miércoles, 14 de abril de 2010
BANDA CHICAGO
Chicago es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa de lo que se dio en llamar Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó "Chicago Transit Authority", nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad. El grupo aún permanece en activo en 2010.
Su época de oro musicalmente hablando, pareció claramente concluida con el disco Chicago V (1972) que, aún cuando contenía algunos buenos temas (Dialogue, A hit by Varese...) y algún hit remarcable (Saturday in the park), carecía ya del nivel creativo de los tres primeros. Sin embargo, fue el primero de sus discos en alcanzar el nº1 en EEUU, y el comienzo de una racha que duró hasta el undécimo disco. Ese mismo año, se publicó otro álbum en directo, Live in Japan (1972).
Los siguientes años vieron cómo el grupo sacaba nuevos discos a un ritmo elevado (6 discos en 5 años). El grupo se había reforzado con un percusionista, Laudir de Oliveira, que ya había colaborado con ellos en algunas giras, y la producción seguía en manos de Guercio, pero su música fue perdiendo fuelle creativo, lo que no obstó para que mantuvieran un considerable éxito comercial, especialmente con su álbum Chicago X (1976), que contenía su más conocido hit: If you leave me now, una hermosa balada, cantada por Cetera, que fue un éxito a nivel mundial y motivó una nueva gira por Europa.
BOB DYLAN
Bob Dylan (n. Duluth, Minnesota, Estados Unidos; 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico, cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX.
Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, en la cual se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Algunas de sus canciones, como "Blowin' in the Wind" y "The Times They Are a-Changin'", se convirtieron en himnos antibélicos, especialmente contrarios a la Guerra de Vietnam, y de los movimientos civiles de la época. Uno de los últimos álbumes de estudio de Dylan, Modern Times, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone.
Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos y delataban una fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and roll y el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.
A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música,[6] y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. El 13 de junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en 2008 recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su "profundo impacto en la música popular y en la cultura americana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético
NEIL SEDAKA
Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásica mientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.
Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre.
ISABEL PANTOJA
María Isabel Pantoja Martín (n. Sevilla, España, 2 de agosto de 1956) es una cantante española, destacada en el género musical de la copla. Isabel comenzó su carrera musical a la temprana edad de 6 años en el cuadro flamenco de su primo Chiquetete. Con siete años, actuó en el Teatro San Fernando, en un homenaje a Juanito Valderrama, siendo premiada por ello con dos grandes globos de gas, y siendo allí donde empezaron a despuntar las facultades vocales e interpretativas que poseía. De niña recibía el nombre de Maribel, aunque su família y amigos íntimos siguen llamándola así. Un año después de comenzar a bailar con Chiquetete se tropezó con un pedrusco mayúsculo y fue contratada en el tablao flamenco sevillano de El embrujo donde llegaría tarde la primera noche y como recompensa llegó a ser la primera figura.
Con 17 años acude a Madrid y conoce al que con el tiempo sería su gran maestro y uno de los máximos exponentes de la copla española: el Maestro Solano, quien junto al poeta y letrista Rafael de León compone sus primeros trabajos discográficos. León y Solano encontraron en ella a la heredera de figuras como Imperio Argentina, Juanita Reina o Concha Piquer y decidieron apostar por unas facultades que se encargaron de pulir hasta convertirla en una primera figura. Sus discos más representativos en esta primera etapa son 22 abriles tengo, Al alimón y uno compuesto íntegramente por sevillanas titulado ¡Viva Triana! en el que demuestra su versatilidad en el género.
LOS BRAVOS
Los Bravos son un grupo español de música rock de los años 60. Se trata de uno de los pocos grupos de rock de este país que han tenido repercusión internacional, gracias sobre todo a su gran éxito "Black Is Black" (1966).
La buena pronunciación en lengua inglesa del carismático cantante, el alemán Michael Volker Kogel (desde su separación de Los Bravos en 1969 conocido como Mike Kennedy), fue una de las principales bazas con las que contó el grupo a la hora de "exportar" sus canciones, así como la presencia escénica y la poderosa voz de éste, que al público norteamericano le recordaba a la de Gene Pitney, otra estrella pop del momento.
CHRISTOPHER YOUNG
Christopher Young nació en Redbank, New Jersey. Se gradúo en el colegio Hampshire en Massachussets como Bachiller de artes (música), y posteriormente hizo un postgrado en la Universidad de North Texas. En 1980 se mudó a Los Ángeles. En un principio, era trompetista de jazz, pero al escuchar por primera vez los trabajos de Bernard Herrmann se decidió a convertirse en compositor fílmico.
CHARLIE PATTON
Charlie Patton fue uno de los primeros artistas conocidos del género musical delta blues; nació en Hinds County, Misisipi, pasando la mayor parte de su vida en Sunflower County, localidad situada en el Delta del Misisipi. Nació en 1891, aunque hay dudas acerca de este dato. En 1900, su familia se trasladó al norte de la legendaria plantación de algodón de Dockery Plantation, lugar en el que también habitaron músicos como John Lee Hooker, Howlin' Wolf y Robert Johnson.
En Dockery, Charlie conoció a Henry Sloan, el cual interpretaba música con un estilo diferente al habitual en aquel periodo, estilo que podría reconocerse hoy en día como blues temprano. Charlie pasó un tiempo con Henry Sloan hasta convertirse en compositor e intérprete de blues, a los 19 años, con su primera composición "Pony Blues".
