HECTOR LAVOE

Héctor Juan Pérez Martínez (30 de septiembre de 1946 – 29 de junio de 1993) fue un cantante de Salsa Puertoriqueño. Lavoe nació y se crió en Machuelito un sector de Ponce. Tempranamente estudió en el conservatorio y desarrolló interés en la música inspirado por Jesús Sánchez Erazo. Se mudó a Nueva York cuando tenía diecisiete años. En su primera semana en esta ciudad, estuvo en la orquesta de Roberto García. Durante ese período, Lavoe estuvo en otros grupos, incluída la Orquesta de Nueva York, Kako All-Stars y la orquesta de Johnny Pacheco.

En 1967, Lavoe se convirtió en vocalista en la Orquesta de Willie Colón, en donde grabó grandes éxitos como El malo y Canto a Borinquen. Mientras pertenecía a esta orquesta, Lavoe se convirtió en adicto a la drogas. Colón finalmente decidió no trabajar con Héctor en el escenario, pero siguieron siendo buenos amigos. Lavoe formó su propia orquesta, donde era vocalista. Como solista grabó canciones como: El cantante, Bandolera y El periódico de ayer ('El Cantante' fue compuesta por Rubén Blades, 'Bandolera' por Colón y 'Periódico' por Tite Curet Alonso.) Durante éste período era invitado como vocalista de Fania All Stars.

SCOTT JOPLIN

Scott Joplin (Texarkana, Texas, Estados Unidos, 24 de noviembre de 1868 - Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, 1 de abril de 1917) fue un compositor y pianista estadounidense, una de las figuras más importantes en el desarrollo del ragtime clásico, para el que deseaba un estatus similar al de la música seria proveniente de Europa y la posibilidad de admitir composiciones extensas como óperas y sinfonías.

Scott Joplin, a diferencia de otros músicos contemporáneos, tuvo una formación musical clásica muy sólida, lo que se materializó en su tendencia a obtener un equilibrio formal basándose en el uso de tonalidades muy próximas entre sí.

Sus rags se valen de distintos ritmos e incluyen, generalmente, cuatro temas de 16 compases repetidos, con introducción y modulación antes del tercer tema; tras la profusión de sonidos irregulares y arpegiados siempre se encuentra en sus rags una melodía de carácter pegadizo que sigue el clásico patrón de frase antecedente-consecuente, dividiéndose así la melodía de ocho compases en dos partes relacionadas entre sí. Por lo demás, sus rags carecen de pasajes de desarrollo.

Scott Joplin no grabó nunca audios, aunque sí algunos piano rolls a finales de 1915 o principios de 1916;su legado, por tanto, se centra casi exclusivamente en sus partituras, diseñadas "para una ejecución milimétrica y minuciosa por parte del artista

SAMUEL BARBER

JOHN PHILIP SOUSA

Muy populares a fines de la década de 1800 fueron también las bandas que interpretaban marchas. El más destacado compositor y director de banda fue John Philip Sousa (1854-1932), quien se había hecho famoso como director de la banda del Cuerpo de Infantería de Marina de Estados Unidos. La música alegre y patriótica de Sousa, como su marcha "Barras y Estrellas", se conserva como una de las favoritas del público que concurre a desfiles, festivales cívicos y actos similares.

STEPHEN FOSTER

Del minstrel show surgió Stephen Foster (1826-1864), considerado el primer gran escritor de canciones de Estados Unidos. Aunque su preparación musical era mínima, Foster tenía el don de escribir sencillas e irresistibles melodías que cristalizaban los sentimientos de sus conciudadanos. Incluso hoy, casi todos se saben de memoria algunas de las canciones de Foster, por ejemplo, "Oh, Susana", cantada por cientos de mineros durante la fiebre del oro de 1849.

FRANCIS HOPKINSON

Los historiadores otorgan el honor de ser el primer compositor nacido en Estados Unidos a Francis Hopkinson de Filadelfia (1737-1791), un caudillo de la revolución y amigo cercano de George Washington, el primer presidente. Sin embargo, los expertos en música reconocen a William Billings (1746-1800) como una fuerza revolucionaria en la antigua canción. Compositor autodidacta, que nunca dejó de lamentarse por las reglas musicales, Billings escribió lo que el llamaba tonadas "amnésicas". Estas han sido juzgadas torpes y crudas, pero estaban llenas de alegría, tenían un ritmo contagioso y eran fáciles de aprender.

De todas las formas de canción y teatro populares que surgieron a principios del siglo XIX en Estados Unidos, ninguna fue tan influyente, o tan típica, como el espectáculo teatral cómico llamado minstrel show. En estas representaciones, que surgieron en la década de 1820 y desaparecieron bien entrado el siglo XX, actores blancos disfrazados se tiznaban la cara y cantaban, bailaban y contaban historias.

EDWARD MACDOWELL

Edward MacDowell, el mejor compositor de música seria del país a finales del siglo XIX, escribió que antes de Estados Unidos encontrar "un escritor de música para responder a su espíritu", necesitaba "sobre todo, tanto de parte del público como del compositor, absoluta libertad respecto a las restricciones que nos han sido impuestas por una casi ilimitada condescendencia al pensamiento y prejuicios europeos".

Los pioneros fundadores de Estados Unidos trajeron consigo su música: canciones y bailes, cánticos, himnos, y cierta música formal. Entre estas, fue la música religiosa la que predominó sobre las demás. Las melodías para los cantos de alabanza fueron trasmitidas principalmente por tradición oral, y sirvieron de base para gran parte de la música colonial.

