miércoles, 17 de marzo de 2010
lunes, 15 de marzo de 2010
MARIO DE JESUS BAEZ (VARIOS INTERPRETES)
El compositor dominicano Mario de Jesús Báez (San Pedro de Macorís, 1924), autor de temas como “Adelante”, “Ayúdame Dios mío”, “O...”, “Y...”, “Que se mueran de envidia”, “Ya la pagarás”, “Cría cuervos”, “Cuidadito, cuidadito”, “La cumbia del Torero”, “Perdámonos” y tantas otras que forman parte de la memoria musical y sentimental de México, y el resto de Latinoamérica y el mundo de habla hispana, recibió recientemente la Condecoración al Mérito Duarte, Sánchez y Mella, en el grado de Caballero, máxima distinción que el gobierno otorga a una persona.
En 1946, Don Mario De Jesús, con apenas 22 años de edad, viajó a la ciudad de Nueva York para trabajar como redactor de la Revista Teatral, además de corresponsal en varias publicaciones latinoamericanas. Y como siempre se había considerado compositor por naturaleza, se inició en los estudios musicales. En 1959, solicitó su traslado a la ciudad de México para desempeñar el cargo de subgerente de la Editora Mexicana de Música Internacional (EMMI). En 1966, pasó a ocupar la gerencia general de la Editora Mundo Musical, filial en esos años de la CBS. En marzo de 1968 se independizó para fundar la Editora Musical Latino Americana (EMLASA). En 1975, creó Leo Musical, editora que agrupa un importante repertorio de música mexicana de autores reconocidos.
Sus composiciones han sido interpretadas por artistas como Javier Solís, Libertad Lamarque, Toña La Negra, La Sonora Santanera, Antonio Prieto, Amalia Mendoza, Julio Iglesias, Alberto Vázquez, María Victoria, Los Panchos, Vikki Carr, Lucía Méndez, Vicente Fernández y Luis Miguel, entre otros.
MASSIMO RANIERI
Giovanni Calone, más conocido como Massimo Ranieri, es un cantante y actor italiano, nacido el 3 de mayo de 1951 en Nápoles.
Miembro de una familia numerosa muy pobre, llevó a cabo varias profesiones, hasta que decidió emigrar a los Estados Unidos, donde comenzó una lenta carrera musical bajo el nombre artístico de Gianni Rock.
Tras haber sido descubierto por un productor italiano, regresa a su país de origen, donde en 1966 tiene su gran oportunidad al poder interpretar en el programa "Scala Reale" el tema "L'Amore È Una Cosa Meravigliosa" ("El Amor es algo maravilloso").
Esto supone el comienzo de su carrera discográfica y como actor en Italia, participando en varias ediciones del Festival de la Canción de San Remo, así como en distintas películas. En 1969, gana en el programa Canzonissima de la RAI, con la canción "Rose Rosse" ("Rosas rojas").
En 1971 es seleccionado por la televisión de su país para participar en el Festival de la Canción de Eurovisión 1971 con el tema "L'Amore È Un Attimo" ("El Amor es un instante" titulado en castellano como "Perdón cariño mío" interpretado en México por Estela Núñez), obteniendo la quinta posición. Dos años más tarde, volverá a participar en dicho festival, consiguiendo una peor posición con el tema "Chi Sarà?" ("¿Quién será?").
En 1988 se hizo con la victoria en el Festival de la Canción de San Remo con el tema "Perdere L'Amore" ("Perder el Amor"). En el 16 de octubre de 2002, Massimo Ranieri fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).
GIANI BELLA
Gianni Bella (Catania, Italia; 14 de marzo de 1946), es un cantautor italiano, con un estilo musical de balada y pop.
Hermano de la cantante Marcella Bella, como también de los músicos Antonio y Salvatore Bella.
Ha participado en varios festivales de cantos en su país, siempre destacándose siendo premiado en muchas ocasiones; en su carrera profesional ha grabado canciones en italiano y en castellano. De su autoría es el tema "Esta amor no se toca" ("Questo amore non si tocca"), interpretado también por Yuri
CAETANO VELOSO
Caetano Vianna Temes Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião. Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió arte en la universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la reevaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso, y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.
