lunes, 24 de mayo de 2010
IAN GILLAN
Ian Gillan ( * 19 de agosto de 1945 (64 años) en Hounslow, Londres) es conocido por ser el cantante de la legendaria banda de hard rock británica Deep Purple.
En 1970 interpretó el papel de Jesús de Nazaret en el disco conceptual original de la ópera rock Jesucristo Superstar. Fue también, aunque de manera muy breve, vocalista de Black Sabbath, una de las grandes bandas del Heavy metal clásico.
Ian Gillan es considerado uno de los cantantes de rock más destacados e influyentes de la historia del género, pues poseía en sus inicios un rango de voz muy extenso, en el cual se movía sin aparente esfuerzo, y con mucha precisión en los registros más altos. El tema "Child in Time" de Deep Purple, y sus famosos duelos voz/guitarra junto a Ritchie Blackmore, son algunas de las muestras más significativas y sorprendentes de ello.
Gracias a sus aportes y trascendencia, Gillan es tenido como uno de los principales gestores del estilo de canto del Hard Rock, y del que a la larga sería el del Heavy Metal, y es citado como fuente de inspiración por cantantes como Bruce Dickinson (Iron Maiden), Rob Halford (Judas Priest), James LaBrie (Dream Theater), Sebastian Bach (ex Skid Row), Joe Elliott (Def Leppard) y Andi Deris (Helloween).
RUSH
Rush es una banda canadiense de rock progresivo formada en agosto de 1968 en el barrio de Willowdale de Toronto, Ontario. La formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al batería original, John Rutsey, antes de su primera gira estadounidense. Está integrada por el bajista, teclista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el batería y letrista Peart.
Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la ecléctica temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria y desarrollando también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales.
Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años; en sus primeros álbumes era heavy metal inspirado en el blues, después fue hard rock y rock progresivo, además de un período en el que predominó el uso de sintetizadores. Han influenciado a numerosos artistas y bandas, como Metallica, The Smashing Pumpkins y Primus, además de bandas de metal progresivo como Dream Theater y Symphony X.
En 2004, sus ventas totales a nivel mundial se estimaron en cuarenta millones de copias. Hasta 2009, la banda había vendido sólo en los Estados Unidos veinticinco millones de álbumes, según la agencia de certificación RIAA, que los sitúa en su lista de artistas con más ventas, y que les ha otorgado 24 discos de oro y 14 de platino, 3 de ellos de multiplatino (más de dos millones de copias vendidas) por los álbumes de estudio 2112 (1976), Moving Pictures (1981) y el recopilatorio doble Chronicles (1990). Según la RIAA, son también una de las bandas en obtener más certificaciones de oro o platino consecutivas detrás de bandas como The Beatles, The Rolling Stones o Aerosmith. Desde 1974 a 2010 han editado 19 álbumes de estudio, 8 álbumes en directo y 8 álbumes recopilatorios.
LEE HAZLEWOOD
Barton Lee Hazlewood, más conocido como Lee Hazlewood, fue un cantante, compositor y productor estadounidense nacido en Mannford, Oklahoma el 9 de julio de 1929 y fallecido el 4 de agosto de 2007 en Henderson cerca de Las Vegas.
En 1963 editó su primer disco como cantante, Trouble In a Lonesome Town, en el que describía su ciudad natal, Mannford. Tanto en éste como en sus siguientes álbumes incluiría temas nuevos junto a otros que había escrito anteriormente para otros artistas. En estos discos, ya estaba definido el estilo de Hazlewood, quien no tenía ningún reparo en combinar en sus canciones diferentes estilos, como el country, el jazz, el pop orquestado o posteriormente el rock psicodélico algo que unido a su profunda voz de barítono hacía que su sonido fuera fácilmente reconocible.
En 1965 comenzó a colaborar con Nancy Sinatra , para quien escribió y produjo These Boots Are Made for Walkin', canción que obtuvo un gran éxito en todo el mundo. Esta colaboración se prolongó durante varios años, llegando a producir nueve de los discos de la cantante. También grabaron varias canciones interpretadas a dúo que fueron recopiladas en el disco Nancy and Lee en el año 1968, entre ellas la popular Some Velvet Morning. En 1967 grabaron You Only Live Twice, el tema principal de Sólo se vive dos veces, la quinta película de la saga de James Bond, así como el single Something Stupid, en el que Nancy hacía un dueto con su padre Frank.
En 1969 editó The Cowboy and the Lady, donde esta vez se hizo acompañar por la actriz Ann Margret. A principios de los 70 decidió dejar los Estados Unidos para vivir entre Londres, París y Suecia, país en el que realizaría el álbum Cowboy in Sweeden en 1970.
De vuelta en EEUU, registraría su segundo disco de duetos con Nancy Sinatra, Nancy & Lee Again, que contenía su éxito Did You Ever?. Después de este disco Lee siguió grabando tanto en su país como en Suecia hasta 1977, año en el que lanzaría Back On The Street Again, su último disco hasta trece años después.
En 1993 rompería su silencio con el disco Gypsies and Indians, interpretado junto a la cantante finesa Anna Hanski, aunque sus nuevas canciones carecían de la fuerza de sus mejores años. A partir de este álbum reactivaría su carrera, editando varios álbumes más y también volviendo a los escenarios junto a Nancy, con la que la que registró su tercer disco de duetos.
En 2006 se le diagnosticó un cáncer renal terminal, lo que no impidió que grabara en ese mismo año su último LP, Cake or Death, en el que participan varios miembros de su familia y que fue su disco de despedida. Murió el 4 de agosto de 2007 a la edad de 78 años de edad.
domingo, 23 de mayo de 2010
SHIRLEY BASSEY
Shirley Bassey nació en Tiger Bay, un barrio de la ciudad de Cardiff, en 1937, siendo la séptima hija del matrimonio formado por un pescador de origen nigeriano y una joven inglesa de Yorkshire. Su padre murió cuando ella tenía 2 años.
