lunes, 19 de julio de 2010
JOSE ALBERTO "EL CANARIO"
José Alberto Justiniano Andújar artisticamente "El Canario" (nacido el 22 de diciembre de 1958 en Villa Consuelo) es un cantante de Salsa dominicano.
José Alberto "El Canario" se mudó a Puerto Rico con su familia en la edad de 7 años, e inspirado por la música latina procedió a pulir su canto en la Academia Militar de Las Antillas. Él se trasladó a Nueva York en los inicios de 1970s y cantó con varias orquestas. Él recibió atención internacional como el líder de la Típica '73 en octubre de 1977.
José Alberto empezó a armar su propia banda en 1983, y se convirtió en una estrella latina principal después de la grabación de su álbum debut Noches Calientes de 1984. Él ha cantado éxitos tales como "Sueño Contigo", "Hoy Quiero Confesar", "Te Voy A Saciar De Mi", "A Gozar", "Es Tu Amor", "Quieres Ser Mi Amante", etc. (del álbum Sueño Contigo del año 1990 RMM Records); "Mis Amores", "Bailemos Otra Vez", "Maniático", "Luna De Miel", "Cierra Los Ojos", "Muera El Amor", etc. (del álbum Mis Amores del año 1990). Su álbum del año 1991 Dance With Me (que incluye sus éxitos "La Gitana" y "Dance With Me") estableció un estilo nuevo de salsa llamada salsa romántica. Su voz fue ampliamente adorada por sus fanáticos, dándole el apodo de El Canario (The Canary).
Su éxito continuó el año siguiente (1992): Llegó la Hora, que incluye sus éxitos tales como "Discúlpeme Señora", "Nada Se Compara Contigo", "La Crítica", etc. bajo el sello RMM. Su álbum de 1994, De Pueblo y Con Clase, bajo el sello RMM fue otro gran éxito seguido de On Time lanzado en 1995, el álbum incluye varias canciones notables como A La Hora Que Me Llamen Voy.
El siguiente año (1997), José Alberto "El Canario" inauguró su catálogo tropical. Lanzó Back to the Mambo: Tribute to Machito seguido de varios álbumes de compilación los siguientes años: Serie Cristal: Greatest Hits (1997), Mis Mejores Canciones (1998), Palladium Series (2001) y tres más en 2003; Best, The Best... y Serie 32.
José Alberto "El Canario" se mudó a Puerto Rico con su familia en la edad de 7 años, e inspirado por la música latina procedió a pulir su canto en la Academia Militar de Las Antillas. Él se trasladó a Nueva York en los inicios de 1970s y cantó con varias orquestas. Él recibió atención internacional como el líder de la Típica '73 en octubre de 1977.
José Alberto empezó a armar su propia banda en 1983, y se convirtió en una estrella latina principal después de la grabación de su álbum debut Noches Calientes de 1984. Él ha cantado éxitos tales como "Sueño Contigo", "Hoy Quiero Confesar", "Te Voy A Saciar De Mi", "A Gozar", "Es Tu Amor", "Quieres Ser Mi Amante", etc. (del álbum Sueño Contigo del año 1990 RMM Records); "Mis Amores", "Bailemos Otra Vez", "Maniático", "Luna De Miel", "Cierra Los Ojos", "Muera El Amor", etc. (del álbum Mis Amores del año 1990). Su álbum del año 1991 Dance With Me (que incluye sus éxitos "La Gitana" y "Dance With Me") estableció un estilo nuevo de salsa llamada salsa romántica. Su voz fue ampliamente adorada por sus fanáticos, dándole el apodo de El Canario (The Canary).
Su éxito continuó el año siguiente (1992): Llegó la Hora, que incluye sus éxitos tales como "Discúlpeme Señora", "Nada Se Compara Contigo", "La Crítica", etc. bajo el sello RMM. Su álbum de 1994, De Pueblo y Con Clase, bajo el sello RMM fue otro gran éxito seguido de On Time lanzado en 1995, el álbum incluye varias canciones notables como A La Hora Que Me Llamen Voy.
El siguiente año (1997), José Alberto "El Canario" inauguró su catálogo tropical. Lanzó Back to the Mambo: Tribute to Machito seguido de varios álbumes de compilación los siguientes años: Serie Cristal: Greatest Hits (1997), Mis Mejores Canciones (1998), Palladium Series (2001) y tres más en 2003; Best, The Best... y Serie 32.