LUIS ARCARAZ
Luis Arcaraz Torrás fue un compositor, pianista,arreglista, cantante y director de orquesta popular. Una de las figuras más importantes de la radiodifusora XEW, nacido en Ciudad de México, México el 5 de diciembre de 1910, y fallecido trágicamente en un accidente automovilístico, el 1º de junio de 1963 cerca de Matehuala, San Luis Potosí, México.
Indudablemente que la orquestación de Luis Arcaraz tiene la influencia rítmica e instrumental de la escuela tradicional del jazz típico o clásico, que fundaron los maestros tal vez mas genuinos de esta escuela del género popular, especialmente Glenn Miller y Benny Goodman. En tal orquestación la combinación de clarinetes y saxofones juega un papel primordial, mas, sin menoscabar, en absoluto, la participación de los restantes instrumentos de la orquesta, tanto trompetas como trombones en armonía precisa y buen gusto, uso de sordina en las trompetas; el piano, el bajo, mas los recursos tan valiosos de la apropiada percusión, añadiendo el uso de maracas y bongó en la interpretación de boleros; sirve como ejemplo el bolero “Dí que no”, de Fuentes y Cervantes.
No obstante que Luis Arcaraz cantó muchas de sus canciones, también acompañó con su orquesta a diversos cantantes que surgían en aquellos tiempos como en el caso de María Victoria, con quién grabó temas como, “Soy feliz”, bolero de Juan Bruno Tarraza; “Todavía no me muero”, bolero de Claudio Estrada. Así como, “Dancero”, de Daniels, Parker y De Llano; “Mucho, mucho” de Russell, Espina y De Llano; “De la pobreza a la riqueza”, de Adler, Ross y De Llano. En la interpretación de temas netamente propios del género jazz, Arcaraz supo armonizar con destreza cada interpretación desarrollando ingeniosamente un pasaje suave, muy piano, como también un crescendo, para luego alcanzar un clímax vibrante, de acuerdo a las exigencias interpretativas de la composición.
TIN TAN
Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo (n. 19 de septiembre de 1915 – † 29 de junio de 1973), más conocido como Tin Tan, fue un famoso y exitoso actor, cantante y comediante mexicano, también actor de doblaje de películas de Walt Disney como: "Los aristogatos", donde le prestó su voz al "gato O'malley"; en "El libro de la selva" es la voz de "Baloo" el oso y "La leyenda de Sleepy Hollow" o "La leyenda del jinete sin cabeza" haciendo el papel de narrador.
Lo caracterizaba su gracia y su versatilidad, pues era además muy buen cantante. Hizo célebre en su tiempo al personaje del pachuco. Fue hermano de Ramón Valdés, el famoso don Ramón del programa El Chavo del Ocho, y de Manuel "El Loco" Valdés también cómico quien es padre del cantante Cristian Castro. Su hija Rosalía Valdés fue una cantante en los años 1980.
Padeció una hepatitis que le ocasionó aumento de peso y degeneró en un cáncer estomacal que junto con un coma hepático terminó con su vida el 29 de junio de 1973 en México. Al morir no dejó fortuna, solo un testamento en el cual cobijaba a su esposa Rosalía y sus hijos Rosalía y Carlos que en ese entonces eran menores de edad.
PROF. RAFAEL MANZANARES
Rafael Manzanares A. 1918-1992
En esta faceta de su vida se distinguió como comentarista radial y era muy escuchado en sus radio columnas que transmitía por HRN. Fue candidato a alcalde de Tegucigalpa por el Partido Liberal perdiendo el proceso frente al nacionalista César Castellanos Madrid, pero al ganar la Presidencia de la República el Ing. Carlos R. Flores le confió la titularidad de la cartera de Cultura, Artes y Deportes desarrollando una magnífica labor. Falleció en la ciudad de La Habana, Cuba pero sus restos mortales descansan en la ciudad que fue el gran escenario de su vida artística y política.
