domingo, 13 de junio de 2010
SILVESTRE VARGAS
Silvestre Vargas Vázquez (n. Tecalitlán, Jalisco, México, 31 de diciembre de 1901- † Guadalajara, México, 7 de octubre de 1985). Músico y compositor mexicano, quien hizo parte del Mariachi Vargas de Tecalitlán desde 1921 hasta 1975. Colaboró con Rubén Fuentes en la composición de piezas musicales para Mariachi, ahora muy famosas en todo el mundo.
Nació en Tecalitlán, Jalisco. El 31 de diciembre de 1901, hijo de Gaspar Vargas y de Marcela Vázquez. Como la mayoría de los niños de su época, estudio hasta el tercer grado de primaria, pero desde esta temprana edad mostró inclinación por la música pues a los 13 años de edad comenzó a tocar un violín de carrizo interpretando La Joaquinita, El Limoncito, La Adelita, Honor y Gloria y El Diablito. Evidentemente este amor a la música le nació en su casa, pues su padre en 1897 había fundado el Mariachi Vargas, integrado por don Gaspar (director y guitarrista), Manuel Mendoza (arpa), Lino Quintero y Refugio Hernández (Violín).Tocando por primera vez el 15 de septiembre de 1898 en dicha población con motivo de la celebración de un aniversario más de la independencia de México.
En 1921 Silvestre Vargas pasa a formar parte del mariachi, que en aquella época se constituía exclusivamente de violines, arpa y guitarra. En 1931 se hizo cargo de éste y realizó su primera gira a la ciudad de México. Dos años más tarde el conjunto crece con la incorporación de cuatro elementos más y en 1940 introduce las trompetas. Su mariachi tocó para la policía de Distrito Federal por más de veinte años y acompañó a un sin fin de artistas nacionales como Jorge Negrete, Pedro Infante, Javier Solís, Lucha Reyes, Lola Beltrán etc. Al mismo tiempo el Mariachi Vargas ha llevado la música mexicana y jalisciense por diversas giras al extranjero. En 1975 don Silvestre dejó de actuar y en 1983 el Gobierno del Estado de Jalisco le rindió un homenaje en el Teatro Degollado de Guadalajara, en donde se estrenó su corrido.
Don Silvestre Vargas y Rubén Fuentes hicieron arreglos a viejos sones jaliscienses como: El son de la negra, Las alazanas, y El Camino Real de Colima. Se le atribuyen El tecalitleco, El lunar que te vi, El pasajero, Lupita, El cuatro, El gusto, El palmero, El maracumbé, etc. Sus canciones y el grito característico de Silvestre que lo ha hecho famoso de ¡Y no te rajes Jalisco! Han dado la vuelta al mundo. Murió el 7 de octubre de 1985 en la ciudad de Guadalajara, Jalisco.
MECHE BARBA
Mercedes Barba Feito nació en Nueva York, Estados Unidos. Hija del actor de circo Antonio Barba. Comenzò su carrera en las carpas de la Gran Manzana a la edad de seis años. En México, inicia su carrera como bailarina al lado de su hermana Carmen en el show Caras Bonitas, con el comediante mexicano El Panzòn Soto.
Debuta en el cine en 1944 en la cinta Rosalinda, al lado de la también rumbera María Antonieta Pons. Su peculiar estilo al bailar los ritmos Afroantillanos como la Rumba, el Mambo y el Cha Cha Cha, le otorgan una gran popularidad. En 1946, realiza la cinta Humo en los Ojos (que inicia la producción masiva de películas de rumberas), y en 1947 protagoniza la cintas Cortesana y Gran Casino, esta última dirigida por Luis Buñuel.
En 1950, inicia una serie de importantes colaboraciones cinematográficas con el actor y cantante Fernando Fernández, con quien viviría un romance fuera de la pantalla y con quien procreò a su único hijo.
Meche se retira a finales de los cincuentas para dedicarse a su familia. En los ochentas, el escritor de telenovelas Carlos Romero, la convence de regresar a la televisión. Participo durante los ochentas y noventas en varias telenovelas de la actriz y cantante Thalía. En 1992 regresa al cine y obtiene el premio Ariel por su actuación el el filme Los años de Greta
FRANZ VON SUPPE
Franz von Suppé nació el 18 de abril de 1819 en Split (Dalmacia, Croacia), descendiente de una familia belga que probablemente emigrara en el siglo XVIII. Fue pariente lejano de Gaetano Donizetti y su nombre original era Francesco Ezechiele Ermenegildo Cavaliere Suppé Demelli. Simplificó y germanizó su nombre en Viena, cuando cambió "cavaliere" por "von". Fuera de círculos germánicos, su nombre podía aparecer como Francesco Suppé-Demelli.
