martes, 16 de noviembre de 2010
AL MARTINO
Alfred Cini, conocido como Al Martino, (Filadelfia, Pensilvania, 7 de octubre de 1927, - 13 de octubre de 2009) fue un cantante y actor italoamericano.
En el portal Allmusic, el crítico musical Steve Huey escribe: "Martino fue uno de los grandes crooners del pop italiano de América, con una cadena de éxitos en sencillos y álbumes que va desde principios de la década de 1950 a mediados de la de 1970. Sin embargo, es probablemente más conocido por su papel en El Padrino como el cantante Johnny Fontane, un misterioso personaje, supuestamente basado en Frank Sinatra, pero con similitudes a la propia carrera de Martino".
De joven trabajó junto a sus hermanos como albañil en el negocio de construcción de su padre, un inmigrante italiano. Tras servir durante la Segunda Guerra Mundial en la campaña del Pacífico, obtendría su primer éxito con Here in my heart en 1952, al que seguirían muchos otros. En 1973, la reedición de su tema de 1966, Spanish Eyes, alcanzó el número 5 en el Reino Unido, devolviéndole de nuevo a la fama durante un tiempo.
Además de cantar, Martino hizo el papel de Johnny Fontane en 1972 la película El Padrino, siendo el cantante del tema de la película, Speak Softly Love, desempeñando el mismo papel en el resto de la trilogía.
Volvió a actuar en un cortometraje de Sal Stevens que recorrió distintos festivales de cine por todo el mundo en 2006.
ALEXANDER BRAILOWSKY
Brailowsky nació en Kiev, Ucrania. De niño, estudió piano con su padre, un pianista amateur. Cuando tenía 8 años, estudió en Kiev a Vladimir Puchalsky, discípulo de Theodor Leschetizky. A la edad de 18 años, asistió a Kiev Conservatorio, graduándose con medalla de oro en 1911. Él estudió con Theodor Leschetizky en Viena hasta 1914, luego con Ferruccio Busoni en Zürich, y, finalmente, con Francis Planté en París. Se convirtió en un ciudadano francés en 1926.
Brailowsky hizo su primer concierto en París en 1919.
Brailowsky programado las 160 piezas de Chopin de piano para tocar en una serie de seis conciertos. En 1924, dio un recital en París del ciclo completo de las obras de Chopin, el primero en la historia, con el piano del propio compositor para una parte del recital. A continuación, pasó a presentar una nueva treinta ciclos de música de Chopin en París, Bruselas, Zurich, Ciudad de México, Buenos Aires y Montevideo. Una gira mundial de gran éxito seguido. Brailowsky debut en Estados Unidos fue en el Aeolian Hall de Nueva York en 1924.
Realiza una gira por los Estados Unidos en 1936. Durante una serie de recitales diecinueve en Buenos Aires, nunca se repitió una sola obra. Durante la Segunda Guerra Mundial, dio recitales de la USO. En 1960, jugó de nuevo el ciclo de Chopin en París y en Bruselas en honor del 150 aniversario del nacimiento de Chopin.
Brailowsky primeras grabaciones fueron producidas en Berlín desde 1928 hasta 1934 y puesto en libertad en discos de 78 rpm. En 1938, grabó en Londres para HMV. Más tarde se produjeron los discos para el sello RCA Víctor y, en la década de 1960, para la CBS. Además de su enorme producción de Chopin, su repertorio también incluyó Rachmaninoff, Saint-Saëns, Liszt, Debussy y otros.
Brailowsky hizo su primer concierto en París en 1919.
Brailowsky programado las 160 piezas de Chopin de piano para tocar en una serie de seis conciertos. En 1924, dio un recital en París del ciclo completo de las obras de Chopin, el primero en la historia, con el piano del propio compositor para una parte del recital. A continuación, pasó a presentar una nueva treinta ciclos de música de Chopin en París, Bruselas, Zurich, Ciudad de México, Buenos Aires y Montevideo. Una gira mundial de gran éxito seguido. Brailowsky debut en Estados Unidos fue en el Aeolian Hall de Nueva York en 1924.
