martes, 27 de julio de 2010
JULITA ROSS
Julita Ross (21 marzo 1919-29 junio 1981) fue un cantante de danzas de Puerto Rico, también conocida como "La Gran Dama de la Danzas".
Ross nació en Arecibo, Puerto Rico. Sus padres Ramón y Clemencia se trasladó a la sección de Santurce de San Juan en 1923. Ross recibió su educación primaria y secundaria y se graduó de la Escuela Superior Central de Santurce. En 1940, se unió a un grupo de cantantes artística que había un programa llamado "Industrias Nativas" (nativos de Industrias) y que fue transmitido por la estación de radio "WIAC", hasta 1945.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Ross entretuvieron a las tropas con su voz en "muestra la USO (United Service Organizations). Después de una gira con la USO, Ross fue a Nueva York, donde actuó en muchos teatros hispanos, entre ellos "El Teatro Puerto Rico". Ella también fue escuchada en las estaciones de radio "WWRL" .
DUO PEREZ RODRIGUEZ
Luis Felipe Rodríguez, mejor conocido como “La Voz” , (8 de mayo de 1926 – 26 de mayo de 1999) Caguas, Puerto Rico, era un cantante de Puerto Rico. Adquirió mucha popularidad en los años 50 .
Rodríguez nació en el municipio de Caguas, Puerto Rico. Su padre murió antes de que él naciera y tuvo una niñez difícil . En 1930, se mudó con su madre al Barrio Obrero en Santurce, un distrito popular de San Juan. Allí Rodríguez fue a la escuela y practicó sus habilidades para el canto durante su tiempo libre.
Tiempo más tarde, Julito Rodríguez, otro cantante del bolero, lo escuchó cantar y lo invitó a formar un dúo. Más adelante, formaron el trío llamado “Los Romanceros” con el que participó en el programa de radio para aficionados ” Tribuna del Arte” , producido por Rafael Quiñones Vidal. En 1950, Rodríguez dejó el trío y emprendió otros proyectos, como la formación del ” Trío Los Antares”, el “Dúo Pérez-Rodríguez” (con su entonces esposa, relación profesional que continuó después de su divorcio) y su carrera de solista. Por esa época, el anunciador de radio Mariano Artau de Puerto Rica le dio el apodo,La Voz, que permancería con él para el resto de su vida. En 1952, grabó canciones que se convirtieron en éxitos como " La última copa, Golondrina viajera,Esta Navidad y Los Reyes no llegaron, conmovedora canción de Navidad escrita por Esteban Taronjí
Rodríguez nació en el municipio de Caguas, Puerto Rico. Su padre murió antes de que él naciera y tuvo una niñez difícil . En 1930, se mudó con su madre al Barrio Obrero en Santurce, un distrito popular de San Juan. Allí Rodríguez fue a la escuela y practicó sus habilidades para el canto durante su tiempo libre.
Tiempo más tarde, Julito Rodríguez, otro cantante del bolero, lo escuchó cantar y lo invitó a formar un dúo. Más adelante, formaron el trío llamado “Los Romanceros” con el que participó en el programa de radio para aficionados ” Tribuna del Arte” , producido por Rafael Quiñones Vidal. En 1950, Rodríguez dejó el trío y emprendió otros proyectos, como la formación del ” Trío Los Antares”, el “Dúo Pérez-Rodríguez” (con su entonces esposa, relación profesional que continuó después de su divorcio) y su carrera de solista. Por esa época, el anunciador de radio Mariano Artau de Puerto Rica le dio el apodo,La Voz, que permancería con él para el resto de su vida. En 1952, grabó canciones que se convirtieron en éxitos como " La última copa, Golondrina viajera,Esta Navidad y Los Reyes no llegaron, conmovedora canción de Navidad escrita por Esteban Taronjí
JAIME LLANOS GONZALEZ y MUSICA ANDINA COLOMBIANA
Jaime Llano González. Compositor y músico colombiano (n. Titiribí, Departamento de Antioquia, Colombia, 5 de julio de 1932). Es uno de los organistas más destacados del país en el siglo XX.
Nació en Titiribí, departamento de Antioquia, Colombia, el 5 de julio de 1932. Intérprete de música popular, fundamentalmente al órgano. Se caracterizó por saber llegar con el espíritu de su música a todos los rincones de Colombia, debutando permanentemente con sus interpretaciones, y por no haber tenido prácticamente ninguna competencia en su profesión.
Su particular estilo marcó toda una época en la radio y especialmente en la televisión colombiana, hasta que en este último medio la música preferida de Llano González fue relegada a un segundo plano. El maestro era esencialmente "bambuquero", o intérprete de bambucos, su género preferido.
