ISAAC ALBENIZ

Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (Camprodón, España; 29 de mayo de 1860 – Cambo-les-Bains, Francia; 18 de mayo de 1909) fue un célebre compositor y pianista español.

A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años en vida a escribir temas para teatro —como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez— interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones —más de dos docenas— así como varios temas orquestales y de cámara.

Isaac Albéniz, nacido en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860 empezó su vida como un prodigio —debutó como concertista de piano, con gran éxito, a los cuatro años— y tras muchas giras arriesgadas que le llevaron tan lejos de casa como están las Américas (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del rey Alfonso XII de España, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso; además, empezó a componer y a dirigir. Enseguida empezó como director de una compañía ambulante de zarzuelas y escribió tres zarzuelas —que no se conservan actualmente—. En 1883 se estableció en Barcelona, donde estudió composición con Felipe Pedrell. Cada vez más, Albéniz incorporaba sus propias composiciones en sus recitales. En 1885 se trasladó a Madrid donde sus trabajos fueron publicados por los principales editores musicales de aquella época: Benito Zozaya y Antonio Romero.

Antonio Guerra y Alarcón en su 1886 monográfico «Isaac Albéniz: Notas crítico-biográficas de tan eminente pianista» revela que junto a docenas de trabajos para piano y las tres zarzuelas, Albéniz compuso varias canciones: cuatro romanzas para mezzosoprano en francés, tres romanzas en catalán y un Álbum Bécquer. No existen rastros de las Romanzas, pero el Álbum Bécquer lo más probable se refiriera a las Rimas de Bécquer, posteriormente publicadas por Zozaya en 1888 (esta biografía de Albéniz ha resultado ser la fuente de graves errores y equivocaciones en la vida del compositor ya que él mismo se encargó de "decorar" su vida lo suficiente como para ser admirada por otros. De estos errores cabe destacar que Albéniz nunca conoció (y mucho menos estudió) con Franz Liszt, que nunca fue polizón en barcos que zarpaban a América y que nunca recorrió Europa viajando como un bohemio errante: sendos viajes fueron cuidadosamente planeados por su padre, Ángel Albéniz. También en el mismo año Romero publicó las Seis Baladas. En 1889 se anunció la publicación por parte de Romero de otro grupo de canciones, Seis melodías con texto de Alfred de Musset. Sin embargo, excepto Chanson de Barberine de Albéniz, ninguna otra canción con letra de Musset ha llegado a nuestros días.

GONZALO SORIANO

Gonzalo Soriano (Alicante, 14 de marzo de 1913 - 14 de abril de 1972), fue uno de los mejores pianistas españoles del siglo XX.

Nació en Alicante y comenzó a estudiar música a muy temprana edad, para concentrarse posteriormente en la técnica pianística. Terminó sus estudios en el Real Conservatorio de Madrid en 1929, obteniendo el premio fin de carrera, para continuar su aprendizaje en piano y composición con Amzel en Lisboa. Protegido de Manuel de Falla, cuya obra interpretó en numerosas ocasiones, su talento comenzó a ser reconocido ya al poco tiempo de su debut artístico. De aquella época se recuerda su intervención (Alicante, 1933) en una “performance” artística con Ramón Gómez de la Serna, cuya compañía frecuentó durante un tiempo, tanto en la tertulia de Pombo como en la torre que aquél poseía en la calle Velázquez, en Madrid, donde se reunían artistas y literatos. La guerra civil española interrumpió su carrera y sólo fue tras el fin de la segunda guerra mundial cuando comenzó a obtener una merecida reputación en Europa como pianista, impresionando al público y a la crítica por su versatilidad, técnica y sensibilidad musical.

Empezó a dar conciertos en Europa en 1947 y realizó su primera gira en Estados Unidos en 1954, obteniendo un considerable éxito de crítica y público. De dicha gira surgió su primera grabación americana que contenía la Suite Española de Albéniz (Boston Records: B302). Con la misma compañía grabó las Variations Serieuses de Mendelssohn, Three Romances, Op. 27 de Schumann y la Sonata en La menor Op. 164 de Schubert, todas en un mismo LP (BR, B303).

En 1955 realizó su primera gira por el lejano oriente y en diciembre de 1959 visitó los países escandinavos, gira que incluyó un concierto ante el rey de Suecia, con ocasión de la entrega del Premio Nobel de Medicina al Dr. Severo Ochoa. Soriano grabó con los mejores intérpretes y directores. Entre otros, fue dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos en más de una ocasión, grabando con él las Noches en los Jardines de España y el Concierto en Re mayor para clave, ambos de Falla (Angel records, 36131). Otra grabación memorable de la primera obra fue realizada bajo la dirección de Ataúlfo Argenta (Alhambra, MCC 30008). Victoria de los Ángeles, la excepcional soprano, gran admiradora del talento de Soriano, solicitó su colaboración en repetidas ocasiones para conciertos o grabaciones. El diálogo entre la voz y el piano se mantenía perfectamente equilibrado cuando ambos artistas interpretaban conjuntamente obras de Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge o Joaquín Turina. (20th Century Spanish Songs, Angel (S) 35775). Fue Soriano uno de los pianistas que supieron apreciar el talento de Montsalvatge y admitir el reto que suponía interpretar algunas de sus piezas. El compositor escribió expresamente para él la Sonatine pour Yvette, dedicada a la hija del compositor y estrenada por Soriano en 1.962 en la Asociación de Conciertos de Reus(grabada por EMI/La Voz de su Amo, FALP 874). Otros grandes compositores como Mompou y Rodolfo Halffter escribieron también obras para Soriano.

