ALGUNAS REMEMBRANZAS DEL AYER

PEDRO ESPINEL

Pedro Espinel Torres (*Lima, 1 de agosto de 1908 - † 8 de noviembre de 1981) es un compositor peruano, conocido como El rey de las polcas.

Entre su vasto respertorio compuesto destacaron: "El Proscripto", inspirada en las frustraciones de un ex presidiario; "Alejandro Villanueva", en homenaje al celebrado futbolista de Alianza Lima; "Pobre Ciego", inspirada y dedicada al boxeador Alex Rely; "Ave sin Nido", "Remembranzas" en homenaje a su madre; "Mas Allá", compuesta juntamente con Adrián Flores Albán, en recuerdo de su esposa fallecida el 3 de octubre de 1970; y "Páginas Rotas", presagiando su muerte.

JESUS VASQUEZ

María de Jesús Vásquez Vásquez (*Lima, 20 de diciembre de 1920 – † 3 de abril de 2010), conocida como Jesús Vásquez, fue una cantante peruana, reconocida como la Reina y Señora de la Canción Criolla, epíteto ganado en 1939.

Comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greyeaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar y en cada función que se transmitía semanalmente le pagaban 50 centavos. Debido al éxito las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y nocturno.

Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.

ALBERTO CONDEMARIN (PERU)

FELIPE PINGLO ALVA

Julio Felipe Federico Pinglo Alva, (Barrios Altos, Lima 18 de julio de 1899 - † Lima 13 de mayo de 1936), llamado "el bardo inmortal". Destacado compositor peruano, considerado uno de los máximos exponentes de la música criolla, poseedor de un estilo de amplio arraigo popular que enriqueció el acervo musical peruano. Conocido internacionalmente por ser autor del vals "El Plebeyo.

RAINMBAUT DE VAQUEIRAS

Raimbaut de Vaqueiras o Riambaut de Vaqueyras (activo desde aproximadamente 1180 y fallecido el 4 de septiembre de 1207) fue un trovador provenzal y, más tarde, caballero. Su vida giró principalmente en torno a la corte en Italia hasta 1203, cuando se incorporó a la Cuarta Cruzada

Como su nombre indica, procedía de Vacqueyras, Vaucluse; cerca de Orange, Francia. Pasó la mayor parte de su carrera como poeta en la corte y fue amigo de Bonifacio I de Montferrat. Sirvió con él en la lucha contra los municipios de Asti y Alessandria. Raimbaut alegó obtener la categoría de caballero gracias a la protección de Bonifacio con su escudo en la batalla de Messina, cuando tomó parte con el emperador Enrique VI en la invasión de Sicilia. Estuvo presente en el asedio y toma de Constantinopla en 1204 y, a continuación, acompañó de Bonifacio a Tesalónica.

Generalmente se supone que Raimbaut falleció el 4 de septiembre de 1207, junto con Bonifacio, en una emboscada por los búlgaros.

Ha sobrevivido únicamente una edición de las obras atribuidas a Raimbaut compuesta de 33 canciones y ocho melodías asociadas. Utilizó una amplia gama de estilos. Una de sus canciones, Kalenda Maia, dedicada a las fiestas del 1 de mayo es considerada una de las mejores melodías de trovadores.

LOS CHUNGUITOS

El nombre del grupo procede de la frase con que su familia los increpaba de niños por su su afición a apedrear trenes: "¡Qué chunguitos que sois!"

Vivían en el barrio de Vallecas, Madrid, cuando comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor. En 1976 saltaron a la fama con la canción "Dame veneno" de su primer disco, producido por los antiguos componentes del Dúo Dinámico y del que se vendieron unos cincuenta mil ejemplares. Se consolidaron con la participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma; y Días Contados, de Imanol Uribe.

En 1982 perdieron al fundador, vocalista y compositor Enrique Salazar, a causa de una hepatitis. Tras un tiempo de retiro, fue sustituido por su primo Manuel.

Su canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan sobre la marginación y pobreza de los barrios habitados por el lumpemproletariado urbano que habitaban. En ese sentido, la temática es similar a la de las de Los Chichos.

MARIACHI MEXICO INTERNACIONAL

ESPAÑA CAÑI (VARIOS )

JAMES LAST Y SU ORQUESTA (HAMMOND A GO GO)

BARRY MANILOW

Barry Manilow (17 de junio de 1946 - ) es un cantante estadounidense nacido en Brooklyn, en la ciudad de Nueva York y descendiente de rusos, judíos e irlandeses. Sus padres, Harold y Edna Pincus (quienes fallecieron en 1993 y en 1994, respectivamente) lo registraron con el nombre Barry Alan Pincus, pero más adelante, poco después de su Bar Mitzvah, su madre, quien se había divorciado de su padre y había vuelto a casarse, cambió legalmente su propio apellido y el de su hijo, utilizando desde entonces para ambos su apellido de soltera: Manilow. Barry es conocido por éxitos como I Write The Songs, Mandy y Copacabana (At The Copa). En 1990, la revista Rolling Stone le proclamó "representante de nuestra generación". Ha vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo.

Ha trabajado para varias discográficas: Bell, Arista, RCA y Concord, y también para las campañas publicitarias de muchas otras, entre ellas: Band-Aid, Kentucky Fried Chicken, Pepsi y McDonald's.

Estudió música en la Academia de Juilliard de Nueva York. En 1972 conoció a la actriz y cantante Bette Midler, quien lo ayudó a impulsarse como cantante. En 1973 fue contratado por Midler, como pianista para sus giras, y ya antes había colaborado como arreglista en los discos de Midler. Ella se convirtió en su representante, luego de que se dio cuenta no sólo de su talento sino del interés del público por él durante sus giras. Debido a este gran cambio, Manilow empezó a conocer a artistas, agentes, manejadores y productores debido a los contactos de Bette.