DIOS BENDIGA A TODAS LAS MADRES DEL MUNDO, HOY SE CELEBRA EL DIA DE LA MADRE EN HONDURAS Y EL 10 DE MAYO EN MEXICO, MUCHAS BENDICIONES A TODAS EN TODAS PARTES

MARIO QUINTERO

LOS VECINOS DE LA CUADRA

SANTO Y JHONY

PARA DESCANSAR EL ALMA

MANUEL DE FALLA

Manuel de Falla y Matheu (Cádiz, España, 23 de noviembre de 1876 - Alta Gracia, Argentina, 14 de noviembre de 1946) fue un compositor romántico español. Con Isaac Albéniz y Enrique Granados, es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España.

En 1900 compuso Canción para piano y algunas piezas vocales y para piano. Estrenó Serenata andaluza y Vals-Capricho para piano en el Ateneo de Madrid. Debido a la precaria situación económica de la familia, comenzó a impartir clases de piano. Realizó sus primeras obras de zarzuela, como La Juana y la Petra o La casa de tócame Roque.

En 1901 conoció a Felip Pedrell, quien tendría notable influencia en su posterior carrera ya que despertó en él el interés por el flamenco y, en especial, por el cante jondo. Compuso obras como Cortejo de gnomos y Serenata, ambas para piano y tras componer algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés y Limosna de amor.

El 12 de abril de 1902 estrenó, en el Teatro Cómico de Madrid, Los amores de la Inés y ese mismo año conoció a Joaquín Turina y la Sociedad de Autores publicó Vals-Capricho y Serenata andaluza. Al año siguiente compuso y presentó Allegro de concierto al concurso convocado por el Conservatorio de Madrid, que finalmente ganó Enrique Granados y la Sociedad de Autores publicó las obras Tus ojillos negros y Nocturno. Ese mismo año, comenzó su colaboración con Amadeo Vives las zarzuelas Prisionero de guerra, El cornetín de órdenes y La cruz de Malta, de las que sólo se conservan algunos fragmentos.

Los años de estudio en la capital española culminaron con la composición, en 1904, de la ópera La vida breve, en colaboración con Carlos Fernández Shaw, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, no en Madrid sino en Niza (Francia). Dado de que no conocía todavía Granada, la ciudad en la que se ambienta esta ópera, Falla pidió información a su amigo Antonio Arango. De esta época son los Cantares de Nochebuena.

En abril de 1905 obtuvo el premio de piano convocado por la firma Ortiz y Cussó. El 15 de mayo de ese año estrenó en el Ateneo de Madrid la obra Allegro de concierto. El 13 de noviembre la Academia de Bellas Artes otorgó el premio de su concurso a La vida breve.

DUKAS

ENRIQUE GRANADOS

Enrique Granados y Campiña (Lérida, España, 27 de julio de 1867 - Canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916), compositor y pianista español. Por el carácter de su obra y por la época en que vivió es tenido como uno de los músicos nacionales españoles. Suele encuadrársele también en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg.

Hijo de padre cubano y madre gallega, cursó estudios de piano con Juan Baptista Pujol y de composición con Felipe Pedrell, en Barcelona, donde en 1883 ganó un primer premio de interpretación tocando la Sonata en sol menor de Schumann.

En 1887 se trasladó a París para estudiar allí con el pianista Charles de Beriot; tuvo así ocasión de consolidar su amistad con Albéniz, que había sido condiscípulo suyo en Barcelona, y de entablarla con los músicos franceses más representativos del momento, como Fauré, Debussy, Ravel, Dukas, D’Indy y Saint-Saëns.

A los 22 años, en 1889, regresó a Barcelona y, tras un brillante concierto, sentó su fama de virtuoso pianista, y enseguida, interpretando sus propias obras, también de compositor. Pero el gran reconocimiento de su talento musical llegaría como consecuencia del estreno en Madrid, en 1898, de su ópera María del Carmen, por lo que la reina María Cristina le otorgó la Cruz de Carlos III.

En 1900 fundó en Barcelona la Sociedad de Conciertos Clásicos, y un año después, la Academia Granados destinada a la enseñanza del arte pianístico.

Hito culminante de su obra para piano es la suite Goyescas, inspirada en algunos cuadros de Goya y estrenada en Barcelona el 11 de marzo de 1911. En 1916 había quedado adaptada y transformada en la ópera Goyescas. Ese mismo año se presentó la obra en la Ópera del Metropolitan de Nueva York. Para tal acontecimiento, Granados y su esposa Amparo se desplazaron a Estados Unidos, donde el compositor tuvo ocasión de ofrecer un recital en la Casa Blanca ante el presidente Wilson.

De regreso a Barcelona vía Londres, el barco en que viajaban, el vapor británico Sussex, fue torpedeado el 24 de marzo de 1916 por el submarino alemán SM UB 29, que aparentemente lo confundió con un barco minador cuando atravesaba el Canal de la Mancha . A pesar del caos reinante, Granados consiguió en un primer momento ponerse a salvo en uno de los botes salvavidas del Sussex. Sin embargo, pocos minutos después divisó a su esposa entre las olas a cierta distancia del bote, y saltó al agua en un intento desesperado por salvarla. Desgraciadamente su sacrificio fue inútil, y ambos perecieron ahogados.