Profesor Rafael Manzanares Aguilar , procedente de La Esperanza, Intibucá donde nació en 1918 llegó a Tegucigalpa a finales de los años cuarenta donde emprendió sus labores en la enseñanza y para integrarse como ejecutante de la marimba de la orquesta Tropical de Antonio Medina. Manzanares se dedicó a investigar los orígenes de la música y las danzas autóctonas, tarea que le llevó a visitar poblaciones hondureñas donde existían huellas del arte de nuestros indígenas y la simbiosis que se produjo con la llegada de los españoles a nuestras tierras. Rescató mucho del folclor nacional y con grandes esfuerzos logró fundar el Cuadro de Danzas Folclóricas y dirigió como dependencia del Ministerio de Educación las Oficinas del Folclor Nacional. Inspirado compositor, llevó al pentagrama una serie de canciones entre “siques” y románticas, muchas de ellas grabadas en México. Rafael Manzanares en los colegios de la capital entusiasmó a jóvenes con actitudes para las danzas y para el canto en la formación de las estudiantinas. Acogido a los beneficios del INJUPEMP, al retirarse de la docencia y como servidor del Estado, Manzanares fue de los fundadores de la Asociación de Pensionados y Jubilados de los Empleados Públicos. En reconocimiento a su labor cultural le fue otorgado el premio “Pablo Zelaya Sierra”. Falleció en Tegucigalpa como todos los quijotes del arte, sin recursos pero orgulloso de haberle servido a su patria.
FEDERICO RAMIREZ
Federico Ramírez es un intérprete y compositor hondureño, el más reconocido de la música tradicional de su país, actor de radio, teatro y televisión, guionista y miembro fundador de "Voces Universitarias".
Connotado cantautor nacional, ha tenido uno larga trayectoria artística, misma que es asociada con sus éxitos en Voces Universitarias.
José Coello Barahona, nombre con el cual fue bautizado Federico, nació en Tegucigalpa el 8 de junio de 1942, hijo de Miguel Coello Vallejo y de Camila Barahona Ramírez, apellido que tomaría para formar su nombre artístico; vivió su infancia en lo que hoy es el Barrio Morazán.
Miembro del Cuadro Nacional de Danza Folclórica desde 1963 ese mismo año integra el "Teatro Infantil" que dirigió la Prof. Mercedes Agurcia Membreño,
Miembro fundador del "Teatro de los Diez", en 1965.
Perteneció a la Academia de Ballet que dirigió el brasileño Rivo da Silva, del cual hoy no existen noticias. Grabó para el Programa Español "300 millones" en cuatro oportunidades,
Participó en el programa "Aquí Centro America" Director del Primer Cuadro de Danza Folclóricas de la Escuela Superior del Profesorado (hoy Universidad Pedagógica Francisco Morazán) 1969.
Fue miembro del Coro Polifónico.
Actor de los programas radiales "La Escuelita Alegre, El Correo de la Risa, La Prensa Dramatizada, Cuentos y Leyendas de Honduras y Director del Programa "Juzgue Usted" Ficción o Realidad, programa que ocupó el primer lugar en audiencia a nivel nacional durante dos años en HRN.
Actor del programa "Calentando la Banca" y "Frijol el Terrible" bajo la dirección de Carlos Salgado.
Primer Representante de Honduras en el primer "Festival de la Canción Latina en el Mundo", como después se llamó OTI
ANTONIO AGUILAR
Pascual Antonio Aguilar Barraza (17 de mayo de 1919 – 20 de junio de 2007). Fue un actor, cantante, productor, guionista y jinete experto mexicano. Su discografía sobrepasa los 160 álbumes con ventas de más de 25 millones de copias. Al despuntar la década de los cincuenta debutó como actor en el cine, al tiempo que se inició como cantante, faceta de su carrera que se extiende hasta los primeros años del 2000. De sencillo trato, Antonio Aguilar es considerado ya una leyenda de la música popular mexicana, y el último entre los grandes Iconos y figuras como Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís, José Alfredo Jiménez o Miguel Aceves Mejia entre otros. Actuó en 167 películas y ha recorrido el mundo junto a su esposa Flor Silvestre y sus hijos Antonio Aguilar Jr y Pepe Aguilar. Es reconocido como la persona que introdujo el deporte mexicano de la Charrería a audiencias internacionales y es por esto que lo apodan El Charro de México.