ISOLINA CARRILLO

Isolina Carrillo (La Habana, 9 de diciembre de 1907 - 21 de febrero de 1996), fue una destacada compositora, música y cantante de música popular cubana.

A la edad de 10 años Isolina Carrillo hizo su debut ante el público al reemplazar al pianista que tocaba en la orquesta de su padre debido a que se encontraba enfermo. Su presentación fue bien recibida por el público asistente.

Provenía de una familia muy relacionada con la música pues sus hermanos también tocaban instrumentos musicales. Su padre tocaba el tres y el laud. Ella estudió en el Conservatorio Municipal de La Habana.

Pero en la década de los 40s fue donde alcanzó el mayor reconocimiento como compositora de boleros, guarachas y sones. Le pertenecen clásicos de la música latinoamericana como Fiesta de Besos, Canción sin amor, Increíble y, posiblemente la más famosa de todas sus obras, Dos gardenias. Esta última composición ha sido interpretada por diversos cantantes como Daniel Santos, Antonio Machín, Ángel Canales, Pedro Vargas, Maria Rita,Ibrahin Ferrer, entre otros. Isolina Carrillo falleció el 21 de febrero de 1996 en La Habana a la edad de 89 años, manteniéndose activa inclusive en sus últimos años de vida.

CHUCHO VALDES

Dionisio de Jesús Valdés Rodríguez, conocido como "Chucho Valdés" (9 de octubre de 1941, Quivicán, Provincia de La Habana, Cuba). Pianista y jazzista cubano, fundador del grupo Irakere.

Hijo del también pianista Bebo Valdés comenzó a tocar el piano a la edad de tres años y a los 16 ya tenía su propio grupo. En 1960 su padre se marchó de Cuba dejando atrás a Chucho. En 1967 formó la Orquesta Cubana de Musica Moderna y en 1973 Irakere, la principal orquesta cubana de jazz. Entre los primeros miembros de Irakere estaban Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera. Irakere significa "bosque" y algunos de los mejores percusionistas africanos son de ahí.

Valdés ha sido el director musical de Irakere casi desde la formación de la orquesta y ha hecho música con toda la orquesta, en grupos más pequeños y en impresionantes solos de piano. Junto con Gonzalo Rubalcaba sigue siendo uno de los mejores pianistas de jazz cubanos.

Entre 1968 y 1970 forma un cuarteto de jazz con el que obtuvo su primer gran éxito internacional al estrenar su obra "Misa Negra" en Polonia en 1978. En el Festival que allí tuvo lugar conoce a Dave Brubeck, quien impresionado por la obra y la interpretación que de ella hace Chucho, envía la grabación a Nueva York a la selección anual de los pianistas. Chucho queda clasificado en cuarto lugar entre los mejores pianistas de música popular del mundo. En 1974 ocupó la tercera posición en esta misma selección. Ya en 1978 obtiene el premio Grammy en la categoría de mejor de jazz de piano por la interpretación que realizara en una presentación de "Misa Negra" durante un concierto en el Carnegie Hall de New York. Entre sus obras más importantes se encuentran Misa Negra, 1968; Contradanza (dedicada a Maria Cervantes), 1968; Cien años de juventud (danzón), 1979; Las Margaritas, 1981; Crisol of Havana con Roy Hargrove, Latin Jazz (Obtuvo premio Grammy 1997) Homenaje a Peruchín, 1990, Live at village vanguard (Obtuvo Grammy 2000). Mención especial merece la versión que hizo de la obra The Duke, originalmente escrita por Brubeck y dedicada a Duke Ellington. Con el CD "Canciones inéditas" obtuvo el premio Grammy Latino 2002.

CHRISTINA AGUILERA

Christina Aguilera (Staten Island, Nueva York; 18 de diciembre de 1980) es una cantante, compositora, productora y actualmente actriz estadounidense de origen latinoamericano e irlandés.

Sus comienzos como cantante fueron en actuaciones locales de la ciudad Pittsburgh, interpretando el himno nacional de Estados Unidos en los partidos celebrados en el territorio. Aguilera apareció por primera vez en televisión nacional en 1989 como concursante en el programa Star Search, y poco después pasó a actuar en la serie de televisión de Disney Channel, Mickey Mouse Club, en el período 1993–94.

Más tarde, en 1997, Disney le propuso hacer una canción para la banda sonora de la película Mulán. La cantante aceptó y grabó el tema "Reflection". Poco después firmó un contrato con la discográfica RCA Records y grabó su álbum debut Christina Aguilera. Varios años después, presentó una demanda a su mánager y la ganó; de ese modo comenzó a manejar su imagen y sonido artístico. Con el lanzamiento de Stripped en 2002, cambió su imagen de inocente y chica común a una más sensual y atrevida. Vendió más de diez millones de copias mundialmente.

CHUCHO AVELLANET Y BOBY CAPO

MANOLO OTERO

Manolo Otero —cuyo nombre completo es Manuel Otero Aparicio—, es un cantante y actor español que nació en Madrid el 25 de junio de 1942. Hijo de un cantante de ópera y zarzuela y de una madre actriz, hereda las influencias artísticas de sus progenitores.

Se dio a conocer en el año 1974 con su primer álbum titulado Todo el Tiempo del Mundo. Entre sus canciones más conocidas se encuentran María no más, Vuelvo a ti, Qué he de hacer para olvidarte, Te he querido tanto, Bella mujer, entre otras. Participó en la película Juicio de faldas.