En 2010 se encuentra el primer concierto para piano y orquesta del compositor rescatado por el director de orquesta Melani Mestre

FRANCK

César-Auguste-Jean-Guillaume-Hubert Franck (Lieja, 10 de diciembre de 1822 – París, 8 de noviembre de 1890). Compositor y organista francés de origen belga.

El conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, por lo que tuvo que solicitar la nacionalidad francesa. Durante la espera, César estuvo bajo la tutela de dos excelentes profesores, Zimmermann y Reicha, los cuales le auguraron un gran futuro. Obtenida la nacionalidad, César ingresó en el Conservatorio de París el 4 de octubre de 1837, a los catorce años. Concienzudo y minucioso, supo obtener un galardón cada año.

Los éxitos le abrieron nuevos horizontes, permitiéndole dar nuevos conciertos. A partir de ese momento, su padre se convirtió en su empresario, obligándole a componer una obra tras otra que le permitiesen actuar en público. De 1837 a 1844 la historia de César Franck es la de las decisiones tomadas por su progenitor, quien logró introducirlo en los salones de los constructores de pianos Pape y Erard y en diversos círculos privados. Nicolas Joseph llegaría al extremo de sacar a sus hijos del conservatorio, donde, en su opinión, perdían el tiempo.

En 1846, y con 24 años, César Franck, que hasta entonces se había sometido sin oposición alguna a los deseos de su padre, se rebela de pronto contra él. Desde hacía dos meses el joven compositor daba clases en un pensionado de París. Entre sus alumnas había una que atraía visiblemente su interés: Eugénie-Félicité Jaillot-Desmousseaux, hija de unos actores de la Comédie Française.

César discute violentamente con su padre y abandona el hogar familiar para instalarse en la rue Blanche, muy cerca de los Desmousseaux. Contra la voluntad paterna, el 22 de febrero de 1848 César Franck contrae matrimonio con Félicité; para llegar a la iglesia, los novios tienen que sortear las barricadas que la revolución había levantado en París.

Comienzan así los años oscuros. Durante veinte años, el músico llevaría una vida de pequeño burgués en la que los problemas del vivir cotidiano eran los únicos acontecimientos. Cada año, cinco o seis conciertos en Orleans como «pianista acompañante» servían para apuntalar su precaria economía. Era una existencia ahogada entre el peso de la lucha incesante por sobrevivir y la dedicación a la familia: cuatro hijos nacidos entre 1848 y 1853, dos de los cuales morirían a temprana edad. Fue la de César Franck durante esos años una vida apagada y sin brillo, en la que compuso muy pocas obras y, prácticamente, ninguna de especial importancia.

Un inesperado acontecimiento iba a transfigurar esa vida gris. En 1853, su amigo el abbé Dancel le ofrece el puesto de organista en su iglesia de Saint-Jean y Saint-François du Marais y pone a su disposición un excelente y moderno órgano, uno de los primeros instrumento construidos por Cavaillé-Coll.

Iglesia de Santa Clotilde, donde Franck fue organista 42 años.En 1858 Franck cambia de destino, convirtiéndose en organista de la iglesia de Sainte-Clotilde, dotada también de un magnífico Cavaillé-Coll. Franck se sentaría ante este instrumento excepcional hasta el fin de sus días. En él interpretaría, el 17 de noviembre de 1864, su compendio de Seis piezas para órgano, obra que significó el despertar de la música organística en Francia.

SAINT SAENS

Charles Camille Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835 — Argel, 16 de diciembre de 1921) fue un director y compositor francés de música académica.

Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Fauré y Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa—. Puede considerársele como un jalón esencial de la renovación que condujo a Debussy y a Ravel.

Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, entreteniéndose en discusiones con los mejores científicos europeos y escribiendo doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y proyectaba sus conciertos para que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica (Problemas y misterios), un volumen de poesía (Rimes familières) y la comedia (La crampe des écrivains), que tuvo un gran éxito.

Su extensa obra —compuso más de 400 abordando casi todos géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere demasiado académica (en Francia sobre todo). Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.

Aunque vivió casi siempre en París, se consideraba hijo adoptivo de Dieppe, una pequeña ciudad de la Alta Normandía, donde se instaló en 1888. Hoy día su legado se expone en el Château-Musée de dicha localidad, en una sala expresamente dedicada a él, el salón Saint-Saëns.

ANTONIN DVORAK

Antonín Leopold Dvořák , compositor checo (nació en Nelahozeves el 8 de septiembre de 1841 y falleció en Praga el 1 de mayo de 1904), posromántico y nacionalista; uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Sin perder una amplia proyección internacional, supo extraer las esencias de la música de su tierra: Bohemia.

Nació en Nelahozeves, pequeña población al norte de Praga, el 8 de septiembre de 1841. Su padre, Frantisek Dvorák, poseía un reducido establecimiento hotelero. En Zlonice recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín, el piano y el órgano. De 1857 a 1859 residió en Praga en casa de un tío suyo mientras estudiaba en la Escuela de Órgano de la ciudad. Cuando su tío no puede mantenerle por más tiempo pasó a integrarse en la orquestina de Karel Komzák como medio de ganarse la vida, adquiriendo cierta reputación como intérprete. En 1886 pasó a la orquesta del Teatro Nacional de Praga que dirigía Bedrich Smetana. En 1873 saltó a la fama con su composición “Himno Patriótico”, de hondo calado nacionalista, ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de “Danzas eslavas”. En el verano de 1874 obtuvo una beca del gobierno austriaco de 400 florines en mérito a las composiciones que presentó. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado “honoris causa” por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Tchaikovsky estuvo en San Petesburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Una etapa singular de su vida fue la que pasó en Estados Unidos, Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York le ofreció la dirección del centro, lo que le determinó a trasladarse allí en 1892. Bajo la influencia de los “espirituales negros” y de la música popular compuso la sinfonía nº 9 “del Nuevo Mundo” y el conocido “Cuarteto americano”. Regresó a su país en 1895 para hacerse cargo de la dirección del Conservatorio de Praga. Aquí murió de una congestión cerebral el 1 de mayo de 1904