PETE "CONDE" RODRIGUEZ
Pedro Juán Rodríguez Ferrer (*Ponce, 31 de enero de 1933- † Bronx, 2 de diciembre de 2000) Cantante puertorriqueño de Salsa. A Pete 'El Conde' Rodriguez no solo se le reconoce como uno de los más extraordinarios vocalistas en la historia de la salsa, sino también como el que mejor asimilo la esencia de los nacidos en Puerto Rico. Es por ello que en Colombia, Venezuela, Peru y otras plazas internacionales puntuales de la cultura salsera incluso Cuba, los conocedores suelen identificarlo como el más cubano de los soneros boricuas.
Este maestro de la rumba, el son, la salsa y el bolero antillano fue el segundo de los tres hijos procreados por Emiliano Rodriguez y Anatilde Ferrer Colón. Músico intuitivo. A la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El Gondolero que dirigía su progenitor. A los trece años, fue a vivir con su familia al barrio latino, en Nueva York. En esta metrópoli transcurriría casi todo el resto de su vida. A los 17 años comenzó a trabajar en una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fuera reclutado por el Ejército norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de Corea. Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense.
Tras su licenciamiento y regreso a la gran urbe(New York), encontró acomodo en el conjunto de Johnny Soler. Poco después se unió a la Orquesta Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera. De aquella organización a otra enfocada en la misma onda: Los Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería baluarte de la Orquesta de Ray Barreto y la Fania All Stars. Su pasantía por esta agrupación cubrió el periodo entre (1959-1961). Fue entonces que tuvo la oprtunidad de grabar por primera vez.
Este maestro de la rumba, el son, la salsa y el bolero antillano fue el segundo de los tres hijos procreados por Emiliano Rodriguez y Anatilde Ferrer Colón. Músico intuitivo. A la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El Gondolero que dirigía su progenitor. A los trece años, fue a vivir con su familia al barrio latino, en Nueva York. En esta metrópoli transcurriría casi todo el resto de su vida. A los 17 años comenzó a trabajar en una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fuera reclutado por el Ejército norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de Corea. Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense.
Tras su licenciamiento y regreso a la gran urbe(New York), encontró acomodo en el conjunto de Johnny Soler. Poco después se unió a la Orquesta Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera. De aquella organización a otra enfocada en la misma onda: Los Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería baluarte de la Orquesta de Ray Barreto y la Fania All Stars. Su pasantía por esta agrupación cubrió el periodo entre (1959-1961). Fue entonces que tuvo la oprtunidad de grabar por primera vez.
FANIA ALL STARS
Fania All-Stars es un grupo de música latina formado en Nueva York (Estados Unidos) en 1968 por los artistas más conocidos del sello Fania Records, a menudo aumentados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Aunque el sello fue vendido en 1997 (aunque editaba muy pocos discos al año durante su última época), la banda sigue reuniéndose periódicamente para realizar distintas giras.
El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johnny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci del sello. En 1968 Pacheco inventó una "superbanda" llamada Fania All-Stars ("Estrellas de Fania" en castellano) que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este super-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años (en especial, los que han vivido en los Estados Unidos), provenientes tanto de las filas de Fania como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos) y Eric Gale, entre muchos otros.
Más tarde Jerry Masucci compró la participación en la empresa Fania Records de su socio Johnny Pacheco y se convirtió en único dueño de la compañía y de muchas otros subsellos, entre ellos varios en Suramérica que él adquirió y creó, hasta su muerte en Buenos Aires en 1997.
El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johnny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci del sello. En 1968 Pacheco inventó una "superbanda" llamada Fania All-Stars ("Estrellas de Fania" en castellano) que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este super-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años (en especial, los que han vivido en los Estados Unidos), provenientes tanto de las filas de Fania como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos) y Eric Gale, entre muchos otros.
Más tarde Jerry Masucci compró la participación en la empresa Fania Records de su socio Johnny Pacheco y se convirtió en único dueño de la compañía y de muchas otros subsellos, entre ellos varios en Suramérica que él adquirió y creó, hasta su muerte en Buenos Aires en 1997.
JIMMY PAGE
Jimmy Page OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos. Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.
RITA PAVONE
Rita Pavone (23 de agosto de 1945, Turín) es una cantante italiana que logró gran popularidad en los '60 y que también trabajó como actriz. Debido a su cabellera pelirroja en Italia recibió el apodo de Pel di carota (pelo de zanahoria).
