martes, 21 de diciembre de 2010
domingo, 12 de diciembre de 2010
CADILLAC
Los fundadores del grupo fueron: José María Guzmán (guitarra y voz) y Eduardo Ramírez (bajo y voz) que, junto al productor Juan Velón de Francisco, decidieron hacer un grupo de voces.
Estos dos músicos eran especialistas en coros de grabación y como se veían contínuamente en ellas les gustó su forma de cantar juntos y comenzó la idea. Más tarde incorporaron a Pedro Sanchez (teclista y voz), que también era cantante y técnico de sonido, y al juntarse los tres es cuando se hizo la fusión de esas voces tan especiales. Por último contactaron con Javier de Juan (batería) y así surgió el cuarteto original.
José María Guzmán, procedía de otro grupo exitoso de los setenta, Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. La idea que trascendía era la creación de una banda que contrarrestase la estética y los ritmos de la entonces pujante Movida madrileña, mediante una presentación elegante y cuidada que hacía suyos ciertos elementos de la canción melódica de la década precedente.
En 1981 publican su primer álbum Pensando en ti, bien recibido por la crítica, aunque no por el público. Un año más tarde, Javier de Juan abandona el grupo para fundar La Década Prodigiosa, al tiempo que era fichado el batería Daniel Jacques, que permanece dos años. Dos años más tarde se produce el siguiente relevo entre los miembros de la formación. Eduardo Ramírez, que no estaba de acuerdo con la política de la casa de discos, decidió irse y en su lugar entraron Pepe Marchante como guitarra y voz y un bajista para suplir a Eduardo.
Su siguiente trabajo, Llegas de madrugada, no tuvo tanto éxito pero tenía más calidad. Y el siguiente Un día más, con el que se intentaba un remontada del grupo, tampoco tuvo éxito (discográfico) pero si de galas. Hay que resaltar que estos dos discos los hicieron José María Guzmán, Eduardo Ramírez, Pedro Sanchez y Daniel Jacques.
Su cuarto disco Funkyllac, editado en 1984 fue la ruptura definitiva con su casa discográfica. En 1984, su LP Funkyllac, que incluía nuevos ritmos funkys, gozó del favor del público, especialmente gracias al tema Arturo.
Dos años más tarde fueron seleccionados para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión 1986, con la canción Valentino, alcanzando el puesto 10.
Tras ese discreto resultado y la salida de Marchante, el grupo terminaría finalmente disolviéndose.
En el año 2000 Jose María Guzmán decide refundar el grupo, estando solo él como componente original, para actuar en la gira Leyendas del pop.
Hasta la actualidad sus miembros mantienen proyectos por separado: Guzmán ha creado su propia discográfica (Cadillac Music) con la que en ha lanzado Bienvenido al club (2004) y 29 de febrero (2009) (disponibles a través de su web) y se han juntado de nuevo para editar un grandes éxitos (Cadillac: 25 años), con arreglos nuevos (no remasterizados) y con dos temas nuevos.
Estos dos músicos eran especialistas en coros de grabación y como se veían contínuamente en ellas les gustó su forma de cantar juntos y comenzó la idea. Más tarde incorporaron a Pedro Sanchez (teclista y voz), que también era cantante y técnico de sonido, y al juntarse los tres es cuando se hizo la fusión de esas voces tan especiales. Por último contactaron con Javier de Juan (batería) y así surgió el cuarteto original.
José María Guzmán, procedía de otro grupo exitoso de los setenta, Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. La idea que trascendía era la creación de una banda que contrarrestase la estética y los ritmos de la entonces pujante Movida madrileña, mediante una presentación elegante y cuidada que hacía suyos ciertos elementos de la canción melódica de la década precedente.
En 1981 publican su primer álbum Pensando en ti, bien recibido por la crítica, aunque no por el público. Un año más tarde, Javier de Juan abandona el grupo para fundar La Década Prodigiosa, al tiempo que era fichado el batería Daniel Jacques, que permanece dos años. Dos años más tarde se produce el siguiente relevo entre los miembros de la formación. Eduardo Ramírez, que no estaba de acuerdo con la política de la casa de discos, decidió irse y en su lugar entraron Pepe Marchante como guitarra y voz y un bajista para suplir a Eduardo.
