras residir una temporada en Toronto, se mudó nuevamente, esta vez a Nueva York, donde formó su propio trío y publicó su primer álbum Stepping Out con el pequeño sello discográfico Justin Time. En 1994 salió su álbum Only Trust Your Hear con la producción de Tommy LiPuma. En 1996 emprendió su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, y presentó su trabajo All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio, en homenaje a Nat King Cole. Su siguiente trabajo, el álbum Love Scenes de 1997 la situó definitivamente entre las grandes figuras de jazz de todos los tiempos. En 1999 obtuvo su primer disco de platino por las ventas millonarias de su álbum When I Look In Your Eyes y su primer premio Grammy.
jueves, 16 de septiembre de 2010
RIZ ORTOLANI
Riz (Riziero) Ortolani (Pésaro, Italia, 4 de septiembre de 1931), es un compositor de música de cine italiano.
A inicios de los años 50, Ortolani fue fundador y miembro de un grupo de jazz de fama nacional en su país. La primera partitura cinematográfica que escribió, fue para el filme documental de Gualtiero Jacopetti Mondo Cane, cuyo tema principal, More, le granjeó un Grammy, y también fue nominado para un Oscar por La mejor canción. Otra pieza mundialmente famosa, fue el tema principal de la película O' Cangaceiro (1970).
Ortolani participó con la musicalización parcial o completa de más de 200 películas, tal como Old Shatterhand (1964), y gran cantidad de filmes italianos de los géneros "giallo" y "mondo".
Otros filmes en los que trabajó, incluyen Il Sorpasso (1962), Los días de la ira (1967), Io ho paura (1977), Danza macabra (1964), Sette orchidee macchiate di rosso (1972), Africa addio (1966), Addio Zio Tom (1971), y la controvertida Cannibal Holocaust (1980).
La música de Riz Ortolani recientemente ha tomado parte en Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004), como la magnífica I giorni dell'ira (Los días de la ira)
RIGO TOVAR
Rigoberto Tovar García, mejor conocido como Rigo Tovar (29 de marzo de 1946 — 27 de marzo de 2005), fue un cantante y músico mexicano nacido en Matamoros, Tamaulipas. Creó una mezcla musical entre la cumbia, la balada y el bolero con elementos de rock. Muere el 27 de marzo de 2005 a causa de un paro cardiorrespiratorio.
Nacido en el seno de una familia humilde, de padre tamaulipeco y madre de texas, Rigoberto Tovar García nace un miercoles 29 de marzo de 1946, a las 11:43 de la mañana en la ciudad de Matamoros, Tamaulipas México, la ciudad con la que se fusionó tanto que ahora es inevitable hacer referencia a ambos cuando se habla de cualquiera de los dos.
Es considerado el padre de la música grupera y tropical, un pionero que introdujo instrumentos modernos a la dotación acostumbrada dentro de la música tropical y de la cumbia (guitarras eléctricas, sintetizadores, bajo eléctrico, efectos de sampleo, órganos moog, y batería eléctrica, ellos por los instrumentos acústicos regionales variados en combinación con guitarras españolas y derivados folklóricos junto a cuerdas clásicas variadas que se usaran antes).
Lo verdaderamente característico es que Rigo logró hacer de la música popular un producto moderno sin dejar de basarse en sus formas rítmicas y melódicas musicales, sin recurrir a bases de distinta tradición. Sin ser tradicional, tomando los instrumentos que el momento le ofrecía, trascendió sus bases dándole ese toque que hoy en día es un referente dentro de la historia de la música.
A causa de la enfermedad terminal de su señora madre, Rigo empezaba a escribir canciones un tanto tristes en comparación al estilo musical al que tenia acostumbrados a sus fans y crea, a finales de 1974, una recopilación de canciones como “No te vayas”, “Todo por ti” (cancion original de Maria Grever 1939), “Te quiero dijiste” y “Triste Navidad” en el LP no. 5 de su carrera.
Tal vez no tenía los ánimos de escribir e incluye en ese disco 3 canciones instrumentales, “Macondo”, “El Pastorcillo” y “Nocturnal” que llegaron a completar este material, muy posiblemente una depresión no le permitió seguir escribiendo para ese disco.