Suppé pasó su infancia en Zadar (Croacia), donde recibió sus primeras clases de música y compuso a una edad muy temprana. En su adolescencia, estudió flauta y armonía en Cremona. Su primera composición existente fue una Misa católica, que fue estrenada en una iglesia franciscana de Zadar en 1832. Se trasladó a Padua (Italia) a estudiar Derecho, un campo de estudio no elegido por él, aunque continuó sus estudios de música.
Finalmente, Suppé compuso más de 100 obras en el Theater in der Josefstadt, en el Carltheater de Leopoldstadt (un barrio de Viena), en el Theater an der Wien y en el teatro de Baden. Asimismo, participó en varias óperas, como en la producción de la ópera de 1846 de Giacomo Meyerbeer Les Huguenots, con Jenny Lind. Falleció el 21 de mayo de 1895 en Viena.
JULIUS FUCIK
Julius Ernst Wilhelm Fučík (18 de julio de 1872 –15 de septiembre de 1916 ) fue un compositor y director de bandas militares checo.
Fučik pasó la mayoría de su vida como dirigente de bandas militares. Fue un prolífico compositor, llegando a escribir alrededor de 300 marchas, polkas y valses. Por su trabajo en estas bandas es conocido como el "Sousa Bohemio", relacionado con el compositor estadounidense de marchas John Philip Sousa.
Hoy en día sus marchas son interpretadas en la República Checa como música patriótica. Sin embargo su fama internacional se resume a su marcha Op. 68: La entrada de los gladiadores (Vjezd gladiátorů), conocida por su interpretación en los circos cuando los payasos entran en escena. A pesar de ser esta obra tan conocida, el nombre de su autor es ignorado por la mayoría de la población. Otra obra suya famosa es la marcha florentina, aunque no como la entrada de los gladiadores. Fučík fue tío del periodista Julius Fučík, integrante del partido comunista checo, asesinado por el régimen nazi.
GENARO CODINA
Nombre del personaje: Genaro Codina
Fecha de nacimiento: 1852
Fecha de fallecimiento: 1901
Origen: Zacatecas, Zacatecas
Actividad: Músico
Época: Porfirista
Genaro Codina fue hijo de María Dolores Fernández y Santiago Codina. Toda su vida transcurre en la ciudad de Zacatecas, donde cursa su educación primaria en una escuela particular.
Aprende contabilidad con su padre; domina el arte de la pirotecnia y el manejo de algunos instrumentos musicales, principalmente el arpa, en donde compone directamente valses, polcas, mazurcas, chotices y, las que lo hicieron famoso, las marchas.
Su principal afición es la música. Compone la marcha de Zacatecas para ganarle una apuesta a Fernando Villalpando, su concuño. Esta es una gran obra musical, actualmente famosa en todo el mundo. Entre sus creaciones se encuentran las marchas: Porfirio Díaz, Patriotismo y México; chotices, Sueño nupcial, Carmen, Emma; mazurcas, Cher ami, Una confidencia; la Polca típica zacatecana; danzas: Los ojos de la luz , Gratos recuerdos, por mencionar sólo algunas composiciones de su vasta producción.
Forma la Orquesta Típica Zacatecana con la que ofrece conciertos por todo México y Estados Unidos. Muere el 22 de noviembre de 1901, en su hogar ubicado en la calle de la Compañía, misma que actualmente lleva su nombre. Sus restos permanecieron en el mausoleo de los Hombres Ilustres del panteón de la Purísima, para luego ser trasladados a la Rotonda de los Hombres Ilustres de la ciudad de Zacatecas.
LEONARD ROSENMAN
Leonard Rosenman (n. Nueva York, 7 de septiembre de 1924 - m. Los Ángeles, 4 de marzo de 2008) fue un compositor estadounidense conocido principalmente por ser el autor de la partitura de numerosas bandas sonoras cinematográficas. Fue alumno de Arnold Schönberg, Roger Sessions y Luigi Dallapiccola. En sus inicios trabajó como profesor de piano y de música de cámara. En 1955, por recomendación de James Dean que era uno de sus alumnos, hizo su primera colaboración para el cine, la banda sonora de la película Al este del edén que obtuvo un gran exito.