Fue muy popular a lo largo de todo el territorio de Estados Unidos recibiendo invitaciones para interpretar música en plantaciones y tabernas; en dichas interpretaciones, solía mezclar elementos de espectáculo, tocando con la guitarra en sus rodillas y detrás del cuello, al igual que harían, años más tarde, artistas como Jimi Hendrix. A pesar de la baja estatura de Patton, se rumoreaba que el sonido de su voz (dañada por el whisky y el tabaco) podía escucharse a cientos de metros de distancia sin ningún tipo de amplificación; precisamente, su voz profunda y grave influenció la forma de cantar de uno de sus alumnos, Howlin' Wolf. Otro protegido suyo, también muy influenciado por su estilo, fue un joven Big Joe Williams, al que apodó Poor Joe.
En 1933, Patton se trasladó con su espósa y su socio musical Bertha Lee a Holly Ridge, Misisipi. Falleció el 28 de abril de 1934, debido a una cardiopatía, en la plantación Heathman-Dedham, cercana a Indianola, Misisipi, siendo enterrado en Holly Ridge.
Existe, así mismo, un debate acerca de cual era la raza de Charlie Patton: a pesar de que era afroamericano, como todos los artistas de blues de aquel periodo, debido a su complexión delgada se ha rumoreado que podría haber sido, entre otras teorías, mexicano o cheroqui.
BLIND LEMON JEFFERSON
"Blind" Lemon Jefferson (Couchman, Texas, septiembre de 1893 – Chicago, diciembre de 1929) fue un influyente cantante y guitarrista de blues rural, uno de los más populares durante los años 20. Su canción más conocida es "The Black Snake Moan".
A pesar de su éxito comercial, Jefferson era un artista único en su categoría. Su estilo musical era muy intenso e individualista, guardando pocas semejanzas con el típico blues de Texas de los años 30. Su canto y acompañamiento a la guitarra dan la impresión de fluir independientemente y de forma improvisada. Su irregular estilo vocal y sus ritmos derivados de los cantos de trabajo creaban una tensión entre la voz y la guitarra altamente imprevisible. No fue tan influyente en cantantes de blues más jóvenes como otros artistas del mismo éxito comercial, quienes sí fueron largamente imitados.
Nacido ciego (de ahí su apelativo de blind), sus primeras actuaciones profesionales tuvieron lugar en Wortham, Texas, hacia 1911-1912. Se trasladó en 1917 a Dallas donde se hizo popular en ambientes problemáticos y conoció a Huddie Leadbetter. Recorrió los estados de Mississippi y Alabama, donde se le recordó cantando en diversas poblaciones. En 1926 empezó a grabar en Chicago, a donde se había trasladado un año antes. Su último disco lo grabó en 1929.
GRAM PARSONS
Gram Parsons (de nombre real Ingram Cecil Connor III, 5 de noviembre de 1946 - 19 de septiembre de 1973) fue un cantante, guitarrista y pianista estadounidense, miembro de las bandas International Submarine Band, The Byrds y The Flying Burrito Brothers. Más tarde comenzó una carrera en solitario y realizó duetos con Emmylou Harris
Parsons falleció de una sobredosis de droga a los 26 años en una habitación de hotel en Joshua Tree, California. Desde su muerte, se ha atribuido a su influencia el nacimiento del country rock de los 70 y el movimiento de country alternativo de comienzos de los 90. En 2004, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 87 en la lista de los 100 más grandes artistas de todos los tiempos.
WARREN ZEVON
Warren William Zevon, cantautor estadounidense de ascendencia judía, nacido en Chicago, Illinois el 24 de enero de 1947 y fallecido en Los Ángeles, California el 7 de septiembre de 2003 debido a un mesotelioma. Su particular punto de vista sobre la vida le hizo dar a sus canciones un tono oscuro y sórdido que a menudo complementaba con la ironía que siempre le caracterizó.
Tuvo una vida llena de altibajos, con constantes problemas en su vida personal (divorcios, alcoholismo, intentos de suicidio...) que se complementaban con un gran reconocimiento entre sus compañeros de profesión entre los que destacaban Bob Dylan, Jackson Browne, Neil Young o R.E.M.
Probablemente, su tema más conocido para el gran público sea "Werewolves of London" de su disco "Excitable Boy"; canción que cantaba Tom Cruise en la película "El color del dinero" de Martin Scorsese, aunque también ha sido versionada por gente como The Flamin' Grooves. Más allá de eso compuso excelentes temas como "Splendid Isolation", "Mohamed's Radio" o "Carmelita" que ha sido versionada por grandes como Bruce Springsteen o Counting Crows.
A nivel de discos, su LP más reconocido es Sentimental Hygiene donde estuvo rodeado de todo un elenco de colaboradores de primer nivel donde destacaban Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry de R.E.M., Bob Dylan, Neil Young, Mike Campbell del grupo de Tom Petty, Flea de Red Hot Chilli Peppers, o Don Henley de The Eagles entre otros. A pesar de esto, su discografía ha pasado a estar prácticamente descatalogada y tan sólo pueden conseguirse sus discos originales a través de tiendas especializadas o tiendas online.
En 2002 se le diagnosticó un cáncer de pulmón con unas esperanzas de vida de tan sólo tres meses. Finalmente pudo combatir a la enfermedad durante un año, tiempo que le permitió grabar un último disco, The Wind, que se publicó una semana antes de su muerte, donde colaboró Billy Bob Thornton con una versión de la conocida canción de Bob Dylan Knockin' on Heaven's Door y en la que Zevon hacía unos escalofriantes coros "Open up, open up fo me".
DIMITRI TIOMKIN Y OTRAS ORQUESTAS
Dimitri Tiomkin (Kremenchuk, Ucrania, 10 de mayo de 1894 - Londres, Gran Bretaña, 11 de noviembre de 1979), fue un compositor estadounidense de origen ruso.