Siempre contó con grandes aportaciones de productores y compositores de la talla de Camilo Sesto, quien le guió y produjo varios álbumes. Manolo Otero es licenciado en Filosofía y Letras. Estuvo casado con María José Cantudo.

BOLEROS Y MAS BOLEROS

MUSICA DEL PARAGUAY

FRITZ WUNDERLICH

Tenor alemán de hermosísima voz, el más grande Tamino de La Flauta Mágica que nunca haya existido. De voz diáfana y purísima, con un bellísimo timbre, una interpretación refinada y una naturalidad para cantar que resultaba sorprendente, su espléndida técnica y la fenomenal pasión y entrega que ponía en su arte, quedan claramente de manifiesto tanto en sus grabaciones de operas como de lieder. Muerto a la misma edad que Mozart, 35 años, dejó una impresión muy favorable en sus contemporáneos, convirtiéndose con el tiempo en un tenor de culto.

AQUILES MACHADO

Tenor lírico venezolano nacido en Barquisimeto. Estudió canto en el Conservatorio Simón Bolívar y en la Compañía Nacional de Opera de Venezuela, teniendo como profesor de canto, al barítono William Alvarado y más tarde en la Escuela Superior de Música Reina Sofía (España), junto al tenor Alfredo Kraus. Debutó en el papel de Nemorino (L'elisir d'amore) en el año 1996 en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. En el año 2002 fue el primer venezolano que actuaba en el Metropolitan Opera House de New York, donde interpretó el papel de Rodolfo en La Bohème. Ha actuado en los más importantes teatros europeos especialmente en Italia y España. Poseedor de un hermoso timbre de voz, su perfecta dicción, el volumen, la potencia, la proyección de su voz y el brillo de sus agudos, hacen de él una de las principales voces del panorama actual.

CRISTINA DEUTEKOM (HOLANDA)

Soprano holandesa nacida en Amsterdam. Debutó en 1963 en la Opera holandesa con la Reina de la Noche, apareciendo más tarde en Munich, Frankfurt, Barcelona, Milán, y luego en toda Europa. Después de varios años interpretando personajes de Mozart, se decidió por roles más dramáticos, obteniendo triunfos como Elvira en Il Puritani, Lucia di Lammermoor, Norma y otras óperas de Verdi y Rossini. Debido a un ataque cardiaco en 1985 terminó su carrera, aunque sigue activa en la radio y ofreciendo clases de canto a nuevos talentos.

GALINA GORCHAKOVA

Soprano spinto rusa de timbre excepcional y potencia extraordinaria. Estudió en el Conservatorio y Academia de Música de Novosibirsk y en 1988 ganó los concursos Mussorgsky y Glinka, uniéndose a la compañía de Ópera Sverdlovsk. Ha impresionado a las audiencias por su carisma y el calor de su voz, interpretando de manera sorprendente óperas como Tosca, Madame Butterfly y otras óperas de Verdi.

GOTZ FRIEDRICH

Götz Friedrich (n. 4 de agosto de 1930, Naumburg, Alemania -†12 de diciembre de 2000, Berlín) fue un director de teatro y ópera, maestro y teórico alemán. Sus puestas en escena de tinte marxista marcaron el rumbo de la dirección escénica en ópera de Alemania y Europa.

Hijo de un abogado que formó parte de la Wehrmacht y que fue uno de los conspiradores en el intento de asesinato de Hitler, creció en Alemania del Este donde las autoridades comunistas le negaron la oportunidad de ser jurista porque su familia era vista como burguesa.

Se enroló en la Academia de Teatro de Weimar en 1953. Discípulo y asistente del famoso Walter Felsenstein en la Ópera Cómica de Berlín de Berlín Este saltó a la fama internacional al dirigir Tannhäuser en el Festival de Bayreuth de 1972 en una producción que causó escandalo y su deserción al oeste.

Dirigió Jenufa en Estocolmo y desde 1972 a 1981 fue director general de la Opera del Estado de Hamburgo, dirigiendo entre 1977 y 1981 varias producciones en Covent Garden, entre ellas la primera version en tres actos de Lulu de Alban Berg.

Fue director general de la Deutsche Oper Berlin hasta su súbita muerte en el año 2000.

Se casó con Ruth Maria Kubitschek, con quien tuvo su hijo Alexander y luego con la soprano norteamericana Karan Armstrong, madre de su hijo Johannes.

Particularmente destacado en las óperas de Richard Wagner, su primera produccion de El anillo del nibelungo fue en Covent Garden (1973-76, con Colin Davis). En 1980s la dirigió en Deutsche Oper Berlin, Japon y Washington y en 1982 regresó a Bayreuth para Parsifal con James Levine, Waltraud Meier y Simon Estes. En 1985 dirigió Tristan und Isolde en la ENO.

Dirigió la premiere de Un re in ascolto de Luciano Berio y Raft of the Medusa de Hans Werner Henze y otros.

Otros trabajos importantes fueron Aída, Rigoletto, Der Rosenkavalier, Luisa Miller, Otello, La ciudad muerta, etc.

En 1986 fundó The American Berlin Opera Foundation (ABOF) en New York.

Deja varias películas como testimonio de sus notables trabajos, las mas destacadas son Salome de Richard Strauss con Teresa Stratas, Elektra (con Leonie Rysanek y Astrid Varnay), ambas dirigidas por Karl Böhm; Falstaff (con Gabriel Bacquier) , Die Frau ohne Schatten (Cheryl Studer, Eva Marton, Marjana Lipovsek) con Georg Solti y desde el Festival de Bayreuth, Lohengrin (con Peter Hofmann y Karan Armstrong) y el famoso Tannhäuser con Gwyneth Jones y Spass Wenkoff dirigido por Colin Davis, la única vez que el director británico dirigió en el festival.