LO MEJOR DE RUSIA

MELINA PINEDA

Melina Pineda, es una mezzosoprano hondureña, desde muy joven demostró su habilidad lírica, ganó una beca para continuar sus estudios en Estados Unidos, comenzó su carrera como soprano, luego pasó a ser mezzosoprano, ha cantado en Inglés, Español, Francés, Latín, Italiano.

Nació en Tegucigalpa, Honduras, el 21 de Febrero de 1973. Obtuvo su maestría en ópera en el año 1999 en The Boston Conservatory y luego fué seleccionada para formar parte del reconocido Boston University Opera Institute. En la temporada 2001 a 2002, Melina Pineda, hace su debut con la ópera Boston Lyric como Thibault en Don Carlo de Verdi, y en el Utah Festival Opera como Adah en Naughty Marietta de Victor Herbert.

Apareció como Rosina en Il Barbiere di Siviglia con la orquesta nacional sinfónica de Honduras y en el festival de música de verano cantó varios recitales, ella cantó una canción en español en un recital para la inauguración presidencial en 2002. Durante este tiempo conoció al que, cumplidos los 19, sería su primer esposo: Andrew Graham Stewart, que también ejercería de productor y manager por un tiempo.

Obtiene su bachiller en ciencias en negocios de administración, música en menor, en la university de Ozarks, en mayo de 1995.

Obtiene el grado de Máster en ópera “Summ Cumm Laude” en el conservatorio de Boston en mayo de 1999.

Ganó un Certificado en Performance, en el Instituto de ópera de la Universidad de Boston en el año 2002. Ganó otra beca, Anna Sosenko Performance Trust Grant en el año 2003.

Ha obtenido varios premios en diversos teatros y competencias de ópera, en estados como Massachusetts, Florida y paises, entre ellos Honduras. Ha realizado muchas presentaciones en Honduras y en naciones vecinas.

Sus maestros de voz fueron Marlena Malas, Steven Smith y Sharon Daniels. Inicialmente comenzó siendo soprano, en la actualidad es mezzosoprano.

Sus entrenadores de voz han sido: Craig Rutenberg, Stephen Steiner, Scott Gilmore, Allison Voth, Michael Strauss, Ken Merrill, Carrie-Ann Matheson, Deborah Birnbaum, Kathy Kelly.

Ha tenido como Conductores a: Stewart Robertson, Richard Buckley, Michael Stern, Stephen Lord, , Martin Perlman, Gerald Steichen, William Lumpkin.

Algunos de sus directores han sido: Renata Scotto, Renaud Doucet, Edward Berkeley, Janet Bookspan, Leon Major, Rhoda Levine, Francis Cullinan, Bill Fabris, Cecelia Schieve, Patricia-Maria Weinmann

ANGELA CARRASCO

Ángela Carrasco (nacida el 23 de enero del 1950 en Dajabón) es una cantante y actriz dominicana. Fue la cuarta de siete hermanos. Su padre, Blas Carrasco, era un guitarrista que había formado una academia de música, y su madre, Ángela, era cantante, aunque nunca pudo ejercer debido a la dedicación de su familia.

En su hogar la música era algo cotidiano y a los siete años hizo su primera incursión en el mundo de la publicidad, interpretando el tema de una bebida. Se presentó junto a su padre en un auditorio de su país interpretando un tema del compositor dominicano Salvador Sturla.

Su vida transcurrió llena de juegos, estudios y música. A los trece años, junto a sus hermanas, comenzó a impartir clases de guitarra en la escuela de música Salvador Sturla, de la cual su padre era director y propietario. A los 15 años, se convirtió en presentadora en un programa de televisión llamado Órbita y se destacó en el programa Cascada de Éxitos. En este período tuvo una participación activa en la farándula dominicana y posteriormente logró obtener una beca de estudios y se marchó a España.

Artista consagrada ha actuado en los escenarios más prestigiosos del mundo. Su carrera arranca en España con el Teatro musical, y posteriormente siembra éxitos en EEUU y en toda Latinoamérica compartiendo la escena con importantes artistas del panorama internacional, en sus más de 30 años de carrera y con una veintena de discos grabados, ha llegado a ganar diversos premios de la música en el mundo. Se hizo popular en los 70's, 80's y parte de los 90's. En septiembre de 2006 durante cuatro días, celebró su espectáculo en el Teatro Reina Victoria de Madrid y con gran éxito de público "A Viva Voz 30 años de Música" llevando el show a varios teatros y Salas de España y América (groups.msn.com/AngelaCarrasco). Actualmente comparte su carrera artística con la dirección en Madrid del Centro ABC Estudio dentro de los estudios CATA y en esta nueva faceta de su vida, recupera su amor y devoción por el Teatro Musical apostando por los artistas de este género y proporcionándoles una completa formación.