LUIS AGUILAR
Luis Aguilar Manzo fue un actor y cantante de música ranchera de la "Época de Oro del Cine Mexicano". Es conocido también como "El Gallo Giro" por una película que hizo con el mismo nombre. Su carisma y personalidad lo hicieron destacar como uno de los ídolos de México. No obstante su excelente voz de barítono, nunca han tenido sus discos grandes ventas, pero sí tenía llenos en los espacios donde se presentaba ante multitudes entusiastas. Su esposa fue la conocida actriz mexicana Rosario Gálvez. Obtuvo grandes éxitos en Cuba, Puerto Rico y Sudamérica.
Luis Aguilar Manzo nació en Hermosillo el 29 de enero de 1918. Estudió en el Colegio Militar y después comenzó la carrera de ingeniería en el ejército, al poco tiempo abandona la carrera castrense y trabaja en el Departamento agrario de la Secretaría de Hacienda. Como era de carácter aventurero se mudó temporalmente al puerto de Mazatlán, Sinaloa donde se dedicó a pescar tiburones. Debuta como actor en 1944 en la película Sota, Caballo y Rey a la que siguieron cerca de 128 estelares alternando con figuras como Javier Solís, Pedro Infante en las cintas inolvidables "A toda máquina" y " Que te ha dado esa mujer", Julio Villarreal, Beatriz Aguirre, Jorge Negrete, Germán Valdés, Pedro Vargas y Agustín Lara entre otros. Perdió a un hijo en un lamentable accidente, golpe del cual nunca se recuperó del todo. Aguilar murió en la Ciudad de México en 1997 mientras filmaba El Amarrador.
MANOLO MUÑOZ
Destacado cantante jalisciense, cuyo nombre real era Manuel Muñoz Velasco, es considerado como uno de los interpretes clásicos de la época del Rock and Roll mexicano, y quizás uno de los más prolíficos de la historia musical mexicana, al culminar su carrera de manera ininterrumpida. Pionero dentro del movimiento musical primero como vocalista de Los Gibson Boys y autentico primer cantante solitario, antes que César Costa y Enrique Guzmán. Precursor del estilo romántico de artistas como Víctor Iturbe, José José y Luis Miguel. Su fama persiste como el interprete de las canciones "Speedy González" y "Llamarada".
Este singular cantante originario del municipio de La Barca Jalisco, vio la luz primera en 1941 siendo recibido en el seno de una familia humilde y trabajadora, consciente de su estatus económico, desde temprana edad, Manolo desempeño diversas actividades para ayudar a la familia, trabajo como mandadero, asistente de barbero. Manolo Muñoz falleció a causa de un derrame cerebral, la mañana del domingo 29 de octubre del 2000, luego de haber permanecido internado por seis días en el hospital Santa Elena de la Cd. de México.
EL FLAMENCO
El flamenco es un género español de música y danza que se originó en Andalucía en el siglo XVIII, que tiene como base la música y la danza andaluza y en cuya creación y desarrollo tuvieron un papel fundamental los andaluces de etnia gitana. El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco.
El género flamenco se fue configurando durante el siglo XIX, sobre el sustrato de la música y la danza tradicionales de Andalucía, cuyos orígenes son antiguos y diversos. Sin embargo el flamenco no es el folclore de Andalucía (compuesto por seguidillas, sevillanas, fandangos, verdiales, trovos, el chacarrá, el vito...) sino un género artístico fundamentalmente escénico. El flamenco, aunque está basado principalmente en el folclore andaluz, es un género tan estilizado y complejo que el andaluz medio, aún teniéndose como bien dotado para la música, es incapaz de interpretar correctamente. De hecho, en ningún momento de su historia el flamenco ha pasado de ser una música interpretada por minorías, con mayor o menor difusión. El surgimiento de los cantaores profesionales y el transformación de los cantos populares por parte de los gitanos, hicieron que su estilo se alejara considerablemente de las tonadas tradicionales. El flamenco somete a lo popular a una estilización tan grande que lo lleva hacia lo culto, pero sin perder su sabor popular.
domingo, 14 de marzo de 2010
THE PLATTERS
The Platters (formado en Los Ángeles en 1953 y disuelto a finales de los años 1960) fue grupo musical estadounidense de rhythm and blues y música pop compuesto por cinco cantantes negros (cuatro hombres y una mujer).