Nació en Titiribí, departamento de Antioquia, Colombia, el 5 de julio de 1932. Intérprete de música popular, fundamentalmente al órgano. Se caracterizó por saber llegar con el espíritu de su música a todos los rincones de Colombia, debutando permanentemente con sus interpretaciones, y por no haber tenido prácticamente ninguna competencia en su profesión.
Su particular estilo marcó toda una época en la radio y especialmente en la televisión colombiana, hasta que en este último medio la música preferida de Llano González fue relegada a un segundo plano. El maestro era esencialmente "bambuquero", o intérprete de bambucos, su género preferido.
CARLOS ACUÑA
Carlos Ernesto Di Loreto (4 de noviembre de 1915, Buenos Aires, Argentina - 19 de febrero de 1999, Buenos Aires, Argentina), más conocido como Carlos Acuña, fue un cantante y compositor argentino que desarrolló una importante carrera en España, donde fue considerado "el otro Gardel". Actuó con las orquestas de Rodolfo Biagi y Mariano Mores, y se destacó como solista. Recorrió 36 países y compuso 250 temas.
Estudió canto con el maestro Ricardo Domínguez, ex tenor del Teatro Colón y con Eduardo Bonessi, quien había sido el profesor de Carlos Gardel. Debutó en Radio París, en 1933, usando el seudónimo Carlos Dillon, compartiendo las audiciones con Ignacio Corsini y Tita Galatro, entre otros. A los tres meses pasó a LR9 Radio Fénix contando con tan solo 18 años. Fue integrante del conjunto humorístico-musical Los Bohemios. Luego diseñó con un amigo suyo su seudónimo definitivo (Acuña) ya que el anterior era inglés. En 1939 actuó en cinco importantes radios de la ciudad de Buenos Aires acompañado por los guitarristas Canataro y Pedretti.
Luego continuó en las orquestas de Tito Ribero, Mario Rocha y Jerónimo Bongioni y en 1940, fue contratado por Ernesto de la Cruz para integrar su sexteto. Un año después, en 1941 el músico Carlos Di Sarli, al escucharlo, le realizó una pruba, en la cual fue aceptado y debutó formando rubro vocal con Roberto Rufino. Con ésta se presentó con un éxito rotundo en Radio El Mundo, giras por el interior y en el cabaret "Marabú". El 2 de agosto de ese mismo año grabó su único registro con Di Sarli para el sello de RCA Víctor, que contenía el tango Cuando el amor muere, de Alfredo Malerba y Héctor Marcó.
Desvinculado de Di Sarli, a fines de 1942, volvió al sexteto de Ernesto de la Cruz, para debutar por Radio El Mundo junto con la cancionista Alba Sabino. Ese año fue contratado por Rodolfo Biagi, debutó en Radio Splendid junto al cantor Alberto Amor y gracias al éxito obtenido, la emisora organizó una gira por el interior del país. Con aquella orquesta continuó hasta 1944, dejando en el disco 12 obras.
AGUSTIN MAGALDI
Agustín Magaldi Coviello (n. Rosario; 1º de diciembre de 1898 - † Buenos Aires, 8 de septiembre de 1938) fue un eximio músico, compositor y cantor de tango argentino. El hogar de Agustín lo componía su madre, viuda dos veces, y sus hermanos Blas, Pascual, Emilio y Cristina. En su casa eran afectos a la música lírica, y así pudo germinar en el pequeño Agustín, el apego por la canción, dado que permanentemente se escuchaba en su hogar, los discos de los tenores italianos, Titta Rufo, y Enrico Caruso.
Apodado La voz sentimental de Buenos Aires, contemporáneo a Ignacio Corsini y a Carlos Gardel, forma parte de la canción popular en su apogeo de la década de 1930. Se dice que en Junín conoció a Eva Duarte, futura esposa de Juan Domingo Perón, de quien fue amigo de infancia
HUGO AVENDAÑO
Hugo Avendaño Espinoza (*Tuxpan, Veracruz, México, 8 de marzo de 1927 - †México, D. F., 5 de enero de 1998) fue un barítono y actor mexicano.El primer Barítono de America, famoso y reconocido mexicano a nivel mundial y uno de los maximos exponentes de la música lírica y popular romántica mexicana.
