jueves, 20 de mayo de 2010

TRIO TARIACURI

Los integrantes originales del Trío Tariácuri nacieron en Huetamo de Núñez, población del estado de Michoacán, México. Los hermanos Norberto, Jerónimo y Juan Mendoza formaron este Trío en el año de 1931 el cual fue una agrupación muy singular cuyo repertorio estaba integrado básicamente por sones michoacanos, jaliscienses y huapangos.

Participaron en diversas películas de los años treinta, entre ellas, Así es mi Tierra, una de las primeras películas de Mario Moreno "Cantinflas". En 1941, poco después de participar en la película Ay Jalisco no te Rajes, con Jorge Negrete, falleció, en un accidente automovilístico, la primera voz del trío, Jerónimo, por lo cual Juan pasó a ser la primera voz integrando como segunda a su hermano menor Eligio quien en ese entonces sólo contaba con 14 años de edad, y como siempre Norberto en el requinto y tercera voz.

El trío continuó cosechando éxitos en sus intervenciones en la XEW, con grabaciones para la RCA Víctor y después para CBS Columbia; fue uno de los grupos que popularizaron el huapango comercial, de autores como Nicandro Castillo, Lorenzo Barcelata, Severiano Briseño, etc.

En la década de 1950, Juan decidió lanzarse como solista, obteniendo mucho éxito con la interpretación de boleros rancheros, sin embargo el Trío Tariácuri continuó con presentaciones en radio y TV, así como en la grabación de discos, con la incorporación de distintos integrantes, entre ellos Roberto López Gali, quien nació un 30 de julio en Laguna de la Puerta, Tamaulipas.

El Trío Tariácuri fue innovador en el ámbito de la música tradicional mexicana pues fue el primer grupo que se consolidó como trío mexicano, haciéndose acompañar de sus guitarras e interpretando canciones mexicanas a tres voces, lo que después fue seguido por grupos como el Trío Calaveras, El Trío Tamaulipeco de los Hnos. Samperio, Los Pastores, Los Tres Huastecos, Los Mexicanos, etc

ALVARO CARRILLO

Álvaro Carrillo Alarcón fue un compositor mexicano de música popular nacido en San Juan Cacahuatepec, Oaxaca, el 2 de diciembre de 1921, y muerto en un accidente automovilístico el 3 de abril de 1969. Es autor de más de 300 canciones, entre otras: Amor mío, Sabor a mí, Como se lleva un lunar, El andariego, Luz de luna, Sabrá Dios, Seguiré mi viaje y La mentira.

En 1940, ingresó a la Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo y, siendo estudiante, compuso sus primeras canciones. En 1945, obtuvo el título de Ingeniero Agrónomo.

Trabajó en la Comisión del maíz, pero dejó la ingeniería por la composición.

Entre sus principales intérpretes se cuentan: Javier Solis, Pepe Jara, el Trío Los Santos, el Trío Los Duendes y Linda Arce.

La vida de Álvaro Carrillo inspiró el largometraje Sabor a mí, interpretado por José José y dirigido por René Cardona H.

ACERINA Y SU DANZONERA


CHAYITO VALDEZ


LUIS PEREZ MESA

Luis Pérez Meza, cuyo nombre de pila fue Ignacio (lo cambió por el de un hermano prematuramente muerto) nació en La Rastra, municipio de Cosalá, Sinaloa. Las fuentes difieren en cuanto al día de nacimiento (mayo o julio de 1917) hijo de Zenón o Simón Pérez e Isabel Meza.

El dúo "Chico y Nacho" se transformó en quinteto al añadirse Francisco Sandoval y sus hermanos Luis y Emilio, grupo al que bautizaron como "Los Parrangos" y que tendría breve duración. A principios de los años 40 debutó como solista en la XESA de Culiacán y Tijuana. En 1943 viajó a México para darse a conocer.

No fueron tiempos fáciles para Luis que tras mucho deambular tocando en bares y fiestas familiares obtuvo el reconocimiento en la XEW, gracias a su inclusión en el programa "Fiesta Ranchera" que conducía Matilde Sánchez, "La Torcacita". Según algunos fue en ese periodo cuando recibió el sobrenombre de El Trovador del Campo, si bien otros aducen que este pseudónimo lo recibió de Pedro de Lille ya en 1952. En esa misma etapa Pérez Meza estudió canto con Beatriz Pizzarni con la idea de debutar en la ópera pues su voz de tenor parecía prometedora. Sin embargo, la música popular lo atrajo y en 1944 se integró como primera voz en el "Cuarteto Metropolitano" de Felipe Bermejo.

En 1945 viajó a las islas de Guam y Iowa de Filipinas y a Hawái para cantar a los militares mexicanos del Escuadrón 201 que participó en la Segunda Guerra Mundial. En mayo de 1946 cambió definitivamente su nombre artístico por el de "Luis Pérez Meza" a sugerencia de los ejecutivos de la XEW. Al año siguiente formó el trío Culiacán junto con "el Negrumo" y "El Gordo Villarreal" y con el sello RCA Víctor grabó El Charro Alegre y Bonito Montemorelos. Entre 1947 y 1949 vivió en Madrid, donde se le conoció como La voz de oro de América.

Fue cofundador de la Asociación Nacional de Actores, la ANDA, y filmó en 1948 "Allí en el Rancho Grande" junto con Jorge Negrete, bajo la dirección de Fernando de Fuentes. Felipe Valdez Leal lo contrató para que grabara con el mariachi Vargas, para la Columbia, su primer LP que contiene canciones como La Rondalla, Al morir la tarde y El carro del sol.

Fue en 1951-52 cuando decidió cantar música campirana con Banda sinaloense: las dos primeras canciones que interpretó en ese estilo fueron India bonita y El sauce y la palma. Al mismo tiempo continuó sus apariciones en el cine actuando con Pedro Armendáriz en las películas La Casa Colorada y Juan Charrasqueado. Entre 1958 y 1962 El Chano Urrueta lo dirigió en otras ocho películas.