The Platters iniciaron su carrera artística en Los Ángeles como grupo de doo wop, aunque con una identidad muy débil como para hacerlos destacar sobre el resto. Sus primeras grabaciones las hicieron para Federal, un sello subsidiario de King Records de Cincinnati. Estas primera grabaciones no se parecen en nada a las que más tarde les harían famosos, en tanto que simplemente imitaban las corrientes y estilos del momento, sobre todo las vinculadas al R&B. Lo que cambió su suerte fue la aparición del que sería su mentor, mánager, productor, escritor y profesor vocal, Buck Ram. Ram convirtió lo que no era más que un convencional grupo vocal de R&B y doo wop, en un conjunto de estrellas y uno de los más duraderos y lucrativos grupos musicales de todos los tiempos. Hacia 1954, Ram tenía ya una agencia de talentos en Los Ángeles, escribiendo y arreglando para la editorial Mills Music, dirigiendo la carrera de The Three Suns -un grupo pop con bastante éxito- y trabajando con sus protegidos, The Penguins. En principio, The Platters parecían ser una buena adición a este listado.
Tras desvincularlos de Federal, Ram los situó dentro del emergente sello nacional independiente Mercury Records, colocándolos automáticamente en el mercado pop a través los exclusivos contactos de distribución de la compañía. Entonces, Ram comenzó a trabajar sobre las potencialidades y debilidades del grupo. Los primero que hizo fue colocar el peso vocal del grupo sobre los hombros de Tony Williams, cuya voz era próxima a la de un tenor. El poder emocional de Williams fue completado con un grupo (aumentado en aquel momento con Zola Taylor) que trabajaba envolviendo cada una de sus notas con un bien estructurado soporte vocal. Con las letras pop clásicas de Ram y la paleta sonora de los cantantes, el grupo se convirtió rápidamente en un éxito dentro del pop y del R&B, consiguiendo ser el primer grupo negro de la época en situarse en los primeros puestos de las listas de éxitos. Considerado el más romántico de todos los conjuntos doo wop, éxito tras éxito fueron cayendo de forma aparentemente fácil: "Only you", "The great pretender", "My prayer", "Twilight time", "Smoke gets in your eyes", "Harbor lights".
GENE VINCENT
Gene Vincent, cuyo nombre real era Eugene Vincent Craddock (11 de febrero de 1935 - 12 de octubre de 1971) fue un cantante de rockabilly estadounidense, conocido sobre todo por su éxito "Be-Bop-A-Lula.
Empezó a tocar la guitarra a una edad muy temprana. A los 17 años se alista en la armada, pero debería abandonarla después de que un accidente de moto le dejara una lesión permanente en la pierna. Tras volver a Norfolk (Virginia), empieza a tocar en varias bandas de country. Allí firma un contrato en Capitol Records junto con la banda The Blue Caps, donde el guitarrista solista era el virtuoso Cliff Gallup, uno de los instrumentistas que más han influido en los primeros años del rock. Con ellos grabaría una sesión de la que saldría un disco de dos caras: en la cara A aparecía "Woman Love", pero sería la cara B del disco la que pincharían todos los DJ de las principales emisoras de rock and roll: la canción de la cara B se llamaba "Be-Bop-A-Lula".
LYS ASSIA ( SUIZA)
Rosa Mina Schärer, conocida como Lys Assia (3 de marzo de 1926) es una cantante suiza, ganadora del primer Festival de la Canción de Eurovisión, realizado en 1956.
Su estilo se basa en canciones lentas amor con melodía de los años 50 y 60. Lys Assia cantó en las principales salas de fiestas de París, Madrid, Nueva York y Buenos Aires. Tuvo la oportunidad de cantar para la Reina Isabel II de Inglaterra, para el desaparecido rey de Egipto, Faruk, o para Eva Perón.