En 1962 fue descubierta por quien fue primero su representante y luego su marido, Teddy Reno. Entre sus canciones más conocidas están “La partita di pallone” (1963), “Cuore” (1963) y “Qué me importa del mundo” (1964
En 1962 fue descubierta por quien fue primero su representante y luego su marido, Teddy Reno. Entre sus canciones más conocidas están “La partita di pallone” (1963), “Cuore” (1963) y “Qué me importa del mundo” (1964
GIANNI MORANDI
Gianni Morandi, es un cantante, actor y presentador de televisión italiano, nacido en Monghidoro, el 11 de diciembre de 1944.
En su carrera musical, ha participado en varios festivales de su país y fuera de éste, en los que ha obtenido la admiración del público; ha acompañado a grandes cantantes como Jimmy Fontana, Rita Pavone y Donatella Moretti.
Fue famoso por su canción "Bella Belinda" (versión en castellano de "Pretty Belinda" de Chris Andrews") y ha grabado alrededor de 32 discos
En su carrera musical, ha participado en varios festivales de su país y fuera de éste, en los que ha obtenido la admiración del público; ha acompañado a grandes cantantes como Jimmy Fontana, Rita Pavone y Donatella Moretti.
Fue famoso por su canción "Bella Belinda" (versión en castellano de "Pretty Belinda" de Chris Andrews") y ha grabado alrededor de 32 discos
domingo, 18 de julio de 2010
RICKY NELSON
Eric Hilliard "Ricky" Nelson, también fue conocido como Rick Nelson. (8 de mayo de 1940 – 31 de diciembre de 1985), fue un cantante de rock and roll y actor, también se convirtió en uno de los primeros ídolos juveniles estadounidenses.
Nació en la ciudad de Teaneck, Nueva Jersey, fue el hijo menor de Ozzie Nelson, el líder de una big band, y Harriet Hilliard Nelson, la vocalista de la banda. Junto con su hermano David Nelson, la familia protagonizó el programa de radio y televisión llamado The Adventures of Ozzie & Harriet (Las Aventuras de Ozzie y Harriet) de 1944 a 1966 en televisión; hasta 1949 en radio, por un tiempo los niños fueron sustituidos en ocasiones por actores profesionales en la radio.
Nació en la ciudad de Teaneck, Nueva Jersey, fue el hijo menor de Ozzie Nelson, el líder de una big band, y Harriet Hilliard Nelson, la vocalista de la banda. Junto con su hermano David Nelson, la familia protagonizó el programa de radio y televisión llamado The Adventures of Ozzie & Harriet (Las Aventuras de Ozzie y Harriet) de 1944 a 1966 en televisión; hasta 1949 en radio, por un tiempo los niños fueron sustituidos en ocasiones por actores profesionales en la radio.
THE CRESTS
The Crests fueron una banda popular de música Doo wop de la zona este inferior de Manhattan, en Nueva York, que adquirió cierta fama a finales de los 50. Una de sus más afamadas canciones es Sixteen Candles (dieciséis velas). El tema está caracterizado por uno de los principales vocalistas de este género musical, Johnny Maestro y alcanzó el número 2 en la lista estadounidense Hot 100 chart en 1958. La grabación vendió un millón de copias, adquiriendo por ello un disco de oro.
Aunque a menudo se cree que es una banda juvenil de chicos de color, de sus cuatro componentes, dos eran negros, Tommy Gough y J.T. Carteruno, otro de Puerto Rico, Harold Torres y el otro un residente italiano llamado John Mastrangelo. También contaron con una mujer de color, Patricia Van Dross, la hermana mayor de la futura cantante de baladas de soul Luther.
La formación se formó por J. T. Carter e incluía a Talmoudge Gough, a Harold Torres y a Patricia Van Dross (la hermana mayor del afamado cantante de rythm and blues Luther Vandross. Carter eligió al vocalista Johnny Mastrangelo (posteriormente Johnny Maestro) para que fuese el cantante principal del grupo. El estilo vocal de Maestro en las grabaciones, se convirtió en uno de los favoritos de los adolescentes estadounidenses en las rockolas de la época. La calidad de su voz, junto a una selección de temas con tonos de baile sencillos, lo convirtió en la composición ganadora de las listas de éxitos. El grupo tuvo varios éxitos en la lista Top 40 con la compañía discográfica Coed Records, incluyendo el tema Sixteen Candles, "A Year Ago Tonight," "Trouble in Paradise," "Six Nights a Week," "Step By Step," y "The Angels Listened In". Además, aparecieron en varias actuaciones de los espectáculos de la televisión nacional para adolescentes durante los años 50.