A los quince años tuvo que abandonar la escuela para trabajar como empaquetadora en una fábrica local. Al mismo tiempo, cantaba en clubes y pubs para ganarse algún dinero extra. En 1953 firmó un contrato para protagonizar un musical basado en la vida de Al Jolson. Ese año, y con tan solo 16 años, tuvo a su hija mayor, Sharon, por lo que tuvo que abandonar el mundo de la música para cuidar de la pequeña. Pero, en 1955, volvió a encauzar su carrera musical y protagonizó el musical de Al Read "Such Is Life". A partir de ese momento, la carrera de Shirley Bassey ascendió de forma imparable con continuos éxitos en las listas de singles británicas.
Ha estado casada en dos ocasiones. Su primer matrimonio fue con Kenneth Hune en 1961, y la relación duró hasta 1965. En 1968 se casó por segunda vez, esta vez con Sergio Novak, con quien tuvo a su hija Samantha. La pareja se divorció en 1977.
En reconocimiento a su larga carrera y debido a una admiración particular de la familia real, Bassey fue nombrada Dama Comandante del Imperio Británico el 31 de diciembre de 1999, razón por la cual es llamada con el tratamiento Dame. Además, es poseedora de la Legión de Honor otorgada por el gobierno francés.
Actualmente reside en Mónaco. Su canción "This is my life" ha sido utilizada para el último anuncio de Heineken "One green bottle" (2009
NANCY SINATRA
Nancy Sandra Sinatra Barbato (Jersey City, New Jersey, 8 de junio de 1940) es una actriz y cantante estadounidense. Hija del popular cantante Frank Sinatra y su primera mujer Nancy Barbato.
Hizo con su padre la primera pole del día y además balada Something Stupid (posteriormente versionada por Robbie Williams y Nicole Kidman), pero es más famosa por su éxito de 1966 These Boots Are Made for Walkin', por la pegadiza Sugar Town y por Lady Bird. De These boots es interesante saber que fue en principio compuesta por Lee Hazlewood para él mismo y se volvió un símbolo de la emancipación de las mujeres durante los años sesenta; habría sido una canción terriblemente machista si Nancy Sinatra no hubiera convencido a Hazlewood para dejársela. Sus palabras vienen a decir en sustancia que "si tú me has dejado, yo te aplastaré con mis botas". Con su físico de maniquí y su picardía, la cantante transfiguró la canción en un himno feminista que usó Stanley Kubrick para la banda sonora de su La chaqueta metálica, dándole a las botas del título un significado al mismo tiempo marcial y antibelicista. La colaboración de Lee Hazlewood con Nancy Sinatra se prolongó muchos más años, de forma que Lee llegó a producir nueve de los discos de la cantante. También grabaron varias canciones interpretadas a dúo que fueron recopiladas en el disco Nancy and Lee en el año 1968, entre ellas la popular Some Velvet Morning. En 1967 grabaron You Only Live Twice, el tema principal de Sólo se vive dos veces, la quinta película de la saga de James Bond, así como el single Something Stupid, en el que Nancy hacía un dueto con su padre Frank. Transformada en un icono del cool, su físico atractivo, su elegancia en el vestir -con trajes siempre a la avazadilla de la moda y faldas muy cortas para la época-, hicieron de Nancy Sinatra un modelo para las adolescentes que compraban sus primeros discos compulsivamente. Tuvo otro gran éxito con la canción Bang Bang (My baby shoot me down) escrita originalmente por Sonny Bono y editada en un primer momento por Cher en su álbum The Sonny Side of Cher. Nancy grabó su versión en 1967, que luego Tarantino usaría para su película Kill Bill, volviéndola brutalmente al estrellato. En el año 2004 lanzó su último disco que se titula To Nancy with Love donde cuenta con la colaboración de Bono, Morrissey, Jarvis Cocker y Jon Spencer Blues Explosion. El primer single del álbum, Let Me Kiss You, fue escrita por el propio Morrissey. El 11 de mayo de 2006 recibió una estrella en el célebre Paseo de la fama de Hollywood.
HOMENAJE POSTUMO: RONNIE JAMES DIO
Ronnie James Dio (de nombre real Ronald James Padavona; 10 de julio de 1942 - 16 de mayo de 2010) fue un cantante que alcanzó la fama y el reconocimiento por su esfuerzo y trabajo en grupos como Elf, Rainbow, Black Sabbath y DIO. Por su inconfundible técnica, timbre y registro, muchos lo han considerado una de las voces más emblemáticas de la historia del heavy metal.[cita requerida] Dentro de los clásicos fundamentales de su discografía figuran Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), Rising (1976) y Long Live Rock & Roll (1978), de su etapa en Rainbow; con Black Sabbath, Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981) y Dehumanizer (1992), Holy Diver (1983) y The Last in Line (1984) con su propia banda, DIO; y por último, The Devil You Know (2009) con los viejos integrantes de Black Sabbath en Heaven & Hell.
Nació en Portsmouth, New Hampshire, EEUU el 10 de julio de 1942, con el nombre de Ronald James Padavona. Dio sus primeros pasos en el rock and roll hacia 1956-57, cantando y tocando el bajo y la trompeta, en bandas como Red Caps y Ronnie and the Prophets. Durante la década de los sesenta, su música evolucionó del rock and roll cincuentero a un sonido con más influencias de Los Beatles, pero siempre con un toque Rythm & Blues. Hacia finales de los '60, su banda se convierte en The Elves, nombre que pronto mutaría a simplemente ELF. No es difícil entender por qué: Ronnie era el más alto del grupo, y eso que apenas medía 1.60 metros de estatura.