Enamoró los alemanes con la canción Weissen Hochzeitskutsche. Se dice que fue la primera canción de sus innumerables éxitos. Ella misma comentó sobre esta composición, que “la belleza de la canción y del sonido, atrajo a muchos enamorados”. Esa canción fue lanzada en el año 1946, es decir después de la posguerra alemana. Lys Assia tuvo como inspiración a un profesor de ballet clásico de Zúrich, al cual debe su nombre artístico. Casada con Oskar Petersen, el dueño de una importante cadena de hoteles, fue muy feliz con él hasta el año 1995, en el cual Lys y Oskar tuvieron un fatídico grave accidente de tráfico que le costó la vida a Oskar. Lys estuvo cinco meses postrada en una silla de ruedas.
En 1996 sufrió un infarto, que también superó. Ella misma comentó que tras ese infarto se hizo más humana y sensible.
AMALIA RODRIGUES
Amália Rodrigues, cuyo nombre completo era Amália da Piedade Rebordão Rodrigues (Lisboa, 23 de julio de 1920 (según la partida de nacimiento) – Lisboa, 6 de octubre de 1999) fue la más importante de las cantantes de fado de Portugal del siglo XX. Es conocida como "La Reina del Fado" siendo la figura más conocida e influyente fuera de las fronteras de Portugal a través de sus múltiples actuaciones internacionales, incluyendo TV y películas.
Amalía Rodrigues falleció el 6 de octubre de 1999 en su casa lisboeta y fue enterrada en el Cementerio de Prazeres, después de un funeral de estado multitudinario realizado en la Basílica da Estrela. Un año después de su fallecimiento la Asamblea de la República de Portugal decide honrar su memoria con el traslado de sus restos al Panteón Nacional, situado en la Iglesia de Santa Engrácia, la ceremonia se lleva a cabo el 9 de julio de 2001, desde entonces reposa en la sala de los escritores ilustres. La casa en la que vivía Amália, en la Rua São Bento número 193, situada junto a la Asamblea de la República Portuguesa, se abrió como Casa Museo de Amália Rodrigues en el mes de agosto de 2001 para preservar su legado artístico y su figura
BENNY GOODMAN
Goodman nació en Chicago, el noveno de doce hermanos, hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, donde vivían en el barrio Maxwell Street. Su padre, David Goodman, era sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas. Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny. Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo que se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional.
A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway. Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con "He's Not Worth Your Tears" (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931. Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con "Ain't Cha Glad?" (cantada por Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada por Billie Holiday) y "Ol' Pappy" (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada por Jack Teagarden).
BEN POLLACK
Baterista y músico norteamericano, que nació el 22 de junio de 1903 en Chicago, Illinois, y murió el 7 de junio de 1971. Debido a su habilidad con los instrumentos musicales se ganó el nombre de "El padre del swing".
Fue un gran autodidacta y hacia 1920, su gran sed de aprendizaje y superación le hizo ganarse un puesto en la New Orleans Rhythm Kings, conocida como NORK, una orquesta de jazz de primera línea.
Hacia 1924, tocó en numerosas orquestas, incluyendo algunas de la costa oeste, donde finalmente formó una banda en 1925. Uno de los primeros miembros de su banda fue Gil Rodin, un saxofonista cuya fuerte visión para los negocios le sirvió más tarde para convertirse en un ejecutivo de la Music Corporation of America (MCA)
HOMENAJE A ATTILA ZOLLER
El guitarrista húngaro Attila Zoller falleció el pasado 25 de Enero. Fue un gran estilista de su instrumento, con el que cultivó una serena y romántica expresión melódica y una sonoridad pura y natural. Su exquisita técnica partía de elementos asociados al estilo West Coast, pero fue incorporando experimentaciones propias del free jazz. Se le reconoció sobre todo por sus interpretaciones en formaciones reducidas: solo, dúos y tríos.
Había nacido en Visegrad el 13 de Junio de 1927. Desde muy joven recibe clases de violín de su padre y más tarde estudia trompeta, tocando en la orquesta sinfónica de su instituto. En 1945 llega a Budapest y se pasa a la guitarra, con la que debuta en formaciones locales. En 1948 se traslada a Austria y funda con el acordeonista Vera Bauer un grupo que toca música de cabaret y con el que realiza sus primeras incursiones en el jazz.