Nació en Ucrania bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo, donde estudió, entre otros, armonía y contrapunto, con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crack del 29 a Hollywood.
Si su nombre no resultara conocido, su música y canciones son más conocidas, principalmente en High noon, la canción de Sólo ante el peligro o O.K. Corral de Duelo de titanes. Durante los años de la Segunda guerra mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto.
En uno de los Óscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach,... Fue nominado en 15 ocasiones al Óscar, ganándolo 3 veces por Sólo ante el peligro (1952), Escrito en el Cielo (1954) y El viejo y el mar (1958).
Nació en Ucrania bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo, donde estudió, entre otros, armonía y contrapunto, con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crack del 29 a Hollywood.
Si su nombre no resultara conocido, su música y canciones son más conocidas, principalmente en High noon, la canción de Sólo ante el peligro o O.K. Corral de Duelo de titanes. Durante los años de la Segunda guerra mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto.
En uno de los Óscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach,... Fue nominado en 15 ocasiones al Óscar, ganándolo 3 veces por Sólo ante el peligro (1952), Escrito en el Cielo (1954) y El viejo y el mar (1958).
BERNARD HERRMANN
Bernard Herrmann (New York, 29 de junio de 1911 - Hollywood, 24 de diciembre de 1975), fue un compositor estadounidense de música de cine.
Su debut lo hizo gracias a Orson Welles con Ciudadano Kane y su colaboración más conocida y continua fue con Alfred Hitchcock.
Estuvo nominado al Oscar en 5 ocasiones, ganándolo únicamente por El hombre que vendió su alma (1941). Como anécdota se puede contar que Herrmann, siendo niño, tomaba clases de violín y en una de sus clases le dijo a su profesor que quería tocar algo estrambótico y tenebroso, a lo que el docente se negó; momento seguido Herrmann procedió a destrozar el violín contra la cabeza del profesor.
martes, 13 de abril de 2010
JOHN DEBNEY
John Debney (Glendale, California, 18 de agosto de 1956) es un compositor y director de orquesta estadounidense, nominado al Oscar por la banda sonora de La Pasión de Cristo y autor también de la banda sonora de La isla de las cabezas cortadas, que obtuvo fantásticas críticas. Debney suele combinar su formación clásica con su gran conocimiento de los sonidos contemporáneos para adaptarse a cualquier tipo de composición.
Nació el 18 de agosto de 1956. Su padre fue el productor de los Estudios Disney Louis Debney. Nació y pasó su infancia en Glendale, California, donde comenzó a tocar la guitarra con seis años, llegando a formar algunos grupos musicales en el instituto. Estudió composición en el Instituto de Las Artes de California en 1979. Entonces empezó a trabajar componiendo para televisión de la mano del legendario Mike Post. También trabajó con el compositor de Hanna-Barbera Hoyt Curtin. Tras esto, Debney estuvo envuelto en proyectos de música para televión tan diversos como Star Trek: la nueva generación, Un cachorro llamado Scooby-Doo y seaQuest DSV, serie por la cual ganó un Emmy a la mejor composición de título principal. En los primeros años de la década de los 90, Debney empezóa componer música para atracciones de Disneyland. En 1991, Debney compuso la música para la Mansión Embrujada (Phantom Manor) de Disneyland Paris. En 1993, grabó su primera obra para la gran pantalla, la comedia de Disney Hocus Pocus (El retorno de las brujas en España, Abracadabra en Hispanoamérica), con Bette Midler como protagonista.
Desde entonces, Debney ha continuado componiendo para cine, llegando a tener una carrera muy prolífica en la cual ha trabajado en diversas películas de éxito, de géneros tan dispares como La isla de las cabezas cortadas, La Pasión de Cristo, Como Dios, Elf, Sin City, I Know What You Did Last Summer, Chicken Little, Liar Liar, Spy Kids, The Emperor's New Groove, El Rey Escorpión y The Princess Diaries. Estos trabajos le han dado fama de compositor versátil, pues en ellos incorpora estilos y técnicas diversas, yendo de instrumentos antiguos y exóticos a otras composiciones más vanguardistas.
CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG
Crosby, Stills & Nash (and Young) (comúnmente conocida como CSN o CSNY) es una banda de rock and roll y Folk Rock fundada en 1968. Algunos, sobre todo en Estados Unidos, la comparaban en popularidad a los Beatles. En su origen, el grupo se formó por la incorporación de Graham Nash, procedente del grupo The Hollies (Inglaterra), más David Crosby, miembro fundador de The Byrds y Stephen Stills antiguo componente de Buffalo Springfield; más tarde se incorporó Neil Young, también procedente del mismo grupo. Alcanzan la cumbre de su carrera como cuarteto con su álbum "Deja vú", de 1970. Es también muy recordada su espectacular participación en el festival de Woodstock, junto a The Who y Jimi Hendrix, en 1969.
Inventores de un estilo musical basado en una perfecta sincronización vocal, y estilizados, armónicos y contundentes acordes y melodías con guitarras acústicas. Algunas de sus canciones más importantes son "Suite: Judy blue eyes", "Our house", "Teach your children" y "Deja vú". Sus influencias abarcaron desde la mítica agrupación de rock progresivo, Yes, hasta grupos Folk Rock como Simon & Garfunkel.
BONNY TYLER
Gaynor Hopkins (nacida el 8 de junio de 1951, Sweken, Neath, Gales), más conocida por su seudónimo artístico Bonnie Tyler, es una cantante galesa de música pop y rock. Dueña de una voz muy característica, como ronca o cascada, se la puede considerar equivalente femenino de Rod Stewart y es mayormente famosa por los éxitos It's a Heartache y Total Eclipse of the Heart.