El 14 de abril de 1972, la muerte sorprendió a Gonzalo Soriano en la cama de su domicilio de la calle Reina Victoria, en Madrid. Un infarto acabó de manera fulminante con su vida cuando aún estaba en proceso de producción su última grabación, las Doce Danzas de Granados (EMI-Odeón, J 063-10913), una obra por la que ya había obtenido el Grand Prix de l’Académie du Disque Française. Soriano dejó una larga colección de interpretaciones y grabaciones, entre ellas la obra completa de Falla para teclado (La voz de su Amo, 053-00731 y 063-01289). Fue sobrevivido por su madre Consuelo Simó y su compañero John Ross quien, tras su muerte, ingresó en una orden religiosa permaneciendo en un convento hasta su muerte.

VICTORIA DE LOS ANGELES

Victoria de los Ángeles, (Barcelona, 1 de noviembre de 1923 – 15 de enero de 2005). Soprano española.

Era hija de un bedel de la Universidad de Barcelona. Su nombre completo era Victoria de los Angeles López García. Victoria de los Ángeles siempre reconoció su origen humilde. Descubrió su vocación musical muy joven, y ganó diversos concursos de canto internacionales, en especial el festival de Ginebra.

Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se graduó en sólo tres años, en 1941 cuando contaba 18 años de edad. Ese mismo año realizó su presentación operística en el Gran Teatro del Liceu para proseguir luego con sus estudios.

En 1945 hizo su debut profesional con el papel de la Condesa en Las bodas de Fígaro, de Mozart. Después ganó el primer premio en el concurso internacional de Ginebra de 1947. En 1948, interpretó en Londres La vida breve, de Manuel de Falla, acompañada por la orquesta de la BBC.

En 1949 interpretó en la Ópera de París el papel de Marguerite en la ópera Fausto. En 1950 debutó en el Festival de Salzburgo y en la Royal Opera House; fue la Mimi de La Bohème en el Covent Garden londinense, teatro en el que siguió actuando de forma regular hasta 1961. También cantó en el Teatro Colón de Buenos Aires entre 1952 y 1979 y en la Scala de Milán entre 1950 y 1956.

Actuó por vez primera en los Estados Unidos en octubre de 1950 con un recital en el Carnegie Hall. En marzo del año siguiente, hizo lo mismo en el Metropolitan Opera de Nueva York y cantó regularmente con esa compañía hasta 1961. En sólo tres años y sólo siete después de su debut, ya había cantando en los teatros más importantes del mundo.

Fue la primera cantante española en actuar en el Festival de Bayreuth (1961 y 1962). Interpretó el papel de Elisabeth, de Tannhäuser, a las órdenes del nieto de Richard Wagner, que quedó tan impresionado con su actuación que volvió a invitarla al año siguiente.

Desde finales de los 60, Victoria de los Ángeles se dedicó principalmente a su carrera como concertista. Es muy destacable la atención y la especial sintonía que siempre dedicó al lied, en el que brilló con luz propia, para asombro de los alemanes. A pesar de ello, siguió realizando algunas apariciones en la ópera (Carmen y Pelléas et Mélisande): su despedida de la ópera fue en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 1980, precisamente con el papel de Mélisande. Dio su último recital en 1996, a los 72 años.

Preciosa voz de soprano lírica (o lírica spinto, como ella misma se consideraba), poseedora de un timbre inconfundible, supeditó siempre el lucimiento personal a las exigencias y el espíritu de la partitura. Los críticos coinciden en afirmar que la voz de Victoria es una de las más exquisitas y delicadas que haya dado el siglo XX. Sin poseer la belleza tímbrica de Tebaldi ni la fuerza dramática de Callas, era un compendio de una y otra. Siempre se señaló que sus agudos eran algo tirantes y metálicos, algo que tenía como contraprestación la posibilidad de cantar papeles de mezzosoprano, como Carmen o la Rosina de (El Barbero de Sevilla). Fue sin duda una de las más grandes artistas que ha dado la ópera.

ANGELES CHAMORRO

ANTOLOGIA DE LA ZARZUELA

CONCHITA PIQUER

Concepción Piquer López (Valencia, 8 de diciembre de 1908 - Madrid, 12 de diciembre de 1990), conocida artísticamente como Concha Piquer, fue una cantante y actriz valenciana y una de las figuras más relevantes de la copla. Interpretó varias composiciones clave de la canción española, casi todas ellas obra de Valverde, Quintero, León y Quiroga, como "Ojos verdes", "Tatuaje", "Y sin embargo, te quiero", "Suspiros de España", y otras muchas.