Fue estudiante de la Facultad de Medicina de la UNAM., pero abandonó la carrera de Medicina para estudiar canto en la tesitura de barítono ligero. Inicio sus estudios con lecciones de técnica vocal en la prestigiada Academia de Canto del maestro José Pierson, quien también fue maestro de canto de figuras como José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado, Fanny Anitúa, Jorge Negrete, Pedro Vargas, Ramón Vinay, José Sosa Esquivel. Posteriormente con maestros particulares como Rodriguez, Morelli, Rosette, despues en Nueva York en la Metropolitan Opera House con Dietch y Kimball, maestros del tambien gran baritono Leonard Warren. En 1950 debutó en el Palacio de Bellas Artes de México, interpretando el papel de Amonasro en la ópera de Giuseppe Verdi, Aida. Participó en varias temporadas de ópera en la Ciudad de México, Guadalajara, Monterrey y Veracruz. En su repertorio figuraron óperas como Rigoletto, Il trovatore o La Traviata, de Verdi, Pagliacci que incluye Fausto, Un Ballo In Maschera, Tosca, Carmen de Bizet y Madame Butterfly de Puccini, compartiendo escenario con la eximia soprano Betty Fabila, además de presentaciones en conciertos con sinfónicas con obras de Darius Milhaud, Carmina Burana, entre otras. Gano el certamen del Gran Caruso, donde viajo a Brasil y obtuvo el premio para cantar al aire en la Metropolitan Opera House de Nueva York, con el reconocimiento del gran barítono Leonard Warren.
Su estilo popular romántico y su dominio de varios géneros musicales lo llevó a presentarse con gran aceptación en varios países de Latinoamérica,Centroamérica y Estados Unidos recibiendo a su vez varios reconocimientos.Ganó varios premios y condecoraciones en Europa, Centro y Sudamérica y EE.UU.
MARIA ELENA SANDOVAL
María Elena Sandoval Valdovinos (1940), nació en Cotija, Michoacán, fue conocida como "La mística de la canción" y fue de las primeras boleristas mexicanas con toque ranchero y una de las voces femeninas mas bellas de México, sin embargo como suele suceder con la mayoría de los intérpretes de la Música Popular Mexicana, es escasa la información y datos biográficos y prácticamente nula la difusión de su legado en los medios electrónicos; cuando menos aquí en México.
EVA GARZA
Eva Garza (1917-1966), de sus cuarenta y ocho años de vida dedicó treinta y dos a su vocación y profesión, distinguiéndose desde muy joven por lo cálido del timbre de su voz, por su temperamento sentimental para intepretar y por su gran versatilidad pues lo mismo cantaba boleros románticos, que canciones rancheras, corridos bravíos, música tropical, que temas modernos; grabó en casi todas las marcas disqueras nacionales, unos doscientos temas; actuó en todo tipo de escenarios en México y el extranjero, recorriendo gran parte de la Unión Americana, todo Centro y Sudamérica, Las Antillas y El Caribe; fue unas de las reinas de la radio en la época de oro de la XEW, de la cual surgió a la popularidad y fue proclamada en Brasil, Argentina y Cuba, como la artista del año en 1940 y 1946.
Contrajo matrimonio con Felipe "El Charro" Gil (de El Charro Gil y sus Caporales) el 31 de diciembre de 1939, del cuál se separó en 1953. Producto de ésta unión tuvo 2 hijos, Rosemary y Felipe Bojalil Gil Garza, quien se diera a conocer en el ambiente artístico con el nombre de Fabricio.
Fue honrada por Mussart Records como "La voz mas bella de América". Muere el 1° de noviembre de 1966 en Tucson, Arizona, USA.
HUGO ROMANI
Hugo Romani a los 18 años comenzó a cantar en su ciudad natal, Mendoza -Argentina- Hugo Romani, un bolerista de estirpe, llevó su arte por todo Latinoamérica, para triunfar después en Japón y en distintos países europeos. Después, en 1958 dejó de cantar para dedicarse a la producción de televisión y a la contratación de artistas.
Hoy a sus 86 años su gran inquietud y amor por el canto, lo han llevado nuevamente a grabar un disco.-"Moriría si me quedo quieto, por eso sigo grabando".. "La esencia del bolero es la misma y siempre estará vigente, aunque pasen los años.-
.."Fue una de las voces más románticas que tuvo el Bolero en Argentina.. Trascendió por la suavidad de su voz, su perfecta afinación y el estilo tan dulce con el que interpretaba las canciones de amor. Casi todas las que grabó y que hasta nosotros llegaron, fueron éxito y continúan siendo parte indispensable del repertorio romántico del que hoy seguimos cantando"
Hoy a sus 86 años su gran inquietud y amor por el canto, lo han llevado nuevamente a grabar un disco.-"Moriría si me quedo quieto, por eso sigo grabando".. "La esencia del bolero es la misma y siempre estará vigente, aunque pasen los años.-
.."Fue una de las voces más románticas que tuvo el Bolero en Argentina.. Trascendió por la suavidad de su voz, su perfecta afinación y el estilo tan dulce con el que interpretaba las canciones de amor. Casi todas las que grabó y que hasta nosotros llegaron, fueron éxito y continúan siendo parte indispensable del repertorio romántico del que hoy seguimos cantando"
LOS MEJORES RECUERDOS COMERCIALES
Recuerdan ustedes los viejos anuncios comerciales de Coca Cola, Pepsy otros productos de aquellas epocas? veamos algunos.