Su siguiente trabajo, Llegas de madrugada, no tuvo tanto éxito pero tenía más calidad. Y el siguiente Un día más, con el que se intentaba un remontada del grupo, tampoco tuvo éxito (discográfico) pero si de galas. Hay que resaltar que estos dos discos los hicieron José María Guzmán, Eduardo Ramírez, Pedro Sanchez y Daniel Jacques.
Su cuarto disco Funkyllac, editado en 1984 fue la ruptura definitiva con su casa discográfica. En 1984, su LP Funkyllac, que incluía nuevos ritmos funkys, gozó del favor del público, especialmente gracias al tema Arturo.
Dos años más tarde fueron seleccionados para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión 1986, con la canción Valentino, alcanzando el puesto 10.
Tras ese discreto resultado y la salida de Marchante, el grupo terminaría finalmente disolviéndose.
En el año 2000 Jose María Guzmán decide refundar el grupo, estando solo él como componente original, para actuar en la gira Leyendas del pop.
Hasta la actualidad sus miembros mantienen proyectos por separado: Guzmán ha creado su propia discográfica (Cadillac Music) con la que en ha lanzado Bienvenido al club (2004) y 29 de febrero (2009) (disponibles a través de su web) y se han juntado de nuevo para editar un grandes éxitos (Cadillac: 25 años), con arreglos nuevos (no remasterizados) y con dos temas nuevos.
sábado, 11 de diciembre de 2010
GIUSEPPE TARTINI
Giuseppe Tartini (8 de abril de 1692 – 26 de febrero de 1770) fue un compositor y violinista italiano del Barroco.
Tartini nació en Piran, una ciudad en la península de Istria, en la República veneciana (ahora Piran, Eslovenia), su padre era italiano y su madre eslovena.
Al parecer los padres de Tartini tenían proyectado que fuese sacerdote, y en este camino recibió un entrenamiento musical básico. Estudió leyes en la Universidad de Padua, donde logró maestría en el arte de la esgrima. Después de la muerte de su padre en 1710, se casó con Elisabetta Premazore, una mujer que su padre desaprobaba debido a su baja clase social y a la diferencia de edad.
Tartini.Desafortunadamente, Elisabetta era la favorita del poderoso Cardenal Cornaro, quien acusó a Tartini de abducción. Tartini decidió ir al Convento de San Francisco en Asís, donde él podría escapar del procesamiento; mientras, allí aprendió a tocar el violín.
Es una leyenda que cuando Giuseppe Tartini escuchó a Francesco Maria Veracini en 1712 en Venecia, quedó tan impresionado con él -y tan insatisfecho con su propia habilidad- que huyó a Ancona y se encerró en un cuarto a practicar.
La habilidad de Tartini mejoró enormemente y en 1721 fue designado maestro de capilla en Il Santo en Padua, con un contacto que le permitió tocar para otras instituciones que él quería.
En 1726, Tartini inició una escuela de violín que atrajo a estudiantes desde toda Europa. Tartini se fue interesando gradualmente por la teoría de la armonía y la acústica, y desde 1750 hasta el final de su vida publicó varios tratados.
Tartini nació en Piran, una ciudad en la península de Istria, en la República veneciana (ahora Piran, Eslovenia), su padre era italiano y su madre eslovena.
Al parecer los padres de Tartini tenían proyectado que fuese sacerdote, y en este camino recibió un entrenamiento musical básico. Estudió leyes en la Universidad de Padua, donde logró maestría en el arte de la esgrima. Después de la muerte de su padre en 1710, se casó con Elisabetta Premazore, una mujer que su padre desaprobaba debido a su baja clase social y a la diferencia de edad.
Tartini.Desafortunadamente, Elisabetta era la favorita del poderoso Cardenal Cornaro, quien acusó a Tartini de abducción. Tartini decidió ir al Convento de San Francisco en Asís, donde él podría escapar del procesamiento; mientras, allí aprendió a tocar el violín.