A partir de entonces, escribió la música de gran número de películas y consiguió dos oscares por la mejor banda sonora adaptada, Barry Lyndon (1975) y Esta tierra es mi tierra (1976). Sin embargo nunca obtuvo el oscar a la mejor banda sonora original, aunque fue candidato por Los mejores años de mi vida en 1983 y Star Trek IV: misión: salvar la Tierra en 1986.
Como compositor vanguardista, escribio música dodecafónica, sin duda bajo la influencia de Schönberg y practicó la atonalidad, ejemplo de ello es la música de Viaje alucinante de Richard Fleischer (1966).
Aunque su fama se debe a la música cinematográfica, fue también compositor de música clásica, en esta faceta una de sus obras más conocidas es el Concierto para violín numero 2, estrenado en 1977 en el Carnegie Hall.
sábado, 12 de junio de 2010
THE CHIPMUNKS (LAS ARDILLAS)
En USA apareció a fines de los 50 el grupo The Chipmunks, y acá lo "tradujeron" unos años después. Se hicieron populares con "Do Re Mi", un tema de Lee Dorsey, y "Más", de Los Shakers. Aparecieron en varias publicidades.
EL CLUB DEL CLAN
El Club del Clan tuvo su origen en lo que se llamó la nueva ola, una serie de artistas juveniles contratados por RCA y difundidos bajo ese eslogan a partir de 1959, con el fin de competir localmente en el mercado del rock and roll, que monopolizaba el estadounidense Elvis Presley.
La idea original fue del ecuatoriano Ricardo Mejía, directivo de RCA. El sello grabador realizó una estrategia inicial de difusión con centro en la grabación de discos y la realización de recitales públicos en sus instalaciones y shows televisivos (Swing, juventud y fantasía en Canal 7; La cantina de la guardia nueva en Canal 11).
Los tres primeros artistas en ser contratados fueron Rocky Pontoni, (Orlando Amador Pontón), Marty Cosens (Rubén Cosentino) y Mariquita Gallegos. En los años siguientes serían contratados otros músicos que tendrían una larga actuación en el pop argentino.
LOS TAMARA
Los Tamara fue una banda de pop formada en Noya (La Coruña, España), que fue enormemente popular en los años 60 y 70, haciendo una nueva forma de música popular gallega, incluyendo nuevas influencias del Soul y el Rock, arreglos audaces y muchas letras en gallego, incluyendo poemas de los grandes escritores de la lengua gallega.
La banda se formó en 1958 por Prudencio Romo, su hermano Alberte Romo, Manolo Paz, Xosé Sarmiento (guitarra y clarinete), Germán Olariaga (Violinista y cantante), y Enrique Paisal, aprovechando unas vacaciones de Semana Santa; En 1961 se les unió el que sería su líder carismático: el cantante coruñés Pucho Boedo. En palabras de Prudencio, "Los Tamara se formaron para poder salir de España y poder trabajar en el extranjero, ya que antes el trabajo en España era bastante limitado. Había que parar toda la cuaresma y no era posible que los músicos trabajasen. Durante dicha cuaresma, en aquellos días, no se tocaba más que música religiosa en las emisoras de radio y todo eso. No había bailes, no había fiestas, razón por la cual los músicos se quedaban sin trabajo; para evitar esto, decidimos formar un grupo que pudiese tocar todo el año, y la solución era marcharse al extranjero".