Aunque a menudo se cree que es una banda juvenil de chicos de color, de sus cuatro componentes, dos eran negros, Tommy Gough y J.T. Carteruno, otro de Puerto Rico, Harold Torres y el otro un residente italiano llamado John Mastrangelo. También contaron con una mujer de color, Patricia Van Dross, la hermana mayor de la futura cantante de baladas de soul Luther.
La formación se formó por J. T. Carter e incluía a Talmoudge Gough, a Harold Torres y a Patricia Van Dross (la hermana mayor del afamado cantante de rythm and blues Luther Vandross. Carter eligió al vocalista Johnny Mastrangelo (posteriormente Johnny Maestro) para que fuese el cantante principal del grupo. El estilo vocal de Maestro en las grabaciones, se convirtió en uno de los favoritos de los adolescentes estadounidenses en las rockolas de la época. La calidad de su voz, junto a una selección de temas con tonos de baile sencillos, lo convirtió en la composición ganadora de las listas de éxitos. El grupo tuvo varios éxitos en la lista Top 40 con la compañía discográfica Coed Records, incluyendo el tema Sixteen Candles, "A Year Ago Tonight," "Trouble in Paradise," "Six Nights a Week," "Step By Step," y "The Angels Listened In". Además, aparecieron en varias actuaciones de los espectáculos de la televisión nacional para adolescentes durante los años 50.
LOU DONALDSON
Lou Donaldson (Badin, Carolina del Norte, 1 de noviembre de 1926) es un saxofonista (alto) estadounidense de jazz. Conocido por su toque suave y blusístico, estuvo influenciado en sus orígenes por el sonido bebop de Charlie Parker y su sentido de la improvisación. Sus estilos han sido el bop, el hard bop y el soul jazz.
Sus primeras grabaciones las realizó con algunos de los primeros representantes del bop, como Milt Jackson y Thelonious Monk en 1952, y lideró varios grupos pequeños con otras figuras del jazz como el trompetista Blue Mitchell, el pianista Horace Silver y el batería Art Blakey.
En 1953, grabó también con el trompetista Clifford Brown y con Philly Joe Jones. En 1954, Donaldson se unió durante un breve período al conjunto de hard bop the Jazz Messengers, y apareció en uno de sus discos más populares, A Night At Birdland.
Aunque ha trabajado sobre todo como acompañante, nunca ha pertenecido a ningún grupo a no ser que fuese liderado por él, algo que ocurrió frecuentemente desde mediados de los años cincuenta.
CHARLIE PATTON
Charlie Patton, más conocido como Charley Patton (1 de mayo de 1891 - 28 de abril de 1934) fue un músico estadounidense de delta blues. Es considerado como "El padre del delta blues" y uno de los artistas más antiguos de la música popular estadounidense. En algunas fuentes, incluyendo varios de sus discos y su propia tumba, aparece incorrectamente nombrado con el nombre de Charley, a pesar de que el músico utilizó siempre el nombre de Charlie
MONGO SANTAMARIA
Ramón "Mongo" Santamaría Rodríguez es reconocido cómo uno de los músicos que convirtió al tambor cubano llamado tumbadora o conga en un instrumento imprescindible de las modernas agrupaciones de jazz, rock-and-roll, soul, reggae y otros ritmos modernos. Siguiendo los pasos de precursores como su compatriota Chano Pozo, quien fuera miembro estelar de la gran orquesta de Dizzy Gillespie, Mongo Santamaría junto con sus contemporáneos Armando Peraza, Carlos "Patato" Valdés y Francisco Aguabella, fue principal contribuyente en la transformación del sonido tradicional de las orquestas de jazz y más tarde de rock and roll y soul. Hoy en día la tumbadora, con su característico sonido y sabor cubanos, es acompañante necesaria en casi todo género de música popular, desde los conjuntos de norteña en México a los Gípsy Kíngs en Francia, y la encontramos de rutina en las más variadas orquestas de show desde Paco de Lucía a Carlos Vives.