PASCUAL MARQUINA NARRO

Nació en una familia de músicos. Su padre, Santiago Marquina Redrado, era director de diversas orquestas, entre otras la Banda Musical de la Unión Bilbilitana, la Banda de Música de Tobé y la Banda de Música de Torrella. Las primeras lecciones de música las recibe de su padre, pero a partir de los siete años pasa a formar parte del Coro de Infantes de la Basílica del Santo Sepulcro, bajo la dirección de Ildefonso Pardos. A los nueve años toca la flauta travesera con la Banda Musical de la Unión Bilbilitana. A los quince escribe su primera composición, una obra para tenor y órgano, titulada Osarum. Se convierte en director de la Banda de Música de Daroca a los 17 años.

Dos años más tarde, hace el servicio militar en la Banda del Regimiento Luchana en Barcelona. A la vez estudia en el Conservatorio Superior Municipal de Música Barcelona composición y armonía, bajo la supervisión de José María Varela Silvari (1848-1926), Martínez Sorolla y Bonet, entre otros. En 1901 se convierte en director de la Banda de Música del Regimiento de Cazadores de Llerena y más tarde, en 1916, de la Banda de Música del Segundo Regimiento de Ingenieros de Zapadores de Madrid, con la que dio muchos conciertos tanto en España como en el extranjero.

En 1904 comienza a componer obras tonales para impresionar al público de Madrid. En 1914 se convierte en director del Teatro de la Zarzuela. Fue durante 18 años director artístico de la compañía discográfica La Voz de su Amo.

Se le entregó la Cruz de la Orden de Victoria del Reino Unido por una composición en la que reunía el himno español, la Marcha Real, y la canción popular God save the Queen, con ocasión de la boda de Alfonso XIII de España con Victoria Eugenia de Battenberg. También fue honrado con la Placa y Cruz de San Hermenegildo, la Cruz del Mérito Militar y la Cruz del Rif.

También es el compositor del «Rey del Pasodoble», el mundialmente famoso España cañí, que originalmente llevaba el nombre de El patronista Cañí, dedicado al patronista almanseño José López de la Osa. La obra fue estrenada en Almansa (localidad en la que residía José López) en la calle Aniceto Coloma en la puerta de su vivienda, interpretada por la Banda de Ingenieros de Madrid. La compuso en un viaje en tren a Madrid, inspirado en el traqueteo del tren.

Hay calles dedicadas a Pascual Marquina en las ciudades de Cartagena, Calatayud, Zaragoza, Oviedo y Montilla.

CARLOS CANO

José Carlos Cano Fernández (Granada, 28 de enero de 1946 - 19 de diciembre de 2000), conocido artísticamente como Carlos Cano, fue un cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales andaluces relativamente olvidados como el trovo popular, y muy especialmente la copla andaluza, la que recuperó para contemporáneizarla librándola de su apropiación por el franquismo.

Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Cano un personaje destacado dentro del panorama musical español. Entre sus temas más conocidos caben destacar Verde, blanca y verde, María la Portuguesa, La murga de los currelantes, Tango de las madres locas, Que desespero, Habaneras de Cádiz, Un vaso de té verde o La metamorfosis.

HOMENAJE DE RITMO RANCIO A CARLOS CANO

Declama Elena Martín Vivaldi, poetisa granadina en su libro, Materia de esperanza

“Hay voces en la tierra

Recorriendo esperanzas.”

Por una extraña magia esas voces comunican de corazón a corazón, y hay cantores que son capaces de pulsar fibras emocionales dentro de nosotros por el poder de su sentimiento hecho música.

El sonido hondo y oscuro de Carlos Cano nos ha abierto zonas cálidas tan próximas al estremecimiento, que se fue convirtiendo poco a poco en una presencia familiar y única. Despojó a la canción española de tantos atavismos pero mantuvo ese especial modo de contar sus historias, con una emoción que tendemos a asociar con la Andalucía mítica.

Todo es posible en Granada, en Andalucía, rezan los eslóganes al uso, y esto es verdad porque son lugares construidos de sueños. Por eso, los que mejor la cantaron fueron músicos que no la conocían (Debussy, Lara…). Pero algo hay allí que forma parte de ti y que encuentras en las canciones de Carlos.Cano. Es un camino que recorre lo sublime con la humildad de alguien del pueblo, que canta experiencias sencillas y las hace universales. Que encuentra la belleza escondida en los gestos cotidianos: el adiós de un pañuelo, una muchacha se asoma a un balcón, un beso…García Lorca, Camarón, León y Quiroga transitaron también por ese camino, cada cual abriendo su surco y a su paso.

Cuando Carlos Cano calló, su silencio dolía porque sin él podíamos olvidar esos territorios que presentimos a la luz de su pasión.

Los cantores son heraldos de la vida

Su silencio despoja a la vida de sus colores más brillantes

Cuando alguien se va se lleva con él parte de nosotros

Cuando un hombre muere, mueren todos los hombres.