LENA HORNE

Lena Mary Calhoun Horne (Brooklyn, 30 de junio de 1917 - 9 de mayo de 2010 ), más conocida como Lena Horne, fue una legendaria actriz y cantante afroamericana estadounidense de jazz y música popular.

Su carrera, tanto como artista de nightclub como de intérprete de discos para diversas compañías, abarca más de sesenta años, desde los años treinta a los noventa del siglo XX.

Trabajó en 16 películas y varios cortos entre 1938 y 1978. Su más famosa aparición y canción distintiva fue, casualmente, en Stormy Weather de 1943 y en la película Cabin in the Sky de Vincente Minnelli junto a la ya veterana Ethel Waters y Cab Calloway.

Debió haber encarnado a Julie en Show Boat pero debido a su color el papel fue cedido a su amiga Ava Gardner, quien fue doblada en las canciones. Su última aparición fue The Wiz como Glenda The Good Witch junto a Michael Jackson y Diana Ross.

Actuó también en Broadway, conquistando una nominación al Tony en 1957 por Jamaica. En 1980 regresó triunfalmente (a los 63 años) en su propio espectáculo Lena Horne: The Lady and Her Music en 1981-1982 producido por Quincy Jones por el que obtuvo un Premio Tony.

Trabajó asiduamente en radio y televisión, en el show de Judy Garland, Bing Crosby, Frank Sinatra y The Muppet Show. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como actriz y como cantante.

Mereció tres premios Grammy, entre los que está el Lifetime Achievement Award en 1989. En 1984 fue una de las artistas del año homenajeada en el Kennedy Center de Washington

ANITA ODAY

Anita Belle Colton (Chicago, 18 de octubre de 1919 - 23 de noviembre de 2006), (Anita O'Day) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las principales voces femeninas del jazz. Su estilo es tradicional, y oscila entre el swing y el bop; tiene un gran sentido de la improvisación y del ritmo. La voz de Anita O'Day es ligeramente grave y siempre suave.

La primera aparición de Anita O'Day' en una big band rompió con la imagen tradicional de las vocalistas femeninas, situándose a un nivel similar al de los otros músicos del grupo.

Animada por su madre, entró desde muy joven en el mundo de la música a través de varios concursos en los que participaba tanto como bailarina como cantante. Tras malas experiencias en breves estancias con Benny Goodman y Raymond Scott, O'Day consiguió un puesto en la orquesta de Gene Krupa en 1941. Varias semanas más tarde, Krupa contrató al trompetista Roy Eldridge, formándose un trío que alcanzó grandes éxitos como "Let Me Off Uptown", "Boogie Blues" y "Just a Little Bit South of North Carolina". Estuvo también durante un breve periodo con Woody Herman para regresar otra vez con Krupa, hasta abandonarle otra vez en 1943. Estuvo con Stan Kenton en 1944 y, finalmente, antes de su iniciar su carrera en solitario en 1946, otra vez con Krupa.

Su carrera explosionó en 1955 con su primer disco (el primero que, además, editó VERVE) titulado Anita (o This Is Anita). Anita O'Day fue siempre mucho más apreciada en el mundo del jazz que en el del pop, y así frecuentó las actuaciones en los festivales de jazz, apareciendo junto a figuras como Louis Armstrong, Thelonious Monk y George Shearing. Su actuación en el Newport Jazz Festival de 1958 la convirtió en famosa en todo el mundo tras realizarse sobre el mismo una película titulada Jazz on a Summer's Day.

La serie de casi veinte discos para VERVE durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llenga de swing con Billy May (Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet (Anita Sings the Most), varios tradicionales con la Buddy Bregman Orchestra (Pick Yourself Up, Anita), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre (Cool Heat) e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader (Time for Two).

FRANKIE TRUMBAUER

AFRO CUBANOS

Mario Bauzá (La Habana, 1911 - Manhattan, 11 de julio de 1993) fue un músico y compositor cubano; trompeta, es conocidos sobre todo por haber sido el director musical de la orquesta de Machito (de quien era, además, cuñado) durante treinta y cinco años. Fue fundador de lo que hoy se conoce como Jazz latino.

Bauzá tocaba el clarinete en la Orquesta Filarmónica de La Habana. Sin embargo, tras viajar en 1926 a Nueva York con la orquesta de Antonio María Romeu, quedó tan impresionado por las big bands de Paul Whiteman, Fletcher Henderson y Tommy Dorsey, y por las revista musicales de Harlem, que en 1930 decidió emigrar definitivamente a Estados Unidos. Durante el viaje, se hizo amigo de Antonio Machín. Entre 1930 y 1931, fue trompetista del cuarteto de Antonio Machín y realizó con este grupo importantes grabaciones en la ciudad de New York. Como anecdota se cuenta que había aprendido a tocar la trompeta en solo dos semanas.

Sus primeros trabajos fueron con las orquestas de Cass Carr, Noble Sissle y Sam Wooding. En 1933 entró como primer trompeta en la orquesta de Chick Webb, en la que terminó como director musical. A continuación, trabajó con Don Redman y Fletcher Henderson, para finalmente quedarse con Cab Calloway.

El 3 de diciembre de 1940, debutó con Machito en el Park Plaza, una sala de baile, con los Afro-Cubans, para trabajar después durante casi cuatro años en el club La Conga. Bauzá trabaja para Machito como director artístico, encargándose de los arreglos y de la contratación de los músicos.

El estilo de los Afro-Cubans mezcla los ritmos de Cuba con rasgos de las bandas de swing y las armonías más avanzadas del bop. Gracias a ello, músicos como Dizzy Gillespie reintroducen ritmos africanos, pasados por Cuba, en el jazz.