Luis Pérez Meza cantó por última vez en el bar Teacapán de Guasave. Murió el 9 de junio de 1981. Sus restos descansan en el panteón Jardín de la Ciudad de México. Su herencia musical es compartida por su familia pues todos sus hermanos -Emilio, Luis, Moisés y José Antonio- fueron también cantantes. Del mismo modo siguieron los pasos artísticos de su padre su hija Elisa Pérez Meza, a quien en Sinaloa llaman La Trovadora, así como su hijo Jorge Luis Pérez Meza

AMALIA MENDOZA


Amalia Mendoza García (nacida el 23 de julio de 1923 en San Juan Huetamo, Michoacán – murió el 11 de junio de 2001 en la Ciudad de México), fue una de las más famosas cantantes mexicanas de música ranchera de los últimos cuarenta años, entre otros grandes nombres como Chayito Valdez, Lola Beltrán, Maria de Lourdes, Lucha Villa, Yolanda del Río, entre otras. Su sobrenombre La Tariácuri se debe al trío musical de sus hermanos el Trío Tariácuri.

Después de un éxito limitado como el duo que conformaba con su hermana Perla, Amalia arriesgó como cantante solista después de cantar en un espectáculo de radio en 1954. A lo largo de su carrera fue acompañada frecuentemente por el Mariachi Vargas de Tecalitlán (de Tecalitlán, Jalisco), y realizado numerosos canciones de rancheras y boleros de compositores mexicanos como: José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, José Ángel Espinosa, Gabriel Ruíz y Tomás Méndez. Fue reconocida mundialmente por su forma de interpretar la canción mexicana y a la fecha no hay intérprete igual. Cantaba con un sentimiento e interpretación que hacia lucir tanto la canción como al compositor. Fue elegida por uno de los grandes compositores de este siglo, Juan Gabriel, para hacer un disco titulado Las Tres Señoras, al lado de las inolvidables Lola Beltrán y Lucha Villa.

LUPITA D´ALESSIO


BOTELLITA DE JEREZ


ENRIQUE BOLIVAR NAVAS

Aurelio Enrique Bolívar Navas nació en Caracas, Venezuela, el 9 de enero de 1940, y desde muy joven sintió lo que sería su pasión: la radio y la música caribeña, especialmente la salsa, sones, guajiras, guaguancós, boleros, guarachas. Bolívar Navas fue un gran conocedor de estos ritmos musicales y una referencia obligada de consulta, tanto en Venezuela como en los países de habla hispana.

Transcurrió su niñez y juventud en la población de Cúa, estado Miranda. Fue nombrado Hijo ilustre de Ocumare del Tuy, estado Miranda. Cuando cursaba el tercer año de Castellano y Literatura en el Instituto Pedagógico de Caracas sintió el llamado de lo que sería su debilidad y una de las razones de su vida: la radiodifusión y dentro de ella la investigación y la promoción de la música afro-caribeña.

En 1968 Ingresó al Departamento de Castellano y Literatura y Latín del Instituto Pedagógico de Caracas. En 1968 Corresponsal en Venezuela de la Revista Radio Televisión de los Estados Unidos de América. 1968 Columnista y Colaborador especial d en los suplementos “Pantalla y Farándula del Diario EL Nacional. 1969 Columnista y Colaborador de la Revista > Bohemia 1974 Columnista del Diario Meridiano, con su espacio “Crónicas con Salsa” 1979 Miembro del Consejo Editorial de la Revista “Disonancia”. 1989 Facilitador de la Cátedra “La Canción Popular” en la Escuela de Comunicación Social de la UCV, que conducen Jesús Rosas Marcano y José Fernández Freites. 1989. Docente contratado de la Academia de Ciencias Audiovisuales en el área de Radio y Promoción Fotográfica. 1996 Columnista de “Música en Serio”, encarte dominical del Diario El Globo.

En 1962 se inició como libretista de programas de música venezolana, en la emisora Radio Valles del Tuy. En 1965 obtuvo su certificado de locutor Nº 3746, donde llegó a ejercer el cargo de subdirector de esa emisora. En 1967 se incorpora a la emisora Radio Miranda, de Los Teques como productor y locutor del programa “La Candela Matancera”. En 1970 lo trae a Caracas el desaparecido hombre de la radio Antonio José Isturiz, para formar parte del primer plantel de locutores de Radio Mundial, canal 55, al lado de José Pérez Meléndez, Ramón Rivas Jerez, Gustavo Falkenhagen, entre otros. En 1973 lo encontramos en Radio Sensación. En 1974, en Radio Tiempo, como locutor y musicalizador. En ese mismo año también laboró para YVKE Mundial. En 1980 en Radio Visión, como locutor de noticias y adjunto a la Dirección General. En 1981, en Radio Tiempo, como Locutor y Gerente de Programación. En 1985 en YVKE Mundial, como Locutor y en 1986 asume en ésta emisora la Dirección y vicepresidencia de Programación Nacional de “Radio Cadena Nacional”.

En 1989 laboró en Radio WIAC, de Puerto Rico. En 1989 en Radio JIT, en Nueva York En 1990 en Radio Dinámica 1490, como vicepresidente. En 1993, Radio Suave 1260 AM, como Locutor y Productor del Programa “Cuentos de Rumbas y Despechos”. En 1996, Radio Continente, como Locutor y Productor del programa “La Candela Matancera”. En 1998 vuelve a YVKE Mundial y se desempeña, como Locutor y Director. En el 2000 labora en el Circuito Radio Venezuela, como Gerente General de 12 emisoras; y desde el 2005 hasta el momento de su muerte lo encontramos laborando en el Circuito AM /FM CENTER, específicamente en Fiesta 106.5 FM, de Caracas, como Locutor y Productor del programa “La Salsa de Bolívar”.

Su prestigio como locutor y animador lo llevaron a cruzar la frontera. En 1986 fue invitado para animar el Festival Anual de Música Latina que se realizó en el Madison Ssquare Garden, teniendo entre sus invitados a la Fania All Star. En febrero de 1988, fue invitado por Celia Cruz y su esposo Pedro Knigth para que animara los conciertos con los cuales celebraron sus Bodas de Plata y que se realizaron en el Teatro Bellas Artes de Puerto Rico y en el Hotel Ambassador de Santo Domingo respectivamente. En 2005 resultó electo como Miembro Suplente a la Comisión de Programación de Radio, en representación de los Productores Nacionales Independientes, de acuerdo con la Ley de Responsabilidad Social en Radio y Televisión. Recientemente la Alcaldía del Distrito Metropolitano de Caracas lo distinguió como Patrimonio Cultural Metropolitano.