En 1975, Bonnie Tyler grabó su primer sencillo para RCA Records, llamado My My Honeycomb, que no consiguió entrar en las listas de ventas. Su segundo sencillo, Lost In France, que mostró el potencial de su voz, la elevó al top 10 de las listas de música pop británicas, tras lo cual fue lanzado en Europa, donde se convertiría en un éxito aún mayor. A lo largo de las décadas siguientes, la canción se ha convertido en una de las favoritas de sus fans.
Su éxito con Lost In France llevó a Tyler a grabar su primer álbum en 1977. Titulado The World Starts Tonight, sólo obtuvo un éxito moderado, pero fue lo suficiente para permitirle hacer un tour por Europa. Antes del lanzamiento de este álbum, Tyler se sometió a cirugía para eliminar los nódulos de sus cuerdas vocales. El doctor le ordenó que no hablase; sin embargo, lo hizo, con el resultado de que su voz adoptó una cualidad rasgada que al principio le hizo creer que su carrera como cantante estaba acabada. Mientras se recuperaba, su siguiente sencillo, donde usaba toda la fuerza de su voz ronca, la convirtió en una estrella internacional. La canción It's A Heartache, de su segundo álbum Natural Force, alcanzó el top 5 en Gran Bretaña, Europa y los Estados Unidos, llevándola a su primer tour por Estados Unidos de América.
Las grabaciones posteriores a este éxito tuvieron sólo una aceptación moderada, pero las cosas cambiarían cuando firmó un contrato con CBS Records en 1982. Su álbum, Faster Than the Speed of Night, fue un número uno en ventas internacional y el single Total Eclipse of the Heart, escrito por Jim Steinman, alcanzó el primer puesto en las listas de todo el mundo, permaneciendo en esa posición durante varias semanas. El álbum (de ventas multimillonarias) supuso un huracán en el mundo de la música, debutando como número 1 en las listas británicas y se convertiría en un álbum considerado por los melómanos del rock como una obra maestra operística con atronadores cánones Tchaikovskianos. Este álbum consiguió una nominación en 1983 para los Grammy como Mejor Vocalista Femenina de Pop, y la canción Total Eclipse of the Heart obtuvo otra nominación para ella como Mejor Vocalista Femenina de Rock.
KORTATU
«Sarri, Sarri» es una canción en euskera del grupo Kortatu, quizá la más célebre de éstos. La letra es de Lurdes y Josu Landa sobre la música de «Chatty Chatty», del grupo jamaicano Toots and the Maytals, compuesta por Frederick "Toots" Hibbert. En la canción colaboró Ruper Ordorika.
La letra fue escrita en 1985 a raíz de la fuga de la prisión de Martutene (Guipúzcoa), el 7 de julio de ese año, de dos presos condenados por su pertenencia a ETA, escondidos en sendos altavoces tras un concierto del cantante Imanol Larzabal. Se trataba de Iñaki Pikabea, Piti, y de Joseba Sarrionandia, Sarri, este último escritor de renombre en el campo de la literatura vasca cuyo apodo da título a la canción.
La letra de la canción fue esgrimida casi veinte años más tarde por la Asociación de Víctimas del Terrorismo para promover un boicot a Fermin Muguruza, cantante que en otro tiempo fuera miembro del trío Kortatu. La AVT terminó denunciando a Fermin por tocar en varios conciertos la canción.
La letra fue escrita en 1985 a raíz de la fuga de la prisión de Martutene (Guipúzcoa), el 7 de julio de ese año, de dos presos condenados por su pertenencia a ETA, escondidos en sendos altavoces tras un concierto del cantante Imanol Larzabal. Se trataba de Iñaki Pikabea, Piti, y de Joseba Sarrionandia, Sarri, este último escritor de renombre en el campo de la literatura vasca cuyo apodo da título a la canción.
La letra de la canción fue esgrimida casi veinte años más tarde por la Asociación de Víctimas del Terrorismo para promover un boicot a Fermin Muguruza, cantante que en otro tiempo fuera miembro del trío Kortatu. La AVT terminó denunciando a Fermin por tocar en varios conciertos la canción.
ALFRED NEWMAN
Alfred Newman (New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 17 de marzo de 1901 - Los Ángeles, California, Estados Unidos, 17 de febrero de 1970), compositor estadounidense de música de cine, uno de los más importantes de la historia de este arte, además de ser el autor de la característica sintonía de la 20th Century Fox.
Recibió durante su carrera 45 nominaciones a los premios de la academia (un record que comparte con el también compositor John Williams) ganando el premio en 9 oportunidades; en 1940 fue nominado por 4 filmes al mismo premio. Su colaboración tanto con John Ford como con otros directores fue muy fructífera.
Fue el mayor de diez hijos, Newman nació en New Haven, Connecticut. Comenzó a estudiar el piano a la edad de cinco años. Fue capaz de complementar el ingreso de su familia tocando en teatros y restaurantes.Su familia está plagada de compositores para el cine; es padre de los compositores David y Thomas Newman, tío de Randy Newman y hermano de los también compositores Lionel y Emil Newman.
BRUNO WALTER
Bruno Walter (3 de diciembre de 1876 - 17 de febrero de 1962) Famoso director de orquesta y compositor alemán considerado pionero en la difusión de la obra de Gustav Mahler. Nació en Berlín, pero residió en varios países entre 1933 y 1939, emigrando finalmente a los Estados Unidos. Su nombre original era Bruno Schlesinger, comenzó a usar Walter como apellido en 1896. El nombre de familia Schlesinger fue remplazado oficialmente en 1911, cuando tomó ciudadanía austríaca.