La biografía musical de Mongo Santamaría lo ubica en un constante vaivén entre la ejecución de la música cubana más tradicional, e.g. el son, la rumba, el danzón, el bolero, la pachanga, y un estilo fusión muy propio de él, que combina el jazz con la música negra norteamericana soul y motivos y ritmos de origen cubano. Empero, Mongo, quien ha cursado la mayor parte de su vida artística en los Estados Unidos, es, en el fondo, un sonero de corazón. Defensor a muerte de la música de su país -al que visita de vez en cuando a pesar de las dificultades vigentes- y promotor del elemento Afro en la misma, Mongo se ha destacado por sus célebres críticas hacia la "salsa", a la que considera una imitación. A pesar de esta posición impopular, debemos destacar que Mongo ha sido admirador y promotor de las músicas autóctonas de otros países de la cuenca del Caribe, como Puerto Rico, República Dominicana, Colombia y Trinidad.
Mongo nació en La Habana, Cuba, en el barrio de Jesús María, un 7 de abril de 1917. Su padre, Ramón Santamaría Giménez, se dedicaba a labores de albañil y fungía de "sargento" en actividades políticas locales. Su madre, Felicia Rodríguez, vendía café, cigarros, etc. en un puesto callejero.1 Poco pudo Mongo conocer a su abuelo paterno, nacido en África, quien había arribado a Cuba en condición de esclavo en un barco negrero de contrabando en la última parte del siglo diecinueve. Pero su abuela materna cocinaba para los toques de bembé de la religión santera, en los que Mongo comenzó su aprendizaje en el tambor. Desde muy pequeño Mongo estuvo rodeado de un excitante ambiente musical en este barrio famoso por sus rumberos de renombre y por la popular comparsa La jardinera, de la cual Mongo pronto forma parte. Y era la época de auge del son, género que precisamente es grabado por primera vez en el año que nace Mongo
MANU DIBANGO
Manu Dibango (Emmanuel N'Djoké Dibango) es un saxofonista, director de orquesta, autor, compositor y cantante, nacido el 12 de diciembre de 1933, en Douala, Camerún, de padre yabasi y madre douala, ambos de religión protestante. Su estilo es, esencialmente, una fusión de jazz, soul y ritmos africanos, y de salsa, aunque en mucho menor medida. También incorporó a su repertorio algunas canciones tradicionales francesas y otras pertenecientes a la chanson francesa contemporánea, como la Chanson pour l'Auvergnat, de Georges Brassens, o La javanaise, de Serge Gainsbourg.
Formó parte como pianista (Manu Dibango toca varios instrumentos) del grupo de músicos que acompañaba a Nino Ferrer, hasta que en 1972 inicia su carrera en solitario y consigue el éxito internacional con Soul Makossa. En ese mismo año realiza una gira por Estados Unidos.
Generalmente actúa en Francia, país en el que reside, pero también realiza giras en África y en países occidentales, principalmente europeos, como España. Ha colaborado con muchos otros grupos musicales y solistas, como Fania All Stars, Fela Kuti, Peter Gabriel, Herbie Hancock, Salif Keïta, King Sunny Adé, Eliades Ochoa, Sinéad O'Connor y Sly and Robbie.
Manu Dibango es también el autor de la música de la película de dibujos animados Kirikou et les bêtes sauvages (Kirikú y las bestias salvajes).
GATO BARBIERI
Leandro “Gato” Barbieri (Rosario, Argentina; 28 de noviembre de 1932), es un saxofonista de jazz argentino. Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales dela década de 1970.
Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado. A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.
Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado. A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.
JIMMI HENDRIX
Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992. En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.[9] y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Keith Richards, Eric Clapton y Jimmy Page entre otros.
LOALWA BRAZ
Loalwa Braz (nacida en 1953) es una cantante brasileña. Vive en París desde 1985. Saltó a la fama como vocalista del desaparecido grupo de lambada Kaoma. En el año 2003, lanzó su carrera como solista, con el título Recomenzar.
CAL TJADA
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Missouri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz latino que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música latina. Tocaba también la batería y los bongóes.
De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.
Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz latino, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
RAY BARRETTO
Raymond Barretto Pagán (Nueva York, 29 de abril de 1929 - †Nueva Jersey, 17 de febrero de 2006), conocido como Ray Barretto, fue un percusionista estadounidense, uno de los más destacados compositores e intérpretes de jazz latino. De origen puertorriqueño, sus congas se han podido escuchar en cientos de discos, tanto de Jazz como de música latina.