PABLO ABRAIRA

Pablo Abraira (n. Madrid; 1 de julio de 1949), cantante español. Fue uno de los máximos exponentes de la canción melódica en España en los años setenta. Debutó en el mundo de la canción en los sesenta integrándose en el grupo Los Grimm, de música blues y en el que coincidió con Pedro Ruy Blas.

En 1976 el productor Álvaro Nieto le permite debutar como solista con la canción O tú o nada, de Rafael Pérez Botija, que se convierte en un auténtico éxito, alcanzando el número uno en las listas de ventas.

Un año después publica su primer LP 30 de febrero, en el que se incluye su canción más conocida Gavilán o paloma, cinco semanas en el número 1. En 1978 lanza Visiones, sin gran repercusión.

A finales de los setenta, optó por representar grandes musicales, como Lovy (1980), Evita (1982) (donde interpretó a Che Guevara en sustitución de Patxi Andión), la reposición de Jesucristo Superstar (1984) o La Magia de Broadway (1999).

ANAMELBA

MALCOLMS DODDS

JACKIE WILSON

DAVID GILMOUR

David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. En 1963 formó la banda Joker's Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto período. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

RAMONA GALARZA

Ramona Galarza (n. 1940), conocida como la novia del Paraná, es una conocida cantante de chamamé y música litoraleña, de Argentina. Grabó más de 30 álbumes originales y participó en 9 películas. Difundió e hizo populares varias canciones incorporadas al cancionero popular de la música litoraleña como su versión en guaraní de "Kilómetro 11", "Merceditas", "Pescador y guitarrero", "La vestido celeste", "Virgencita de Caacupé", entre otras.

JOE PASS

Joe Pass, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua (New Brunswick, Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), fue un gran guitarrista de jazz estadounidense. Caracterizado por su uso del walking bass, del contrapunto melódico en medio del curso de una improvisación y de un estilo melódico de acordes, se trata de uno de los más alabados guitarristas del jazz, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.

Este genial guitarrista se confesó siempre un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien le transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este maravilloso guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio discurso. Falleció en Los Ángeles, California en 1994.

JOHN BARRY

John Barry OBE (York, Yorkshire, 3 de noviembre de 1933) es un compositor británico de música de cine.

Nació en York, Yorkshire, Gran Bretaña el 3 de noviembre de 1933. El Jazz ha influido en sus primeras composiciones y se refleja perfectamente también en su primer grupo, The John Barry Seven.

La familia de Barry ha estado involucrada en el negocio del Cine, pero fue durante su Servicio Nacional que empezó a desempeñarse como músico, después de tomar un curso de correspondencia (con el compositor de Jazz, Bill Russo) y trabajar como arreglista para varias de las bandas musicales de aquel entonces, el formo su propio grupo The John Barry Seven, fue ahí en donde conoció al compositor Adam Faith, y junto a ellos compuso canciones y piezas para varios filmes.

Estos logros captarón la atención de los productores del filme Dr. No, Albert R Broccolli y Harry Saltzman quienes mostraban un disgusto por la partitura escrita por el compositor Monty Norman. Por lo que ellos despidierón a Norman y le encomendarón a Barry componer el resto de la partitura del filme, aparte de arreglar y hacerle modificaciones importantes al tema principal lo cual resultaría en la creación del Tema de James Bond.

Barry es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los Instrumentos de Viento-Metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador siendo de los primeros en utilizar Sintetizadores en una partitura fílmica (On Her Majesty's Secret Service). La orquestación de Barry combina la sección de las trompetas con la de las cuerdas creando un sonido fácilmente reconocible. La música de Barry normalmente realza la respuesta del publico hacia un filme como más notablemente se puede ver en "Midnight Cowboy", "Out of Africa", y "Dances with Wolves."

No sólo ha compuesto música para el cine, ya que su colaboración con la televisión ha sido enorme, tanto en películas como series televisivas. Uno de estas es el tema que el creo para la serie televisiva, The Persuaders en la cual el tema se caracterizo por el uso del Sintetizador Moog como un arreglo importante.

Barry ha escrito también la música para varios musicales entre los que se encuentra el exitoso West End, The Little Prince And The Aviator y Lolita, My Love, todos ellos teniendo a Alan Jay Lerner como letrista. urante el 2006; Barry fue el Productor Ejecutivo del álbum, Here's to the Heroes del grupo Australiano The Ten Tenors, el Album presenta varias canciones las cuales fueron escritas en colaboración con su Letrista habitual y amigo Don Black. John Barry fue inducido en 1998 al Songwriters Hall of Fameno

De 7 candidaturas a los Óscar, ha ganado 5 estatuillas: Nacida libre (1966), por la que ganó el premio en las categorías de Mejor banda sonora y Mejor canción; El león en invierno (1968); Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990

CHRISS NORMAN

Chris Norman (nacido Christopher Ward Norman, 25 de octubre de 1950, en Redcar, North Yorkshire) es un cantante de Soft Rock inglés. Ha realizado 10 trabajos con el grupo inglés de estilo Glam Rock Smokie, del cual fue miembro fundador, y más de 20 de solista.

A pesar de que sus padres no pretendieron que comenzase una carrera musical, cuando tan sólo tenía tres años, dio al salto al escenario y se unió a la formación del show en que trabajaban sus padres. Este hecho pudo haber tenido un efecto en él, puesto que con siete años tuvo su primera guitarra. Sus primeras influencias musicales fueron tales como Elvis Presley, Little Richard y Lonnie Donegan.