En 1953 se instala en Alemania y decide dedicarse por entero al jazz. Allí actúa con la pianista Jutta Hip y con el saxofonista Hans Koller. En 1959 y tras visitar el país en varias ocasiones se establece en Estados Unidos y perfecciona sus estudios. Trabaja con Chico Hamilton y en 1962 se une al grupo de Herbie Mann. Más tarde comienza a liderar grupos propios, entre ellos un cuarteto con el pianista Don Friedman por el que pasan entre otros Barre Philips, Richard Davis, Daniel Humair y Joe Chambers. Además toca con otras bandas como las de Oscar Pettiford, Stan Getz, Red Norvo y Benny Goodman.
Durante los 70 siente especial predilección por los tríos y por los dúos, en particular con el también guitarrista Jimmy Raney, y comienza una especial dedicación a la enseñanza, que le lleva a fundar el Vermont Jazz Center. Entre la veintena de grabaciones a su nombre destacan: "Zo-Ko-So" (MPS, 1965), con Hans Koller y Martial Solal, "Jim And I" (L&R, 1979), con Jimmy Raney, "Common Cause" (Enja, 1979), con Ron Carter y Joe Chambers, "When It's Time" (Enja, 1994), con Lee Konitz, Larry Willis, Santi Debriano y Yoron Israel, y la más reciente: "Thingin" (hatART, 1995), con Lee Konitz y Don Friedman.
DIL VAN DYKE
Richard Wayne Van Dyke (West Plains, Missouri, Estados Unidos, 13 de diciembre de 1925) es un reconocido y premiado actor de cine y televisión estadounidense. Es recordado por sus actuaciones estelares en los filmes Mary Poppins y Chitty Chitty Bang Bang, y en los programas de televisión The Dick Van Dyke Show (en la década de 1960) y Diagnóstico asesinato (en la década de 1990).
MIGUEL CALÒ
Miguel Caló (28 de octubre, 1907, en el barrio de Balvanera, Buenos Aires, Argentina - † 24 de mayo, 1972), Buenos Aires, fue un director de orquesta, compositor y bandoneonista argentino.
Formó su primera orquesta en 1929, que luego disolvió para ingresar a la orquesta del pianista y poeta Cátulo Castillo con la que realizó una gira por España en la que también participaron los hermanos Malerba y el cantor Roberto Maida.
De regreso en Buenos Aires formó una nueva orquesta con el bandoneonista Domingo Cuestas, los violinistas Domingo Varela Conte, Hugo Gutiérrez y Enrique Valtri, el contrabajista Enzo Ricci y el pianista Luis Brighenti, la que más adelante dejó para unirse a la orquesta de Fresedo con la que viajó a Estados Unidos.
En 1932 grabó por primera vez, registrando con la voz de Román Prince para el sello Splendid el tango Milonga porteña -música de Caó y Luis Brighenti sobre letra de Mario César Gomila- y el vals Amarguras de Miguel Nijensohn y Jaime de los Hoyos.
En 1934 formó una nueva orquesta, con un estilo claramente influenciado por Fresedo y un sonido que recuerda a Di Sarli. En el conjunto estaba el pianista Miguel Nijensohn, quien dejó un sello que perduraría por siempre en su estilo: su instrumento tenía a su cargo encadenar las frases musicales, con una cadencia y un ritmo ideal para los bailarines. Cabe destacar el aporte del cantor Carlos Dante, con quien registró 18 temas de una relevante belleza.
LOS ANGELES AZULES
Los Ángeles, conocidos anteriormente como Los Ángeles Azules, es un grupo español de música pop que sobresalió durante los años sesenta y setenta del siglo XX y que ha vuelto a reaparecer como activo a principios del XXI.
El fundador del grupo Los Ángeles Azules fue el bajista Javier Muñoz Pérez del Pulgar y su primer —y eventual cantante— Julián Granados, que llegaría acumular una extensa discografía. Además, dispusieron de un pianista, Miguel Megías, miembro de familia de músicos de Granada. Junto a ellos, el cantante y baterista Poncho González, y los guitarristas Agustín Rodríguez y Carlos Álvarez, completaron la primera etapa desde 1963 a 1965.