lunes, 26 de julio de 2010
KRS-ONE
El hip hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip hop, por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).
domingo, 25 de julio de 2010
TOMAS LUIS DE VICTORIA
Tomás Luis de Victoria (Ávila, h. 1548 - Madrid, 1611) fue un compositor y maestro de capilla, el más célebre polifonista del Renacimiento español.
Era el séptimo hijo de los once que llegarían a tener Francisca Suárez de la Concha y Francisco Luis de Victoria, quien murió cuando el compositor tenía tan solo nueve años. En 1558, se convirtió en niño cantor de la catedral de Ávila. Allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano, contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado bajo la dirección de los maestros Jerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera, Juan Navarro y Hernando de Isasi hasta los dieciocho años (1566).
Al año siguiente viajó a Roma e ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas, donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, maestro de capilla e instructor de canto y música del cercano Seminario Romano, de quien tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones, para perfeccionar y aprender más sobre sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.
En 1573 sucedió a Palestrina en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum. En el año 1575 recibió la ordenación sacerdotal, y tres años más tarde, en el año 1578, ingresó en la Congregación del Oratorio, fundada por Felipe Neri, el sacerdote italiano y futuro santo.
En 1586 fue nombrado capellán y maestro de coro del Real Convento de las Clarisas Descalzas en Madrid, donde vivía retirada la hija de Carlos I, la emperatriz María de Austria (viuda del emperador Maximiliano II de Austria y hermana de Felipe II), por lo que dejó Roma para trasladarse a su país natal. Durante los años que ocupó este cargo, Victoria compuso pocas obras: solo dos nuevas ediciones de misas y el Officium defunctorum a seis voces. Aunque durante esta época recibió ofertas de importantes catedrales españolas, las rechazó todas. Regresó a Roma en 1592 para publicar su Missae, liber secundus. Dos años después asistió a los funerales de Palestrina, y en 1595 regresó definitivamente a España, donde falleció en 1611 en Madrid.
Era el séptimo hijo de los once que llegarían a tener Francisca Suárez de la Concha y Francisco Luis de Victoria, quien murió cuando el compositor tenía tan solo nueve años. En 1558, se convirtió en niño cantor de la catedral de Ávila. Allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano, contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado bajo la dirección de los maestros Jerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera, Juan Navarro y Hernando de Isasi hasta los dieciocho años (1566).
Al año siguiente viajó a Roma e ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas, donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, maestro de capilla e instructor de canto y música del cercano Seminario Romano, de quien tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones, para perfeccionar y aprender más sobre sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.
En 1573 sucedió a Palestrina en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum. En el año 1575 recibió la ordenación sacerdotal, y tres años más tarde, en el año 1578, ingresó en la Congregación del Oratorio, fundada por Felipe Neri, el sacerdote italiano y futuro santo.
En 1586 fue nombrado capellán y maestro de coro del Real Convento de las Clarisas Descalzas en Madrid, donde vivía retirada la hija de Carlos I, la emperatriz María de Austria (viuda del emperador Maximiliano II de Austria y hermana de Felipe II), por lo que dejó Roma para trasladarse a su país natal. Durante los años que ocupó este cargo, Victoria compuso pocas obras: solo dos nuevas ediciones de misas y el Officium defunctorum a seis voces. Aunque durante esta época recibió ofertas de importantes catedrales españolas, las rechazó todas. Regresó a Roma en 1592 para publicar su Missae, liber secundus. Dos años después asistió a los funerales de Palestrina, y en 1595 regresó definitivamente a España, donde falleció en 1611 en Madrid.
GIOVANI PERGOLESSI
Giovanni Battista Pergolesi (Jesi, 4 de enero de 1710 - Pozzuoli, 16 de marzo de 1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco.
Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
RUDOLF NUREYEV
Rudolf Xämät ulı Nuriev, también conocido como Rudolf Jamétovich Nuréyev (nótese que su nombre es rudólf, no rúdolf) (en cirílico Рудольф Хаметович Нуреев) (17 de marzo de 1938 - 6 de enero de 1993) era un bailarín clásico nacido en Rusia, nombrado por muchos críticos como el mejor bailarín del siglo XX, y posiblemente el mejor que jamás ha existido.