Bolívar Navas siempre estaba presto a colaborar con organizaciones benéficas y gremiales, entre las cuales destacan el concierto a beneficio del Sindicato Nacional de los Trabajadores de la Prensa, con el “Concierto Caliente”, presentado en agosto de 1979, donde actuaron: Sonero Clásico del Caribe, “Wladimir y su Constelación, “La Salsa Mayor” y la Dimensión Latina, entre otros invitados. Para recaudar fondos para causas benéficas también participó en 1987 en el programa "Concurso Millonario" que animaba la recordada actriz venezolana Doris Wells en Radio Caracas Televisión. Al respecto comentó este insigne melómano: "“Lo hice más por el beneficio de la música afrolatina. La popularidad de la salsa ha ascendido y como una paradoja quiero indicarte que mientras la prensa escrita y la televisión abren las puertas a este ritmo la radio no le da cabida y este es un caso único en la cuenca del Caribe”.

Bolívar Navas, quien estimaba que “la música caribeña se divide en antes y después de la revolución cubana”, falleció en Caracas a causa de un infarto al miocardio, a los 67 años de edad, el lunes 13 de agosto de 2007.

Cortesia: Salsa Venezuela

HECTOR LAVOE

Héctor Juan Pérez Martínez (30 de septiembre de 1946 – 29 de junio de 1993) fue un cantante de Salsa Puertoriqueño. Lavoe nació y se crió en Machuelito un sector de Ponce. Tempranamente estudió en el conservatorio y desarrolló interés en la música inspirado por Jesús Sánchez Erazo. Se mudó a Nueva York cuando tenía diecisiete años. En su primera semana en esta ciudad, estuvo en la orquesta de Roberto García. Durante ese período, Lavoe estuvo en otros grupos, incluída la Orquesta de Nueva York, Kako All-Stars y la orquesta de Johnny Pacheco.

En 1967, Lavoe se convirtió en vocalista en la Orquesta de Willie Colón, en donde grabó grandes éxitos como El malo y Canto a Borinquen. Mientras pertenecía a esta orquesta, Lavoe se convirtió en adicto a la drogas. Colón finalmente decidió no trabajar con Héctor en el escenario, pero siguieron siendo buenos amigos. Lavoe formó su propia orquesta, donde era vocalista. Como solista grabó canciones como: El cantante, Bandolera y El periódico de ayer ('El Cantante' fue compuesta por Rubén Blades, 'Bandolera' por Colón y 'Periódico' por Tite Curet Alonso.) Durante éste período era invitado como vocalista de Fania All Stars.

miércoles, 19 de mayo de 2010

SCOTT JOPLIN

Scott Joplin (Texarkana, Texas, Estados Unidos, 24 de noviembre de 1868 - Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, 1 de abril de 1917) fue un compositor y pianista estadounidense, una de las figuras más importantes en el desarrollo del ragtime clásico, para el que deseaba un estatus similar al de la música seria proveniente de Europa y la posibilidad de admitir composiciones extensas como óperas y sinfonías.

Scott Joplin, a diferencia de otros músicos contemporáneos, tuvo una formación musical clásica muy sólida, lo que se materializó en su tendencia a obtener un equilibrio formal basándose en el uso de tonalidades muy próximas entre sí.

Sus rags se valen de distintos ritmos e incluyen, generalmente, cuatro temas de 16 compases repetidos, con introducción y modulación antes del tercer tema; tras la profusión de sonidos irregulares y arpegiados siempre se encuentra en sus rags una melodía de carácter pegadizo que sigue el clásico patrón de frase antecedente-consecuente, dividiéndose así la melodía de ocho compases en dos partes relacionadas entre sí. Por lo demás, sus rags carecen de pasajes de desarrollo.

Scott Joplin no grabó nunca audios, aunque sí algunos piano rolls a finales de 1915 o principios de 1916;su legado, por tanto, se centra casi exclusivamente en sus partituras, diseñadas "para una ejecución milimétrica y minuciosa por parte del artista

SAMUEL BARBER


JOHN PHILIP SOUSA

Muy populares a fines de la década de 1800 fueron también las bandas que interpretaban marchas. El más destacado compositor y director de banda fue John Philip Sousa (1854-1932), quien se había hecho famoso como director de la banda del Cuerpo de Infantería de Marina de Estados Unidos. La música alegre y patriótica de Sousa, como su marcha "Barras y Estrellas", se conserva como una de las favoritas del público que concurre a desfiles, festivales cívicos y actos similares.

STEPHEN FOSTER

Del minstrel show surgió Stephen Foster (1826-1864), considerado el primer gran escritor de canciones de Estados Unidos. Aunque su preparación musical era mínima, Foster tenía el don de escribir sencillas e irresistibles melodías que cristalizaban los sentimientos de sus conciudadanos. Incluso hoy, casi todos se saben de memoria algunas de las canciones de Foster, por ejemplo, "Oh, Susana", cantada por cientos de mineros durante la fiebre del oro de 1849.

FRANCIS HOPKINSON

Los historiadores otorgan el honor de ser el primer compositor nacido en Estados Unidos a Francis Hopkinson de Filadelfia (1737-1791), un caudillo de la revolución y amigo cercano de George Washington, el primer presidente. Sin embargo, los expertos en música reconocen a William Billings (1746-1800) como una fuerza revolucionaria en la antigua canción. Compositor autodidacta, que nunca dejó de lamentarse por las reglas musicales, Billings escribió lo que el llamaba tonadas "amnésicas". Estas han sido juzgadas torpes y crudas, pero estaban llenas de alegría, tenían un ritmo contagioso y eran fáciles de aprender.

De todas las formas de canción y teatro populares que surgieron a principios del siglo XIX en Estados Unidos, ninguna fue tan influyente, o tan típica, como el espectáculo teatral cómico llamado minstrel show. En estas representaciones, que surgieron en la década de 1820 y desaparecieron bien entrado el siglo XX, actores blancos disfrazados se tiznaban la cara y cantaban, bailaban y contaban historias.