La historia del nombre la contaron en una entrevista en los 60: "Era el momento en que se llevaban muchos nombres americanos y nosotros estábamos dudando. Pero el alcalde de Noya Manolo Ons, nos dijo: ¿por que no buscáis un nombre gallego para vuestro conjunto?" Y de ahí vino el nombre, antigua denominación del Tambre, el río que pasa por Noya. El nombre lo recordaba Prudencio Romo de cuando cursaba estudios en el Instituto de Noya (situado donde hoy están los juzgados). Allí había un mapa antiguo de Galicia. En él aparecía el río Tambre, pero allí no ponía río Tambre, sino río Tamara. Prudencio le preguntó a uno de sus profesores a que era debido, y éste le explicó que antiguamente se llamaba así, porque atravesaba territorios de los antiguos Condes de Trastamara (aunque la origen del nombre es anterior, el río ya se llamaba así en época romana))
EL TANGO
El vocablo "tango" comenzó a popularizarse cuando en 1802 se dio a conocer un lugar donde los negros se reunían para ejecutar sus músicas y danzar y que se llamaba "Casa y sitio del tango". Este, así como los otros espacios que los negros ocupaban para sus manifestaciones culturales y las actividades que allí se desarrollaban, fueron siempre mal vistos por las sucesivas autoridades que gobernaron Buenos Aires y como consecuencia de tal forma de pensar, en 1806 se publicó un decreto que rezaba: "Se prohiben dentro de la ciudad los bayles conocidos por el nombre de tangos". Estas actitudes de quienes ostentaban el poder iban condenando a dichas danzas y sus músicas a la marginalidad.
Por entonces, la palabra "tango" designaba a las casas donde los negros efectuaban sus bailes. Pero a pesar de las prohibiciones, el proceso evolutivo continuaba sin detenerse. La música proseguía nutriéndose de distintas vertientes. De tal suerte, fueron asimilados por la cultura nativa, otras expresiones musicales como la tonadilla, la zarzuela y la habanera, que fueron incorporándose al acervo de estas tierras, cuando después de los sucesos históricos de 1810, Buenos Aires comenzó a tener sus primeros gobiernos propios y a abrirse al arte del mundo.
La naciente música nativa sufrió distintos vaivenes según los diferentes pensamientos de los sucesivos gobernantes. Es así como durante el mandato del Brigadier General don Juan Manuel de Rosas (que abarcó desde 1835 hasta 1852) los negros asistieron a su época de mayor esplendor porque el gobernador dio un incondicional apoyo a la difusión de sus candombes.
La caída de Rosas tras su derrota a manos del General Justo José de Urquiza en la batalla de Caseros ( 3 de febrero de 1852), trajo aparejada la reorganización de la República Argentina, el dictado de una nueva Constitución Nacional en 1853 y la instalación de una nueva forma de gobierno representativa, republicana y federal, con régimen presidencialista.
Las primeras elecciones nacionales consagraron como titular del Poder Ejecutivo al mismo Urquiza, quien presidió a la Argentina desde 1854 hasta l860. En los comicios para cubrir el cuarto mandato (l868-l874), resultó triunfante el más encarnizado enemigo de Rosas, Domingo Faustino Sarmiento. El y sus sucesores inmediatos hasta fines del siglo XlX consideraban no cultas las manifestaciones nativas y las culturas de los negros y de los gauchos de las pampas se vieron nuevamente confinadas a la marginalidad, de la que no emergerían sino hasta medio siglo después.
El más lúcido testigo de la época fue un señor de identidad desconocida, que se hacía llamar "Viejo tanguero" y que en la edición del diario "Crítica" del 22 de septiembre de l913, en un completo artículo titulado "El tango, su evolución y su historia. Historia de tiempos pasados. Quiénes lo implantaron", escribió lo siguiente: "Hacia 1877 las sociedades candomberas, formadas por hombres y mujeres de color, habían establecido su cuartel general en el barrio del Mondongo.... Los negros del barrio del Mondongo, llegada la fecha de carnaval, salían a la calle con sus estrambóticos trajes chillones y sus enormes sombreros de plumas, bailando tras largas horas al compás monótono de candombes y masacayas. La supremacía que cada uno pretendía ejercer dio margen a enfurecidas rivalidades y con ello a sangrientos encuentros en plena vía pública. La repetición de los sucesos trajo como consecuencia la disolución de asociaciones belicosas y la clausura de sus candombes. Ahogadas así las expansiones africanas, se formaron centros de baile con los mismos elementos, naciendo a poco el memorable tango, pero en una forma muy distinta a la que hoy se ejecuta. Las parejas, en lugar de acercarse, se separaban a compás, imitando las gesticulaciones y contoneos del pasado candombe. El nuevo baile se hizo general y a poco de ser difundido, lo tomaron para sí los compadritos del arrabal y lo llevaron al barrio crudo de los corrales, donde ya funcionaban los piringundines con la tradicional milonga.
viernes, 11 de junio de 2010
FEODOR CHALIAPIN
Fiódor Ivánovich Chaliapin o Fiódor Ivanóvich Shaliapin (en alfabeto cirílico: Фёдор Ива́нович Шаля́пин) fue el más famoso cantante de ópera bajo ruso de la primera mitad del siglo XX. Nació en Kazán (Tartaristán) el 13 de febrero de 1873 y falleció en París el 12 de abril de 1938.