BOBBY DARIN
Bobby Darin (Nueva York, 14 de mayo de 1936 - Los Ángeles, 20 de diciembre de 1973), cuyo verdadero nombre era Walden Robert Cassotto, fue uno de los cantantes más populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960.
Conocido también por su actitud polifacética, conquistó bastantes géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y trabajó como actor en varias películas, llegando a estar nominado a un Oscar en 1964.
Conocido también por su actitud polifacética, conquistó bastantes géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y trabajó como actor en varias películas, llegando a estar nominado a un Oscar en 1964.
MAURICIO SILVA
Mauricio Silva músico venezolano, que ha tenido la oportunidad de pasearse por varios renglones importantes de la música. Es Compositor, Arreglista, Productor, Pianista, Trombonista, Vocalista y Director de Orquesta. Tiene un linaje musical el cual heredó de su abuelo Manuel Silva Linares y su Padre Miguel Ángel Silva, éste último se destacó como bajista del Trío de Jazz de Gerry Well, la Billo´s Caracas Boys, Orq. Los Melódicos y Porfi Jiménez entre otras.
Su tío Rafael Silva ha sido por años considerado el Trombonista con más experiencia en Venezuela. Algunos de sus hermanos también son músicos. Josué Miguel Silva se destacó como Trompetista de la Orquesta de Mauricio Silva, Magia Caribeña, La Sonora Dinamita y otras. Lamentablemente Josué falleció el 31 de mayo de 2000 (el mismo día que nos dejó el maestro Tito Puente) después de luchar por más de 2 años con una terrible Leucemia.
Daniel Silva es otro de sus hermanos que comenzó de la mano de Mauricio y llegó a ser bajista de La Crítica de Oscar D´León, El Grupo Tres, La orquesta de Oscar D´León, Silva y Guerra, Grupo Niche y La Dimensión Latina. Mauricio Silva se interesó siempre por capacitarse muy bien en su profesión, por eso estudió con grandes músicos venezolanos y extranjeros como, Manuel Contramaestre, Daniel Milano, Miguel Silva, Alberto Naranjo, Danilo Pérez, Juan Domené y Carlos Franzetti. Estudió en las escuelas de música “Roberto Marcano”, “Lino Gallardo” y en Berkley School of Music
Su tío Rafael Silva ha sido por años considerado el Trombonista con más experiencia en Venezuela. Algunos de sus hermanos también son músicos. Josué Miguel Silva se destacó como Trompetista de la Orquesta de Mauricio Silva, Magia Caribeña, La Sonora Dinamita y otras. Lamentablemente Josué falleció el 31 de mayo de 2000 (el mismo día que nos dejó el maestro Tito Puente) después de luchar por más de 2 años con una terrible Leucemia.
Daniel Silva es otro de sus hermanos que comenzó de la mano de Mauricio y llegó a ser bajista de La Crítica de Oscar D´León, El Grupo Tres, La orquesta de Oscar D´León, Silva y Guerra, Grupo Niche y La Dimensión Latina. Mauricio Silva se interesó siempre por capacitarse muy bien en su profesión, por eso estudió con grandes músicos venezolanos y extranjeros como, Manuel Contramaestre, Daniel Milano, Miguel Silva, Alberto Naranjo, Danilo Pérez, Juan Domené y Carlos Franzetti. Estudió en las escuelas de música “Roberto Marcano”, “Lino Gallardo” y en Berkley School of Music
FRANKIE AVALON
Francis Thomas Avallone (n. Filadelfia, Pennsylvania; 18 de septiembre de 1939) fue un ídolo de las adolescentes, además de actor y cantante. Cuando tenía 9 años, despertó todo su interés por el mundo artístico musical, y Frankie Avalon empezó como trompetista, y poco a poco su sueño llegó a ser el convertirse en alguien de la talla de Louis Armstrong o Harry James. Tomó clases con un músico de la orquesta sinfónica de Filadelfia; y pronto su habilidad lo lleva a los shows de Pery y a presentaciones con Jackie Gleason, Ray Anthony y Paul Whitman.