Luis López Sánchez

Ritmo Rancio, para aliviar ese silencio y a modo de humilde homenaje, les invita a escuchar la canción: “Habanera para Carlos Cano”

Caen tristes silencios sobre la nieve

de tu despedida en la estación

donde parten los trenes que nunca vuelven

donde quedó callada tu honda voz.

 

Va contigo el recuerdo de tanta gente

que sentía contigo cada canción

y rompen el vacío que siempre dejan

los hombres tan cabales al decir adiós.

 

Y lloran desde Cádiz hasta la Habana

los barcos que traen y llevan tu corazón,

que se mueven, con el vaivén, de las habaneras,

que llevan, siempre tu nombre, junto al timón.

 

Se quiebra un pasodoble con voz de hombre,

En el río de tu pecho un disparo sonó,

Y callan todas sus murgas los currelantes,

mientras frente al Veleta se pone el sol.

 

Ay, llega el silencio

Ay, del corazón,

Y nos queda el eco,

Que no se apaga, de tu canción

Segunda parte: Cortesia de Ritmo Rancio

PAHOLA MARINO

MUSICA CRISTIANA PARA RELAX ESPIRITUAL

LOS JUNIOR DE CULIACAN

RAFAELLA CARRA

Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión.

Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.

Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».

FREDDIE MERCURY

LOS TEMERARIOS

Los Temerarios son un grupo Mexicano originario de Fresnillo, Zacatecas, que tuvieron sus inicios en 1977. Conformado en sus inicios, por los hermanos Adolfo Ángel y Gustavo Ángel, su primo Fernando Angel González, Mario Alberto Ortiz y Samuel "Sammy" Guzmán Magdaleno.

En sus inicios, se llamarón Conjunto La Brisa, esto en 1977 y un par de años más tarde, decidieron adoptar un nombre que generará admiración, prestigio y respeto, fue así como nacen: Los Temerarios.

Es en 1983, y constituidos como Los Temerarios, con su nombre definitivo, en el que se aprecia un lobo formando la T, esto por el significado del nombre de Adolfo (líder de la agrupación).

Sus primeros éxitos, los sembrarón en Monterrey, N.L., de donde era su disquera Discos Sabinas (Disa),en aquel entonces,pero mas tarde,en 1994,exploto una controversia antes del lanzamiento de su primer CD en vivo,ya que,sus albumes Te Quiero,lanzado en 1990,Mi vida eres tú,en 1992,y Tu Última Canción,en 1993,fueron reelanzados por AFG Sigma Records(cabe recordar que estos fueron albumes propiedad de Disa,y los nombres fueron alternos),compañia de los hermanos Angel Alba,la cual,en 1996,fue comprada por Fonovisa Records,dando asi,la tercera reedicion de estos discos,por lo cual solo en Disa se quedaron sus tres primeros discos grabados entre los años de 1987,1988,y 1989,y mas tarde,a fines de los 90`s,estos tres albumes fueron reelanzados,y los temas fueron condensados en discos compilatorios,incluyendo un disco en vivo,que realmente es un concierto sin publico,un concierto de estudio,lo mismo que Disa hizo con otros tantos artistas que habian abandonado a la disquera hace años.

MICKY SANCHEZ

GRUPO ILUSION 6

THE YOUNG BEATS

The Young Beats o Los Young Beats (Y&B) Fue una banda bogotana de los años 60. Sus fundadores fueron el italiano Roberto Fiorilli (bateria) y Álvaro Diaz (voz) a los que se agregaron Miguel Suárez (bajo) y Ernesto Suárez (guitarra). Esta es la primera formación con la que se darían a conocer. Fueron una de las bandas fundadoras del rock colombiano.

Los primeros ensayos del grupo fueron realizados en la casa de Fiorilli, interpretando temas de sus bandas favoritas: The Rolling Stones, The Animals, Them and the Small Faces, Gerry and the Pacemakers y The Beatles que influyeron tanto en la estética como el sonido de los Young Beats.

Al igual que las otras bandas de la epoca realizaron famosos covers como Gloria (Van Morrison), You Really Got Me (The Kinks), Hearts Of Stone (The Rolling Stones) y The Times They Are a-Changin' de Bob Dylan que da título al LP. Todo esto quedo grabado en un solo album de trece canciones.

La disolución del grupo coincidió con la irrupción del Rock psicodélico en Colombia expresada en proyectos como The Time Machine y The Speakers

MARIO Y SUS DIAMANTES

CARMEN VILLANI

JENNY LUNA

GIORGIO GABER

Giorgio Gaber, sobrenombre de Giorgio Gaberscik (enero 25to, 1939-enero 1, 2003), fue un italiano el cantautor, actor y dramaturgo.  También fue un guitarrista consumado y autor de una de las primeras rocas de las canciones en italiano ("Ciao diro ti", 1958).  , fue pionero en el género musical conocido como cancion teatro ("canción de teatro").

Su padre, Guido Gaberscik, nació en Trieste , cuando la ciudad todavía era parte de Austria-Hungría , probablemente a italianizado eslovena inmigrantes de la Gorizia región.  Su madre era del Véneto región. The two met and married in Veneto and later moved to Milan, where Girgio was born. Los dos se conocieron y se casaron en Venecia y más tarde se trasladó a Milán, donde Girgio nació.