En 1971, dos miembros del legendario grupo inglés Deep Purple -el batería Ian Paice y el bajista Roger Glover- vieron una actuación de Elf y quedaron tan impresionados que les ofrecieron producirlos. Así, en 1972 la banda sacó su primer disco, titulado simplemente Elf, y luego acompañó a Deep Purple en una gira por Europa y Norteamérica. Más tarde, durante una gira que realizaron como teloneros de Deep Purple, el guitarrista de estos últimos, Ritchie Blackmore, vio un gran potencial en este grupo, y decidió grabar un disco al margen de Deep Purple con los miembros de Elf llamado Ritchie Blackmore's Rainbow. Al principio este grupo no iba a realizar giras ni conciertos, pero en ese mismo año 1975 Ritchie se separó de Deep Purple y decidió dedicarse en exclusiva a Rainbow, y entonces reclutó definitivamente a Ronnie James Dio. Aparte de Ritchie Blackmore's Rainbow 1975, Dio grabó con Rainbow Rising 1976, On Stage 1977 y Long Live Rock and Roll 1978, discos que dejaron un gran número de himnos como Man on the Silver Mountain, Long Live Rock and Roll, Stargazer, Sixteen Century Greensleeves, entre otros. Después de la grabación de Long Live Rock and Roll, Ronnie James Dio dejó el grupo, que más tarde pasaría a ser más comercial con la llegada de Graham Bonnet y dejaría de lado la imaginería medieval que abundaba en los discos que realizaron juntos Blackmore y Dio.
El 25 de noviembre de 2009, Wendy Dio, esposa y manager, anunció que Ronnie fue diagnosticado con cáncer de estómago: "Ronnie ha sido diagnosticado con las primeras etapas de cáncer de estómago. Estamos comenzando inmediatamente el tratamiento en la Clínica Mayo. Después de que mate a este dragón (en alusión a la canción del artista), Ronnie estará de regreso en el escenario, donde él pertenece, haciendo lo que más le gusta: actuar para sus fans. Larga vida al Rock and roll, larga vida a Ronnie James Dio. Gracias a todos los amigos y fans de todo el mundo que han enviado buenos deseos. Esto realmente le ha ayudado a mantener su espíritu para arriba".
El 14 de marzo de 2010, Wendy publicado una actualización en línea de su condición: "Ha sido séptima quimioterapia de Ronnie, otro TAC y otra endoscopia, y los resultados son buenos, el tumor principal se ha reducido considerablemente, y nuestras visitas a Houston (clínica de cáncer en Texas) son ahora cada tres semanas en vez de cada dos semanas".
El 4 de mayo de 2010, los demás integrantes de Heaven & Hell anunciaron que estaban cancelando todas las fechas de conciertos programados para el verano como consecuencia de la mala salud de Dio.
La muerte de Dio se produce el 16 de mayo de 2010 a las 7:45 am (CDT), según fuentes oficiales. Wendy dejó un mensaje en el sitio oficial de Dio: "Hoy mi corazón está roto, Ronnie falleció hoy 16 de mayo a las 7:45 am . Muchos, muchos amigos y familiares fueron capaces de despedirse de Ronnie en privado antes de que él falleciera pacíficamente. Ronnie sabía cuánto era amado por todos. Nosotros agradecemos el apoyo y amor que todos nos han dado. Por favor, dadnos unos días de vida privada para hacer frente a esta terrible pérdida. Sé que él los amaba a todos y su música vivirá por siempre".
Fuente: Wikipedia/2010
EL HIP HOP
El hip hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip hop, por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).
Afrika Bambaataa acuñó el término hip hop en aquella época, aunque años más tarde KRS ONE, originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Hizo esto con la idea de simplificar la definición de hip hop; pero para muchos esto puede resultar incompleto, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales ('beats'), el popping, el locking el uprocking etc. e incluso otras manifestaciones no relacionadas con la música, como el streetball (baloncesto callejero) o Skateboarding.
La unión de dos de los elementos, el MC (Master of ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop: el rap.
El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se denomina bboy, bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker, el primero baila por cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, inovando y llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. El breaker o breakdancero es la persona que baila solamente por ánimo de lucro y ó moda, no tiene conciencia del movimiento hip- hop genéricamente hablando, y no sabe la historia y fundamentos que un bboy debe saber. Aunque, cabe mencionar que algunos bboys de tiempo completo, trabajan haciendo publicidad ó en tv, pero esto se justifica por los grandes avances que han dado a la cultura, no solamente dando exhibiciones para la gente sino contribuyendo con la creación de nuevos estilos.
El graffiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Hay otros estilos de graffiti que no tienen por qué formar parte del graffiti en la cultura hip hop. Son: radical & political graffiti, street art & post graffiti (o sea, graffiti sobre política) y graffiti generado por ordenador.
Con la llegada del hip hop a finales de 1970, los mejores elementos y técnicas del género estuvieron en su lugar. Aunque todavía no había llegado al "mainstream" (corriente principal) de popularidad, pegó fuerte entre los afroamericanos, incluso fuera de Nueva York. Ejemplos de ello encontramos en Los Ángeles con Captain Rapp, Washington, Baltimore, Dallas, Kansas City, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans o Houston.
Filadelfia ha sido, durante muchos años, la única ciudad cuya contribución al hip hop fue evaluada positivamente por los puristas y críticos de Nueva York. La primera grabación data de 1979, "Rhythm Talk", de Jocko Henderson. El estilo se popularizó tanto que el New York Times apodó a Filadelfia la "Capital del mundo del Graffiti" en 1971, debido a la influencia de legendarios grafiteros como Cornbread. La primera artista femenina en grabar rap fue Lady B. ("To the Beat Y'All", 1980), en la emisora de radio de la localidad, WHAT. Después, Schoolly D ayudó inventando lo que posteriormente sería conocido como gangsta Rap, allanando el camino a los gángsters de la costa oeste
BYRON LEE Y JAMAICA SKA
El ska nace en Kingston, la capital de Jamaica, a principios de los 60, en un momento en que la población empieza a afluir del medio rural al urbano. En las ciudades los habitantes se congregaban en plazas donde las sound systems pinchaban las últimas novedades estadounidenses de jazz, soul y, sobre todo, rhythm & blues.