Nació en un tren cerca de Irkutsk, mientras su madre realizaba un viaje desde Siberia a Vladivostok, donde su padre, un comisario del Ejército Rojo de origen tártaro, estaba destinado. Creció en un pueblo cerca de Ufá, en la República de Bashkortostán. De niño fue alentado a bailar danzas folclóricas bashkirias, siendo un bailarín precozmente destacado.
Debido a la interrupción de la vida multi cultural soviética causada por la Segunda Guerra Mundial, Nuréyev no pudo comenzar sus estudios en una buena escuela de ballet hasta 1955, cuando fue enviado al Instituto Coreográfico de Vaganova, dependiente del Ballet Kirov en Leningrado. A pesar de su comienzo tardío, fue pronto reconocido como el bailarín con más talento que la escuela hubiera visto en muchos años. Su temperamento era extremadamente difícil y ello se achaca, fundamentalmente, a que sus problemas personales estaban fuertemente vinculados a los conflictos internos respecto a su propia sexualidad, lo que se hace más evidente si se mira hacia atrás.
Al cabo de dos años Nuréyev ya era uno de los bailarines rusos más conocidos, en un país donde el ballet era venerado y donde se convertía a los bailarines en héroes nacionales. Poco después ya gozaba del privilegio excepcional de poder viajar fuera de la Unión Soviética, como cuando bailó en Viena en el Festival Internacional de la Juventud. No mucho después, debido a su conducta, no se le volvió a permitir viajar al extranjero, limitando sus actuaciones a giras por las provincias rusas.
En 1961 su vida cambió. El principal bailarín del Kirov, Konstantin Sergeyev, sufrió un accidente y Nuréyev fue elegido para sustituirle en París. Allí, su actuación impresionó al público y a la crítica. Pero Nuréyev rompió las reglas en cuanto a asociarse con extranjeros. Al darse cuenta de que probablemente no se le volvería a permitir viajar fuera de la Unión Soviética después de esta ocasión, el 17 de junio de dicho año no se presentó en el aeropuerto de París para regresar a su país. Tras este episodio nunca más volvió a pisar suelo ruso.
DUKE ELLINGTON
Edward Kennedy "Duke" Ellington (Washington D.C., 29 de abril de 1899 - Nueva York, 24 de mayo de 1974), Duke Ellington, compositor, director y pianista estadounidense de jazz. Está considerado, según la crítica, como uno de los más importantes e influyentes compositores de jazz de la historia, junto a Louis Armstrong y Charlie Parker. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington pudo llegar a escribir unas 2.000 piezas musicales durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de papel luego perdidos son incontables, pudiéndose elevar la estimación total de obras compuestas incluso hasta 5.000 piezas.
Royal Concertgebouw Orchestra
La Orquesta Real del Concertgebouw (en holandés:Koninklijk Concertgebouworkest, KCO) es la orquesta sinfónica más conocida y respetada de Holanda, y es generalmente considerada como una de las mejores del mundo. Se llama así por el Concertgebouw ("sala de conciertos" en holandés) de Ámsterdam en el que ofrece sus presentaciones. El título "Real" fue conferido a partir de 1988 por la reina Beatriz.
El Concertgebouw abrió el 11 de abril de 1888. La KCO, sin embargo, no fue fundada sino un poco más tarde. Dio su primer concierto en el Concertgebouw el 3 de noviembre de 1888 bajo la dirección del director principal en sus primeros siete años, Willem Kes.
En 1895, Willem Mengelberg se convirtió en el conductor principal y permaneció en tal puesto con la organización durante cincuenta años, una permanencia inusualmente prolongada para un director musical. (Otras largas estadías son las de Evgeny Mravinsky en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, Ernest Ansermet en la Orchestre de la Suisse Romande, y la de Eugene Ormandy en la Orquesta de Filadelfia). Generalmente se le atribuye el haber conducido a la orquesta a un nivel de mayor significado internacional, con un particular apoyo a la música de compositores contemporáneos como Gustav Mahler y Richard Strauss. En 1945, debido a la controversia por su relación con las fuerzas ocupantes nazis durante la ocupación de Holanda durante la Segunda Guerra Mundial, Mengelberg fue despedido de la dirección principal, y se le prohibió dirigir, inicialmente por el resto de su vida, pero entonces por un reducido periodo de seis años, aplicados retroactivamente en 1945. Mengelberg murió en 1951 poco antes de expirar su exilio, de tal modo que no volvió a dirigir la orquesta después de 1945.