LUISIN LANDAEZ

Luis Felipe Landáez (Higuerote, Estado Miranda, Venezuela, 1931 - Peñalolén, Santiago de Chile, 16 de noviembre de 2008), mejor conocido como Luisín Landáez, fue un cantante de cumbia venezolano que adquirió popularidad en Chile, principalmente, por sus canciones "La piragua" y "Macondo".

Nació en Higuerote, pero se mudó a la capital venezolana cuando era pequeño. De joven trabajaba en el taller mecánico de su familia, mientras que por las noches se dedicaba a la música. Comenzó su carrera profesional a los 21 años, cuando sus temas rotaban con éxito en las radioemisoras. Luego de participar en algunos grupos musicales, como los Billo's Caracas Boys y la Orquesta de Luis Alfonzo Larraín, empezó su carrera como solista a fines de los años 1950.

En 1960, salió de gira por países como Colombia, Ecuador, Perú y Chile. A este último llegó en 1962 y se unió al tour que diversos artistas de la nueva ola llevaban a cabo. Decidió radicarse en Chile y eventualmente se convirtió en un ícono musical, llegando a grabar 45 álbumes de cumbia. Fue simpatizante del presidente Salvador Allende, y se marchó de Chile tras el Golpe de Estado de 1973. Cuando la democracia se restableció a fines de los años 1980, Landáez volvió y realizó presentaciones hasta el 18 de septiembre de 2004. En diciembre de ese año, acusó a La Sonora de Tommy Rey de abaratar la profesión por cobrar $500.000 por presentación. El vocalista de la Sonora, Patricio Zuñiga, respondió a estas críticas calificando a Landáez de "viejo tonto envidioso".

El domingo 16 de noviembre de 2008, y tras permanecer dos semanas en el Hospital Doctor Luis Tisné de Peñalolén, sufrió un paro cardíaco y falleció a los 77 años. Durante su vida, se casó cinco veces y tuvo 13 hijos. Al momento de fallecer padecía de diabetes y problemas renales. Su cuerpo fue velado en la Parroquia de la La Asunción, y el martes 18 de noviembre fue sepultado en el Mausoleo de los Artistas, ubicado en el Cementerio General de Santiago.

LUCIA POP

Soprano eslovaca nacida en Ukorska Ves. En su juventud cantaba en los invernaderos de Brunn y Praga, para más tarde estudiar en la Academia de Música de Bratislava junto a Ana Hrusovska-Prosenkova. Cantante de voz excelsa, debutó con 23 años en la ópera de Bratislava, en el personaje de Reina de la Noche de la Flauta Mágica de Mozart. En 1963 Herbert Von Karajan la contrató para la Compañía del estado de Viena y ese mismo año debutó en el festival de Salzburgo. Durante los años 70 interpretó papeles de coloratura lírica, particularmente Mozart (Pamina y Susana), y en los años 80 los papeles de Wagner y de Richard Strauss. Realizó grabaciones con los más importantes directores del mundo, como Georg Solti, Raphael Frübeck de Burgos y Otto Klemperer. Además fue una extraordinaria cantante de lieders. Murió en Munich (Alemania) en 1993.

MONTSERRAT CABALLE

Soprano española de fama internacional, conocida por su gran técnica vocal y la ductilidad de su voz, así como por sus interpretaciones de Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi. Nació en Barcelona y estudió en el Liceo de su ciudad natal durante doce años con Eugenia Kenny, Napoleone Annovazi y Conchita Baddia. Ganó la medalla de oro de dicho centro en 1954. Construyó su carrera despacio pero con cimientos sólidos. Tras unirse a la Basle Opera en 1956, el abandono de una de las cantantes hizo que interpretara el papel de Mimi en La Bohéme, de Puccini con lo que obtuvo gran éxito. Se hizo con un amplio repertorio: Pamina (en La flauta mágica de Mozart), Tosca de Puccini y Aida de Verdi, entre otras. En 1959 comenzó a trabajar como primera cantante en la ópera de Bremen, donde interpretó por primera vez los papeles de Violetta (en La Traviata de Verdi) y Tatiana (en Eugene Onegin de Tchaikovsky). Más tarde debutó en La Scala como muchacha-flor en Parsifal de Wagner. Su fama ya era importante cuando debutó en México, D.F. en 1964, el mismo año en que contrajo matrimonio con el tenor Bernabé Martín. En 1965 le ofrecieron, en el Carnegie Hall de Nueva York, sustituir a Marilyn Horne en la ópera de Donizetti Lucrezia Borgia. Desde entonces han sido varias las obras de Donizetti que han visto de nuevo la luz para ser interpretadas por ella; lo mismo ha pasado con varias obras poco conocidas de Verdi. Es una de las grandes sopranos de Verdi y Donizetti. Caballé es una cantante más majestuosa que espectacular; consigue este efecto ante el público a través de su voz y su presencia. Gracias a la calidad de su voz puede interpretar tanto los papeles más dramáticos como los más románticos. El dúo con la estrella del pop Freddie Mercury en la canción "Barcelona" consiguió que su arte llegase a un nuevo público

BIRGITT NILSSON

Soprano sueca, considerada la mejor soprano wagneriana de su época. Nació cerca de Malmö, estudió canto en la Real Academia de Música de Estocolmo y debutó en 1948 con Macbeth, del compositor italiano Giuseppe Verdi. Se consagró en el ámbito internacional, en 1954, con las óperas del compositor alemán Richard Wagner en el Festival de Bayreuth, Alemania.