EDWARD MACDOWELL

Edward MacDowell, el mejor compositor de música seria del país a finales del siglo XIX, escribió que antes de Estados Unidos encontrar "un escritor de música para responder a su espíritu", necesitaba "sobre todo, tanto de parte del público como del compositor, absoluta libertad respecto a las restricciones que nos han sido impuestas por una casi ilimitada condescendencia al pensamiento y prejuicios europeos".

Los pioneros fundadores de Estados Unidos trajeron consigo su música: canciones y bailes, cánticos, himnos, y cierta música formal. Entre estas, fue la música religiosa la que predominó sobre las demás. Las melodías para los cantos de alabanza fueron trasmitidas principalmente por tradición oral, y sirvieron de base para gran parte de la música colonial.

domingo, 9 de mayo de 2010

DIOS BENDIGA A TODAS LAS MADRES DEL MUNDO, HOY SE CELEBRA EL DIA DE LA MADRE EN HONDURAS Y EL 10 DE MAYO EN MEXICO, MUCHAS BENDICIONES A TODAS EN TODAS PARTES

miércoles, 5 de mayo de 2010

MARIO QUINTERO


LOS VECINOS DE LA CUADRA


SANTO Y JHONY


PARA DESCANSAR EL ALMA


MANUEL DE FALLA

Manuel de Falla y Matheu (Cádiz, España, 23 de noviembre de 1876 - Alta Gracia, Argentina, 14 de noviembre de 1946) fue un compositor romántico español. Con Isaac Albéniz y Enrique Granados, es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España.

En 1900 compuso Canción para piano y algunas piezas vocales y para piano. Estrenó Serenata andaluza y Vals-Capricho para piano en el Ateneo de Madrid. Debido a la precaria situación económica de la familia, comenzó a impartir clases de piano. Realizó sus primeras obras de zarzuela, como La Juana y la Petra o La casa de tócame Roque.

En 1901 conoció a Felip Pedrell, quien tendría notable influencia en su posterior carrera ya que despertó en él el interés por el flamenco y, en especial, por el cante jondo. Compuso obras como Cortejo de gnomos y Serenata, ambas para piano y tras componer algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés y Limosna de amor.

El 12 de abril de 1902 estrenó, en el Teatro Cómico de Madrid, Los amores de la Inés y ese mismo año conoció a Joaquín Turina y la Sociedad de Autores publicó Vals-Capricho y Serenata andaluza. Al año siguiente compuso y presentó Allegro de concierto al concurso convocado por el Conservatorio de Madrid, que finalmente ganó Enrique Granados y la Sociedad de Autores publicó las obras Tus ojillos negros y Nocturno. Ese mismo año, comenzó su colaboración con Amadeo Vives las zarzuelas Prisionero de guerra, El cornetín de órdenes y La cruz de Malta, de las que sólo se conservan algunos fragmentos.

Los años de estudio en la capital española culminaron con la composición, en 1904, de la ópera La vida breve, en colaboración con Carlos Fernández Shaw, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, no en Madrid sino en Niza (Francia). Dado de que no conocía todavía Granada, la ciudad en la que se ambienta esta ópera, Falla pidió información a su amigo Antonio Arango. De esta época son los Cantares de Nochebuena.

En abril de 1905 obtuvo el premio de piano convocado por la firma Ortiz y Cussó. El 15 de mayo de ese año estrenó en el Ateneo de Madrid la obra Allegro de concierto. El 13 de noviembre la Academia de Bellas Artes otorgó el premio de su concurso a La vida breve.

martes, 4 de mayo de 2010

DUKAS


ENRIQUE GRANADOS

Enrique Granados y Campiña (Lérida, España, 27 de julio de 1867 - Canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916), compositor y pianista español. Por el carácter de su obra y por la época en que vivió es tenido como uno de los músicos nacionales españoles. Suele encuadrársele también en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg.

Hijo de padre cubano y madre gallega, cursó estudios de piano con Juan Baptista Pujol y de composición con Felipe Pedrell, en Barcelona, donde en 1883 ganó un primer premio de interpretación tocando la Sonata en sol menor de Schumann.

En 1887 se trasladó a París para estudiar allí con el pianista Charles de Beriot; tuvo así ocasión de consolidar su amistad con Albéniz, que había sido condiscípulo suyo en Barcelona, y de entablarla con los músicos franceses más representativos del momento, como Fauré, Debussy, Ravel, Dukas, D’Indy y Saint-Saëns.

A los 22 años, en 1889, regresó a Barcelona y, tras un brillante concierto, sentó su fama de virtuoso pianista, y enseguida, interpretando sus propias obras, también de compositor. Pero el gran reconocimiento de su talento musical llegaría como consecuencia del estreno en Madrid, en 1898, de su ópera María del Carmen, por lo que la reina María Cristina le otorgó la Cruz de Carlos III.

En 1900 fundó en Barcelona la Sociedad de Conciertos Clásicos, y un año después, la Academia Granados destinada a la enseñanza del arte pianístico.

Hito culminante de su obra para piano es la suite Goyescas, inspirada en algunos cuadros de Goya y estrenada en Barcelona el 11 de marzo de 1911. En 1916 había quedado adaptada y transformada en la ópera Goyescas. Ese mismo año se presentó la obra en la Ópera del Metropolitan de Nueva York. Para tal acontecimiento, Granados y su esposa Amparo se desplazaron a Estados Unidos, donde el compositor tuvo ocasión de ofrecer un recital en la Casa Blanca ante el presidente Wilson.

De regreso a Barcelona vía Londres, el barco en que viajaban, el vapor británico Sussex, fue torpedeado el 24 de marzo de 1916 por el submarino alemán SM UB 29, que aparentemente lo confundió con un barco minador cuando atravesaba el Canal de la Mancha . A pesar del caos reinante, Granados consiguió en un primer momento ponerse a salvo en uno de los botes salvavidas del Sussex. Sin embargo, pocos minutos después divisó a su esposa entre las olas a cierta distancia del bote, y saltó al agua en un intento desesperado por salvarla. Desgraciadamente su sacrificio fue inútil, y ambos perecieron ahogados.