Los Ángeles Azules, también denominados, en ocasiones, como Blue Angels, alcanzaron buena fama en su ciudad y en la Costa del Sol durante ese trienio. Actuaron ante la alta sociedad en el club de Tenis de Granada, en los Jardines Neptuno y en la sala Casablanca, donde constituyeron su primer club de fans.
Grabaron dos E.P.’s (abreviatura de extended play), o discos de cuatro canciones, para la compañía Phillips en Madrid (Estos son los Ángeles Azules y Los Ángeles Azules, fueron sus títulos). Sus temas de orientación italofrancesa, acreditaban la facilidad del grupo andaluz para moverse por diferentes palos estilísticos, aunque ya anunciaban su predilección por los Beatles al interpretar I saw her standing there.
La influencia de los fab four sobre la personalidad de Los Ángeles se afianzó desde 1965, cuando se convirtieron en un cuarteto guitarrero a imagen de sus ídolos. Javier y Miguel se marcharon a la mili y optaron por una vida alejada de los escenarios. Los Ángeles prescindieron del teclado y de la música mediterránea para centrarse en el pop-rock angloamericano en el que ya se habían iniciado. El puesto de bajista lo ocupó Paco Quero.
Su estancia primero en la Costa del Sol y después en Madrid aumentó la polivalencia de un estilo que comprendía a Adriano Celentano, los Shadows, los Kinks, los Who o los Beatles.
BOBBY BLUE BAND
Robert Calvin Bland (27 de enero de 1930 - ) mejor conocido como Bobby "Blue" Bland, es un cantante estadounidense de blues y soul.
Fue uno de los miembros originales del grupo The Beale Streeters y al igual que artistas como Sam Cooke, Ray Charles y Junior Parker, Bland cultivó un sonido derivado de la mezcla entre gospel con blues y R&B.
HISTORIA DEL REGGAE
El reggae es un género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces se usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska, rocksteady y dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros: el Skinhead Reggae, el roots reggae y el dancehall.
El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Este topónimo se usó para designar a los pobres de Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Actualmente se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos subestilos del reggae. Otras fuentes señalan que el término reggae proviene de una canción de The Maytals, llamada "Do the reggay", en la que la palabra "reggay" significaría "regular", es decir, gente común y corriente. Actualmente está muy difundido por todo el mundo e inclusive habitantes de varias islas vecinas como la isla de San Andrés y la de Providencia, en Colombia, lo interpretan como un género isleño.
El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Algunos de los intérpretes más conocidos del género son Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube, Eddy Grant, Morodo.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk. La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
EL XILOFONO
El xilófono (pronunciado /si'lofono/) es un instrumento musical de percusión, y su origen remonta al siglo XVIII. Cada lámina se afina según un tono específico (nota musical) de la escala cromática. Como se puede afirmar, se trata de un laminófono de sonido determinado. El orden de las láminas es similar al orden del teclado de piano.
El xilófono utiliza tanto la técnica de tambor afinable como la avanzada de mazos. El xilófono tiene un tono más vivo que su primo, la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas. Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama "xilorimba".
El xilófono posee una gran relevancia en un número de piezas clásicas. Algunas de las más conocidas son la Danse macabre (1874) compuesta por Camille Saint-Saëns y «Fósiles» de Carnival of the Animals (1886) del mismo compositor. También se puede escuchar en la Sinfonía Nº. 6 de Gustav Mahler.
Didáctica musical
Cuando el xilófono está destinado para aplicar el método Orff se montan en una caja acústica de madera de forma rectangular. Usualmente hay tres tipos: bajo, alto y soprano, con una escala y media cada uno. Como su nombre indica, se montan láminas de madera (xilo) preferentemente de palosanto.
Sirve para percusión, los hay de madera, de pizarra y sobre todo los hay de metal. El recurso más utilizado para el xilófono es el trémolo, que se obtiene percutiendo alternativamente con ambas baquetas sobre una misma lámina. El xilófono requiere un gran virtuosismo por parte del percusionista. Su técnica actual es muy compleja y precisa de un gran especialista. Su papel en la actual orquesta no es el de ofrecer un toque exótico a la obra, sino que es un timbre independiente y muy importante dentro del desarrollo orquestal.
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