JUSSI BJORLING

LITLE WALTER

Little Walter o Marion Jacobs, fue un armonicista, cantante y también guitarrista de blues. Nacido en Marksville, Louisiana, Jacobs es mencionado usualmente como uno de los más grandes del blues y constructor del sonido de Chicago. Su forma de tocar la armónica fue tan revolucionaria que es directamente comparable a lo que hizo Jimi Hendrix con la guitarra o Charlie Parker con el saxo, logrando sonidos, fraseos y expresionismo a niveles inimaginados para la época, marcando un estándar para siempre.

Tentado por conocer la gran ciudad y expandir sus horizontes musicales, Walter abandonó su escuela rural en Lousiana a los 12 años. Posteriormente fue vagando por diversas localidades: New Orleans, Helena, donde conoció a Sonny Boy Williamson, Memphis, St. Louis hasta llegar finalmente a Chicago en 1946.

Jacobs era alcohólico y esto siempre le trajo problemas personales, de esta manera aceptó giras a Europa dos veces, en 1964 y 1967 para recuperar el dinero que perdía en apuestas o peleas. Murió de una trombosis cerebral en el año 1968 luego de una pelea callejera.

Su instrumental del año 1952, Juke, fue elegido como una de las 500 canciones que le dieron la forma definitiva al Rock and Roll según de la Rock & Roll Hall of Fame.

EL PICAFLOR DE LOS ANDES

Víctor Alberto Gil Mallma más conocido como Picaflor de Los Andes (* Huancayo, 8 de abril de 1930, - La Oroya, 15 de julio de 1975) cantante peruano de música vernacular, vendió aproximadamente 80 mil discos del canción "Corazón Mañoso", en 1960 obtiene su carnet de artista por la Casa de La cultura, con el nombre de "Picaflor de Los Andes", e hizo una presentación en la carpa el Coliseo Nacional.

Víctor Gil nació en la ciudad de Huancayo en 1930. Una tercera oleada de migrantes provincianos de fuerte raigambre popular y clase media empobrecía a Lima durante los años sesenta. Los pueblos jóvenes y los barrios populosos colindandtes con "La Parada" o el Mercado Mayorista recibieron a éstos provincianos que llegaban en busca de trabajo. Era una marea humana que arribaba con toda su existencia a cuestas; no sólo sus costumbres, enraizadas desde varias generaciones posteriores, sino un afán indesmayable de sobrevivencia y superación. El gran intérprete de ésta conocida y nueva manera de ser del provinciano andino en Lima, es sin duda alguna "Picaflor de los Andes". Gracias a Él, los miles de migrante se identificaban entre ellos sus triunfos, derrotas y aspiraciones. Víctor Gil Mallma y sus canciones lograron abrir las puertas de un mundo complejo y lleno de contradicciones. Gracias a su música y persona, los provincianos sacudieron en gran parte sus complejos y vergüenzas. Sus canciones era escuchadas, con nostalgia del terruño y ganas de vivir mejor, en pequeñas habitaciones que poseían las empleadas del hogar, talleres, fábricas y mercados, así como también choferes de ómnibus y camiones que viajaban por los distintos caminos del Perú. Ese multitudinario sentimiento se extendía por la gran Lima, especialmente los días domingos. Era el encuentro semanal tan ansiado: Uno se vestía con lo mejor y con algún dinero ahorrado y se dirigían a los coliseos a escuchar los huayños, a reconocer en la letra y música de esas canciones todos los sueños guardados. Entonces en el Coliseo Nacional, en el gran escenario, estaba El Picaflor de los Andes, cantando la música del centro en medio de gritos y aplausos, acompañado siempre por diversas orquestas típicas. Fue un líder indiscutible de la canción popular andina. Indentifcado con el agricultor, minero, chofer y músico, actividades que también realizó desde joven, no sólo entonaba el huayno en sí, si no los diversos motivos costumbristas del calendario agrícola y de las fiestas patronales y religiosas. El 15 de julio de 1975, en el distrito de la La Oroya víctima de una Mielitis e infarto deja de existir éste máximo exponente de la música vernacular peruana, a su entierro fueron más de 100 mil personas, todo un record para la época.

YMA SUMAC (PERU)

Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo (Ichocán, Perú, 10 de septiembre de 1922, Los Ángeles, Estados Unidos, 1 de noviembre de 2008), más conocida como Yma Sumac, transliteración del quechua Ima Sumaq ("qué linda"), fue una tiple peruana de gran éxito internacional en los años cincuenta especialmente conocida por su inusual registro vocal, que llegó a abarcar cinco octavas.

Además se destacó por su belleza y exotismo, ya que afirmaba ser una princesa inca descendiente del emperador Atahualpa. Es la única peruana que tiene su nombre inscrito en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Usando el nombre artístico de Yma Sumac grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, para el sello discográfico Odeón, era acompañada por la agrupación de Vivanco "Compañía Peruana de Arte", integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos: "A ti solita te quiero", "El Picaflor", "La Benita", "Amor", "Amor Indio", "Waraka Tusuy", "Carnaval Indio", "Un Amor", "Mi Vida y La Tuya", "Te Quiero", "Cholo Traicionero", "Wifalitay", "El Payandé", "La Sirena", "Pariwana", "Mashiringa", "Melgar", "Andina", "Punchauniquipy", "Cholitas Puneñas", "Qué Lindos Ojos", "Vírgenes del Sol", "Un Picaflor la Desangró".

Yma Sumac falleció el en Los Ángeles el 1 de noviembre de 2008 tras seis meses de lucha contra el cáncer de colón. Por deseo de la cantante y de sus parientes más cercanos fue inhumada en Hollywood, donde había pasado 60 años de su vida.

ATAULFO ARGENTA

FEDERICO MORENO TORROBA

LA ZARZUELA

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro Elías Gutiérrez.