En 2010 se encuentra el primer concierto para piano y orquesta del compositor rescatado por el director de orquesta Melani Mestre

FRANCK

César-Auguste-Jean-Guillaume-Hubert Franck (Lieja, 10 de diciembre de 1822 – París, 8 de noviembre de 1890). Compositor y organista francés de origen belga.

El conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, por lo que tuvo que solicitar la nacionalidad francesa. Durante la espera, César estuvo bajo la tutela de dos excelentes profesores, Zimmermann y Reicha, los cuales le auguraron un gran futuro. Obtenida la nacionalidad, César ingresó en el Conservatorio de París el 4 de octubre de 1837, a los catorce años. Concienzudo y minucioso, supo obtener un galardón cada año.
Los éxitos le abrieron nuevos horizontes, permitiéndole dar nuevos conciertos. A partir de ese momento, su padre se convirtió en su empresario, obligándole a componer una obra tras otra que le permitiesen actuar en público. De 1837 a 1844 la historia de César Franck es la de las decisiones tomadas por su progenitor, quien logró introducirlo en los salones de los constructores de pianos Pape y Erard y en diversos círculos privados. Nicolas Joseph llegaría al extremo de sacar a sus hijos del conservatorio, donde, en su opinión, perdían el tiempo.
En 1846, y con 24 años, César Franck, que hasta entonces se había sometido sin oposición alguna a los deseos de su padre, se rebela de pronto contra él. Desde hacía dos meses el joven compositor daba clases en un pensionado de París. Entre sus alumnas había una que atraía visiblemente su interés: Eugénie-Félicité Jaillot-Desmousseaux, hija de unos actores de la Comédie Française.
César discute violentamente con su padre y abandona el hogar familiar para instalarse en la rue Blanche, muy cerca de los Desmousseaux. Contra la voluntad paterna, el 22 de febrero de 1848 César Franck contrae matrimonio con Félicité; para llegar a la iglesia, los novios tienen que sortear las barricadas que la revolución había levantado en París.
Comienzan así los años oscuros. Durante veinte años, el músico llevaría una vida de pequeño burgués en la que los problemas del vivir cotidiano eran los únicos acontecimientos. Cada año, cinco o seis conciertos en Orleans como «pianista acompañante» servían para apuntalar su precaria economía. Era una existencia ahogada entre el peso de la lucha incesante por sobrevivir y la dedicación a la familia: cuatro hijos nacidos entre 1848 y 1853, dos de los cuales morirían a temprana edad. Fue la de César Franck durante esos años una vida apagada y sin brillo, en la que compuso muy pocas obras y, prácticamente, ninguna de especial importancia.
Un inesperado acontecimiento iba a transfigurar esa vida gris. En 1853, su amigo el abbé Dancel le ofrece el puesto de organista en su iglesia de Saint-Jean y Saint-François du Marais y pone a su disposición un excelente y moderno órgano, uno de los primeros instrumento construidos por Cavaillé-Coll.

Iglesia de Santa Clotilde, donde Franck fue organista 42 años.En 1858 Franck cambia de destino, convirtiéndose en organista de la iglesia de Sainte-Clotilde, dotada también de un magnífico Cavaillé-Coll. Franck se sentaría ante este instrumento excepcional hasta el fin de sus días. En él interpretaría, el 17 de noviembre de 1864, su compendio de Seis piezas para órgano, obra que significó el despertar de la música organística en Francia.

SAINT SAENS


Charles Camille Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835 — Argel, 16 de diciembre de 1921) fue un director y compositor francés de música académica.

Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Fauré y Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa—. Puede considerársele como un jalón esencial de la renovación que condujo a Debussy y a Ravel.

Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, entreteniéndose en discusiones con los mejores científicos europeos y escribiendo doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y proyectaba sus conciertos para que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica (Problemas y misterios), un volumen de poesía (Rimes familières) y la comedia (La crampe des écrivains), que tuvo un gran éxito.

Su extensa obra —compuso más de 400 abordando casi todos géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere demasiado académica (en Francia sobre todo). Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.

Aunque vivió casi siempre en París, se consideraba hijo adoptivo de Dieppe, una pequeña ciudad de la Alta Normandía, donde se instaló en 1888. Hoy día su legado se expone en el Château-Musée de dicha localidad, en una sala expresamente dedicada a él, el salón Saint-Saëns.

ANTONIN DVORAK


Antonín Leopold Dvořák , compositor checo (nació en Nelahozeves el 8 de septiembre de 1841 y falleció en Praga el 1 de mayo de 1904), posromántico y nacionalista; uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Sin perder una amplia proyección internacional, supo extraer las esencias de la música de su tierra: Bohemia.

Nació en Nelahozeves, pequeña población al norte de Praga, el 8 de septiembre de 1841. Su padre, Frantisek Dvorák, poseía un reducido establecimiento hotelero. En Zlonice recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín, el piano y el órgano. De 1857 a 1859 residió en Praga en casa de un tío suyo mientras estudiaba en la Escuela de Órgano de la ciudad. Cuando su tío no puede mantenerle por más tiempo pasó a integrarse en la orquestina de Karel Komzák como medio de ganarse la vida, adquiriendo cierta reputación como intérprete. En 1886 pasó a la orquesta del Teatro Nacional de Praga que dirigía Bedrich Smetana. En 1873 saltó a la fama con su composición “Himno Patriótico”, de hondo calado nacionalista, ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de “Danzas eslavas”. En el verano de 1874 obtuvo una beca del gobierno austriaco de 400 florines en mérito a las composiciones que presentó. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado “honoris causa” por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Tchaikovsky estuvo en San Petesburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Una etapa singular de su vida fue la que pasó en Estados Unidos, Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York le ofreció la dirección del centro, lo que le determinó a trasladarse allí en 1892. Bajo la influencia de los “espirituales negros” y de la música popular compuso la sinfonía nº 9 “del Nuevo Mundo” y el conocido “Cuarteto americano”. Regresó a su país en 1895 para hacerse cargo de la dirección del Conservatorio de Praga. Aquí murió de una congestión cerebral el 1 de mayo de 1904

LO MEJOR DE RUSIA


MELINA PINEDA

Melina Pineda, es una mezzosoprano hondureña, desde muy joven demostró su habilidad lírica, ganó una beca para continuar sus estudios en Estados Unidos, comenzó su carrera como soprano, luego pasó a ser mezzosoprano, ha cantado en Inglés, Español, Francés, Latín, Italiano.