En 1896 Walter tomó un puesto en la casa de ópera deBreslau gracias a Mahler. Aquí fue donde Walter comenzó a dejar su apellido “Schlesinger”, a petición de Mahler. En 1897, trabajó en la opera en Pressburg y en 1898 en Riga. Volvió en 1900 a Berlín, donde asumió como conductor en la casa de ópera real, teniendo gran éxito; sus colegas allí incluyeron a Richard Strauss y Otto Klemperer. Condujo la premiere de Der arme Heinrich de Hans Pfitzner, un compositor que fue su amigo de por vida.
En 1901 por invitación de Mahler es aceptado como ayudante en la ópera de la corte en Viena. Walter condujo a Aida de Verdi en su principio. Lo invitaron a dirigir a través de Europa, Praga, Londres (Tristan und Isolde y Ethel Smyth en el Covent Garden) y en Roma.
Meses después de la muerte de Mahler en 1911, Walter condujo el estreno de Das Lied von der Erde en Múnich, así como la novena sinfonía en Viena el año próximo. Aunque Walter se hizo ciudadano austríaco en 1911, será director de música en Múnich en 1913. En enero del año próximo Walter condujo su primer concierto en Moscú. Durante la Primera Guerra Mundial, condujo activamente y estrenó El anillo de Polykrates, Violanta de Erich Wolfgang Korngold así como Palestrina de Pfitzner.
MERLE TRAVIS
Nacido en Rosewood, Kentucky, se crió en el Condado Muhlenberg, en el mismo estado, un condado minero que inspiraría muchas de las canciones originales de Travis. Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano.
El estilo interpretativo de Merle se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking, entre cuyos seguidores estaba el guitarrista de country blues Arnold Shultz. Shultz enseñó su estilo a varios músicos locales, incluyendo a Kennedy Jones, quienes lo transmitieron a otros guitarristas, destacando Mose Rager y Ike Everly, padre de los The Everly Brothers. La técnica cautivó a muchos músicos de la región, y fue inspiración para el joven Travis.
A los 18 años Travis interpretó "Tiger Rag" en un programa aficionado de una emisora local en Evansville, Indiana, lo que le valió ofertas de trabajo en bandas locales. En 1937 fue contratado por el violinista Clayton McMichen para tocar la guitarra en su grupo, Georgia Wildcats. Posteriormente se unió a los Drifting Pioneers, un cuarteto de gospel del área de Chicago, que trabajó en la emisora WLW de Cincinnati, la mayor de música country al norte de Nashville. El estilo de Travis sorprendió a todo el mundo en la WLW, y se convirtió en un miembro famoso de su programa de baile campesino "Boone County Jamboree". En sus interpretaciones para la emisora trabajó a menudo con Grandpa Jones, los Delmore Brothers, Hank Penny y Joe Maphis, todos los cuales llegaron a hacer una gran amistad con él.
En 1943 él y Grandpa Jones grabaron para Syd Nathan, que había fundado un nuevo sello, King Records. Debido a que WLW impedía que sus músicos grabaran, Travis y Jones usaron el seudónimo "The Sheppard Brothers." Su grabación de "You'll be Lonesome Too" fue la primera en lanzarse por King Records.
Cuando los Drifting Pioneers abandonaron WLW, quedó un espacio de media hora que era necesario cubrir, y Merle, Grandpa Jones y los Delmore Brothers formaron un grupo de gospel llamado The Brown's Ferry Four. Interpretando un repertorio de canciones tradicionales gospel blancas y negras, se convirtieron en uno de los grupos gospel más famosos, grabando casi cuatro docenas de caras para el sello King entre 1946 y 1952. The Brown's Ferry Four fue llamado "posiblemente el mejor grupo gospel blanco de siempre".
En este período Travis actuó en varios soundies, una primitiva forma de video musical ideada para utilizar en las máquinas de discos (jukebox). Su primer soundie fue "Night Train to Memphis" con la banda Jimmy Wakely and his Oklahoma Cowboys and Girls, incluyendo a Johnny Bond, Wesley Tuttle y Mary Ford. Varios años más tarde grabó un grupo de Snader Transcriptions, videos musicales de corta duración pensados para completar la programación en cadenas televisivas locales. En ellos se incluyen duetos con Judy Hayden, su esposa en aquella época, así como varias canciones de su álbum de 1947 Folk Songs from the Hills.
ELLIOT CARTER
Elliott Cook Carter, Jr. (11 de diciembre de 1908) es un compositor estadounidense de música culta. Carter nació en Nueva York. Fue animado cuando era un joven músico por Charles Ives y estudió inglés y música en la Universidad de Harvard y en la Longy School of Music, donde entre sus profesores estaban Walter Piston y Gustav Holst y donde cantó con el Harvard Glee Club. Entonces viajó a París para estudiar con Nadia Boulanger, retornando a EE.UU en 1935 donde dirigió el Ballet Caravan. Entre 1939 y 1941 enseñó física, matemática y griego clásico, además de música, en el St. John's College en Annapolis, Maryland.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Carter trabajó en la Oficina de Información de Guerra. Posteriormente tomó puestos de enseñanza en el Conservatorio de Peabody (1946-48), la Universidad de Columbia, el Queens College, New York (1955-56), la Universidad de Yale (1960-62), la Universidad Cornell (desde 1967) y la Juilliard School (desde 1972). En 1967 fue nombrado miembro de la Academia Angloamericana de las Artes y las Letras.
lunes, 12 de abril de 2010
SINEAD O`CONNOR
Sinéad Marie Bernadette O'Connor nació en Dublín y su nombre proviene de Sinéad de Valera, esposa del presidente irlandés Éamon de Valera y madre del doctor que ayudó en el nacimiento de Sinéad, y de santa Bernadette Soubirous. Sus padres, Jack O'Connor y Marie O'Connor, se casaron a muy temprana edad y tuvieron grandes problemas matrimoniales. Ella fue la tercera de 5 hijos y fue testigo de inestabilidades en el matrimonio que más tarde se reflejaron en una personalidad rebelde a los dogmas y convenciones. Sinead tenía ocho años cuando sus padres se divorciaron.