Pronto surgió un contrato para grabar, pero en aquellos tiempo se exigían más vocalistas que trompetistas, así que su debut fue cantando "Dee dee Dinah", sin embargo el reconocimiento público de sus interpretaciones llegó con las canciones "Venus", o... "Why". Una vez alcanzada su popularidad, Frankie comenzó una nueva etapa en su carrera: el cine. Debutó con "Fuego en el bosque", junto a Alan Ladd y Keanne Crain, pero su verdadera oportunidad llegó cuando John Wayne le ofreció un papel en la película "El Álamo", donde interpretó "Salud por las Damas" y actuó como el joven acompañante de David Crockett (John Wayne). Tras esta película siguieron otras como "Viaje al fondo del mar", y "Navegue un barco loco", con Robert Wagner, Dolores Hart y Carolyn Jones.
Frankie Avalon fue considerado un "Pretty faces", junto a Paul Anka, Bobby Rydells, o Jimmy Clanton entretros. El 19 de enero de 1963 se casó con Kathryn Diebel, a quien conoció mientras jugaba a las cartas en casa de unos amigos. Frankie le dijo a su amigo que ella era la chica con la que se casaría. Pero su agente le advirtió que no se casase, ya que toda la figura de "ídolo adolescente" se estropearía. Avalon ignoró su consejo, y hoy día, todavía juntos, la pareja tiene ocho hijos, por orden de edad son, Frankie Jr., Tony, Dina, Laura, Joseph, Nicolas, Kathryn y Carla.
Pronto surgió un contrato para grabar, pero en aquellos tiempo se exigían más vocalistas que trompetistas, así que su debut fue cantando "Dee dee Dinah", sin embargo el reconocimiento público de sus interpretaciones llegó con las canciones "Venus", o... "Why". Una vez alcanzada su popularidad, Frankie comenzó una nueva etapa en su carrera: el cine. Debutó con "Fuego en el bosque", junto a Alan Ladd y Keanne Crain, pero su verdadera oportunidad llegó cuando John Wayne le ofreció un papel en la película "El Álamo", donde interpretó "Salud por las Damas" y actuó como el joven acompañante de David Crockett (John Wayne). Tras esta película siguieron otras como "Viaje al fondo del mar", y "Navegue un barco loco", con Robert Wagner, Dolores Hart y Carolyn Jones.
Frankie Avalon fue considerado un "Pretty faces", junto a Paul Anka, Bobby Rydells, o Jimmy Clanton entretros. El 19 de enero de 1963 se casó con Kathryn Diebel, a quien conoció mientras jugaba a las cartas en casa de unos amigos. Frankie le dijo a su amigo que ella era la chica con la que se casaría. Pero su agente le advirtió que no se casase, ya que toda la figura de "ídolo adolescente" se estropearía. Avalon ignoró su consejo, y hoy día, todavía juntos, la pareja tiene ocho hijos, por orden de edad son, Frankie Jr., Tony, Dina, Laura, Joseph, Nicolas, Kathryn y Carla.
ORQUESTA DEL RECUERDO DE PEDRO FLORES
Pedro Flores Córdova (Naguabo, 1894; San Juan, 1979) fue un compositor de Puerto Rico, que alcanzó gran éxito con sus baladas y boleros.
En 1926 se instaló en Nueva York donde conoció al compositor Rafael Hernández con el que entabló gran amistad. Aunque Flores no disponía de formación musical reglada estuvo colaborando con él y su grupo: el Trío Borinquen. En 1930 formó su propio grupo: Cuarteto Flores, que disponía de ritmos más rápidos y pasó a ser un sexteto y luego una orquesta; sin embargo, tuvo problemas con la discográfica del grupo y decidió abandonarlo. En su grupo participaron músicos como: Pedro Ortiz Dávila, conocido como Davilita y que solía ser el cantante principal, Pedro Marcano, Ramón Quirós, Cándido Vicenty, Plácido Acevedo, Diosa Costelo, Panchito Riset, Johnny Rodríguez, Antonio Machín, etc.
Se trasladó a México, después a Cuba y en alguna ocasión regresó a Nueva York para reorganizar su grupo, con la colaboración de Daniel Santos, Myrta Silva, Clarisa Perea, Moncho Usera, Doroteo Santiago y Chencho Moraza, con los que realizó importantes giras por el continente americano. En 1967 regresó a Puerto Rico y continúo componiendo canciones, en 1973 recibió un reconocimiento a su trabajo musical por el Senado de Puerto Rico, falleciendo el 14 de julio de 1979
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