Nació en Tegucigalpa, Honduras, el 21 de Febrero de 1973. Obtuvo su maestría en ópera en el año 1999 en The Boston Conservatory y luego fué seleccionada para formar parte del reconocido Boston University Opera Institute. En la temporada 2001 a 2002, Melina Pineda, hace su debut con la ópera Boston Lyric como Thibault en Don Carlo de Verdi, y en el Utah Festival Opera como Adah en Naughty Marietta de Victor Herbert.

Apareció como Rosina en Il Barbiere di Siviglia con la orquesta nacional sinfónica de Honduras y en el festival de música de verano cantó varios recitales, ella cantó una canción en español en un recital para la inauguración presidencial en 2002. Durante este tiempo conoció al que, cumplidos los 19, sería su primer esposo: Andrew Graham Stewart, que también ejercería de productor y manager por un tiempo.

Obtiene su bachiller en ciencias en negocios de administración, música en menor, en la university de Ozarks, en mayo de 1995.

Obtiene el grado de Máster en ópera “Summ Cumm Laude” en el conservatorio de Boston en mayo de 1999.

Ganó un Certificado en Performance, en el Instituto de ópera de la Universidad de Boston en el año 2002. Ganó otra beca, Anna Sosenko Performance Trust Grant en el año 2003.

Ha obtenido varios premios en diversos teatros y competencias de ópera, en estados como Massachusetts, Florida y paises, entre ellos Honduras. Ha realizado muchas presentaciones en Honduras y en naciones vecinas.

Sus maestros de voz fueron Marlena Malas, Steven Smith y Sharon Daniels. Inicialmente comenzó siendo soprano, en la actualidad es mezzosoprano.

Sus entrenadores de voz han sido: Craig Rutenberg, Stephen Steiner, Scott Gilmore, Allison Voth, Michael Strauss, Ken Merrill, Carrie-Ann Matheson, Deborah Birnbaum, Kathy Kelly.

Ha tenido como Conductores a: Stewart Robertson, Richard Buckley, Michael Stern, Stephen Lord, , Martin Perlman, Gerald Steichen, William Lumpkin.

Algunos de sus directores han sido: Renata Scotto, Renaud Doucet, Edward Berkeley, Janet Bookspan, Leon Major, Rhoda Levine, Francis Cullinan, Bill Fabris, Cecelia Schieve, Patricia-Maria Weinmann

ANGELA CARRASCO

Ángela Carrasco (nacida el 23 de enero del 1950 en Dajabón) es una cantante y actriz dominicana. Fue la cuarta de siete hermanos. Su padre, Blas Carrasco, era un guitarrista que había formado una academia de música, y su madre, Ángela, era cantante, aunque nunca pudo ejercer debido a la dedicación de su familia.

En su hogar la música era algo cotidiano y a los siete años hizo su primera incursión en el mundo de la publicidad, interpretando el tema de una bebida. Se presentó junto a su padre en un auditorio de su país interpretando un tema del compositor dominicano Salvador Sturla.

Su vida transcurrió llena de juegos, estudios y música. A los trece años, junto a sus hermanas, comenzó a impartir clases de guitarra en la escuela de música Salvador Sturla, de la cual su padre era director y propietario. A los 15 años, se convirtió en presentadora en un programa de televisión llamado Órbita y se destacó en el programa Cascada de Éxitos. En este período tuvo una participación activa en la farándula dominicana y posteriormente logró obtener una beca de estudios y se marchó a España.

Artista consagrada ha actuado en los escenarios más prestigiosos del mundo. Su carrera arranca en España con el Teatro musical, y posteriormente siembra éxitos en EEUU y en toda Latinoamérica compartiendo la escena con importantes artistas del panorama internacional, en sus más de 30 años de carrera y con una veintena de discos grabados, ha llegado a ganar diversos premios de la música en el mundo. Se hizo popular en los 70's, 80's y parte de los 90's. En septiembre de 2006 durante cuatro días, celebró su espectáculo en el Teatro Reina Victoria de Madrid y con gran éxito de público "A Viva Voz 30 años de Música" llevando el show a varios teatros y Salas de España y América (groups.msn.com/AngelaCarrasco). Actualmente comparte su carrera artística con la dirección en Madrid del Centro ABC Estudio dentro de los estudios CATA y en esta nueva faceta de su vida, recupera su amor y devoción por el Teatro Musical apostando por los artistas de este género y proporcionándoles una completa formación.

PABLO ABRAIRA

Pablo Abraira (n. Madrid; 1 de julio de 1949), cantante español. Fue uno de los máximos exponentes de la canción melódica en España en los años setenta. Debutó en el mundo de la canción en los sesenta integrándose en el grupo Los Grimm, de música blues y en el que coincidió con Pedro Ruy Blas.

En 1976 el productor Álvaro Nieto le permite debutar como solista con la canción O tú o nada, de Rafael Pérez Botija, que se convierte en un auténtico éxito, alcanzando el número uno en las listas de ventas.

Un año después publica su primer LP 30 de febrero, en el que se incluye su canción más conocida Gavilán o paloma, cinco semanas en el número 1. En 1978 lanza Visiones, sin gran repercusión.

A finales de los setenta, optó por representar grandes musicales, como Lovy (1980), Evita (1982) (donde interpretó a Che Guevara en sustitución de Patxi Andión), la reposición de Jesucristo Superstar (1984) o La Magia de Broadway (1999).