Es una leyenda que cuando Giuseppe Tartini escuchó a Francesco Maria Veracini en 1712 en Venecia, quedó tan impresionado con él -y tan insatisfecho con su propia habilidad- que huyó a Ancona y se encerró en un cuarto a practicar.
La habilidad de Tartini mejoró enormemente y en 1721 fue designado maestro de capilla en Il Santo en Padua, con un contacto que le permitió tocar para otras instituciones que él quería.
En 1726, Tartini inició una escuela de violín que atrajo a estudiantes desde toda Europa. Tartini se fue interesando gradualmente por la teoría de la armonía y la acústica, y desde 1750 hasta el final de su vida publicó varios tratados.
FRANCESCO MARIA VERACINI
Francesco Maria Veracini (Florencia, 1 de febrero de [1690] - Florencia, 31 de octubre de 1768) fue un compositor y violinista italiano del Barroco, famoso por sus sonatas para violín.
Perteneció a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia, su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín, interpretando ambos en público. Sin embargo, su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música, pues era farmacéutico.
En 1711 se traslada a Venecia donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini.
Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini, quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona, donde se encerró en un cuarto a practicar.
En 1714 Veracini fue a Londres, donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster.
Después de una temporada en Düsseldorf, regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde.
Perteneció a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia, su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín, interpretando ambos en público. Sin embargo, su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música, pues era farmacéutico.
En 1711 se traslada a Venecia donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini.
Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini, quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona, donde se encerró en un cuarto a practicar.
En 1714 Veracini fue a Londres, donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster.
Después de una temporada en Düsseldorf, regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde.
LA TONADILLA
Tonadilla es una canción tradicional española que nace de las jácaras del Siglo de Oro español. Las jácaras eran canciones de origen árabe, que se acompañaban con instrumentos y se interpretaban en los entreactos de una función de teatro, alternando con números de baile. La letra de las jácaras solía ser sobre temas de pícaros y sus aventuras y el lenguaje empleado era vulgar.
Es una obra escénica, generalmente corta, humorística y satírica con argumento basado en costumbres típicas españolas que se representaba en los siglos XVIII y XIX durante los intermedios de las comedias.
Se trata de un género exclusivamente español. La parte musical era muy importante, aunque se alternaban textos cantados y recitados. El número de personajes oscilaba entre uno y seis. El compositor solía inspirarse en temas folklóricos muchas veces de origen andaluz.
La tonadilla escenica se caracteriza por su carga de españolismo frente a otras expresiones musicales con influencia extranjera y supone un espectáculo teatral de una duración de 20 minutos. Las normas para su duración fueron expresamente indicadas por el literato y político español del siglo XVIII, Jovellanos, con motivo del concurso abierto para premiar nuevas tonadillas que tuvo lugar el 2 de diciembre de 1791.
El creador de la tonadilla escénica es el músico español (flautista y oboista), nacido en Mataró en 1727, Luis de Misón; su estreno en este género fue en 1757 con la obra titulada Una mesonera y un arriero. Su obra fue extensa y se conservan algunas, 7 de ellas en la Biblioteca Nacional de España y 100 catalogadas en la Biblioteca Municipal de Madrid.
Otro compositor que abordó este género fue Manuel García celebre también en su faceta de intérprete.
En total se conservan catalogadas 2.000 tonadillas. El musicólogo José Subirá las estudió, catalogó y sacó del olvido. Entre los autores de las letras están los ilustres escritores don Ramón de la Cruz y Tomás de Iriarte.
Los intérpretes fueron llamados tonadilleros y tonadilleras, nombre éste que se dio después a las cupletistas del siglo XX. Fueron famosas Catalina Pacheco, María la Granadina, María del Rosario Fernández, alias La Tirana y María Antonia Vallejo, alias La Caramba.