Debido a su poderosa y flexible voz —junto con su hipnotizante presencia sobre el escenario y su soberbia habilidad para la actuación— se le considera como uno de los más grandes intérpretes de la historia de la ópera, y se le atribuye el establecimiento de la tradición naturalística de la interpretación en la ópera.
MARIO ANCONA
Mario Ancona fue un barítono italiano , nacido en Livorno en 1.860, de familia judía. Se le considera un maestro del bel canto baritonal y gozó de una reputación internacional como una estrella de lo que se conoce comúnmente como la "Edad de Oro de la Opera".
Falleció en Florencia el 23 de febrero de 1.931
Después de iniciar una carrera empresarial , dejó la misma y decidió estudiar con el Maestro de canto Matteini en su ciudad natal de Livorno; más tarde, tomó lecciones con Giuseppe Cima en Milán. Ancona debutó como cantante amateur en una fecha tan lejana como 1880 a los 20 años de edad y su primera aparición profesional se produjo en 1889, cuando cantó el papel de Scindia en Le Roi de Lahore de Massenet en Trieste. Posteriormente, apareció con otro Massenet , Le Cid, en La Scala de Milán.
El 21 de mayo de 1892, creó el role de Silvio en el estreno mundial de PAGLIACCI que tuvo lugar en Milán , Teatro Dal Verme con Arturo Toscanini en la dirección orquestal.
En 1893 , apareció en Londres con el estreno allí de Pagliacci en la Royal Opera House, Covent Garden; En esta ocasión, sin embargo, cantó el papel de Tonio. (Nellie Melba y Fernando De Lucía también en el elenco de estos Pagliacci.)
Ancona cantó regularmente en el Covent Garden hasta el 1901, siendo muy apreciado por el público y la crítica de Londres. Cantó también como un artista invitado en El Cairo, Lisboa, Madrid, Varsovia, Moscú, San Petersburgo, Chicago y Boston, así como en América del Sur.
SUITE
Una suite es una pieza musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está considerada como de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una allemande, de ritmo rápido; luego una courante y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la Giga (danza). La suite tuvo su apogeo con Händel y Johann Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto caracter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, típico del Barroco.
DMITRI MITROPOULOS (GRIEGO)
Dmitri Mitropoulos (Dimitris Mitropoulos: Δημήτρης Μητρόπουλος) fue un pianista, compositor y director de orquesta griego naturalizado estadounidense. Nació en Atenas el 1 de marzo de 1896 y murió en Milán el 2 de noviembre de 1960. Es uno de los más prestigiosos directores de orquesta del siglo XX.
Como director de óperas de Mozart, Alban Berg, Verdi, Puccini y de Elektra de Richard Strauss se destaco en el Metropolitan Opera de Nueva York donde prácticamente fue el director principal entre 1954-1960. Debutó dirigiendo Salomé con Christel Goltz en 1954 y la temporada siguiente a Marian Anderson en su famosa actuación en la sala como Ulrica, a Renata Tebaldi, Zinka Milanov y Maria Callas en Tosca (1958), a George London en Borís Godunov, a Leonard Warren en Simon Boccanegra, a Leonie Rysanek en Macbeth. En 1958 dirigió el estreno mundial de la ópera Vanessa de Samuel Barber.
También condujo en La Scala y en el Festival de Salzburgo, donde dirigió un célebre Don Giovanni y Elektra. Estrenó el concierto de piano de Ernst Krenek y su labor pionera en la difusión de la Segunda Escuela de Viena es hoy revalorada.
Murió de un infarto mientras ensayaba la Tercera Sinfonía de Mahler en Milán. Tenía 64 años
FREDRICK PACIUS
Fredrik Pacius o Friedrich Pacius (19 de marzo de 1809 - 8 de enero de 1891) fue un compositor y director de orquesta alemán que vivió la mayor parte de su vida en Finlandia. Ha sido llamado el «Padre de la música finlandesa».