Durante su infancia, los padres de Norman se desplazaron a menudo por el país haciendo que viviese en varias ciudades inglesas tales como Redcar, Luton, Kimpton y Nottingham y se viese obligado a cambiar hasta nueve veces de escuela. En 1962, sin embargo, su familia se estableció en Bradford, ciudad natal de su madre. Aún sin haber cumplido los doce años, Norman comenzó a ir a la escuela St. Bede's Grammar School, lugar en que conoció a Alan Silson y Terry Uttley, quienes serían años más tarde miembros de la banda musical Smokie.

En su adolescencia estuvo influenciado por bandas pertenecientes a un emergente estilo musical, el beat, tales como The Beatles y los Rolling Stones, y por el cantante de folk Bob Dylan. Norman y Silson comenzaron a quedar y pasaban casi todo su tiempo libre aprendiendo a tocar nuevas canciones con sus guitarras. Consiguieron persuadir a Uttley junto a un amigo batería llamado Ron Kelly para que se uniesen a ellos para formar su primera banda de música. Yen, Essence y Long Side Down fueron algunos de los nombres utilizados en sus primeros años antes de establecerse como “The Elizabethans”.

En 1968 “The Elizabethans” fueron consolidándose gracias a pasar una temporada en el campamento de verano Butlins en Skegness. Otro cambio de nombre para la banda de Norman era inevitable, mas durante los siguientes siete años, él y su banda adquirieron mucha experiencia en diferentes tours por todo el país. Interpretaron varias canciones en vivo en algunas emisoras de radio, incluyendo Radio 1 Roadshows. Además, obtuvieron un contrato con RCA, y más tarde con Decca Records, lanzando tres singles bajo su nuevo nombre “Kindness”. Los lugares en donde tocaron y el estilo musical fueron variopintos, siendo éste último fruto de mezcla de estilos de grupos de aquella época como Small Faces y Free entre otros. Cabe destacar que siguieron teniendo como referente a The Beatles. En 1973 Ron Kelly abandonó el grupo a la vez que contactaron con un viejo amigo, Pete Spencer, para ocupar la vacante de batería, con lo que el grupo se estableció como Smokye, pasando a ser poco tiempo después, Smokie debido a que el cantante de soul y R&B Smokey Robinson amenazó con demandarlos alegando que el nombre de la banda podría confundir a la audiencia.

En aquel mismo año el grupo contrató a su nuevo manager Bill Hurley. Hurley hizo que el grupo terminase el contrato que mantenía con Decca Records, pasando a ser su nueva compañía discográfica RAK de Mickie Most, y cuyos compositores eran Nicky Chinn y Mike Chapman. Ya en 1974 habían desarrollado su propio estilo mostrando un estrecho coro a tres voces y la distintiva voz de Norman. Su primer álbum como Smokie fue Pass it Around, lanzado en 1975.

BARRY MANN

JOVITA DIAZ

LOS JOAO

GABY ZEVALLOS

CLAUDIA DE COLOMBIA

Gladis Caldas Méndez, más conocida como Claudia de Colombia (Bogotá, 21 de enero de 1950) es una cantante colombiana  se inició muy temprano en el campo artístico. En su adolescencia formó parte de El Club Del Clan, al lado de figuras como Emilce, Maryluz, Billy Pontoni, Óscar Golden y Vicky. Se trataba de un programa musical juvenil de los años 1960 en Colombia.

En el umbral de los años 70 comienza su carrera como cantante profesional, grabando en 1970 su primer trabajo discográfico; por otra parte, Claudia de Colombia ha incursionado también en la actuación. Su carrera más productiva fue en los años 1970 y 1980, siendo la primera artista colombiana en tener éxito en el exterior cantando música popular. Actualmente, tras incursionar en el cine, está retirada de los escenarios.

Los triunfos, que han sido bastantes, la han llevado a llenar escenarios tan dispares como el Teatro Teresa Carreño de Caracas, el Madison Square Garden de Nueva York, así como grandes estadios de Argentina, Ecuador, México, Panamá y Colombia. Se dice que es la cantante colombíana que más discos ha vendido y aun sigue vendiendo.

En los años 70 su fama traspasó fronteras cuando reclamó en Venezuela al presidente de aquel entonces "Mire presidente, va siendo hora de que los venezolanos nos devuelvan el islote de Los Monjes...". Hecho que la consolidó como una mujer de caracter sin par

BANDA TORO

PETE SEEGER

STEWART COPELAND

Stewart Copeland es músico y compositor. Considerado como uno de los mejores bateristas de rock de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Su manera de ejecución hacia el instrumento habría de influir de bateristas como Chad Smith entre otros. Nació el 16 de julio de 1952 en Alexandria, Virginia (Estados Unidos), hijo de un ex agente de la CIA. Junto a Sting en bajo y Andy Summers, guitarra, crearon el grupo The Police del cual fue primer líder y compositor. Alternativamente a su estancia en The Police editó varios Ep´s bajo el seudónimo Klark Kent, y posteriormente a Police formó parte de conjuntos como "Animal Logic" o el más reciente "Oysterhead", junto al bajista y cantante de "Primus", Les Claypool y el guitarrista y cantante de "Phish", Trey Anastasio.

TINA CHARLES

Tina Charles (nacida el 10 de marzo, 1954, Whitechapel, Londres, Reino Unido) es una cantante de música disco que alcanzó su mayor nivel de popularidad en los años 1970s

Tina comenzó su carrera como vocalista de coros y grabó su primer single en solitario en 1969, con un entonces desconocido Elton John, realizando los coros. En 1971 grabó un disco llamado "Joe" (sobre un perrito).