Las tonadillas dieciochescas más famosas fueron:
La calle de Sal si puedes, con letra de don Ramón de la Cruz y música de Luis Misón, estrenada en 1772
El campo de la Manuela
Las maravillas
El Rastro
La Fuente de la Teja
[editar] Tonadillas y Tiranas
Durante la segunda mitad del siglo XVIII se pusieron de moda cierta clase de canciones y bailes, cuyos temas eran de asunto palatino, sentenciosos, amorosos y costumbristas. Eran tonadillas llamadas tiranas por las palabras Ay Tirana, ay Tirana, con que empezaba la canción. Estaban compuestas en coplas octosílabas de cuatro versos asonantes, con unos estribillos muy peculiares.
Hacia 1820, la mayoría de los autores de tonadillas habían muerto sin descendencia artística. En estos años desaparece la tonadilla como género teatral y lírico y es sustituida por la ópera italiana que viene a monopolizar el teatro durante cerca de medio siglo. Sin embargo la tonadilla como canción o como cuplé resiste, favorecida en gran medida por la Corte.
Es una obra escénica, generalmente corta, humorística y satírica con argumento basado en costumbres típicas españolas que se representaba en los siglos XVIII y XIX durante los intermedios de las comedias.
Se trata de un género exclusivamente español. La parte musical era muy importante, aunque se alternaban textos cantados y recitados. El número de personajes oscilaba entre uno y seis. El compositor solía inspirarse en temas folklóricos muchas veces de origen andaluz.
La tonadilla escenica se caracteriza por su carga de españolismo frente a otras expresiones musicales con influencia extranjera y supone un espectáculo teatral de una duración de 20 minutos. Las normas para su duración fueron expresamente indicadas por el literato y político español del siglo XVIII, Jovellanos, con motivo del concurso abierto para premiar nuevas tonadillas que tuvo lugar el 2 de diciembre de 1791.
El creador de la tonadilla escénica es el músico español (flautista y oboista), nacido en Mataró en 1727, Luis de Misón; su estreno en este género fue en 1757 con la obra titulada Una mesonera y un arriero. Su obra fue extensa y se conservan algunas, 7 de ellas en la Biblioteca Nacional de España y 100 catalogadas en la Biblioteca Municipal de Madrid.
Otro compositor que abordó este género fue Manuel García celebre también en su faceta de intérprete.
En total se conservan catalogadas 2.000 tonadillas. El musicólogo José Subirá las estudió, catalogó y sacó del olvido. Entre los autores de las letras están los ilustres escritores don Ramón de la Cruz y Tomás de Iriarte.
Los intérpretes fueron llamados tonadilleros y tonadilleras, nombre éste que se dio después a las cupletistas del siglo XX. Fueron famosas Catalina Pacheco, María la Granadina, María del Rosario Fernández, alias La Tirana y María Antonia Vallejo, alias La Caramba.
Las tonadillas dieciochescas más famosas fueron:
La calle de Sal si puedes, con letra de don Ramón de la Cruz y música de Luis Misón, estrenada en 1772
El campo de la Manuela
Las maravillas
El Rastro
La Fuente de la Teja
[editar] Tonadillas y Tiranas
Durante la segunda mitad del siglo XVIII se pusieron de moda cierta clase de canciones y bailes, cuyos temas eran de asunto palatino, sentenciosos, amorosos y costumbristas. Eran tonadillas llamadas tiranas por las palabras Ay Tirana, ay Tirana, con que empezaba la canción. Estaban compuestas en coplas octosílabas de cuatro versos asonantes, con unos estribillos muy peculiares.
Hacia 1820, la mayoría de los autores de tonadillas habían muerto sin descendencia artística. En estos años desaparece la tonadilla como género teatral y lírico y es sustituida por la ópera italiana que viene a monopolizar el teatro durante cerca de medio siglo. Sin embargo la tonadilla como canción o como cuplé resiste, favorecida en gran medida por la Corte.
Baldassare Galuppi
Baldassare Galuppi (18 de octubre de 1706 - 3 de enero de 1785) fue un compositor veneciano, famoso por sus óperas y principalmente por la Ópera bufa.