 Gaber comenzó a jugar como la rehabilitación de una lesión en su mano que requiere la actividad constante, pero no extenuante para recuperar sus habilidades motoras. . Dado su estado de salud como un niño no era el mejor y su hermano mayor, Marcello tocaba la guitarra, que se animó a jugar tan bien.  El resultado fue bueno tanto en términos de su salud y artísticamente, y en sólo catorce años de edad fue contratado para tocar en una fiesta de Noche Vieja y obtuvo su primer cheque de pago de 1.000 liras.

 Posteriormente comenzó a frecuentar el Santa Tecla, un lugar en Milán, donde tuvo la oportunidad de conocer a músicos de la época, incluyendo Luigi Tenco , Gianfranco Reverberi , Adriano Celentano , Ricky Gianco y Mogol , que obtuvo un contrato para Gaber con dischi Ricordi .

GINO VANELLI

CRISTINA Y LOS STOP

CATERINA CASELLI

OTRAS DE RENATO CAROSONE

I CAMALEONTI

NILA PIZZI

BOBBY SOLO

Bobby Solo cuyo nombre real es Roberto Satti, nace en Roma, Italia, el 18 de marzo de 1945. Es un cantante italiano que cultiva el género de la música romántica, pop. Bobby es considerado por muchos el "Elvis Presley" italiano, y esto es debido al parecido de su voz, al estilo de su peinado, y finalmente a la admiración que siempre tuvo por el Rey del Rock and Roll.

Debuta como cantante en el Festival de la canción de San Remo, en 1964, interpretando a la par, con Frankie Laine, el tema Una lacrima sul viso. Un año después resultará ganador de dicho festival con el tema Se piangi, se ridi (Si lloras, si ríes), que lo interpretará con el acompañamiento del célebre grupo juglar New Christy Minstrels.

En 1964 gana el Festivalbar (Italia), con la canción Credi a me. En 1965 participa en el Festival de Eurovisión celebrado en Nápoles, Italia, casificándose en el quinto puesto, con el tema Se piangi, se ridi.

En 1969, vuelve a ganar en San Remo al interpretar a dúo el tema Zíngara (Gitana) con la cantante Iva Zanicchi.

KAREL VELEBNY

JULA DE PALMA

Jula de Palma es una de las mejores cantantes de jazz que tuvo Italia. Activa desde los cincuenta hasta primeros años de los setenta que se fué a vivir a Canadá. Su carrera estuvo ligada al Festival de San Remo, donde su sensual versión de la canción TUA tuvo problemas con la censura. En este disco está acompañada por otro grande de la música italiana, el compositor y pianista Lelio Luttazzi.

CATHERINE SPAAK

IVA ZANICCHI

CLAUDIA CARDINALE

Claude Josephine Rose Cardinale (Túnez, República Tunecina, 15 de abril de 1938) es una actriz italiana nacida en el barrio italo-tunecino de La Goleta, Túnez, cuando el país aún era un protectorado francés. Sus padres eran sicilianos. Claudia Cardinale, cuyo nombre real es Claude Josephine Rose Cardinale, tuvo su entrada en el mundo del cine tras ganar un concurso de belleza tunecino en 1957. Hizo su debut cinematográfico en Goha (1958) y ese mismo año tuvo un papel en un éxito internacional menor I soliti ignoti. Su carrera inicial fue ampliamente dirigida por el productor Franco Cristaldi.

En la década de los años 1960 apareció en muchas películas italianas o cofinanciadas por Italia incluyendo las de Luchino Visconti: Il Gattopardo (El gatopardo, 1963), Rocco y sus hermanos (1963), en ambas producciones haciendo pareja con Alain Delon y la de Federico Fellini: 8½ y la épica de Sergio Leone Hasta que llegó su hora (1968).

Cardinale nunca hizo un intento real de entrar en el mercado estadounidense ya que no estaba interesada en dejar Europa por un periodo extenso de tiempo. Sus películas de Hollywood incluyen Circus World (1964), The Pink Panther (1964) Blindfold (1965) y The Hell With Heroes (1968).

Una fotografía de Cardinale apareció en la portada artística del álbum Blonde On Blonde de 1966 de Bob Dylan; Como la foto se usó sin el permiso de Cardinale, en las siguientes ediciones la foto se eliminó de la carátula.

Ha aparecido en más películas buenas de Europa que la mayoría de sus contemporáneas. Su actuación en la película Sandra de Visconti está considerada como hipnotizante, haciendo el papel de una superviviente del Holocausto con una relación incestuosa con su hermano. En la película La Storia (basada en la novela de Elsa Morante) de Luigi Comencini, Cardinale interpreta a una viuda que cría a un hijo durante la Segunda Guerra Mundial y fue otra actuación de Cardinale bien recibida.

Otras actuaciones de Cardinale que están consideradas importantes incluyen la película La chica de la maleta de Valerio Zurlini y Libertad, amor mío de Mauro Bolognini.