En un principio se trataba de furgonetas con un ruidoso y primitivo equipo de sonido. Las dos principales fueron Trojan de Duke Reid y Sir Coxsone Downbeat, de Clement «Coxsone» Dodd, a los que más tarde se les uniría Cecil Bustamante, conocido como Prince Buster. Las sound systems no tenían otro remedio que pinchar música de Estados Unidos, puesto que la industria musical jamaiquina era inexistente. Salvando algunas cintas de mento de Stanley Motta, hasta 1954 no aparece el primer sello musical, Federal, que, además, está orientado hacia la música estadounidense. Sus propietarios se desplazaban a Miami o Nueva Orleans en busca de material nuevo con el que satisfacer la gran demanda musical que había en la isla. Para gozar de exclusividad sobre las grabaciones y mantener la exclusividad sobre la clientela, se recurría a trucos como quitar la etiqueta de los discos para que no fueran identificables, o enviar matones (Dance Crashers) a los sound system de la competencia para boicotearlos.
Tapiz con algunos de los símbolos típicos del 2 Tone (2ª Ola) y Tercera Ola del Ska (cuadros blancos y negros,...).El catalizador que inició la carrera musical jamaicana, fue el futuro primer ministro Edward Seaga que en 1958 funda West Indian Records Limited, produciendo música de artistas locales, reinterpretando ritmos estadounidenses. Ese mismo año, Chris Blackwell produce una grabación del aún desconocido Laurel Aitken. Un año después, Duke Reid y Clement Coxsone, viendo la posibilidad de tener grabaciones exclusivas para sus sound systems, fundan sus propios sellos, Treasure Isle y Studio One, respectivamente.
A finales de la década los músicos de Kingston comienzan a experimentar con la fusión de jazz y rhythm & blues estadounidenses con ritmos autóctonos del Caribe, como el mento y el calypso, adaptándolo al gusto de la isla según las tendencias que se imponían en las Sound Systems.
En los estudios Federal se registra el tema Easy Snappin, de Theophilus Beckford, producido por Clement Dodd, con Cluet Johnson al contrabajo y el saxofonista Roland Alphonso, posterior miembro fundador de Skatalites, banda de estudio del sello Studio One. Este tema se podría calificar como la primera grabación de música jamaiquina moderna.
JUAN ACERETO
Juan Acereto Manzanilla (n. el 29 de octubre de 1930 en la ciudad de Mérida, Yucatán - f. en la misma ciudad el 26 de octubre de 1991) fue un poeta, compositor y trovador mexicano.
Hijo de Crescencio Acereto Cortés y Angelina Manzanilla Lizama. Tuvo entre sus maestros a Florencio Acereto, Miguel Concha y Ventura Marrufo.
Es en 1954, con 24 años de edad, cuando comienza a estudiar la música yucateca. Es presentado por Pastor Cervera (tío de la que sería esposa de Juan Acereto, Irma Cervera) ante los miembros de la Sociedad Artística Ricardo Palmerín. Luego pasaría a formar parte de esta, y conocería a compositores como Montes de Oca, Manolo López Ermilo "Chispas" Padrón y Santiago Manzanero, entre otros.
En 1958 forma parte del trío Trovadores del Mayab con Felipe Domínguez y Jorge Torre Ballote, posteriormente con Alfredo "Pixan" Gamboa. Este grupo se disolvería en 1964. Luego grabó con las guitarras de los Caminantes un disco con canciones tradicionales yucatecas y otro con Pastor Cervera y Felipe Domínguez.
En 1974 Juan Acereto participa en el Festival OTI con una canción titulada Canto para dos amantes, interpretada por Carmela y Rafael.
En 1976 Juan Acereto gana el primer lugar en el Festival de la Canción Yucateca de Cordemex, con la canción Donde nace el sol. acompañado por sus amigos del grupo de neo-floclore : Alpasinche En esta época imparte recitales en la Universidad Autónoma de México y da conciertos en la sala Chopin de la Ciudad de México.
Su esposa, Irma Cervera Boldo y su hija Angelina Acereto Cervera, se han dedicado a recopilar sus canciones y poemas. También, junto con su hijo, Juan Acereto Cervera, se ha creado la Asociación Civil Juan Acereto.
DE TRIO EN TRIO
Se inicio en 1961, formado por Enrique Cáceres, primera voz, Salvador Macías, segunda voz y requinto, y a la tercera voz, Raúl Neri.
Enrique Cáceres, se acercó a Neri y le dijo que le acompañara unas cancioncitas, así, formaron el primer trío que se llamó, Los Rocinantes. Villalobos, se separó poco después del trío y fue así como el requintista Salvador Macías, originario de Aguas Calientes, México, ingresó al Trío Las Sombras.
El origen de su nombre se debe a que en cierta ocasión, estaban en la antesala de una compañía discográfica a donde habían ido a buscar suerte. El jefe preguntó a la señorita secretaria, quién lo buscaba, ella dijo, esos jóvenes que están en las sombras.
KIZZ
Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, Kiss fue aún más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. Con base en sus actuaciones en vivo y grandes espectáculos, escupiendo sangre y fuego, guitarras humeantes y diversa pirotecnia, Kiss fue todo un fenómeno de ventas y popularidad en los '70. Ha revolucionado los espectáculos de Rock y fue considerada la banda más popular de EE.UU. en esa década.
Kiss ha vendido en Estados Unidos más de 19 millones de álbumes, y en el mundo sus ventas superan los 100 millones de éstos. Además de eso, ha editado más de veinticuatro álbumes de oro.
La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra líder y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su maquillaje y trajes, ellos asumieron los personajes de "El Demonio" o "el Vampiro"(Simmons), El "Chico Estrella" o "El Amante" (Stanley), "El Hombre del Espacio" o "El Marciano" (Frehley), y "El Gato"o la bestia (Criss). Debido a los problemas de abuso de sustancias y diferencias con los líderes, Criss abandonó Kiss en 1980 durante la grabación del álbum Unmasked y Frehley se separó del grupo a principios del 1983. Las ventas comerciales de la banda también habían menguado considerablemente en ese momento.