ANAMELBA

MALCOLMS DODDS

JACKIE WILSON

DAVID GILMOUR

David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. En 1963 formó la banda Joker's Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto período. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

RAMONA GALARZA

Ramona Galarza (n. 1940), conocida como la novia del Paraná, es una conocida cantante de chamamé y música litoraleña, de Argentina. Grabó más de 30 álbumes originales y participó en 9 películas. Difundió e hizo populares varias canciones incorporadas al cancionero popular de la música litoraleña como su versión en guaraní de "Kilómetro 11", "Merceditas", "Pescador y guitarrero", "La vestido celeste", "Virgencita de Caacupé", entre otras.

lunes, 3 de mayo de 2010

JOE PASS

Joe Pass, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua (New Brunswick, Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), fue un gran guitarrista de jazz estadounidense. Caracterizado por su uso del walking bass, del contrapunto melódico en medio del curso de una improvisación y de un estilo melódico de acordes, se trata de uno de los más alabados guitarristas del jazz, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.

Este genial guitarrista se confesó siempre un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien le transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este maravilloso guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio discurso. Falleció en Los Ángeles, California en 1994.

JOHN BARRY

John Barry OBE (York, Yorkshire, 3 de noviembre de 1933) es un compositor británico de música de cine.

Nació en York, Yorkshire, Gran Bretaña el 3 de noviembre de 1933. El Jazz ha influido en sus primeras composiciones y se refleja perfectamente también en su primer grupo, The John Barry Seven.

La familia de Barry ha estado involucrada en el negocio del Cine, pero fue durante su Servicio Nacional que empezó a desempeñarse como músico, después de tomar un curso de correspondencia (con el compositor de Jazz, Bill Russo) y trabajar como arreglista para varias de las bandas musicales de aquel entonces, el formo su propio grupo The John Barry Seven, fue ahí en donde conoció al compositor Adam Faith, y junto a ellos compuso canciones y piezas para varios filmes.

Estos logros captarón la atención de los productores del filme Dr. No, Albert R Broccolli y Harry Saltzman quienes mostraban un disgusto por la partitura escrita por el compositor Monty Norman. Por lo que ellos despidierón a Norman y le encomendarón a Barry componer el resto de la partitura del filme, aparte de arreglar y hacerle modificaciones importantes al tema principal lo cual resultaría en la creación del Tema de James Bond.

Barry es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los Instrumentos de Viento-Metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador siendo de los primeros en utilizar Sintetizadores en una partitura fílmica (On Her Majesty's Secret Service). La orquestación de Barry combina la sección de las trompetas con la de las cuerdas creando un sonido fácilmente reconocible. La música de Barry normalmente realza la respuesta del publico hacia un filme como más notablemente se puede ver en "Midnight Cowboy", "Out of Africa", y "Dances with Wolves."

No sólo ha compuesto música para el cine, ya que su colaboración con la televisión ha sido enorme, tanto en películas como series televisivas. Uno de estas es el tema que el creo para la serie televisiva, The Persuaders en la cual el tema se caracterizo por el uso del Sintetizador Moog como un arreglo importante.

Barry ha escrito también la música para varios musicales entre los que se encuentra el exitoso West End, The Little Prince And The Aviator y Lolita, My Love, todos ellos teniendo a Alan Jay Lerner como letrista. urante el 2006; Barry fue el Productor Ejecutivo del álbum, Here's to the Heroes del grupo Australiano The Ten Tenors, el Album presenta varias canciones las cuales fueron escritas en colaboración con su Letrista habitual y amigo Don Black. John Barry fue inducido en 1998 al Songwriters Hall of Fameno

De 7 candidaturas a los Óscar, ha ganado 5 estatuillas: Nacida libre (1966), por la que ganó el premio en las categorías de Mejor banda sonora y Mejor canción; El león en invierno (1968); Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990

CHRISS NORMAN

Chris Norman (nacido Christopher Ward Norman, 25 de octubre de 1950, en Redcar, North Yorkshire) es un cantante de Soft Rock inglés. Ha realizado 10 trabajos con el grupo inglés de estilo Glam Rock Smokie, del cual fue miembro fundador, y más de 20 de solista.

A pesar de que sus padres no pretendieron que comenzase una carrera musical, cuando tan sólo tenía tres años, dio al salto al escenario y se unió a la formación del show en que trabajaban sus padres. Este hecho pudo haber tenido un efecto en él, puesto que con siete años tuvo su primera guitarra. Sus primeras influencias musicales fueron tales como Elvis Presley, Little Richard y Lonnie Donegan.

Durante su infancia, los padres de Norman se desplazaron a menudo por el país haciendo que viviese en varias ciudades inglesas tales como Redcar, Luton, Kimpton y Nottingham y se viese obligado a cambiar hasta nueve veces de escuela. En 1962, sin embargo, su familia se estableció en Bradford, ciudad natal de su madre. Aún sin haber cumplido los doce años, Norman comenzó a ir a la escuela St. Bede's Grammar School, lugar en que conoció a Alan Silson y Terry Uttley, quienes serían años más tarde miembros de la banda musical Smokie.

En su adolescencia estuvo influenciado por bandas pertenecientes a un emergente estilo musical, el beat, tales como The Beatles y los Rolling Stones, y por el cantante de folk Bob Dylan. Norman y Silson comenzaron a quedar y pasaban casi todo su tiempo libre aprendiendo a tocar nuevas canciones con sus guitarras. Consiguieron persuadir a Uttley junto a un amigo batería llamado Ron Kelly para que se uniesen a ellos para formar su primera banda de música. Yen, Essence y Long Side Down fueron algunos de los nombres utilizados en sus primeros años antes de establecerse como “The Elizabethans”.

En 1968 “The Elizabethans” fueron consolidándose gracias a pasar una temporada en el campamento de verano Butlins en Skegness. Otro cambio de nombre para la banda de Norman era inevitable, mas durante los siguientes siete años, él y su banda adquirieron mucha experiencia en diferentes tours por todo el país. Interpretaron varias canciones en vivo en algunas emisoras de radio, incluyendo Radio 1 Roadshows. Además, obtuvieron un contrato con RCA, y más tarde con Decca Records, lanzando tres singles bajo su nuevo nombre “Kindness”. Los lugares en donde tocaron y el estilo musical fueron variopintos, siendo éste último fruto de mezcla de estilos de grupos de aquella época como Small Faces y Free entre otros. Cabe destacar que siguieron teniendo como referente a The Beatles. En 1973 Ron Kelly abandonó el grupo a la vez que contactaron con un viejo amigo, Pete Spencer, para ocupar la vacante de batería, con lo que el grupo se estableció como Smokye, pasando a ser poco tiempo después, Smokie debido a que el cantante de soul y R&B Smokey Robinson amenazó con demandarlos alegando que el nombre de la banda podría confundir a la audiencia.