Los tres hijos mayores fueron a vivir con su madre, donde los O'Connor fueron objeto de frecuentes abusos físicos. Su canción "Fire on Babylon" es acerca de los efectos de su propio abuso. En 1979, Sinéad dejó a su madre y se fue a vivir con su padre y su nueva esposa. Sin embargo, su mal comportamiento escolar llevó a que fuera internada en una escuela-reformatorio a los 15 años, el Centro de Capacitación de Grianan, dirigido por las Hermanas de Nuestra Señora de la Caridad. De alguna manera, evolucionó allí, sobre todo en la escritura y la música.
Una de las voluntarias del Centro de Capacitación de Grianan era la hermana de Paul Byrne, baterísta de la banda In Tua Nua, quien escuchó a Sinead cantando "Evergreen" de Barbra Streisand. Grabó una canción con ellos llamada "Take My Hand", pero alegaron que era demasiado joven para unirse a la banda, tenía 15 años.
En 1983, su padre la envió a Newtown School, una exclusiva escuela en Waterford, una institución con una atmósfera mucho más permisiva que Grianan. Con la ayuda y el aliento de su profesor de lengua irlandesa, Joseph Falvy, grabó un demo de cuatro canciones, con dos covers y dos de sus propias canciones, que más tarde aparecerían en su primer álbum.
En el verano de 1984, formó un grupo llamado Ton Ton Macoute, denominado así por los zombies de los mitos de Haití. En otoño, la banda se trasladó a Waterford brevemente, mientras Sinéad asistía a Newtown, pero pronto abandonó la escuela y los siguió a Dublín, donde su actuación recibió comentarios positivos.
El 10 de febrero de 1985, la madre de Sinéad murió en un accidente de coche. Para Sinead fue devastador, pese a la tensa relación con su madre. Poco después abandonó la banda, que permaneció junto a Sinéad, a pesar de declaraciones contrarias en entrevistas que se efectuaron más tarde, y se trasladó a Londres
GRIEG
Edvard Grieg nació en Bergen (Noruega), el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses, cuyo apellido original era "Greig"—después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770—.
Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle.
Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano posteriormente en el año de 1858, y pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, aun así, alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo Pathétique de Beethoven.
PINK FLOYD
Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb"). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre.
JERRY GOLDSMITH
Jerrald King Goldsmith (Pasadena, 10 de febrero de 1929 – Beverly Hills, 21 de julio de 2004), mejor conocido como Jerry Goldsmith, fue uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografía.
Jerry Goldsmith en Londres, 2003.Goldsmith aprendió a tocar el piano a la edad de seis años. A los catorce, estudió composición, teoría y contrapunto con los maestros Jakob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco. Goldsmith ingresó en la Universidad del Sur de California, con el maestro Miklós Rózsa, quien escribió la partitura de la película Recuerda de 1945 con Ingrid Bergman. Goldsmith se interesó en escribir música para el cine al ser inspirado por la música compuesta por el mismo Rózsa.
Su música no se queda estancada en ningún estilo, sino que se adapta a las exigencias de la película, yendo desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas, pasando por música folk, étnica e incluso por el sintetizador. Aun así, se podría definir su música como enérgica, pues es especialmente brillante en lo rítmico, sin por ello desdeñar la melodía. Es un defensor de utilizar la música solamente cuando sea estrictamente necesario, por lo que en numerosas ocasiones ha acusado al cine reciente de tener demasiada música. Y pone como ejemplo su propia partitura para Patton, en la cual solamente hay media hora de música, pese a tratarse de una cinta que supera las dos horas de metraje.
Ha tocado todos los géneros a lo largo de su carrera, aunque es en el cine fantástico donde ha logrado sus éxitos más populares: El planeta de los simios, varias partes de la saga Star Trek, La trilogía de La profecía, La fuga de Logan, Atmósfera cero, Alien, el octavo pasajero o Desafío Total, por citar algunos títulos. Por su cualidad rítmica, también ha destacado en el género del thriller de acción. Sin embargo, siempre ha declarado preferir las películas pequeñas y de personajes, por lo que durante mucho tiempo declaró que La isla del adiós era su trabajo favorito.
LOS HITTERS
El grupo inicia en el norte de México a fines de 1964, influidos por la música juvenil que escuchaban en la frontera. Al llegar a la Ciudad de méxico y superando las dificultades firman para la disquera Orfeón en 1965, en su primer LP se incluyen temas como "Hey Lucy" que seria el tema de "Lupe" que el vocalista "Menny" le cambio el nombre por de su esposa la cual era una de la chicas de Orfeon "a go-go"
domingo, 11 de abril de 2010
CHARLIE ZAA
Su primera producción discográfica se tituló Sentimientos, en la cual se hallan grabados por parejas 20 de los boleros más conocidos y difundidos por destacados intérpretes y compositores como los ya fallecidos Julio Jaramillo, Olimpo Cárdenas y Oswaldo Morales. En 1998 sale su segundo producción titulada Un Segundo Sentimiento que representa una continuación de su disco anterior.