En 1983, Kiss abandonó su maquillaje y disfrutó un resurgimiento comercial a lo largo del resto de la década. Manteniéndose a flote por una ola de nostalgia hacia Kiss en los años noventa, la banda anunció una reunión de la formación original (con maquillaje) en 1996. Sin embargo, Criss abandonó la banda en enero de 2001 y Ace Frehley en marzo. Un año después Peter Criss regresó a la banda para grabar Kiss Symphony: Alive IV, abandonándola nuevamente en 2004, siendo reemplazados por Eric Singer y Tommy Thayer respectivamente. Stanley y Simmons han seguido siendo los únicos dos miembros constantes
ELECTRICAL LIGHT ORCHESTRA (ELO)
Electric Light Orchestra, comúnmente abreviado como E.L.O., fue un grupo de rock sinfónico natural de Birmingham, Inglaterra, liderado por Jeff Lynne y con una trayectoria que se trasladó principalmente desde 1971 hasta 1986, con un breve retorno entre 2000 y 2001.
A mediados de los años setenta, la Electric Light Orchestra se convirtió en una de las bandas con mayores ventas en la industria de la música. De 1972 a 1986, la ELO acumuló veintiséis sencillos de éxito en el Reino Unido y veinte en los Estados Unidos. El grupo también mantiene el récord de éxitos en el Top 40 de la historia de Billboard sin haber cosechado un número uno. Por otra parte, la Electric Light Orchestra ha obtenido 21 premios de la RIAA, 38 de la BP y ha vendido más de 100 millones de álbumes a nivel global.
ZZ TOP
ZZ Top, cariñosamente conocido por sus fans como "The Little Ol' Band from Texas", es un grupo estadounidense de southern rock y hard rock formado en 1969 en Houston, Texas. Los miembros del grupo son Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería). Tienen el mérito de ser uno de los pocos grupos de rock que todavía conserva sus miembros originales después de 40 años, además de haber mantenido al mismo manager y productor, Bill Ham.
Alcanzaron la cima de su éxito comercial en los 70 y los 80, pero todavía hoy continúan girando y lanzando discos. ZZ Top entró en el Rock and Roll Hall of Fame el 15 de marzo de 2004.
Gibbons y Hill también son famosos por las peculiares guitarras que utilizan, muchas de ellas codiseñadas con el maestro luthier John Bolin. Gibbons y Hill siempre son retratados llevando gafas de sol (un gesto a su canción de 1979 Cheap Sunglasses), ropa parecida (o en ocasiones idéntica), y sus larguísimas barbas. En 1984 la firma Gillette ofreció a Gibbons y a Hill un millón de dólares por afeitarse en un anuncio de televisión. Declinaron la oferta.
Los componentes de ZZ Top habían tocado con anterioridad en diferentes bandas tejanas (entre ellas The Moving Sidewalks o The American Blues) antes de unir sus fuerzas a finales de 1969. En primer lugar Gibbons invitó a Beard a unirse a su proyecto de formar un trío de blues rock y posteriormente, cuando estaban buscando un bajista, Beard propuso el nombre de Hill, antiguo compañero suyo en The American Blues.
Dieron su primer concierto en febrero de 1970, y estuvieron casi permanentemente de gira durante los siguientes años. Su tercer disco con London Records, Tres hombres (1973) fue ampliamente aclamado culminando con una larga gira de año y medio a lo largo de todo Texas. En él está la ya clásica canción "La Grange", que cuenta la historia del burdel sobre el que trata el musical "The Best Little Whorehouse in Texas".
RARE EARTH
Rare Earth estaba vinculada con el sello de la Motown que tenía su mismo nombre. Una temprana versión de la banda, se formó en 1961, en la ciudad de Detroit, bajo el nombre de The Sunliners y, durante varios años, se movieron en el terreno del soul y blues. En 1967 se refundaron como Rare Earth y extendieron sus influencias al entonces naciente jazz rock (en la contraportada de su primer disco, se reivindicaban como cercanos a Blood, Sweat & Tears).
La formación de Rare Earth en esta primera época, era la siguiente: Gil Bridges (vocalista, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo y voz), Kenny James (órgano y piano) y Pete Rivera (batería y voz).
En 1970, se incorpora el percusionista Ed Guzmán (congas) y, en 1971, Ray Monette sustituye a Richards en las guitarras y Mark Olson se hace cargo de los teclados, tras la marcha de James.
Nuevos cambios en 1975, incorporando un segundo saxofonista y vocalista, Jerry LaCroix, que había estado en Blood, Sweat & Tears, y haciéndose cargo del bajo y batería, Reggie McBride y Barry Eugene Frost, respectivamente. Más tarde, Rivera retornaría al grupo, en su segunda etapa, sustituyendo a Frost.
Después de su disolución, dos de los miembros fundadores Gil Bridges y Peter Rivera, continuaron en el mundo de la música manteniendo una agria disputa sobre los derechos del nombre de la banda. Hoy en día Gil Bridges lidera una nueva banda con el nombre de Rare Earth, a la que durante un tiempo también estuvo ligado Ray Monette. Por su parte Peter Rivera, en compañía de una serie de músicos provenientes de otras antiguas bandas de rock, lidera una formación denominada The Clasics Rock All Stars.
JAKSON FIVE
Jackson 5 (también llamados The Jackson Five, o simplemente J5) es el nombre oficial de un grupo musical estadounidense formado por cinco hermanos varones afroamericanos, en Gary, Indiana, que fundó la casa discográfica Tamla-Motown, que fue la que bautizó al grupo. El grupo, en actividad desde 1968 hasta mediados del 1975, desarrolló su repertorio en base a los estilos R&B, soul, funk, y posteriormente disco. Considerados "uno de los más grandes fenómenos de la música popular" a principios de la década de 1970, Jackson 5 destacaron por la notable voz de sus principales vocalistas, Michael Jackson y Jermaine Jackson.
Jackson 5 se componía de los cinco mayores hijos de Katherine y Joseph Jackson: Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael. Joseph Jackson fundó la banda en 1962 y asumió la tarea de ser su representante, incluyendo a Jackie, Tito, Jermaine y sus jóvenes amigos Reynaud Jones y Milton Hite en la formación inicial, antes de asumir su línea original posterior de banda familiar. Un año después, Michael y Marlon ingresaron a la banda, y Michael asumió la voz principal.