Entre 1945 y 1959, el director principal de la orquesta fue Eduard van Beinum, quien debutó con el connjunto en 1929. Se convirtió en el segundo director de la KCO en 1931, y co-director principal en 1938. Una de sus especialidades fueron las sinfonías de Anton Bruckner, y Van Beinum realizó grabaciones comerciales de las Sinfonía nº 8 y nº 9 para el sello Philips. Van Beinum sirvió como director principal de la orquesta después de la Segunda Guerra Mundial hasta su repentina muerte en el podio del Concertgebouw de un fatal ataque cardíaco en abril de 1959.
Bernard Haitink, cuyo debut con la KCO tuvo lugar el 7 de noviembre de 1956, junto a Eugen Jochum compartieron el rol de directores principales después de la muerte de Van Beinum. Haitink se convirtió en único director principal en 1963 (algunas reseñas dicen que fue en 1964) de la orquesta hasta 1988. El número de grabaciones discográficas aumentó considerablemente bajo la dirección de Haitink, editadas en su mayoría por Philips, además de EMI y Columbia (posteriormente Sony). En 1999, fue nombrado Director Laureado de la KCO.
Riccardo Chailly hizo su debut con la orquesta del Concertgebouw en 1985, y sirvió como director principal desde 1988 hasta 2004, como el primer no-holandés que tuvo el puesto. Sus grabaciones con la orquesta incluye un ciclo completo de las sinfonías de Mahler y las obras orquestales de Edgard Varèse. Después de su partida en 2004, Chailly fue nombrado Director Emérito de la KCO. En 2004, fue sucedido por el director letón Mariss Jansons.
La orquesta gozó de una relación muy cercana con Gustav Mahler y difundió muchas de sus sinfonías, con un festival especialmente valioso de su música siendo el Festival Mahler 1920. Otros directores que han trabajado estrechamente con la orquesta son Pierre Monteux y George Szell. Más recientemente, Nikolaus Harnoncourt fue nombrado Director Invitado Honorario de la KCO en 2000
LOS OJEDA
PEDRO, MINO, MATEO, hoy llevan sus melodías por distintos lugares del mundo, en la actualidad cuentan con 9 obras discográficas, el primero AMOR Y PAZ compuestos por polkas Paraguayas, el segundo SI ALGUNA VEZ grabada por “LO Producciones”, el tercero CONFRATERNIDAD, que tuvo la participación de renombrados músicos nacionales como Feliz de Ypacarai, Marcelo Rojas, Félix Orrego.
El cuarto disco fue el comienzo de un cambio importante para LOS OJEDA ya que fue grabado por la SONY MUSIC de Argentina que los llevo a recibir su primer disco de ORO con la música “ESTA MUJER” compuesta por Mateo Ojeda, ubicándose en primer lugar en las principales emisoras de nuestro País. Así, se cumplía uno de los tantos sueños que tenia el grupo LOS OJEDA, el quinto material denominado PENSAMIENTO grabado también por la SONY MUSIC volvió a reconfirmar el éxito de LOS OJEDA volviendo a recibir el disco de ORO con la música que llego al corazón de los Paraguayos TIRITAS DEL CORAZON, llegando a ocupar durante un largo periodo el primer lugar dentro de las emisoras siendo hasta hoy día un gran éxito. El sexto material POR EL MISMO CAMINO, lanzado en el 2002 fue grabado en el Brasil bajo la producción de “Los Castillos” acompañados por la orquesta sinfónica de Campinhas, ciudad de grandes artistas brasileros. El séptimo material fue creado para promocionar un nuevo sueño conquistar el mercado brasileño así nació AO VIVO con una recopilación de los grandes éxitos de LOS OJEDA traducidas al portugués además incluyendo temas internacionales, este material les llevó a LOS OJEDA a trabajar en el vecino país.