En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenizacion de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocido como la Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama tambien zarzuelta en varios lugares del país.

La zarzuela es un subgénero de la Opereta, la opereta es una representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales. Para que una opereta pueda ser considerada zarzuela tiene que cumplir dos requisitos: que la acción se desarrolle en territorio español y que contenga algún número musical que se inspire en el folclore de alguna región española. Así La corte de faraón o los gavilanes no pueden ser consideradas zarzuelas porque no cumplen estos dos requisitos.

En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)[1] 1898", del maestro Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

La zarzuela se va manteniendo con estas producciones que, a veces, se ajustan a la estructura musical de una ópera italiana, gracias a autores de la talla de Francisco Alonso, José Padilla, Pablo Sorozábal, Federico Moreno Torroba, Rafael Calleja y Jacinto Guerrero. La guerra española abre un paréntesis y en la posguerra, la decadencia es casi total. No existen apenas nuevos autores para este género y no se renuevan las obras. Por otro lado, la zarzuela existente es difícil y costosa de representar y sólo aparece esporádicamente, por temporadas, durante unos pocos días o semanas.

En estos primeros años del siglo se empieza a dar el apelativo de género ínfimo a las representaciones conocidas como revistas. Son obras musicales con una conexión de ideas parecida al de la zarzuela pero más ligeras y atrevidas, con números escénicos que, en la época, se calificaron de «verdes», es decir, pícaros, de temas sexuales y con letras de doble intención, en casi todas hay "cuplés". Una de estas obras fue La Corte de Faraón, basada en la opereta francesa Madame Putiphar. La música se hizo tan popular que algunos de sus números acabaron siendo verdaderos cuplés difundidos por el público.

MARUJITA DIAZ

María del Dulce Nombre Díaz Ruiz Marujita Díaz 26 de abril de 1931 (79 años) Es una actriz y cantante española de los años cincuenta y sesenta del siglo XX.

Debutó en el teatro infantil a los 9 años y en el cine en 1947. Su voz le abre las puertas tanto del teatro como del cine. Actriz dramática con una notable vena cómica alcanzó el éxito en el cine en los años 60 gracias fundamentalmente al tirón de las comedias de esta época, por lo cual interpretaba papeles similares en sus películas.

Alterna la revista musical, la zarzuela, la TV y el cine con bastante éxito hasta los años 80. Empieza su andadura en el cine en títulos del cine folclórico como El pescador de coplas o Puebla de las mujeres, sin abandonar nunca su carrera teatral que es donde se forma como artista. Alcanzó cierto éxito con películas como Pelusa, La casta Susana o La Cumparsita.

En el teatro musical desarrolló una extensa carrera plagada de éxitos alternando diversos géneros que van desde la revista más clásica a la zarzuela de corte madrileño: A todo Color, Las 4 copas, La Princesa Alegría, La fierecilla domada, Bésame Catalina, Caridad de noche, Chorizos y polacos, Madrid, Madrid, Agua, azucarillos, y aguardiente, La Verbena de la Paloma, Revista, revista, siempre revista, Si Eva fuera española, Cantando los cuarenta, La Gran Vía, De Madrid al Cielo o El oso y el madrileño fueron sus incursiones más significativas. En televisión presentó en 1976 un programa dedicado al género de la revista titulado Música y estrellas.

Estuvo casada en dos ocasiones, primero con Espartaco Santoni, junto al que creó una productora llamada Producciones cinematográficas MD.Y posteriormente por la iglesia con Antonio Gades durante un breve período. No tiene hijos.

Conocida desde joven por su desparpajo, en los últimos tiempos su imagen pública se ha visto de nuevo en el candelero, por su afán de protagonismo y discutibles apariciones televisivas.

SALVADOR RUIZ DE LUNA

Gabriel Salvador Ruiz de Luna Arroyo (Talavera de la Reina, 18 de marzo de 1908 - Madrid, 5 de agosto de 1978) fue un compositor español, conocido sobre todo por sus bandas sonoras.

Hijo del ceramista Juan Ruiz de Luna Rojas, estudió con Pablo Luna y Conrado del Campo, con quien mantuvo una amistad incondicional durante 38 años. Fue profesor titular de la Escuela Oficial de Cinematografía y director de la sección de cinematografía de la SGAE. En 1935 realiza ballets para Carmen Amaya como El Embrujo y Un ballet con libreto de Gerardo Rivas. Es también autor de bandas sonoras de películas como El Malvado Carabel de Fernando Fernán Gómez (1955), Boda en Castilla de Manuel Augusto García Viñolas, Abuelita Charlestón (1962) con Marujita Díaz, Gayarre (1959) o Embajadores en el infierno (1959

RAUL GARCES

LOS CABALLEROS DEL TANGO

LOS PROVINCIANOS

ORQUESTA TIPICA VICTOR

Cuando a los directivos del sello discográfico se les ocurrió la formación de una orquesta que representara a la empresa, recurrieron a un pianista de formación clásica, que aún no había incursionado en el tango: Adolfo Carabelli.

Este gran artista estudió con los mejores maestros de su época y a los quince años ya daba conciertos en salas de la ciudad de Buenos Aires. Siendo muy joven viaja a Bologna, donde permanece hasta 1914. Allí cursó el liceo y continuó sus estudios musicales. El comienzo de la guerra lo devuelve a su país donde forma un pequeño conjunto de música clásica: "Trío Argentina".

En esos años conoce al pianista Lipoff, que acompañaba a la célebre bailarina Anna Pavlova, y a través suyo lo atrapa el jazz, género que recién comenzaba a difundirse.