Realiza una gira por los Estados Unidos en 1936. Durante una serie de recitales diecinueve en Buenos Aires, nunca se repitió una sola obra. Durante la Segunda Guerra Mundial, dio recitales de la USO. En 1960, jugó de nuevo el ciclo de Chopin en París y en Bruselas en honor del 150 aniversario del nacimiento de Chopin.
Brailowsky primeras grabaciones fueron producidas en Berlín desde 1928 hasta 1934 y puesto en libertad en discos de 78 rpm. En 1938, grabó en Londres para HMV. Más tarde se produjeron los discos para el sello RCA Víctor y, en la década de 1960, para la CBS. Además de su enorme producción de Chopin, su repertorio también incluyó Rachmaninoff, Saint-Saëns, Liszt, Debussy y otros.
MARI TRINI
María Trinidad Pérez de Miravete Mille (12 de julio de 1947, Caravaca de la Cruz, Murcia - 6 de abril de 2009, Murcia), conocida artísticamente como Mari Trini, fue una cantante y compositora española.
Nació en la pedanía de Singla, del término de Caravaca de la Cruz, Murcia, España, el 12 de julio de 1947 , aunque a muy temprana edad se trasladó a Madrid con su familia, en la que no existía tradición artística.
Alumna de un colegio religioso, su infancia se vio marcada por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama desde los siete años hasta los catorce. Quizá por eso salió de su casa con ganas de libertad y en busca de amplios horizontes. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música, aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones.
Contaba quince años cuando conoció en Madrid a Nicholas Ray, director de películas como Rebelde sin causa. Ray se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca pudo realizarse. Allí permaneció un año, estudiando con Peter Ustinov y participando en algunos programas de radio.
Más tarde Mari Trini se trasladó a París, donde grabó sus primeras canciones en francés. Después de permanecer cinco años en Francia, Mari Trini regresó a España para continuar su carrera musical. Graba su primer disco en español con la discográfica RCA, en el que canta canciones de otros autores, como Luis Eduardo Aute y Patxi Andión, además de algunas compuestas por ella misma.
Sin embargo, es con su siguiente disco, Amores, grabado en 1970, con el que se dará realmente a conocer y con el que obtendrá un gran éxito. En este disco, el primero que graba con la discográfica Hispavox, se revela como excelente compositora además de intérprete, arropada por Waldo de los Ríos y Rafael Trabucchelli. Es la época en la que triunfa la factoría de cantantes procedentes del llamado "sonido Torrelaguna". En él, además de la canción que da título al disco, se encuentran temas como "Un hombre marchó", "Mañana", "Cuando me acaricias" o "Vals de otoño", ya clásicos en la carrera de Mari Trini.
Su siguiente álbum, Escúchame, incluyendo canciones como "Yo no soy ésa" o "Yo confieso", conoce similar impacto que el anterior y confirma a Mari Trini como una de las cantautoras más importantes de habla hispana.
Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: Ventanas, ¿Quién?, Transparencias o Como el rocío son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continua grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones.
En la segunda mitad de la década de los setenta, Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento. Con sus discos Sólo para ti y A mi aire, la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.
PETER HINNEN
Pedro Hinnen (nacido el 19 de septiembre 1941 en Zurich) es un yodeler Suiza y cantante.
En la década de 1950, se inició como Yodelling Peterli Hinnen su carrera en el Zurich restaurante "Kindli", donde fue descubierto por los hermanos Schmid y alienta. A Schmid trío, se enteró de que el compositor Artur Beul saber quién escribió la canción para él, "Gol". Hinnen consiguió un contrato discográfico con Polydor y tuvo entre otras apariciones en las películas de éxito de lo normal como la de 1954 en una película con Cornelia Froboess amor Channel X con la canción Ro-Ro Ro-Ro-Robinson.
En la década de 1960 se trasladó a la Ariola y continuó su carrera continúa con éxito con canciones Wild West-pop con depósitos yodel. Él fue siempre, incluso más tarde en los EE.UU. y Japón, donde fue celebrado como un rey yodel, en el traje de vaquero y se tocaba la guitarra acústica.