Realizó los principales coros para el éxito de la música disco "I'm on fire", en 1975. Aunque no era públicamente reconocida como miembro del grupo, se opinó que poseía una mejor voz que la cantante oficial del grupo. Esta canción alcanzó el número 4 en el Reino Unido, y el número 26 en los Estados Unidos, y cuando trascendió el hecho de que los vocales los realizaba ella, su carrera como cantante solista despegó.

El gran hit de Tina Charles llegaría en 1975, cuando el compositor y productor musical de origen angloindio Biddu, que acababa de lograr un éxito internacional como autor de "Kung Fu Fighting" para Carl Douglas, produjera para ella el single "I Love To Love". Éste permaneció durante 3 semanas número uno en la lista de singles del Reino Unido en febrero de 1976 y fue un éxito en muchos otros países. Continuó sacando singles número uno, como "Love Me Like A Lover", "Dance Little Lady Dance", "Dr Love", "Rendezvous" and "Love Bug", que la convirtieron en una estrella en Europa, Asia, Australia y Nueva Zelanda, pero nunca consiguió el éxito en los Estados Unidos.

Sobre 1979, su carrera comenzaba a declinar, y la música disco iba perdiendo el favor del público. Tina se casó y tuvo un hijo, y se dedicó durante unos años a su familia, lo que provocó que su carrera musical llegara a su fin. A mediados de 1980, intentó volver al panorama musical, pero no tuvo mucho éxito. Desde el año 2000, Tina ha actuado por Europa, donde la música disco y sus grandes éxitos han vuelto a la escena, y se ha convertido en una intérprete muy popular.

ANDREW LLOYD WEBBER

Andrew Lloyd Webber, Barón de Sydmonton, compositor británico (South Kensington, Londres, 22 de marzo de 1948) es uno de los compositores teatrales más renombrados de finales del siglo XX con obras que se han mantenido con gran éxito tanto en Broadway como en el West End londinense.

Ha producido 16 musicales, dos bandas sonoras y una misa de Réquiem en latín. Ha acumulado gran cantidad de premios, entre los que destacan tres Premios Tony, tres Premios Grammy, un Óscar, un Emmy Internacional, seis Premios Olivier y un Globo de Oro. Su compañía, Really Useful Group, es una de las más importantes de Londres. Algunas de las canciones de sus obras del teatro, como Don't Cry For Me, Argentina (de Evita) y Pie Jesu (de su Requiem Mass) han tenido éxito en Europa y América fuera de las representaciones teatrales y han sido cantadas por muchos artistas.

JAY AND THE AMERICANS

JIM MORRISON

James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo 2 hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera militar de su padre y vivir en diversas bases militares (a los 14 años de edad ya había tenido 7 hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en la forma de ser de Jim, tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.

El joven James se marchó de su hogar a los 19 años. Era un muchacho alto y fornido, siempre desarrapado que podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudiaba en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, estudiando en la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End, como soundtrack de introducción para su película ambientada en la guerra de Vietnam, titulada: "Apocalypse Now". Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues estaba desilusionado de la carrera y de la comercialización en la industria cinematográfica.

Decidió enfocarse de lleno a lo que él considero siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitándoles largos y complejos sonetos del siglo XVIII.

Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia Morrison tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, de adolescente y como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció, ni vio en concierto, pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido por Presley en la disquera SUN, como fue "Mystery Train", la cual interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría miedo escénico. Sus primeros conciertos los hizo dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (Trastorno límite de personalidad, o BDP, Borderline disorder of personality). Esto le llevó a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas, que hicieron que se volviera un experto en el tema, en especial con el peyote, interesándose en el chamanismo. Incluso escribió un tratado sobre las drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamanista, y que al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que si ves a un indio morir, su espíritu se entorna hacia a ti, que fue lo que le habría pasado a él.

GRAND FUNK RAILROAD

La banda fue formada en 1968 por Mark Farner (vocalista, guitarra) y Don Brewer (vocalista, batería), de Terry Knight and the Pack, y Mel Schacher (bajo) de ? & the Mysterians en Flint, Michigan. Terry Knight miembro inicial de la banda pronto se convertiría en su manager y la nombraría a partir de la Grand Trunk Western Railroad, una bien conocida línea ferroviaria de Míchigan. El primer reconocimiento que se tiene registrado fue en el Atlanta Pop Festival, la banda fue fichada por Capitol Records, estereotipada como Cream, pero desarrollando su propio estilo musical, en 1970 vendieron más álbumes que cualquier banda americana y se convirtieron en la mayor atracción en concierto. En ese mismo año ganaron su primer disco de oro por el álbum "Grand Funk" (también conocido como "El álbum rojo") y un éxito sencillo llamado "Closer to Home"(Cerca de casa) del álbum homónimo, que era estilísticamente parecido a los anteriores Terry Knight and the Pack. Un año después, batieron el récord de asistencia en poder de los Beatles, en el Shea Stadium, al vender todas las localidades en 71 horas. Ese récord sigue vigente hoy en día.