En 2000 presenta su tercera producción Ciego de amor, bajo la producción de Emilio Estefan Jr. y la colaboración de Jon Secada. Incluyó temas inéditos de su autoría. En 2001 viajó a Estados Unidos para participar en la grabación del tema El último adiós con otros artistas, con motivo del atentado terrorista a las Torres Gemelas de Nueva York, el 11 de septiembre de 2001. Ese mismo año realiza su cuarta producción, titulada De un solo sentimiento, la cual fue grabada, al igual que las dos primeras, en Colombia. Al año siguiente es editado su primer disco de recopilación, titulado Grandes sentimientos, con temas de sus trabajos anteriores.
En 2004 presenta su quinta producción discográfica titulada Puro sentimiento. En los años siguientes, Charlie Zaa se convierte al cristianismo evangélico, luego de pasar por una crisis personal de dos años y medio. Sin embargo, este cambio no afectó su repertorio conocido y en el año 2008 presenta el disco Sueña, sueña, volcándose a la música latina y pop. Una nueva compilación, titulada Bohemio fue presentada en el año 2009.
ALEXANDER VON ZEMLINSKY
Alexander von Zemlinsky (4 de octubre de 1872, Viena - 16 de marzo de 1942, Larchmont, Nueva York) fue un compositor y director de orquesta austriaco.
Estudió piano y composición en el Conservatorio de Viena hasta 1889. En 1900 se enamoró de Alma Schindler, sin embargo debido a la presión de la familia de Alma, el noviazgo se rompe. Dos años más tarde, Alma se convertirá en la esposa de Gustav Mahler. En 1900 fue nombrado director del Karlstheater de Viena, en 1906 director de orquesta de la Volksoper y en 1908 de la Hofoper.
En 1907 se casó con Ida Guttmann pero el matrimonio fracasará al estar marcado por las constantes infidelidades de ambos cónyuges. Después de un breve paso por la orquesta de Mannheim en 1909, asumió de nuevo la dirección de la Volksoper de Viena. Posteriormente dirigió el Deutsches Landestheater de Praga (1911) y la Deutsche Musikakademie (1920).
El 31 de enero de 1929 muere su esposa Ida y el 4 de enero del año siguiente, se casa con Luise Sachsel, 29 años más joven que él, siendo este segundo matrimonio mucho más feliz y equilibrado que el primero. De 1927 a 1932 compartió la dirección de la Kroll Oper de Berlín junto a Otto Klemperer.
En 1933, y dado el origen judío de su madre, los nazis clasificaron a Zemlinsky como “H” Halbjuden (medio judío) y su obra fue a engrosar la lista del entartete Kunst (Arte degenerado). Zemlinsky se ve obligado a emigrar a Viena donde manda construir una elegante mansión al arquitecto Walter Loos, en el exclusivo barrio de Grinzing.
En 1938 se exilió a Estados Unidos, donde vivió sus últimos años, gravemente enfermo, falleciendo en marzo de 1942 a causa de un infarto de miocardio. Fue maestro de Arnold Schönberg, que más tarde se convirtió en su cuñado al casarse en 1901 con Mathilde von Zemlinsky, y ejerció una cierta influencia sobre los músicos de la Segunda Escuela de Viena. También fue maestro de Erich Wolfgang Korngold a quien a los 12 años le dijo que ya no tenía nada que enseñarle.
ERICH WOLGANG KORNGOLD
Erich Wolfgang Korngold (Brno, Imperio austrohúngaro -actual República Checa-, 29 de mayo de 1897 - Los Ángeles, EE. UU., 29 de noviembre de 1957).
Compositor de gran prestigio en Hollywood, además de cinco óperas y varias obras orquestales, de cámara y canciones. Nace en Brno, por entonces parte del Imperio austrohúngaro, hijo de uno de los críticos más importantes de su tiempo, quien le enseñaría lo fundamental del problema de la música en la comodidad del hogar. Su madre solía decir: «Erich siempre tocó el piano», nadie sabe con exactitud cuando se le descubrió su genialidad, pero es sin duda el niño prodigio más interesante de la historia, pues además su estilo musical pareciera haberse formado desde el útero y no cambió nunca en toda su vida. Siempre se le puede reconocer como Korngold.
Desde una edad temprana destacará en sus composiciones (así lo vieron Gustav Mahler, Richard Strauss y Bruno Walter); con tan sólo once años estrenará en el Teatro Imperial su primera obra. Luego vino la obertura Schauspiel, que su maestro Alexander von Zemlisnky no podía creerle que hubiese orquestado solo, a sus 14 años. Ya antes de la primera guerra mundial apareció publicado en un periódico vienés una estatua del compositor cubriendo todo el frontis de la Ópera de Viena. Sus primeras dos óperas en un acto tuvieron gran éxito, pero nada comparado con lo que fuera el mayor éxito de su vida: Die tote Stadt (La ciudad muerta), compuesta durante varios años y cuya canción del primer acto aún es cantada por sopranos alrededor del mundo.
Korngold nunca diferenció música de concierto del resto de las músicas, no tenía ningún problema en ser director de opereta, y en este trabajo siempre contó con la voz de Richard Tauber y sobre todo Max Reinhardt, el influyente director escénico alemán. Gracias a este director tendrá la oportunidad de mostrar su valía en la incipiente industria cinematográfica hollywoodiense. Será llamado para ilustrar musicalmente El sueño de una noche de verano (1935), adaptando a Mendelssohn. Debido a la calidad de la adaptación hará que firme un contrato inusual para la época donde se trabaja bajo un concepto fordiano de producción. Disfrutará de una total libertad para elegir películas y realizar composiciones, así se librará de la presión ejercida por los productores. Como consecuencia únicamente tendrá en su haber la escasa cifra de veinte películas, pero siendo cada una de ellas una verdadera joya musical.