En mayo de 1966 encabezó una gira bajo el título "Swiss Folklore Show" a través de Checoslovaquia. Estuvo acompañado por el Sauterelles, cada carrera la final de la serie. En 1992 recibió una entrada en el Libro Guinness de los Récords, que creó con 22 sonidos de cantos tiroleses en un segundo el récord mundial en yodel rápido. Estuvo acompañado por el Cuarteto Berner "RSGM".
A mediados del decenio de 1980 se retiró del mundo del espectáculo y se mudó a una granja cerca de Wattenwil en Suiza. Tanto sus dos matrimonios y sus actividades como jefe de un spa y una enfermera en una clínica de reposo, no trajo el éxito deseado personales. Sólo a veces da un paso a la gente en varios programas de música en la radio alemana y suiza. En 1991 compuso el Ku-Ku Jodel , que en 2008 se convirtió en la tercera parte de Oesch hay de nuevo.
lunes, 8 de noviembre de 2010
LOS DEL RIO
Los del Río es un dúo musical formado por Antonio Romero Monge y Rafael Ruiz Perdigones. Iniciaron su carrera musical en la década de los 60. Su mayor éxito llegó con "Macarena" entre los años 1995 y 1997, convirtiendose en el tercer sencillo y la primera canción en Español más vendido de la hístoria de la música a nivel mundial con más de 14 millones, según media traffic.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
RITMO RANCIO
Deseamos presentar a ustedes un grupo de la madre patria: RITMO RANCIO con su estilo; digo yo entre la protesta, la historia y el reconocimiento a la musica, a la vida y a la realidad; pero vean ustedes como la toman, los invito a escuchar sus interpretaciones:
jueves, 4 de noviembre de 2010
ADESTES FIDELES
«Adeste fideles» (en español «Venid fieles todos») es un himno usado en la bendición durante la Navidad en Francia, España, Portugal e Inglaterra desde fines del siglo XVIII. Se cantaba en la misión portuguesa en Londres en 1797, por lo que todavía hoy es llamado en muchos países «El himno portugués» (Portuguese Hymn). Vincent Novello, organista de ese lugar, atribuyó la versión musical más popular a John Reading, quien fue organista en la Catedral de Winchester de 1675 a 1781, y posteriormente en la Universidad de Winchester. El himno en sí mismo ha sido atribuido a San Buenaventura, pero no se encuentra entre sus obras. Invita a los fieles a acudir a Belén a adorar al Salvador recién nacido.
Es probable que su autor sea el rey Juan IV de Portugal. «El Rey Músico» nació en 1604, fue un mecenas de la música, las artes y un sofisticado autor; mientras reinó poseía una de las mayores bibliotecas del mundo. La primera parte de su obra musical se publicó en 1649. Hizo construir una escuela de música en Vila Viçosa (Portugal) que «exportaba» músicos a España e Italia y fue allí, en su palacio, que se encontraron dos manuscritos de esta obra. Esos escritos (1640) son anteriores a la versión de 1760 hecha por Francis Wade. Entre sus escritos están la Defesa da Música Moderna (Lisboa, 1649) año en que el rey Juan IV luchó contra el Vaticano para conseguir que se aprobara la música instrumental en las iglesias. Otra famosa composición suya es la Crux fidelis, un trabajo que sique siendo popular en los servicios eclesiásticos.
miércoles, 3 de noviembre de 2010
lunes, 1 de noviembre de 2010
ANDRES SEGOVIA
Andrés Segovia Torres, I Marqués de Salobreña, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 - Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto.
Conoció la guitarra desde niño, en la ciudad de Linares, donde nació. Más tarde, criado en Granada en casa de unos tíos acomodados, aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco convertido en barbero. Ya en su adolescencia, cuando quiso encontrar un mejor maestro no lo logró, por lo que durante sus estudios de música en el Instituto de Música de Granada tuvo que continuar su aprendizaje de este instrumento de forma autodidacta.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
ISAAC ALBENIZ
Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (Camprodón, España; 29 de mayo de 1860 – Cambo-les-Bains, Francia; 18 de mayo de 1909) fue un célebre compositor y pianista español.