Nació el 19 de marzo de 1809 en Hamburgo, se graduó en 1834 como maestro de música en la Universidad de Helsinki. En Helsinki fundó una sociedad musical, un coro y una orquesta. En 1848 Pacius escribió la música para el poema Maamme de Johan Ludvig Runeberg, que se convirtió en el himno nacional de Finlandia. La música de Pacius también fue usada en el himno nacional de Estonia, Mu isamaa, mu õnn ja rõõm.
En 1852 compuso Kung Karls jakt/Kaarle-kuninkaan metsästys («La Caza del Rey Carlos») que fue la primera ópera finlandesa, con un libreto propio del nacionalismo romántico. El libreto fue escrito por el autor e historiador Zacharias Topelius en cercana colaboración con el compositor.
EVALD AAVA
Evaldo Aav fue un compositor estonio nacido en Tallin el 22 de febrero de 1900 y fallecido el 21 de marzo de 1939.
Estudió composición con Artur Kapp y escribió principalmente música vocal en lengua estonia. En 1928 compuso la primera ópera nacional estonia, Los vikingos (Tallin, 8 de septiembre). Formó su estilo de composición basándose en el de Tchaikovsky.
Estudió composición con Artur Kapp y escribió principalmente música vocal en lengua estonia. En 1928 compuso la primera ópera nacional estonia, Los vikingos (Tallin, 8 de septiembre). Formó su estilo de composición basándose en el de Tchaikovsky.
PERRE DE LA RUE (RENACIMIENTO)
Pierre de La Rue (* 1452 - f. 20 de noviembre de 1518), también llamado Piercho de Vico o Petrus Platensis, fue un compositor y cantor franco-flamenco del Renacimiento. Un miembro de la misma generación que Josquin des Prés, y mucho tiempo asociado a la capilla musical de los Habsburgo, se sitúa entre el grupo de compositores formado por Agricola, Brumel, Compère, Isaac, Obrecht, y Weerbeke como uno de los más famosos e influyentes compositores de la polifonía de los Países Bajos en las décadas próximas al año 1500.
PANCHO VLADIGEROV
Vladigerov nació el 13 de marzo de 1899 en Zürich, Suiza, sin embargo vivió en Shumen. Su madre, la Dra. Eliza Pasternak era una judía rusa, emparentada con el escritor Boris Pasternak. Su padre, el Dr. Haralan Vladigerov fue abogado. Pancho Vladigerov, junto con su hermano gemelo Lyuben Vladigerov, aprendieron composición desde temprana edad, Pancho estudió piano, Lyuben el violín. En 1904, los dos hermanos participaron en un concierto público en el Centro Comunitario Arhangel Mihail, actualmente llamado Centro Comunitario Dobry Voynikov. El 13 de mayo de 1906, Haralan Vladigerov muere de un paro cardíaco.En el verano de 1910 la familia se muda a Sofía donde Eliza Vladigerova se emplea como doctora, y un año después se mudan una vez más a Viena, en donde ella consultó con el compositor austriaco Robert Fux por el talento de sus hijos y quien le recomendó llevar a estudiar a Pancho a Rusia considerando el talento de Pancho y su origen eslavo. En Kiev la madre se entrevistó con Vladimir Pohalski, músico, pianista, compositor y conductor de la orquesta filarmónica y director del Conservatorio de Kiev, quien recomiendó a Pancho para estudiar en el Conservatorio de París. Después de haber estado en Kiev, los Vladigerov estuvieron un tiempo breve en Tiráspol antes de regresar a Sofía, donde Eliza consiguió una beca para Pancho en París. A finales de 1911, el violinista francés Anrie Marto viajó a Sofía y tras escuchar a los jóvenes Lyuben y Pancho, persuadió a Eliza a mandar a sus hijos a Berlín prometiendo su apoyo incondicional. En junio de 1912, Pancho se mudó a Berlín junto con su madre y hermano y se matriculó en la Staatliche Akademische Hochschule für Musik, en donde estudió teoría musical y composición con el Profesor Paul Juon y piano con Heinrich Barth. En 1920 se gradúa de la Akademie der Künste habiendo estudiado composición bajo Friedrich Gernsheim y el Profesor Georg Schumann. Ganó dos veces el Premio Mendelssohn de la Academia en 1918 y en 1920. Trabajó para Max Reinhardt en el Deutsches Theater en Berlin como compositor y pianista entre 1920 y 1932. Regresó a Sofía donde fue designado conferenciante y luego, a partir de 1940, Profesor de Piano, Música de Cámara y Composición de la Academia Estatal de Música, la cual habría de llevar el nombre de Vladigerov tras su muerte.