Firmaron un contrato discográfico con Motown Records desde 1968 al 1975. Jackson 5 fue una de las bandas más populares de su época y, en su debut discográfico, consiguieron que sus primeros cuatro sencillos ("I Want You Back", "ABC", "The Love You Save", y "I'll Be There"), llegaran al tope de las clasificaciones estadounidenses. Varios sencillos lanzados posteriormente, entre ellos "Mama's Pearl", "Never Can Say Goodbye" y "Dancing Machine", consiguieron llegar al Top 5 del pop y al Número 1 en las clasificaciones de R&B. La mayoría de sus primeros éxitos fueron escritos y producidos por el equipo de compositores especializados de Motown, conocidos como The Corporation™. Posteriormente, los éxitos de los Jackson 5 fueron realizados principalmente por Hal Davis.
Pese a no ser considerados en ese entonces como una "boy band", Jackson 5 es uno de los primeros ejemplos que podrían encajar en este tipo de definición: Cinco adolescentes específicamente presentados y comercializados por un sello discográfico para ser convertidos en un éxito del pop. Significativamente, fueron la primera agrupación de raza negra que atrajo igualmente a la audiencia blanca.
LEONARD BERNSTEIN
Leonard Bernstein (nacido el 25 de agosto de 1918 y fallecido el 14 de octubre de 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial. Es conocido por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York, sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los 60 y sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949).
viernes, 21 de mayo de 2010
DOS AÑOS EN MEMORIA DE KAFAY
Un dia como hoy Dios se lo llevò, a ese insigne hombre, padre, maestro y amigo; conocedor y amante de la Musica del Recuerdo asì como la que se plasma en este blog. Como Hombre con sus grandes cualidades y principios; como Padre el mejor amoroso con sus hijos, como Maestro en las artes sartoriales y como Amigo, despuès de Cristo lo mejor que me ha pasado en mi vida; un padre para mi, excelentes relaciones humanas y buenos sentimientos, buen consejero.
Con Rafael Mejia Flores "Kafay", pasamos gratos momentos especialmente los sàbados por las tardes despues de sus faenas en su taller de Sastreria escuchando las mejores melodias de su tiempo en los programas radiales y de algunos grupos que merodeaban el taller; de èl aprendì que escuchar la musica de antaño era un arte y de alli se derivò la creaciòn de este blog al cual con la ayuda de Dios en primer lugar y en segundo con la ayuda memorable de las enseñanzas de Kafay, de algunos amigos, de algunas investigaciones personales y con la ayuda de muchos servidores electronicos, he dedicado mi tiempo y esfuerzo. Esto ha hecho que todos ustedes disfruten de esas ricas y armoniosas melodias de los grandes maestros; de la musica cultural de cada paìs y de los grandes cantautores del orbe; por todo esto, gracias KAFAY y gracias a todos los amigos del mundo amantes de LA MEJOR MUSICA DEL RECUERDO. Y a su memoria:
jueves, 20 de mayo de 2010
TRIO TARIACURI
Los integrantes originales del Trío Tariácuri nacieron en Huetamo de Núñez, población del estado de Michoacán, México. Los hermanos Norberto, Jerónimo y Juan Mendoza formaron este Trío en el año de 1931 el cual fue una agrupación muy singular cuyo repertorio estaba integrado básicamente por sones michoacanos, jaliscienses y huapangos.
Participaron en diversas películas de los años treinta, entre ellas, Así es mi Tierra, una de las primeras películas de Mario Moreno "Cantinflas". En 1941, poco después de participar en la película Ay Jalisco no te Rajes, con Jorge Negrete, falleció, en un accidente automovilístico, la primera voz del trío, Jerónimo, por lo cual Juan pasó a ser la primera voz integrando como segunda a su hermano menor Eligio quien en ese entonces sólo contaba con 14 años de edad, y como siempre Norberto en el requinto y tercera voz.
El trío continuó cosechando éxitos en sus intervenciones en la XEW, con grabaciones para la RCA Víctor y después para CBS Columbia; fue uno de los grupos que popularizaron el huapango comercial, de autores como Nicandro Castillo, Lorenzo Barcelata, Severiano Briseño, etc.
En la década de 1950, Juan decidió lanzarse como solista, obteniendo mucho éxito con la interpretación de boleros rancheros, sin embargo el Trío Tariácuri continuó con presentaciones en radio y TV, así como en la grabación de discos, con la incorporación de distintos integrantes, entre ellos Roberto López Gali, quien nació un 30 de julio en Laguna de la Puerta, Tamaulipas.
El Trío Tariácuri fue innovador en el ámbito de la música tradicional mexicana pues fue el primer grupo que se consolidó como trío mexicano, haciéndose acompañar de sus guitarras e interpretando canciones mexicanas a tres voces, lo que después fue seguido por grupos como el Trío Calaveras, El Trío Tamaulipeco de los Hnos. Samperio, Los Pastores, Los Tres Huastecos, Los Mexicanos, etc
ALVARO CARRILLO
Álvaro Carrillo Alarcón fue un compositor mexicano de música popular nacido en San Juan Cacahuatepec, Oaxaca, el 2 de diciembre de 1921, y muerto en un accidente automovilístico el 3 de abril de 1969. Es autor de más de 300 canciones, entre otras: Amor mío, Sabor a mí, Como se lleva un lunar, El andariego, Luz de luna, Sabrá Dios, Seguiré mi viaje y La mentira.
En 1940, ingresó a la Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo y, siendo estudiante, compuso sus primeras canciones. En 1945, obtuvo el título de Ingeniero Agrónomo.
Trabajó en la Comisión del maíz, pero dejó la ingeniería por la composición.
Entre sus principales intérpretes se cuentan: Javier Solis, Pepe Jara, el Trío Los Santos, el Trío Los Duendes y Linda Arce.
La vida de Álvaro Carrillo inspiró el largometraje Sabor a mí, interpretado por José José y dirigido por René Cardona H.