A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años en vida a escribir temas para teatro —como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez— interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones —más de dos docenas— así como varios temas orquestales y de cámara.
Isaac Albéniz, nacido en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860 empezó su vida como un prodigio —debutó como concertista de piano, con gran éxito, a los cuatro años— y tras muchas giras arriesgadas que le llevaron tan lejos de casa como están las Américas (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del rey Alfonso XII de España, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso; además, empezó a componer y a dirigir. Enseguida empezó como director de una compañía ambulante de zarzuelas y escribió tres zarzuelas —que no se conservan actualmente—. En 1883 se estableció en Barcelona, donde estudió composición con Felipe Pedrell. Cada vez más, Albéniz incorporaba sus propias composiciones en sus recitales. En 1885 se trasladó a Madrid donde sus trabajos fueron publicados por los principales editores musicales de aquella época: Benito Zozaya y Antonio Romero.
Antonio Guerra y Alarcón en su 1886 monográfico «Isaac Albéniz: Notas crítico-biográficas de tan eminente pianista» revela que junto a docenas de trabajos para piano y las tres zarzuelas, Albéniz compuso varias canciones: cuatro romanzas para mezzosoprano en francés, tres romanzas en catalán y un Álbum Bécquer. No existen rastros de las Romanzas, pero el Álbum Bécquer lo más probable se refiriera a las Rimas de Bécquer, posteriormente publicadas por Zozaya en 1888 (esta biografía de Albéniz ha resultado ser la fuente de graves errores y equivocaciones en la vida del compositor ya que él mismo se encargó de "decorar" su vida lo suficiente como para ser admirada por otros. De estos errores cabe destacar que Albéniz nunca conoció (y mucho menos estudió) con Franz Liszt, que nunca fue polizón en barcos que zarpaban a América y que nunca recorrió Europa viajando como un bohemio errante: sendos viajes fueron cuidadosamente planeados por su padre, Ángel Albéniz. También en el mismo año Romero publicó las Seis Baladas. En 1889 se anunció la publicación por parte de Romero de otro grupo de canciones, Seis melodías con texto de Alfred de Musset. Sin embargo, excepto Chanson de Barberine de Albéniz, ninguna otra canción con letra de Musset ha llegado a nuestros días.
GONZALO SORIANO
Gonzalo Soriano (Alicante, 14 de marzo de 1913 - 14 de abril de 1972), fue uno de los mejores pianistas españoles del siglo XX.
Nació en Alicante y comenzó a estudiar música a muy temprana edad, para concentrarse posteriormente en la técnica pianística. Terminó sus estudios en el Real Conservatorio de Madrid en 1929, obteniendo el premio fin de carrera, para continuar su aprendizaje en piano y composición con Amzel en Lisboa. Protegido de Manuel de Falla, cuya obra interpretó en numerosas ocasiones, su talento comenzó a ser reconocido ya al poco tiempo de su debut artístico. De aquella época se recuerda su intervención (Alicante, 1933) en una “performance” artística con Ramón Gómez de la Serna, cuya compañía frecuentó durante un tiempo, tanto en la tertulia de Pombo como en la torre que aquél poseía en la calle Velázquez, en Madrid, donde se reunían artistas y literatos. La guerra civil española interrumpió su carrera y sólo fue tras el fin de la segunda guerra mundial cuando comenzó a obtener una merecida reputación en Europa como pianista, impresionando al público y a la crítica por su versatilidad, técnica y sensibilidad musical.
Empezó a dar conciertos en Europa en 1947 y realizó su primera gira en Estados Unidos en 1954, obteniendo un considerable éxito de crítica y público. De dicha gira surgió su primera grabación americana que contenía la Suite Española de Albéniz (Boston Records: B302). Con la misma compañía grabó las Variations Serieuses de Mendelssohn, Three Romances, Op. 27 de Schumann y la Sonata en La menor Op. 164 de Schubert, todas en un mismo LP (BR, B303).