Su primer orquesta se llamó "River Jazz Band", después, al pasar a la radio, el conjunto llevó su nombre, y la orquesta obtuvo un éxito descomunal y era demandada por todos los clubs nocturnos de la época. Por ella pasaron Eduardo Armani y Antonio Pugliese, entre otros. Graba sus primeros discos en el sello Electra y luego es contratado por la Victor como asesor musical y responsable de la formación de una orquesta típica.

Orquesta mítica del tango, que nunca actuó en público, pero que dejó, en su larga trayectoria, el recuerdo indeleble de su perfección y calidad.

La conformación de la orquesta era muy variable, los músicos eran reemplazados de continuo, pero todos ellos de excelente nivel. Es así que algunos expertos reconocen, en determinadas grabaciones, el violín de Elvino Vardaro, por ejemplo.

Otros nombres importantes que pasaron por la orquesta fueron: los bandoneones de Federico Scorticati, Carlos Marcucci y Pedro Laurenz; Orlando Carabelli, hermano del director y Nerón Ferrazzano en contrabajo; en violines, Antonio Buglione, Eduardo Armani y Eugenio Nobile. También desfilaron por la orquesta: Cayetano Puglisi, Alfredo De Franco y Aníbal Troilo, en algunas oportunidades.

JOSE PEREZ DE LA RIESTRA

Carlos José Pérez de la Riestra, conocido popularmente como Charlo (n. 6 de junio de 1907, La Pampa - † 30 de octubre de 1990, Buenos Aires), cantante, músico, pianista, actor y compositor argentino.

Nació el 6 de junio de 1907 en la estancia La Piedad, ubicada entre las estaciones ferroviarias Guatraché y Avestruces, en la provincia de La Pampa. Al no existir Registro Civil en el lugar, sus padres, humildes inmigrantes españoles, lo inscribieron apenas se instalaron en el partido de Puán, en la provincia de Buenos Aires. Cursó los estudios primarios en la Escuela Nº 1, siendo su maestra la señorita Juana Marchi, luego casada con Carlos Ramón Dobal, entre cuyos hijos figura el famoso dibujante Miguel Angel Dobal y el periodista Juan Carlos Dobal, que durante muchísimos años condujo en Bahía Blanca los noticieros de LU3 Radio del Sur.

Desde los ocho años mostró que estaba dotado para la música, por lo que por indicación paterna realizó los primeros estudios de solfeo y piano en el Conservatorio Santa Cecilia, conducido por Alejandro Leone.

El año 1926 fue de una intensa actividad, ensayaba diariamente durante cinco horas, y practicaba vocalización con su maestro de canto Enrico Castronuovo. Además grababa con Francisco Canaro, con Francisco Lomuto y como solista. Tres veces a la semana actuaba en radio, y en los fines de semana se presentaba en los principales cines de la Capital y sus alrededores

Gracias a la difusión de sus discos su voz se hizo muy popular en toda América, especialmente en los países limítrofes. Esto le abrió las puertas al exterior, y supo aprovecharlo. Primero viajó a Uruguay, contratado por la Casa "Max Gluscksmann" para inaugurar el cine "Rex" de Montevideo. Su primera gira importante comenzó en 1938, actuando con suceso en Chile. "Esta es tu oportunidad, vestite y cantá como sabés, y vas a ver que vas a matar", le había pronosticado su manager José Razzano, y tuvo razón. Actuó luego en Bolivia, Venezuela, Cuba y los Estados Unidos. Principalmente en La Habana y en Lima su éxito fue tal que lo catapultó a la fama, consagrándolo como sucesor de Gardel. En sucesivas giras siguió ampliando su éxito. En Brasil, como en los países anteriormente citados, entonó tangos, boleros y folklore. Otros lugares desde donde alcanzó reconocimiento fueron Panamá, Portugal y España. En estos dos últimos países estuvo radicado a partir de 1955, cantando a dúo con su compañera Sabina Olmos en el espectáculo "Estampas de Hispanoamérica", ofrecido por la televisión y en el casino de Estoril, y más tarde en el cine y la televisión española. De allí pasó a actuar en Francia y Bélgica, y por último, en 1956, visitó Colombia, donde fue recibido con gran suceso no sólo el músico y cantor de tangos, sino un Charlo universal intérprete de ritmos melódicos y tropicales. En esa gira compuso unos de los últimos éxitos: su "Tango en Colombia".

ARCHIE BLEYER

THE WEAVERS

THE CHORDETTES

The Chordettes fueron un cuarteto femenino de pop, que cantaban generalmente a capella, especializado en la música popular tradicional. Fueron uno de los grupos vocales de más larga duración, con inicio en la corriente principal del pop y armonías vocales de la década de 1940 y principios de 1950.

El grupo se crea en 1946 en Sheboygan, Wisconsin, formado originalmente por Janet Ertel (21 de septiembre de 1913 - 4 de noviembre de 1988), Carol Buschmann, su hermanastra, Dorothy Schwartz y Jinny Osborn (o Jinny Lockard) (25 de abril de 1928 - 19 de mayo de 2003). En 1952 Lynn Evans sustituirá a Schwartz y en 1953, Margie Needham sustituye a Osborn, cuando iban a ser madres, aunque esta última regresó más tarde al grupo. Nancy Overton (6 de febrero de 1926 - 5 de abril de 2009) también perteneció al grupo en un momento posterior.

Originalmente cantaban música popular al estilo de The Weavers, pero con el tiempo cambiaron a un estilo de armonización del tipo conocido como barbershop o close harmony

MARK KNOPFLER

Mark Freuder Knopfler OBE (n. 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.

Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone lo situó en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos

CHET ATKINS

Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul - le trajo admiradores ambos dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Él creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como el sonido Nashville, que amplió la música country incluyendo a admiradores de música pop adultos

LES BAXTER