JOHANNES CICONIA
Johannes o Iohannes Ciconia (c. 1335 ó c. 1370 en Lieja (Bélgica) - † entre el 10 de junio y el 12 de julio de 1412), fue un compositor medieval tardío y un teórico de la música belga que trabajó la mayor parte de su vida en Italia.
Ha sido posiblemente confundido con su padre del mismo nombre y con el que comparte algún otro dato biográfico, de ahí la incertidumbre sobre su fecha exacta de nacimiento. Todas las obras del compositor se cree que son posteriores a 1390.
Johannes Ciconia, el padre del compositor, trabajó en 1350 en Avignon como empleado de la esposa del sobrino de Papa Clemente VI. En 1358 este Johannes Ciconia padre se establece en Italia, trabajando en Padua. Durante su estancia en Italia, viaja ampliamente como un adjunto del cardenal Gil Álvarez de Albornoz, y entra en contacto con todos los estilos musicales locales; evidentemente, incorpora estos estilos a sus composiciones. En 1372, regresa a Lieja, donde permanece durante un tiempo desconocido, allí forma una familia a pesar de no casarse.
Un segundo músico con el nombre de Johannes Ciconia aparece en los registros de Lieja en 1385 como un duodenus, una persona de corta edad y por lo tanto es más probable que sea el propio compositor. Los registros papales indican que este Ciconia estaba al servicio de Bonifacio IX en Roma en 1391. Un lamento que escribió sobre la muerte de Francesco de Carrara ha sido una referencia de fechas segura: 1393, dando una prueba más de su estancia en Italia en ese momento. Ciconia cuando se traslada a Padua es probable que visitara Pavia siendo este hecho confirmado por Di Bacco y Nádas, pero se entiende que fue en 1401 cuando en permaneció en Padua hasta su muerte.
ALBAN BERG
Alban Maria Johannes Berg (9 de febrero de 1885 – † 24 de diciembre de 1935) fue un compositor austríaco. Fue alumno de Arnold Schoenberg y perteneció a la Segunda Escuela de Viena. Incursionó como ellos en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, escribiendo obras vinculadas a la estética expresionista, pero su música tiene además una sonoridad que siempre evoca la tonalidad, evocando siempre al romanticismo, y una inclinación marcadamente dramática. Sus tres obras más conocida son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y Lulú.
Berg fue parte de la élite cultural de Viena durante el período conocido como el fin de siècle. Este círculo incluyó a los músicos Alexander von Zemlinsky y Franz Schreker, el pintor Gustav Klimt, el escritor y satírico Karl Kraus, el arquitecto Adolf Loos y el poeta Peter Altenberg. El 14 de abril de 1911, estrenó su Sonata para piano y su Cuarteto de cuerdas, el 3 de mayo se casaba con Helene Nahowski, pese a la abierta hostilidad de su familia. De su idilio se conservan unas cartas de amor muy famosas. El 18 de mayo moría Gustav Mahler, el gran director y compositor austríaco, a quien Berg admiraba profundamente y que ejerció una poderosa influencia en su música.
En 1912 comenzó a componer música para unos textos de Peter Altenberg, singular poeta vienés que escribía breves poesías en postales que regalaba a sus amigos. En aquellos años, los miembros de la Trinidad Vienesa comenzaron a experimentar con la forma musical, escribiendo obras de extremada concisión y densidad y por lo tanto muy cortas; también compuso en este estilo (llamado estilo aforístico), sus Cuatro piezas para clarinete y piano en 1913. Precisamente, el 31 de marzo de ese año, se preparó el estreno de los Altenberg-Lieder Op. 4 para un concierto dedicado exclusivamente a obras de los alumnos de Schoenberg y dirigido por éste. La extrañeza de las piezas y la discreción del uso de la enorme orquesta sinfónica terminaron por causar un escándalo que interrumpió el concierto - las canciones serían terminadas de "estrenar" recién en 1952.
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