En 1955 realizó su primera gira por el lejano oriente y en diciembre de 1959 visitó los países escandinavos, gira que incluyó un concierto ante el rey de Suecia, con ocasión de la entrega del Premio Nobel de Medicina al Dr. Severo Ochoa. Soriano grabó con los mejores intérpretes y directores. Entre otros, fue dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos en más de una ocasión, grabando con él las Noches en los Jardines de España y el Concierto en Re mayor para clave, ambos de Falla (Angel records, 36131). Otra grabación memorable de la primera obra fue realizada bajo la dirección de Ataúlfo Argenta (Alhambra, MCC 30008). Victoria de los Ángeles, la excepcional soprano, gran admiradora del talento de Soriano, solicitó su colaboración en repetidas ocasiones para conciertos o grabaciones. El diálogo entre la voz y el piano se mantenía perfectamente equilibrado cuando ambos artistas interpretaban conjuntamente obras de Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge o Joaquín Turina. (20th Century Spanish Songs, Angel (S) 35775). Fue Soriano uno de los pianistas que supieron apreciar el talento de Montsalvatge y admitir el reto que suponía interpretar algunas de sus piezas. El compositor escribió expresamente para él la Sonatine pour Yvette, dedicada a la hija del compositor y estrenada por Soriano en 1.962 en la Asociación de Conciertos de Reus(grabada por EMI/La Voz de su Amo, FALP 874). Otros grandes compositores como Mompou y Rodolfo Halffter escribieron también obras para Soriano.
El 14 de abril de 1972, la muerte sorprendió a Gonzalo Soriano en la cama de su domicilio de la calle Reina Victoria, en Madrid. Un infarto acabó de manera fulminante con su vida cuando aún estaba en proceso de producción su última grabación, las Doce Danzas de Granados (EMI-Odeón, J 063-10913), una obra por la que ya había obtenido el Grand Prix de l’Académie du Disque Française. Soriano dejó una larga colección de interpretaciones y grabaciones, entre ellas la obra completa de Falla para teclado (La voz de su Amo, 053-00731 y 063-01289). Fue sobrevivido por su madre Consuelo Simó y su compañero John Ross quien, tras su muerte, ingresó en una orden religiosa permaneciendo en un convento hasta su muerte.
VICTORIA DE LOS ANGELES
Victoria de los Ángeles, (Barcelona, 1 de noviembre de 1923 – 15 de enero de 2005). Soprano española.
Era hija de un bedel de la Universidad de Barcelona. Su nombre completo era Victoria de los Angeles López García. Victoria de los Ángeles siempre reconoció su origen humilde. Descubrió su vocación musical muy joven, y ganó diversos concursos de canto internacionales, en especial el festival de Ginebra.
Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se graduó en sólo tres años, en 1941 cuando contaba 18 años de edad. Ese mismo año realizó su presentación operística en el Gran Teatro del Liceu para proseguir luego con sus estudios.
En 1945 hizo su debut profesional con el papel de la Condesa en Las bodas de Fígaro, de Mozart. Después ganó el primer premio en el concurso internacional de Ginebra de 1947. En 1948, interpretó en Londres La vida breve, de Manuel de Falla, acompañada por la orquesta de la BBC.
En 1949 interpretó en la Ópera de París el papel de Marguerite en la ópera Fausto. En 1950 debutó en el Festival de Salzburgo y en la Royal Opera House; fue la Mimi de La Bohème en el Covent Garden londinense, teatro en el que siguió actuando de forma regular hasta 1961. También cantó en el Teatro Colón de Buenos Aires entre 1952 y 1979 y en la Scala de Milán entre 1950 y 1956.
Actuó por vez primera en los Estados Unidos en octubre de 1950 con un recital en el Carnegie Hall. En marzo del año siguiente, hizo lo mismo en el Metropolitan Opera de Nueva York y cantó regularmente con esa compañía hasta 1961. En sólo tres años y sólo siete después de su debut, ya había cantando en los teatros más importantes del mundo.