A pesar de las numerosas críticas y la poca cobertura que tuvieron en radio, los primeros 8 álbumes que la banda realizó en tres años fueron exitosos. Knight lanzó una campaña publicitaria intensiva para promover "Closer to Home", pagando supuestamente 100,000 dólares por los tiempos en las listas de popularidad de Nueva York Times Square. Ese álbum fue certificado con categoría multiplatino a pesar de la criticada falta de éxito. En 1972 Grand Funk despidió a Knight; Knight emprendió una demanda legal, por incumplimiento de contrato teniendo como resultado una contienda judicial prolongada.

En 1972 Grand Funk Railroad realizó su sexto álbum Phoenix y agregó a un cuarto miembro a la banda de nombre Craig Frost (teclados), y como resultado de la contienda legal que tenía en proceso, acortó su nombre a Grand Funk. Esto también se reflejó en un cambio de estilo en sus raíces originales en el Rock & Roll para perfilarse mas a la orientación de estilo pop que sus principales fans aclamaban. Dos sencillos pop, exitosos fueron "We're an American Band" y "The Locomotion"(escrita por Carole King y Gerry Goffin y anterior éxito de"Little Eva"), que fueron seguidos por un álbum de estilo pop, All the girls in The World Beware!!, y el nombre regresó a "Grand Funk Railroad", la popularidad del grupo decreció. Después de finalizar Good Singin',Good Playin' (1976) bajo la producción de Frank Zappa, la banda se desintegró. Farner comenzó una carrera de solista, mientras Brewer, Schacher y Frost formaron la banda "Flint" con la adición de Billy Ellworthy.

THE HONDELLS

HELMUTT LOTI

 

BOOKER T. & M.G.´s

Booker T. & the M.G.'s es una agrupación instrumental de música soul, muy popular entre los años 1960 y 1970.

Son comúnmente asociados con la compañía discográfica Stax Records y considerados parte del subgénero denominado Memphis soul. Fue uno de los primeros grupos de la música popular, en estar conformados por diferentes razas. La banda es mejor conocida por su éxito musical de 1962, la pieza de rock instrumental Green Onions.

Los integrantes originales del grupo fueron Booker T. Jones (órgano y piano), Steve Cropper (guitarra), Lewie Steinberg (bajo) y Al Jackson, Jr (batería). Donald "Duck" Dunn reemplazó a Steinberg al bajo en 1965 y desde entonces ha permanecido en la banda. Después de 1975 al morir Al Jackson Jr., los bateristas Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts se integraron a la agrupación en diversas etapas.

En 1992, Booker T. & The M.G.'s fueron admitidos al Salón de la Fama del Rock, en el 2004 la revista Rolling Stone posicionó al grupo en el lugar número 93 de su lista 100 Greatest Artists of All Time y en el 2007 recibieron el Grammy Lifetime Achievement Award.

LOS MONKEES

The Monkees fue una banda de rock cuyos componentes eran originarios de la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos. El grupo fue creado originalmente para una comedia televisiva del mismo nombre en la cadena NBC, fueron seleccionados entre más de 500 jóvenes (entre los rechazados estaban músicos que después fueron famosos como Stephen Stills y Danny Hutton, ya que los productores estaban más interesados en crear un concepto comercial que tener músicos con talento) que fueron a las audiciones para un espectáculo de televisión y discos producidos por Don Kirshner. El espectáculo contaba con un sentido del humor irreverente, muy similar o más bien copiado al de "A Hard Day's Night", la primera película protagonizada por The Beatles, además de esto sólo uno de ellos era músico (Michael Nesmith) y el resto aprendió a tocar sobre la marcha, mientras en sus primeros álbumes la pista era tocada y compuesta por los mejores músicos y compositores de Estados Unidos como Carole King, Neil Sedaka, Neil Diamond y Tommy Boice y Bobby Hart, así que no podía haber fallo en el aspecto de los éxitos y no lo hubo entre los años 1966 y 1968. A partir del disco Headquarters ellos ya tenían la capacidad de tocar los instrumentos en el disco y así lo hiceron, desgraciadamente para ellos salió a la venta el álbum de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y fueron desplazados del número 1 después de sólo una semana; además emprendieron junto a Jack Nicholson el Proyecto de la película "Head", la cual fue un desastre, su programa fue cancelado y al poco tiempo Michael Nesmith dejó la banda comprendiendo que para sus creadores los Monkees sólo fueron un producto y nada más. Curiosamente en esta época The Monkees rechazó grabar "Sugar Sugar" y Kirshner al ver la posibilidad de ahorrarse la selección y conflictos que llevaba elegir a los miembros, creó un grupo de dibujos animados llamado The Archies, basado en la tira cómica Archie y "Sugar Sugar" fue el mayor éxito de 1969.

GLEN CAMPBELL

Glen Wesley Campbell (22 de abril de 1936, Billstown, Arkansas, Estados Unidos). Uno de los cantantes pop y country americanos más famosos, representativo de las épocas 1960 y 1970 durante las cuales adquirió la estatura de leyenda, pese a solo haber colocado pocos éxitos en la radio local y a nivel internacional. Fue el autor del tema del filme True Grift que llevo el mismo nombre, dicho filme le mereció un Oscar a John Wayne, el tema, también fue nominado al premio de la Academia. Su éxito, By The Time I Get To Phoenix (Cuando llegue a Phoenix), lo colocaría dentro de los clásicos de la música Pop, americana. Ganador del Premio Grammy en varias ocasiones, siendo el único en haber ganado dicho premio en dos categorías distintas (Country y Pop) de manera simultanea. Fue inducido al Salon de la Fama de la Música Country en el año 2005

 

TEDDY RANDAZZO

NINO DE ANGELO