LUIS PEREZ MESA
Luis Pérez Meza, cuyo nombre de pila fue Ignacio (lo cambió por el de un hermano prematuramente muerto) nació en La Rastra, municipio de Cosalá, Sinaloa. Las fuentes difieren en cuanto al día de nacimiento (mayo o julio de 1917) hijo de Zenón o Simón Pérez e Isabel Meza.
El dúo "Chico y Nacho" se transformó en quinteto al añadirse Francisco Sandoval y sus hermanos Luis y Emilio, grupo al que bautizaron como "Los Parrangos" y que tendría breve duración. A principios de los años 40 debutó como solista en la XESA de Culiacán y Tijuana. En 1943 viajó a México para darse a conocer.
No fueron tiempos fáciles para Luis que tras mucho deambular tocando en bares y fiestas familiares obtuvo el reconocimiento en la XEW, gracias a su inclusión en el programa "Fiesta Ranchera" que conducía Matilde Sánchez, "La Torcacita". Según algunos fue en ese periodo cuando recibió el sobrenombre de El Trovador del Campo, si bien otros aducen que este pseudónimo lo recibió de Pedro de Lille ya en 1952. En esa misma etapa Pérez Meza estudió canto con Beatriz Pizzarni con la idea de debutar en la ópera pues su voz de tenor parecía prometedora. Sin embargo, la música popular lo atrajo y en 1944 se integró como primera voz en el "Cuarteto Metropolitano" de Felipe Bermejo.
En 1945 viajó a las islas de Guam y Iowa de Filipinas y a Hawái para cantar a los militares mexicanos del Escuadrón 201 que participó en la Segunda Guerra Mundial. En mayo de 1946 cambió definitivamente su nombre artístico por el de "Luis Pérez Meza" a sugerencia de los ejecutivos de la XEW. Al año siguiente formó el trío Culiacán junto con "el Negrumo" y "El Gordo Villarreal" y con el sello RCA Víctor grabó El Charro Alegre y Bonito Montemorelos. Entre 1947 y 1949 vivió en Madrid, donde se le conoció como La voz de oro de América.
Fue cofundador de la Asociación Nacional de Actores, la ANDA, y filmó en 1948 "Allí en el Rancho Grande" junto con Jorge Negrete, bajo la dirección de Fernando de Fuentes. Felipe Valdez Leal lo contrató para que grabara con el mariachi Vargas, para la Columbia, su primer LP que contiene canciones como La Rondalla, Al morir la tarde y El carro del sol.
Fue en 1951-52 cuando decidió cantar música campirana con Banda sinaloense: las dos primeras canciones que interpretó en ese estilo fueron India bonita y El sauce y la palma. Al mismo tiempo continuó sus apariciones en el cine actuando con Pedro Armendáriz en las películas La Casa Colorada y Juan Charrasqueado. Entre 1958 y 1962 El Chano Urrueta lo dirigió en otras ocho películas.
Luis Pérez Meza cantó por última vez en el bar Teacapán de Guasave. Murió el 9 de junio de 1981. Sus restos descansan en el panteón Jardín de la Ciudad de México. Su herencia musical es compartida por su familia pues todos sus hermanos -Emilio, Luis, Moisés y José Antonio- fueron también cantantes. Del mismo modo siguieron los pasos artísticos de su padre su hija Elisa Pérez Meza, a quien en Sinaloa llaman La Trovadora, así como su hijo Jorge Luis Pérez Meza
AMALIA MENDOZA
Amalia Mendoza García (nacida el 23 de julio de 1923 en San Juan Huetamo, Michoacán – murió el 11 de junio de 2001 en la Ciudad de México), fue una de las más famosas cantantes mexicanas de música ranchera de los últimos cuarenta años, entre otros grandes nombres como Chayito Valdez, Lola Beltrán, Maria de Lourdes, Lucha Villa, Yolanda del Río, entre otras. Su sobrenombre La Tariácuri se debe al trío musical de sus hermanos el Trío Tariácuri.
Después de un éxito limitado como el duo que conformaba con su hermana Perla, Amalia arriesgó como cantante solista después de cantar en un espectáculo de radio en 1954. A lo largo de su carrera fue acompañada frecuentemente por el Mariachi Vargas de Tecalitlán (de Tecalitlán, Jalisco), y realizado numerosos canciones de rancheras y boleros de compositores mexicanos como: José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, José Ángel Espinosa, Gabriel Ruíz y Tomás Méndez. Fue reconocida mundialmente por su forma de interpretar la canción mexicana y a la fecha no hay intérprete igual. Cantaba con un sentimiento e interpretación que hacia lucir tanto la canción como al compositor. Fue elegida por uno de los grandes compositores de este siglo, Juan Gabriel, para hacer un disco titulado Las Tres Señoras, al lado de las inolvidables Lola Beltrán y Lucha Villa.
ENRIQUE BOLIVAR NAVAS
Aurelio Enrique Bolívar Navas nació en Caracas, Venezuela, el 9 de enero de 1940, y desde muy joven sintió lo que sería su pasión: la radio y la música caribeña, especialmente la salsa, sones, guajiras, guaguancós, boleros, guarachas. Bolívar Navas fue un gran conocedor de estos ritmos musicales y una referencia obligada de consulta, tanto en Venezuela como en los países de habla hispana.
Transcurrió su niñez y juventud en la población de Cúa, estado Miranda. Fue nombrado Hijo ilustre de Ocumare del Tuy, estado Miranda. Cuando cursaba el tercer año de Castellano y Literatura en el Instituto Pedagógico de Caracas sintió el llamado de lo que sería su debilidad y una de las razones de su vida: la radiodifusión y dentro de ella la investigación y la promoción de la música afro-caribeña.