Fue la primera cantante española en actuar en el Festival de Bayreuth (1961 y 1962). Interpretó el papel de Elisabeth, de Tannhäuser, a las órdenes del nieto de Richard Wagner, que quedó tan impresionado con su actuación que volvió a invitarla al año siguiente.
Desde finales de los 60, Victoria de los Ángeles se dedicó principalmente a su carrera como concertista. Es muy destacable la atención y la especial sintonía que siempre dedicó al lied, en el que brilló con luz propia, para asombro de los alemanes. A pesar de ello, siguió realizando algunas apariciones en la ópera (Carmen y Pelléas et Mélisande): su despedida de la ópera fue en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 1980, precisamente con el papel de Mélisande. Dio su último recital en 1996, a los 72 años.
Preciosa voz de soprano lírica (o lírica spinto, como ella misma se consideraba), poseedora de un timbre inconfundible, supeditó siempre el lucimiento personal a las exigencias y el espíritu de la partitura. Los críticos coinciden en afirmar que la voz de Victoria es una de las más exquisitas y delicadas que haya dado el siglo XX. Sin poseer la belleza tímbrica de Tebaldi ni la fuerza dramática de Callas, era un compendio de una y otra. Siempre se señaló que sus agudos eran algo tirantes y metálicos, algo que tenía como contraprestación la posibilidad de cantar papeles de mezzosoprano, como Carmen o la Rosina de (El Barbero de Sevilla). Fue sin duda una de las más grandes artistas que ha dado la ópera.
CONCHITA PIQUER
Concepción Piquer López (Valencia, 8 de diciembre de 1908 - Madrid, 12 de diciembre de 1990), conocida artísticamente como Concha Piquer, fue una cantante y actriz valenciana y una de las figuras más relevantes de la copla. Interpretó varias composiciones clave de la canción española, casi todas ellas obra de Valverde, Quintero, León y Quiroga, como "Ojos verdes", "Tatuaje", "Y sin embargo, te quiero", "Suspiros de España", y otras muchas.
PASCUAL MARQUINA NARRO
Nació en una familia de músicos. Su padre, Santiago Marquina Redrado, era director de diversas orquestas, entre otras la Banda Musical de la Unión Bilbilitana, la Banda de Música de Tobé y la Banda de Música de Torrella. Las primeras lecciones de música las recibe de su padre, pero a partir de los siete años pasa a formar parte del Coro de Infantes de la Basílica del Santo Sepulcro, bajo la dirección de Ildefonso Pardos. A los nueve años toca la flauta travesera con la Banda Musical de la Unión Bilbilitana. A los quince escribe su primera composición, una obra para tenor y órgano, titulada Osarum. Se convierte en director de la Banda de Música de Daroca a los 17 años.
Dos años más tarde, hace el servicio militar en la Banda del Regimiento Luchana en Barcelona. A la vez estudia en el Conservatorio Superior Municipal de Música Barcelona composición y armonía, bajo la supervisión de José María Varela Silvari (1848-1926), Martínez Sorolla y Bonet, entre otros. En 1901 se convierte en director de la Banda de Música del Regimiento de Cazadores de Llerena y más tarde, en 1916, de la Banda de Música del Segundo Regimiento de Ingenieros de Zapadores de Madrid, con la que dio muchos conciertos tanto en España como en el extranjero.
En 1904 comienza a componer obras tonales para impresionar al público de Madrid. En 1914 se convierte en director del Teatro de la Zarzuela. Fue durante 18 años director artístico de la compañía discográfica La Voz de su Amo.
Se le entregó la Cruz de la Orden de Victoria del Reino Unido por una composición en la que reunía el himno español, la Marcha Real, y la canción popular God save the Queen, con ocasión de la boda de Alfonso XIII de España con Victoria Eugenia de Battenberg. También fue honrado con la Placa y Cruz de San Hermenegildo, la Cruz del Mérito Militar y la Cruz del Rif.