ALIDA CHELLI

THE SILHOUETS

LES SERPETENS NOIRES

THE SEABIRDS

OS CHARRUAS

DIK DIK

TOTO COTUGNO

TULLIO PANE

UMBERTO BINDI

JOE DASSIN

Joseph Ira Dassin, más conocido como Joe Dassin (5 de noviembre de 1938 - 20 de agosto de 1980), fue un músico estadounidense y francés particularmente conocido en los países francófonos.

Dassin nació en Nueva York, fue hijo de Jules Dassin (actor y director norteamericano judío, autor de obras del llamado "cine negro") y de Beatrice Launer (virtuosa violinista de origen húngaro). Pasó su infancia en Nueva York y Los Ángeles, (California) y, siendo aún niño, acompañó a sus padres al exilio en Europa víctimas de la política anti-comunista del senador Joseph McCarthy.

Después de estudiar en el Instituto Le Rosey en Suiza y el bachillerato en Grenoble, Dassin regresó a los Estados Unidos para estudiar etnología en la Universidad de Míchigan (Ann Arbor, Míchigan). Acabaría regresando nuevamente a Francia, donde trabajaría como técnico para su padre, apareciendo incluso en algunas de sus películas. Por intercesión de Catherine Régnier, amiga de su primera mujer Maryse Massiera, consigue que la compañía discográfica americana CBS empiece a grabar sus canciones.

Los años 60 le ven alcanzar sus primeros éxitos gracias a temas como Les Dalton, Guantanamera, Siffler sur la colline o Les Champs-Élysées. Por los 70, las canciones de Dassin alcanzan la cúspide de las listas de éxito en Francia y lo llevan definitivamente a la fama. Es la época de L'Amérique, Le Moustique, Si tu t'appelles mélancolie, Le café des trois colombes y especialmente L'été indien.

Probablemente como un reconocimiento a sus padres de ideología de izquierda, las grabaciones de Dassin fueron permitidas en la Unión Soviética. Fue también un talentoso políglota, grabando canciones en alemán, castellano, italiano y griego, además por supuesto del francés y del inglés.

JEAN SABLON

Jean Sablon (25 de marzo de 1906 en Nogent-sur-Marne - 24 de febrero de 1994 en Cannes) fue un cantante francés llamado "El embajador de la canción francesa". Uno de los más aclamados cantantes franceses, está considerado como el segundo en popularidad, después de Maurice Chevalier. Además dehaber sido destacado autor y compositor. Fue el primer cantante francés en utilizar un micrófono al cantar en un teatro, en 1935.

Hijo del compositor Adelmar Sablon y con la influencia de sus hermanos Marcel, André y Germaine compositores los primeros, y destacada cantante de cabaret la última, Jean Sablon, conocido desde el comienzo de su portentosa carrera artística como “El Rey de los cantantes franceses”, estudió piano en el Liceo Charlemagne y, antes de graduarse, se inscribió en el reconocido Conservatorio de París con la finalidad de ampliar sus conocimientos musicales a objeto de dedicarse a la exitosa actividad donde destacaría fundamentalmente, como vocalista de la “canción del bulevar”.

A la edad de 17 años inició sus actuaciones en centros nocturnos de París. Después, estaría acompañado por la legendaria pianista, compositora y acriz Mireille Hartuch, cuya composición impregnada de nostálgica y poesía “COUCHÉS DANS LE FOIN” se transformó en una novedad musical para la época.

Posteriormente se asoció, con Jeanne Bourgeois, actriz, cantante de “Variété Française”, conocida en el ambiente parisino con el popular apelativo de “La Mistinguett”, debutando en el Café de París, en 1923.

En el invierno de 1933-1934 actúo en Niza, con la célebre y legendaria Josephine Baker y el guitarrista de origen belga Jean Baptiste "Django" Reinhardt. Además, hizo registros sonoros en 1934 con algunas de las celebridades de la época como André Ekyan, el violinista Stéphane Grappelli y Michel Warlop, imponiendo en el gusto del público melodías eternas como “Ce Petit Chemin” “Ferme Jusqu'à Lundi” y “Puisque Vous Partez en Voyage”.

Jean Sablon, durante su estancia en los Estados Unidos aprendió de los crooners de este país el uso del micrófono como elemento indispensable para ampliar el sonido, y así poder llegar hasta la profundidad del escenario. Él, en 1933, demostró que no bastaba la potencia de la expresión oral para comunicarse con la multitud, era necesario, en la escena, el uso de este importante instrumento y, de esta manera fue su precursor en los escenarios de la actuación francesa.

GILBERT BECAUD

Gilbert Becaud (Toulon, 24 de octubre de 1927 - † París, 18 de diciembre de 2001) fue un cantante francés cuyo nombre verdadero fue Gilbert Léopold Silly. Fue conocido también como el señor de los cien mil voltios.