La Sra. Sarita García Barrón fallece en la ciudad de Matamoros Tamaulipas el 7 de noviembre de 1974 dejando una irreparable pérdida tanto en la familia Tovar como en los fans de Rigo que lo apoyaron en todo momento; a manera de homenaje su guitarrista, amigo y compadre Cesar Alejandro Herrera le imprime en el brazo a Rigo uno de sus tatuajes, una mariposa (que representaba a doña Sarita) y una flor de colores verde y amarillo (que representaba el inicio de su carrera) con la leyenda “MAMA SARITA, JAMÁS TE OLVIDARÉ XI-VII-MCMLXXIV
Se dice que Rigo demostró que la fama es para una sola persona más no para un grupo. Constantemente en donde tocaba, se tenía que dar el cierre de puertas y calles; la gente se abalanzaba para poder verlo y tocarlo, sus admiradoras gritaban, se desmayaban y quedaban afónicas, la labor de policías y elementos del ejército nunca fue suficiente para contener a la fanaticada que quería escucharlo, verlo y tocarlo.
Conforme pasaba el tiempo los fans se daban cuenta que cada disco de Rigo Tovar era y sonaba diferente, éstos cambios se debieron a los diferentes estilos y evolución musical que Rigo buscaba y definía al realizar cada disco, lo cual lo llevó a crear e interpretar muy diversos géneros.
Éstos géneros musicales en los que incursionó van desde los boleros, cumbias, baladas, bolero ranchero, heavy metal, cha cha cha, porro, norteñas, música Texana, chicanas, hustle, villancicos, canciones infantiles, poemas, rock and Roll y hasta música clásica con orquesta sinfónica, siempre con ventas millonarias de cada uno de sus discos...
Cada una de las canciones escritas por Rigo es una historia, principalmente de amor y felicidad, aunque en algunas ocasiones le escribió también al desamor. Él les canto a las aves, a su familia, a él mismo, a las ciudades, a las mujeres, a la primera de mayo, a su enfermedad visual y, desde luego, a su Matamoros querido.
ZAMBO CAVERO
Arturo Cavero Velásquez (* Lima, 29 de noviembre de 1940 - † Lima, 9 de octubre de 2009), más conocido como el "Zambo" Cavero[1] fue un cantante peruano de música criolla.
El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
ANTONIO LAURO
Antonio Lauro (Ciudad Bolívar, Venezuela, 3 de agosto de 1917 - † Caracas, 18 de abril de 1986), fue intérprete y uno de los principales compositores sudamericanos para guitarra clásica de siglo XX.
En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948 durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, fue encarcelado y exiliado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años (1948-1958). Durante este tiempo compuso excelentes y recordadas obras musicales. Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. Sus primeras obras se concentraron en la guitarra especialmente en los valses venezolanos a los cuales les aplico una forma diferente de tocarlos, normalmente de 3/4 los interpretaba en 6/8, llegando a considerarsele el "Strauss de la guitarra".
Él mismo se distinguió como un excelente guitarrista, pero su popularidad y brillo universal aumentó, sin duda, por la incorporación de obras suyas en los programas de tres grandes maestros del instrumento: el español Andrés Segovia, el australiano-británico John Williams y el venezolano Alirio Díaz, quien fue gran amigo de Lauro y quien fue, en 1980, el solista de la primera grabación en estudio de su Concierto para guitarra y orquesta con la Orquesta Sinfónica Venezuela.
MIGUEL POVEDA
Cantaor de flamenco e intérprete de otros géneros musicales con los que enriquece su trayectoria artística en una experimentación constante en su obra, aunque el flamenco sea desde sus inicios su música de partida.
Poveda se interesa por ir más allá de la imagen tópica del cantaor al uso y se adentra en otros terrenos que no siempre son bien vistos por el mundo flamenco más ortodoxo. Muestra de este interés por buscar el arte en otros géneros son sus numerosas colaboraciones con artistas de disciplinas diversas, trabajos que le dan a conocer a otros públicos no habituados al flamenco.
Por su origen catalán, de padre murciano y de madre manchega, sin ascendencia andaluza, encuentra más dificultades en sus inicios que con tesón y gracias a su talento finalmente consigue vencer para crecer artísticamente como cantaor desde Barcelona, aunque posteriormente, en 2003, traslada su residencia a Sevilla, sin olvidar Cataluña en su trayectoria musical, como demuestra en Desglaç. Aunque experimenta y se expresa artísticamente mediante otras músicas, en ningún momento abandona su música de raíz, el flamenco
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