También es el compositor del «Rey del Pasodoble», el mundialmente famoso España cañí, que originalmente llevaba el nombre de El patronista Cañí, dedicado al patronista almanseño José López de la Osa. La obra fue estrenada en Almansa (localidad en la que residía José López) en la calle Aniceto Coloma en la puerta de su vivienda, interpretada por la Banda de Ingenieros de Madrid. La compuso en un viaje en tren a Madrid, inspirado en el traqueteo del tren.
Hay calles dedicadas a Pascual Marquina en las ciudades de Cartagena, Calatayud, Zaragoza, Oviedo y Montilla.
jueves, 28 de octubre de 2010
CARLOS CANO
José Carlos Cano Fernández (Granada, 28 de enero de 1946 - 19 de diciembre de 2000), conocido artísticamente como Carlos Cano, fue un cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales andaluces relativamente olvidados como el trovo popular, y muy especialmente la copla andaluza, la que recuperó para contemporáneizarla librándola de su apropiación por el franquismo.
Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Cano un personaje destacado dentro del panorama musical español. Entre sus temas más conocidos caben destacar Verde, blanca y verde, María la Portuguesa, La murga de los currelantes, Tango de las madres locas, Que desespero, Habaneras de Cádiz, Un vaso de té verde o La metamorfosis.
HOMENAJE DE RITMO RANCIO A CARLOS CANO
Declama Elena Martín Vivaldi, poetisa granadina en su libro, Materia de esperanza
“Hay voces en la tierra
Recorriendo esperanzas.”
Por una extraña magia esas voces comunican de corazón a corazón, y hay cantores que son capaces de pulsar fibras emocionales dentro de nosotros por el poder de su sentimiento hecho música.
El sonido hondo y oscuro de Carlos Cano nos ha abierto zonas cálidas tan próximas al estremecimiento, que se fue convirtiendo poco a poco en una presencia familiar y única. Despojó a la canción española de tantos atavismos pero mantuvo ese especial modo de contar sus historias, con una emoción que tendemos a asociar con la Andalucía mítica.
Todo es posible en Granada, en Andalucía, rezan los eslóganes al uso, y esto es verdad porque son lugares construidos de sueños. Por eso, los que mejor la cantaron fueron músicos que no la conocían (Debussy, Lara…). Pero algo hay allí que forma parte de ti y que encuentras en las canciones de Carlos.Cano. Es un camino que recorre lo sublime con la humildad de alguien del pueblo, que canta experiencias sencillas y las hace universales. Que encuentra la belleza escondida en los gestos cotidianos: el adiós de un pañuelo, una muchacha se asoma a un balcón, un beso…García Lorca, Camarón, León y Quiroga transitaron también por ese camino, cada cual abriendo su surco y a su paso.
Cuando Carlos Cano calló, su silencio dolía porque sin él podíamos olvidar esos territorios que presentimos a la luz de su pasión.
Los cantores son heraldos de la vida
Su silencio despoja a la vida de sus colores más brillantes
Cuando alguien se va se lleva con él parte de nosotros
Cuando un hombre muere, mueren todos los hombres.
Luis López Sánchez
Ritmo Rancio, para aliviar ese silencio y a modo de humilde homenaje, les invita a escuchar la canción: “Habanera para Carlos Cano”
Caen tristes silencios sobre la nieve
de tu despedida en la estación
donde parten los trenes que nunca vuelven
donde quedó callada tu honda voz.
Va contigo el recuerdo de tanta gente
que sentía contigo cada canción
y rompen el vacío que siempre dejan
los hombres tan cabales al decir adiós.
Y lloran desde Cádiz hasta la Habana
los barcos que traen y llevan tu corazón,
que se mueven, con el vaivén, de las habaneras,
que llevan, siempre tu nombre, junto al timón.
Se quiebra un pasodoble con voz de hombre,
En el río de tu pecho un disparo sonó,
Y callan todas sus murgas los currelantes,
mientras frente al Veleta se pone el sol.
Ay, llega el silencio
Ay, del corazón,
Y nos queda el eco,
Que no se apaga, de tu canción
Segunda parte: Cortesia de Ritmo Rancio
martes, 26 de octubre de 2010
RAFAELLA CARRA
Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión.
Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
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