JOHN WILLIAMS y SU MUSICA
John Towner Williams (Floral Park, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se extiende durante cinco décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Memorias de una geisha, Harry Potter, entre muchas otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión y varias piezas de concierto.
Williams ha recibido el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en cinco ocasiones y tiene en su poder 45 nominaciones. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.
Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymon Scott. En 1948, la familia Williams se mudó a Los Ángeles; allí, John Williams asistió a la escuela secundaria North Hollywood High School, graduándose en 1950. Luego se trasladó a la Universidad de California, donde estudió piano y composición, y tomó clases particulares con el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco y con el pianista-arreglista Bobby Van Eps. En 1952, fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde arregló y dirigió música para la banda de la fuerza aérea, como parte de sus deberes.
Cuando su servicio militar terminó en 1955, Williams se trasladó a la ciudad de Nueva York y entró en la Academia Juilliard, donde estudió piano con Rosina Lhévinne. En aquel período trabajó como pianista de jazz en varios estudios y clubes de Nueva York. También tocó para el compositor Henry Mancini en las bandas sonoras de Peter Gunn (1959), Días de vino y rosas (1962) y Charade (1963). A principios de la década de 1950 trabajó como arreglista y líder de banda para Frankie Laine y Vic Damone. En 1960 fue contratado por Columbia Records como pianista y compositor, realizando numerosos álbumes junto al compositor de origen alemán André Previn.
Williams estuvo casado con la actriz Barbara Ruick desde 1956 hasta la muerte de ella por hemorragia intracerebral, el 3 de marzo de 1974. Juntos, tuvieron tres hijos: Joseph Williams (cantante y compositor), Mark Towner Williams (percusionista) y Jennifer Williams (doctora). Se casó por segunda vez el 21 de julio de 1980 con Samantha Winslow, su actual esposa, con quien vive en la ciudad de Boston. Mantiene una estrecha amistad con los músicos Itzhak Perlman, Yo Yo Ma y Seiji Ozawa; incluso les ha dedicado algunas obras.
Williams ha compuesto más de 50 composiciones más allá del cine y la televisión; el expresó que "cuando escribo música fuera del mundo del cine, siento que puedo ser más experimental, siento que puedo ponerme a prueba y tratar de no desalentarme por los grandes maestros del pasado"., entre algunas de ellas tenemos:
Preludio y fuga (1965), estrenado el 29 de marzo del mismo año por Los Ángeles Neophonic Orchestra.
Ensayo para cuerdas (1965), estrenado el 6 de diciembre del mismo año por la Sinfónica de Huston, dirigida por André Previn.
Sinfonietta para ensamble de vientos (1968).
Concierto para flauta y orquesta (1969), estrenado en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin.
Concierto para violín y orquesta (1976, rev. 1998), estrenado también en 1981 por la Orquesta Sinfónica de Saint Louis bajo la dirección de Leonard Slatkin. Compuesto en memoria de Barbara Ruick Williams.
Jubilee 350 Fanfare (1980) compuesta para conmemorar el 350.º aniversario de la ciudad de Boston. Estrenada el 21 de septiembre del mismo año por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de John Williams.
Fanfare for a festive occasion (1980), dedicada a la Boston Civic Orchestra.
Concierto para tuba y orquesta (1985), estrenado por Chester Schmitz, tubista de la Boston Pops, para el centenario de dicha orquesta.
Fanfarría de la Libertad (Liberty Fanfare, 1986), compuesta para el centenario de la Estatua de la Libertad, fue estrenada el 4 de julio del mismo año, por la Boston Pops Esplanade Orchestra bajo la dirección de Williams.
LOS HERMANOS ARRIAGADA
Los HERMANOS ARRIAGADA conforman un trío vocal y musical cuyo origen se remonta a la época de su niñez. Nacieron en el pueblo de Cañete (Sur de Chile), en una familia compuesta de 8 miembros: los padres y seis hermanos; tres de éstos heredaron claramente las condiciones musicales de los padres, siempre dispuestos a tocar la guitarra, a cantar ya hacer un buen papel como bailarines, especialmente de cueca (danza folklórica nacional de Chile).
El mayor del trío, Mario, fue el primero en tomar con seriedad y convicción el arte de cantar acompañándose con guitarra, instrumento que comenzó a estudiar a los 6 años de edad. Trasladados a la ciudad de Concepción, a los 12 formó un grupo "cómico-musical" que se denominó "Los 4 Chicotes", pero sus tres compañeros eran unos amigos, no aún sus hermanos. Esta experiencia le sirvió de mucho; con gran entusiasmo y dedicación estudiaban los temas más populares de entonces para interpretarlos en fiestas escolares y amenizando la barra del Club Naval (de fútbol) de Talcahuano, el gran puerto sureño. Tiempo después nació (en 1954) el trío de los HERMANOS ARRIAGADA, compuesto por Omar, Mario y Jorge - apenas unos adolescentes. Así, pues, desde su infancia y primera juventud el grupo se constituyó en una unidad musical además de familiar, cuyas mayores virtudes han sido su estilo notablemente afiatado, su línea musical constante y su mensaje melódico romántico y directo. Todas ellas, características aparentemente simples, pero en cuya sencillez precisamente radica su éxito inalterable a lo largo del tiempo. En efecto, tienen esa rara virtud de interpretar, idealizadas, las emociones de la gente común, que ven reflejados sus más genuinos sentimientos en las canciones románticas de siempre, contándose por supuesto entre ellas sus inolvidables creaciones como "SIGAMOS PECANDO", "MAR y CIELO", "POEMA ", "NO VUEL VO A AMAR", "QUE COSAS TE HICE YO" y muchas otras.
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