LOS OJEDA, gracias a estos trabajos realizados durante su trayectoria fueron reconocidos obteniendo innumerables premios durante estos 13 años de éxito en donde resultaron declarados ciudadanos ilustres por la Municipalidad de Fernando de la Mora; han sido premiados con la estatuilla LUIS ALBERTO DEL PARANA en los años 1999, 2001 y 2002 así como también ÑANDUTI DE ORO en el Festival de Ñandutí de la ciudad de Itaugua y en el Festival de Ypacarai RECUERDOS DE YPACARAI y otros tantos
El cuarto disco fue el comienzo de un cambio importante para LOS OJEDA ya que fue grabado por la SONY MUSIC de Argentina que los llevo a recibir su primer disco de ORO con la música “ESTA MUJER” compuesta por Mateo Ojeda, ubicándose en primer lugar en las principales emisoras de nuestro País. Así, se cumplía uno de los tantos sueños que tenia el grupo LOS OJEDA, el quinto material denominado PENSAMIENTO grabado también por la SONY MUSIC volvió a reconfirmar el éxito de LOS OJEDA volviendo a recibir el disco de ORO con la música que llego al corazón de los Paraguayos TIRITAS DEL CORAZON, llegando a ocupar durante un largo periodo el primer lugar dentro de las emisoras siendo hasta hoy día un gran éxito. El sexto material POR EL MISMO CAMINO, lanzado en el 2002 fue grabado en el Brasil bajo la producción de “Los Castillos” acompañados por la orquesta sinfónica de Campinhas, ciudad de grandes artistas brasileros. El séptimo material fue creado para promocionar un nuevo sueño conquistar el mercado brasileño así nació AO VIVO con una recopilación de los grandes éxitos de LOS OJEDA traducidas al portugués además incluyendo temas internacionales, este material les llevó a LOS OJEDA a trabajar en el vecino país.
LOS OJEDA, gracias a estos trabajos realizados durante su trayectoria fueron reconocidos obteniendo innumerables premios durante estos 13 años de éxito en donde resultaron declarados ciudadanos ilustres por la Municipalidad de Fernando de la Mora; han sido premiados con la estatuilla LUIS ALBERTO DEL PARANA en los años 1999, 2001 y 2002 así como también ÑANDUTI DE ORO en el Festival de Ñandutí de la ciudad de Itaugua y en el Festival de Ypacarai RECUERDOS DE YPACARAI y otros tantos
FAUSTO PAPETTI
Fausto Papetti (*Viggiù, Italia, 28 de enero de 1923 - † San Remo, Italia, 15 de junio de 1999). Músico internacional, inicia su carrera artística a finales de 1957. Empleando en sus grabaciones Saxofón y Clarinete.
Inicia su carrera artística a finales de 1957, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara. Al abandonar el grupo en 1959, firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio, empleando en sus grabaciones solos de saxofón alto y clarinete, instrumentos que ejecutaba con gran maestría, pero siendo más apasionado del primero, por lo que se le llegó a llamar el mito del saxo confidencial. Se llegó a decir que las portadas de sus álbumes fueron más famosas que sus grandes interpretaciones, ya que tomó por costumbre que en cada producción apareciese una bella mujer, con poses insinuantes, maravillosos cuerpos y auténticas beldades, pues se trataba de verdaderas modelos que se escogían para aparecer en esas grandiosas, coloridas y maravillosas portadas, en muy pocas salía el artista.
Deleitó varias generaciones con las coloridas, dulces y enamoradas notas de su saxo, por eso los amantes de la música instrumental, con certeza recordarán a éste particular músico, tanto por su exquisitas interpretaciones, como por las sensuales portadas de sus discos, que en aquellos años eran escandalosas, ya que el pudor era lo que privaba entre toda la sociedad americana y europea. Se especulaba casi con sorna que ver la carátula de un disco de Papetti era una de las pocas oportunidades en que los jóvenes tenían para ver el cuerpo al natural de una bellísima mujer. El músico resaltando lo que es la parte musical, tuvo la especial virtud de que recorrió incontables estilos con sus instrumentos y jamás, puede decirse, que se equivocó en las selecciones que hacía, puesto que cada disco se enfocaba en una forma de hacer música especial, convirtiéndose en piezas de colección.
Como no logramos dar con una biografía más o menos aceptable de este extraordinario músico, para completar su semblanza biográfica, se escoge esta reseña, que es por demás simpática y muy elocuente: “No hay portada de Fausto Papetti que no haya engolosinado mis años mozos, ésos en los que medio centenar de tentaciones revoloteaban el sentido común y anulaban toda posibilidad de que la inteligencia, caso de que alguna allí anduviera, tomara parte en el combate".
Anulado por esa iconografía concupiscible, imaginaba que el futuro sería un solo largo de saxo con un ejército de violines tutelando mi ingreso en el reino de lo carnal. Pensaba que la felicidad consistía en ver desfilar jacas de Ipanema tímidamente vestidas, dúctiles amazonas de mi delirio adolescente. Ya se sabe: en esas edades, el pecado sucede siempre en las novelas y en las películas, pero de vez en cuando hay ocasiones en las que está tan a mano pecar que no se puede hacer otra cosa.