En 1968 Ingresó al Departamento de Castellano y Literatura y Latín del Instituto Pedagógico de Caracas. En 1968 Corresponsal en Venezuela de la Revista Radio Televisión de los Estados Unidos de América. 1968 Columnista y Colaborador especial d en los suplementos “Pantalla y Farándula del Diario EL Nacional. 1969 Columnista y Colaborador de la Revista > Bohemia 1974 Columnista del Diario Meridiano, con su espacio “Crónicas con Salsa” 1979 Miembro del Consejo Editorial de la Revista “Disonancia”. 1989 Facilitador de la Cátedra “La Canción Popular” en la Escuela de Comunicación Social de la UCV, que conducen Jesús Rosas Marcano y José Fernández Freites. 1989. Docente contratado de la Academia de Ciencias Audiovisuales en el área de Radio y Promoción Fotográfica. 1996 Columnista de “Música en Serio”, encarte dominical del Diario El Globo.
En 1962 se inició como libretista de programas de música venezolana, en la emisora Radio Valles del Tuy. En 1965 obtuvo su certificado de locutor Nº 3746, donde llegó a ejercer el cargo de subdirector de esa emisora. En 1967 se incorpora a la emisora Radio Miranda, de Los Teques como productor y locutor del programa “La Candela Matancera”. En 1970 lo trae a Caracas el desaparecido hombre de la radio Antonio José Isturiz, para formar parte del primer plantel de locutores de Radio Mundial, canal 55, al lado de José Pérez Meléndez, Ramón Rivas Jerez, Gustavo Falkenhagen, entre otros. En 1973 lo encontramos en Radio Sensación. En 1974, en Radio Tiempo, como locutor y musicalizador. En ese mismo año también laboró para YVKE Mundial. En 1980 en Radio Visión, como locutor de noticias y adjunto a la Dirección General. En 1981, en Radio Tiempo, como Locutor y Gerente de Programación. En 1985 en YVKE Mundial, como Locutor y en 1986 asume en ésta emisora la Dirección y vicepresidencia de Programación Nacional de “Radio Cadena Nacional”.
En 1989 laboró en Radio WIAC, de Puerto Rico. En 1989 en Radio JIT, en Nueva York En 1990 en Radio Dinámica 1490, como vicepresidente. En 1993, Radio Suave 1260 AM, como Locutor y Productor del Programa “Cuentos de Rumbas y Despechos”. En 1996, Radio Continente, como Locutor y Productor del programa “La Candela Matancera”. En 1998 vuelve a YVKE Mundial y se desempeña, como Locutor y Director. En el 2000 labora en el Circuito Radio Venezuela, como Gerente General de 12 emisoras; y desde el 2005 hasta el momento de su muerte lo encontramos laborando en el Circuito AM /FM CENTER, específicamente en Fiesta 106.5 FM, de Caracas, como Locutor y Productor del programa “La Salsa de Bolívar”.
Su prestigio como locutor y animador lo llevaron a cruzar la frontera. En 1986 fue invitado para animar el Festival Anual de Música Latina que se realizó en el Madison Ssquare Garden, teniendo entre sus invitados a la Fania All Star. En febrero de 1988, fue invitado por Celia Cruz y su esposo Pedro Knigth para que animara los conciertos con los cuales celebraron sus Bodas de Plata y que se realizaron en el Teatro Bellas Artes de Puerto Rico y en el Hotel Ambassador de Santo Domingo respectivamente. En 2005 resultó electo como Miembro Suplente a la Comisión de Programación de Radio, en representación de los Productores Nacionales Independientes, de acuerdo con la Ley de Responsabilidad Social en Radio y Televisión. Recientemente la Alcaldía del Distrito Metropolitano de Caracas lo distinguió como Patrimonio Cultural Metropolitano.
Bolívar Navas siempre estaba presto a colaborar con organizaciones benéficas y gremiales, entre las cuales destacan el concierto a beneficio del Sindicato Nacional de los Trabajadores de la Prensa, con el “Concierto Caliente”, presentado en agosto de 1979, donde actuaron: Sonero Clásico del Caribe, “Wladimir y su Constelación, “La Salsa Mayor” y la Dimensión Latina, entre otros invitados. Para recaudar fondos para causas benéficas también participó en 1987 en el programa "Concurso Millonario" que animaba la recordada actriz venezolana Doris Wells en Radio Caracas Televisión. Al respecto comentó este insigne melómano: "“Lo hice más por el beneficio de la música afrolatina. La popularidad de la salsa ha ascendido y como una paradoja quiero indicarte que mientras la prensa escrita y la televisión abren las puertas a este ritmo la radio no le da cabida y este es un caso único en la cuenca del Caribe”.
Bolívar Navas, quien estimaba que “la música caribeña se divide en antes y después de la revolución cubana”, falleció en Caracas a causa de un infarto al miocardio, a los 67 años de edad, el lunes 13 de agosto de 2007.
Cortesia: Salsa Venezuela
HECTOR LAVOE
Héctor Juan Pérez Martínez (30 de septiembre de 1946 – 29 de junio de 1993) fue un cantante de Salsa Puertoriqueño. Lavoe nació y se crió en Machuelito un sector de Ponce. Tempranamente estudió en el conservatorio y desarrolló interés en la música inspirado por Jesús Sánchez Erazo. Se mudó a Nueva York cuando tenía diecisiete años. En su primera semana en esta ciudad, estuvo en la orquesta de Roberto García. Durante ese período, Lavoe estuvo en otros grupos, incluída la Orquesta de Nueva York, Kako All-Stars y la orquesta de Johnny Pacheco.
En 1967, Lavoe se convirtió en vocalista en la Orquesta de Willie Colón, en donde grabó grandes éxitos como El malo y Canto a Borinquen. Mientras pertenecía a esta orquesta, Lavoe se convirtió en adicto a la drogas. Colón finalmente decidió no trabajar con Héctor en el escenario, pero siguieron siendo buenos amigos. Lavoe formó su propia orquesta, donde era vocalista. Como solista grabó canciones como: El cantante, Bandolera y El periódico de ayer ('El Cantante' fue compuesta por Rubén Blades, 'Bandolera' por Colón y 'Periódico' por Tite Curet Alonso.) Durante éste período era invitado como vocalista de Fania All Stars.
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