En aquel mismo año el grupo contrató a su nuevo manager Bill Hurley. Hurley hizo que el grupo terminase el contrato que mantenía con Decca Records, pasando a ser su nueva compañía discográfica RAK de Mickie Most, y cuyos compositores eran Nicky Chinn y Mike Chapman. Ya en 1974 habían desarrollado su propio estilo mostrando un estrecho coro a tres voces y la distintiva voz de Norman. Su primer álbum como Smokie fue Pass it Around, lanzado en 1975.

BARRY MANN

JOVITA DIAZ


LOS JOAO


GABY ZEVALLOS


CLAUDIA DE COLOMBIA

Gladis Caldas Méndez, más conocida como Claudia de Colombia (Bogotá, 21 de enero de 1950) es una cantante colombiana  se inició muy temprano en el campo artístico. En su adolescencia formó parte de El Club Del Clan, al lado de figuras como Emilce, Maryluz, Billy Pontoni, Óscar Golden y Vicky. Se trataba de un programa musical juvenil de los años 1960 en Colombia.

En el umbral de los años 70 comienza su carrera como cantante profesional, grabando en 1970 su primer trabajo discográfico; por otra parte, Claudia de Colombia ha incursionado también en la actuación. Su carrera más productiva fue en los años 1970 y 1980, siendo la primera artista colombiana en tener éxito en el exterior cantando música popular. Actualmente, tras incursionar en el cine, está retirada de los escenarios.

Los triunfos, que han sido bastantes, la han llevado a llenar escenarios tan dispares como el Teatro Teresa Carreño de Caracas, el Madison Square Garden de Nueva York, así como grandes estadios de Argentina, Ecuador, México, Panamá y Colombia. Se dice que es la cantante colombíana que más discos ha vendido y aun sigue vendiendo.

En los años 70 su fama traspasó fronteras cuando reclamó en Venezuela al presidente de aquel entonces "Mire presidente, va siendo hora de que los venezolanos nos devuelvan el islote de Los Monjes...". Hecho que la consolidó como una mujer de caracter sin par

BANDA TORO


PETE SEEGER

STEWART COPELAND

Stewart Copeland es músico y compositor. Considerado como uno de los mejores bateristas de rock de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Su manera de ejecución hacia el instrumento habría de influir de bateristas como Chad Smith entre otros. Nació el 16 de julio de 1952 en Alexandria, Virginia (Estados Unidos), hijo de un ex agente de la CIA. Junto a Sting en bajo y Andy Summers, guitarra, crearon el grupo The Police del cual fue primer líder y compositor. Alternativamente a su estancia en The Police editó varios Ep´s bajo el seudónimo Klark Kent, y posteriormente a Police formó parte de conjuntos como "Animal Logic" o el más reciente "Oysterhead", junto al bajista y cantante de "Primus", Les Claypool y el guitarrista y cantante de "Phish", Trey Anastasio.

TINA CHARLES

Tina Charles (nacida el 10 de marzo, 1954, Whitechapel, Londres, Reino Unido) es una cantante de música disco que alcanzó su mayor nivel de popularidad en los años 1970s

Tina comenzó su carrera como vocalista de coros y grabó su primer single en solitario en 1969, con un entonces desconocido Elton John, realizando los coros. En 1971 grabó un disco llamado "Joe" (sobre un perrito).

Realizó los principales coros para el éxito de la música disco "I'm on fire", en 1975. Aunque no era públicamente reconocida como miembro del grupo, se opinó que poseía una mejor voz que la cantante oficial del grupo. Esta canción alcanzó el número 4 en el Reino Unido, y el número 26 en los Estados Unidos, y cuando trascendió el hecho de que los vocales los realizaba ella, su carrera como cantante solista despegó.

El gran hit de Tina Charles llegaría en 1975, cuando el compositor y productor musical de origen angloindio Biddu, que acababa de lograr un éxito internacional como autor de "Kung Fu Fighting" para Carl Douglas, produjera para ella el single "I Love To Love". Éste permaneció durante 3 semanas número uno en la lista de singles del Reino Unido en febrero de 1976 y fue un éxito en muchos otros países. Continuó sacando singles número uno, como "Love Me Like A Lover", "Dance Little Lady Dance", "Dr Love", "Rendezvous" and "Love Bug", que la convirtieron en una estrella en Europa, Asia, Australia y Nueva Zelanda, pero nunca consiguió el éxito en los Estados Unidos.

Sobre 1979, su carrera comenzaba a declinar, y la música disco iba perdiendo el favor del público. Tina se casó y tuvo un hijo, y se dedicó durante unos años a su familia, lo que provocó que su carrera musical llegara a su fin. A mediados de 1980, intentó volver al panorama musical, pero no tuvo mucho éxito. Desde el año 2000, Tina ha actuado por Europa, donde la música disco y sus grandes éxitos han vuelto a la escena, y se ha convertido en una intérprete muy popular.

ANDREW LLOYD WEBBER

Andrew Lloyd Webber, Barón de Sydmonton, compositor británico (South Kensington, Londres, 22 de marzo de 1948) es uno de los compositores teatrales más renombrados de finales del siglo XX con obras que se han mantenido con gran éxito tanto en Broadway como en el West End londinense.

Ha producido 16 musicales, dos bandas sonoras y una misa de Réquiem en latín. Ha acumulado gran cantidad de premios, entre los que destacan tres Premios Tony, tres Premios Grammy, un Óscar, un Emmy Internacional, seis Premios Olivier y un Globo de Oro. Su compañía, Really Useful Group, es una de las más importantes de Londres. Algunas de las canciones de sus obras del teatro, como Don't Cry For Me, Argentina (de Evita) y Pie Jesu (de su Requiem Mass) han tenido éxito en Europa y América fuera de las representaciones teatrales y han sido cantadas por muchos artistas.

JAY AND THE AMERICANS