Al menos en esos años. Algunos o muchos después, la realidad busca a Kafka y regala fiebres y migrañas y letras de automóvil y tal vez algún quebranto en lo político, pero cuando el azar te regala una portada de un disco de Fausto Papetti se renueva el caudal de afectos, la sensibilidad adormecida y desaparece de cuajo la angustia existencial, el peso formidable de la injusticia que te impide conciliar el júbilo familiar y eso tan vago que consiste en la armonía del cosmos. El cosmos está herido: lo hiere la barbarie canalla de los extremismos y la falta de luces de unos y de otros. El cosmos, aunque ahora Marte invite a pensar en cabalgadas siderales y en franquicias del Hilton exquisitamente diseñadas por marcianos, descarrila sin que ninguna brida firme lo frene en seco.
A Fernando Pessoa, al que he vuelto este verano, se habría sentido identificado con este mejunje moral de facciones antagonistas que comparte, en el fondo, idéntica pasión por los mismos placeres: suficiente ancho de banda, protagonismo mediático, palomitas a las diez cuando el cine apaga las luces de la realidad y el proyectista acciona el play de los sueños.
Inicia su carrera artística a finales de 1957, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara. Al abandonar el grupo en 1959, firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio, empleando en sus grabaciones solos de saxofón alto y clarinete, instrumentos que ejecutaba con gran maestría, pero siendo más apasionado del primero, por lo que se le llegó a llamar el mito del saxo confidencial. Se llegó a decir que las portadas de sus álbumes fueron más famosas que sus grandes interpretaciones, ya que tomó por costumbre que en cada producción apareciese una bella mujer, con poses insinuantes, maravillosos cuerpos y auténticas beldades, pues se trataba de verdaderas modelos que se escogían para aparecer en esas grandiosas, coloridas y maravillosas portadas, en muy pocas salía el artista.
Deleitó varias generaciones con las coloridas, dulces y enamoradas notas de su saxo, por eso los amantes de la música instrumental, con certeza recordarán a éste particular músico, tanto por su exquisitas interpretaciones, como por las sensuales portadas de sus discos, que en aquellos años eran escandalosas, ya que el pudor era lo que privaba entre toda la sociedad americana y europea. Se especulaba casi con sorna que ver la carátula de un disco de Papetti era una de las pocas oportunidades en que los jóvenes tenían para ver el cuerpo al natural de una bellísima mujer. El músico resaltando lo que es la parte musical, tuvo la especial virtud de que recorrió incontables estilos con sus instrumentos y jamás, puede decirse, que se equivocó en las selecciones que hacía, puesto que cada disco se enfocaba en una forma de hacer música especial, convirtiéndose en piezas de colección.
Como no logramos dar con una biografía más o menos aceptable de este extraordinario músico, para completar su semblanza biográfica, se escoge esta reseña, que es por demás simpática y muy elocuente: “No hay portada de Fausto Papetti que no haya engolosinado mis años mozos, ésos en los que medio centenar de tentaciones revoloteaban el sentido común y anulaban toda posibilidad de que la inteligencia, caso de que alguna allí anduviera, tomara parte en el combate".
Anulado por esa iconografía concupiscible, imaginaba que el futuro sería un solo largo de saxo con un ejército de violines tutelando mi ingreso en el reino de lo carnal. Pensaba que la felicidad consistía en ver desfilar jacas de Ipanema tímidamente vestidas, dúctiles amazonas de mi delirio adolescente. Ya se sabe: en esas edades, el pecado sucede siempre en las novelas y en las películas, pero de vez en cuando hay ocasiones en las que está tan a mano pecar que no se puede hacer otra cosa.
Al menos en esos años. Algunos o muchos después, la realidad busca a Kafka y regala fiebres y migrañas y letras de automóvil y tal vez algún quebranto en lo político, pero cuando el azar te regala una portada de un disco de Fausto Papetti se renueva el caudal de afectos, la sensibilidad adormecida y desaparece de cuajo la angustia existencial, el peso formidable de la injusticia que te impide conciliar el júbilo familiar y eso tan vago que consiste en la armonía del cosmos. El cosmos está herido: lo hiere la barbarie canalla de los extremismos y la falta de luces de unos y de otros. El cosmos, aunque ahora Marte invite a pensar en cabalgadas siderales y en franquicias del Hilton exquisitamente diseñadas por marcianos, descarrila sin que ninguna brida firme lo frene en seco.
A Fernando Pessoa, al que he vuelto este verano, se habría sentido identificado con este mejunje moral de facciones antagonistas que comparte, en el fondo, idéntica pasión por los mismos placeres: suficiente ancho de banda, protagonismo mediático, palomitas a las diez cuando el cine apaga las luces de la realidad y el proyectista acciona el play de los sueños.
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