A la edad de nueve años inicia su carrera musical en el conservatorio de Niza, en la cual desarrolló sus habilidades en el piano. Durante la Segunda Guerra Mundial, trabaja en los clubes nocturnos con el seudónimo de François Becaud. Trabajó para Jacques Pills (esposo de Édith Piaf) y allí compone sus primeras canciones. Su primer éxito musical fue con Mes Mains del cual colaboró con Pierre Delanoë. Otras canciones como Nathalie, Le jour où la pluie viendra y Et maintenant lo mantuvieron célebre gracias a su estilo musical juvenil y dinámico que con el tiempo se aproximaba a lo decadente y triste. Fue uno de los mejores cantantes franceses de su época y quizás uno de los más prolíficos junto con Edith Piaf y Charles Aznavour. Su mayor éxito, mundialmente famoso es el tema "Et maintenant"(Y ahora

LOS ERMITAÑOS

CARLOS MATA

Carlos Mata es un actor, cantante y compositor nacido en Valencia, Venezuela. Ha desarrollado una importante carrera artística tanto en Venezuela como a nivel internacional.

Cursó sus estudios en el Colegio la Salle de Valencia donde fue un buen estudiante. Aunque también se le daban muy bien facetas artísticas como la pintura, el dibujo y la música, llegando a estudiar violín. Es el segundo de siete hermanos. Su padre trabajaba como ingeniero mecánico en una de las empresas de su abuelo de perforación de pozos de agua y más adelante trabajó para la Ford. Su madre falleció cuando él tenía trece años. Este golpe marcó su vida e hizo que se refugiase en los libros que, junto con la Historia, son su gran pasión. Devoraba a Alejandro Dumas, Julio Verne, Emilio Salgari y Mark Twain. Toda su infancia estuvo llena de esas fantasías y tuvo mucho que ver en su decisión posterior de ser actor. Su padre contrajo nuevas nupcias y nacieron 3 nuevos hermanos. Con diecisiete años se traslada a Caracas para iniciar la carrera de Arquitectura, donde destacó en las asignaturas de diseño. Hasta llegó a dar clases de esta asignatura. Luego de su tesis de grado comenzó a trabajar y desarrollo varios proyectos entre ellos, dos edificios, cinco casas y la arquitectura interior de algunas entidades bancarias y un restaurant. Enseguida llegaron ofertas de teatro y televisión.

Carlos Mata se preparó a conciencia para ser actor. Taller de teatro con Enrique Porte, Arte de Venezuela con Levy Rossel, Método del Actor's Studio, estudios de canto y solfeo... Interviene en dos películas para el cine, una varias obras de teatro y empieza a tener pequeños papeles en novelas para la televisión del estado ("El Hombre", "Maria de los Angeles", "El pecado de una madre" y otras. Luego es llamado por Radio Caracas TV a formar parte del staff de actores de la planta, participando en novelas como:"Jugando a vivir", "Mosquita muerta" y "Marisela" en donde interpreta el tema musicla del mismo nombre y que da título al primer disco que graba Carlos Mata. Siguen numerosas telenovelas ( Leonela,Miedo al amor) luego graba "Que por que te quiero" tema musical de la telenovela Topacio. Luego en 1985 viene la protagonización de Mansión de Luxe y del gran éxito mundial Cristal, en la que hizo pareja con Jeannette Rodríguez. Tras Cristal, siguió protagonizando, La dama de rosa, Señora y La Pasión de Teresa, entre otras.

Carlos Mata es el actor y cantante venezolano con mayor proyección a nivel internacional de los últimos años, sus más de 25 telenovelas, transmitidas en más de 60 países y traducidas a varios idiomas, su trabajo como animador y conductor en programas de TV, lo mismo que como imagen institucional y comercial de diferentes campañas. La participación en más 10 discos editados y sus giras musicales desde Canadá hasta la Patagonia, España, Italia y el norte de Africa, lo mismo que su participación en no menos de 9 obras de teatro, 6 películas y la conducción de un programa de radio, lo hacen uno de los más completos artistas de la Industria Televisiva y Musical en Latinoamérica.

MONA BELL

Nora Escobar (Santiago de Chile, 5 de enero de 1938 - Tijuana, México, 21 de abril de 2008), conocida artísticamente como Monna Bell, fue una cantante chilena.

Siendo apenas una adolescente, a mediados de los 50’s Nora Bell (Su verdadero nombre) participó en un concurso de búsqueda de talento en Radio Minería, la estación más popular de Chile de aquella época. Su voz y estilo cautivó a la audiencia y ella se convirtió rápidamente en una de las principales estrellas de los shows en vivo de la estación. Era reconocida por su habilidad de cantar baladas románticas con un estilo de jazz y blues, cualidad poco vista en los artistas latinos. En 1956 fue invitada por Roberto Inglez para unisrse a su grupo vocalista por tres semanas en en Waldorf Astoria en Nueva York. El éxito de la señorita Bell, fue tan grande que su temporada se extendió por un año completo en la Gran Manzana. De ahí inició una gira por Europa y después de una muy buena oferta del centro de espectáculos “Pasapoga”, el más famoso de Madrid, permaneció ahí una buena temporada, convirtiéndose en una gran favorita de la audiencia hispana.

En 1959 grabó con “Los Platters” la famosa canción “Mi oración” (My Prayer) que fuera el tema de la película “Anastasia” para Hispavox entre muchas otras románticas. En ese año fue invitada a aparecer en el primer Festival de la Canción de Benidorm en Benidorm, un club de playa en Alicante, España, donde presentó una novedosa canción titulada “Un Telegrama (canción)”, que ganó todos los premios. Su grabación de “Un telegrama” se convirtió pronto en un éxito internacional, tanto en Europa y América Latina, haciendo de Monna Bell una de las máximas artistas de la época. Éxito tras éxito grabó temas como “La Montaña” (Favorita de Juan Gabriel), “Silencio Corazón”, “Aún te sigo amando”, “Envidia”, “Tómbola”, y muchas otras que acrecentaron su fama mundial. Grabó con grandes orquestas dirigidas por grandes directores de la talla de Augusto Alguero Jr, Gregoria García Segura, Bebo Valdez y Ray Connif.

Monna Bell combinó sus actividades con presentaciones en vivo y presentaciones en televisión. Entre 1962 y 1964 realizó tres películas en México: “Las Recién Casadas” (1962), “Los Secretos del Sexo Débil” (1962) y “Buenas noches año nuevo” (1964). En esta época, conoce a Alex Philips Jr., con quien se casa y tiene dos hijos, sin embargo la relación con su esposo termina en una separación. Los éxitos siguen acumulándose año tras año. En 1968 se separa de Hispavox para firmar con Musart, firma que en aquellos años tenía otras prioridades en artistas americanos y europeos. En 1970, deja Musart y firma con Orfeon, donde materiales mediocres, malos arreglos y producción de baja calidad sabotearon su carrera. Ni aún el lanzamiento de la versión Disco en 1977 de “Un Telegrama” pudo revivir la popularidad de una de las más grandes voces de todas épocas de la música latinoamericana. Hubo también rumores de que el veto de Televisa, (Monopolio Mexicano de Televisión, Radio, Grabación, Clubes nocturnos, prensa e impresos) impidió que continuara con su exitosa y ascendente carrera.

Para 1980 su carrera había perdido toda velocidad y se reportaba que ella vivía “Felizmente retirada y disfrutando el fruto de sus éxitos”. Fue rápidamente olvidada por el público y por la industria disquera, ignorando el hecho de que ella era una de las más grandes voces del siglo y que había sido inspiradora de toda una nueva generación de vocalistas y compositores.

Entre esos compositores, se encontraba Juan Gabriel, el máximo compositor e intérprete Mexicano, quien quiso poner un remedio al retiro de Monna Bell, invitándola a participar como estelar en sus presentaciones en Estados Unidos y América Latina, naciendo una bella y duradera amistad entre el cantautor y la bella Monna. Juan Gabriel incluso produjo un álbum nuevo para la gran cantante, pero dicha producción ocurrió en los años en los que Juan Gabriel se encontraba peleando sus derechos de autor, por lo que la industria no veía sus proyectos con el valor que tenían.

La amistad entre Juan Gabriel y Monna Bell fue siempre muy cercana, donde con mucha frecuencia se visitaban mutuamente y compartían el tiempo juntos. A inicios del 2008 Monna es intervenida de un cáncer de Colon, saliendo victoriosa de la operación y con una excelente recuperación, sin embargo en abril del mismo año sufre una embolia que el día 21 la arrancó de nuestro mundo, llevándola a la eternidad, porque siempre será recordada como “La Divina Monna Bell

BONY M

JULIO MORA

Julio Mora (* 24 de diciembre de 1952, Batoví, Tacuarembó) cantante uruguayo de música folclórica.

Comenzó su carrera artística en los años 1970. Hacia 1973 es convocado por Martín Díaz para ingresar en lugar de Desiderio Coelho en una nueva formación del dúo “Los Lugareños”. Al año siguiente editan el disco “Viento norte” para el sello Sondor. A través de Díaz se vincula con el poeta también de Tacuarembó, Washington Benavides, el cual había sido su profesor de literatura en el liceo.

Su actividad junto a Martín Díaz se extendió hasta 1976, año en que debe emigrar a Montevideo en busca de trabajo. Por este motivo es sustituido en el dúo por Nito Almeida. En 1977 graba para el sello Sondor su primer trabajo solista. Este disco EP contó con los temas "Por la sanduceña" de Enrique Rodríguez Viera y Washington Benavides, y "Camino al Almacén" escrita también por este último. La edición de este trabajo le abrió la posibilidad de grabar su primer LP solista, el cual se editó al año siguiente y contó con textos de Washington Benavides y la participación de Carlos Benavides en guitarras.

En años posteriores brindó actuaciones en festivales de distintos puntos del país, y partició en varias obras musicales colectivas, como "Trovas por Leandro Gómez" junto a Carlos Benavides, Carlos María Fossati y Eduardo Larbanois, y "Estrella federal" grabado en Porto Alegre junto a Carlos Benavides, Enrique Rodríguez Viera, Sebastiao Fonseca de Oliveira y Humberto García.

Luego de un casi diez años de permanecer alejado de los espectáculos y las grabaciones, retorna la medio artístico en 2004 con la edición del disco "Adonde miran tus ojos", el cual cuenta con textos propios y también de los escritores Julio Cuello Márquez y Washington Benavides