Nació en la isla de Burano en el lago de Venecia, por lo cual llegó a ser conocido como "Il Buranello". Su primer intento de ópera, La fede nell'incostanze ossia gli amici rivali (1722), fue un espectacular fracaso, siendo duramente siseado. Posteriormente estudió música con Antonio Lotti y, después de un breve periodo en Florencia trabajando como clavicordista, regresó a Venecia para intentar una vez más con la ópera. Esta vez, su ópera sería Dorinda (1729), la cual gozó de gran éxito y logró impulsar su carrera.
En 1740 fue designado director de música del Ospedale dei Mendicanti, trabajó en San Marco en Venecia desde 1748, siendo apuntado como maestro de capilla, considerado así como el mejor músico de la zona. La mayor parte de su vida la pasó en Venecia, aunque desde 1741 hasta 1743 permaneció en Londres y desde 1756 a 1768 viajó a San Petersburgo para ponerse a disposición de Catalina II de Rusia.
Su primera ópera bufa fue "L'Arcadia in Brenta (1749)". Esta también fue su primera colaboración con el libretista Carlo Goldoni, con el cual produjo después una serie de óperas. Estos trabajos fueron muy populares, particularmente "Il filosofo di campagna" (1754). El libreto de Goldoni, Il mondo della luna, fue posteriormente usado por un gran número de otros compositores, incluidos Joseph Haydn.
En 1759, estrenó en Turín su ópera seria La clemenza di Tito.
Nació en la isla de Burano en el lago de Venecia, por lo cual llegó a ser conocido como "Il Buranello". Su primer intento de ópera, La fede nell'incostanze ossia gli amici rivali (1722), fue un espectacular fracaso, siendo duramente siseado. Posteriormente estudió música con Antonio Lotti y, después de un breve periodo en Florencia trabajando como clavicordista, regresó a Venecia para intentar una vez más con la ópera. Esta vez, su ópera sería Dorinda (1729), la cual gozó de gran éxito y logró impulsar su carrera.
En 1740 fue designado director de música del Ospedale dei Mendicanti, trabajó en San Marco en Venecia desde 1748, siendo apuntado como maestro de capilla, considerado así como el mejor músico de la zona. La mayor parte de su vida la pasó en Venecia, aunque desde 1741 hasta 1743 permaneció en Londres y desde 1756 a 1768 viajó a San Petersburgo para ponerse a disposición de Catalina II de Rusia.
Su primera ópera bufa fue "L'Arcadia in Brenta (1749)". Esta también fue su primera colaboración con el libretista Carlo Goldoni, con el cual produjo después una serie de óperas. Estos trabajos fueron muy populares, particularmente "Il filosofo di campagna" (1754). El libreto de Goldoni, Il mondo della luna, fue posteriormente usado por un gran número de otros compositores, incluidos Joseph Haydn.
En 1759, estrenó en Turín su ópera seria La clemenza di Tito.
Giovanni Battista Pergolesi
Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
Pergolesi fue uno de los más importantes compositores de la "opera bufa" temprana (ópera cómica). Su ópera seria "Il prigioner superbo" incluye un segundo acto cómico, Intermezzo, la Serva Padrona , (La Campesina o La criada patrona) (1733) que se ha convertido en una pieza muy popular por derecho propio.
Entre otras obras operísticas se encuentran "La conversión y muerte de San Guillermo" (1731) , "El hermano enamorado" (1732), considerada su ópera más importante, Adriano en Siria (1734), "L'Olimpiade" (1735) e "Il Flaminio" (1735). Todas ellas estrenadas en Nápoles, salvo "L'Olimpiade" que lo fue en Roma.
Primer programa de La serva padrona.Pergolesi también escribió música sacra, incluyendo una Misa en Fa. Su obra de este estilo más conocida es, sin duda, su Stabat Mater, para soprano, contralto y orquesta. Fue elegida como reemplazo de la escrita por Alessandro Scarlatti para las representaciones del Viernes de Dolores, en Nápoles. La obra ha permanecido popular, convirtiéndose en la más editada e impresa del siglo XVIII, y arreglada o adaptada por un gran número de otros compositores, incluyendo a Johann Sebastian Bach, que la usó como base de su Salmo "Tilge, Höchster, meine Sünden", BWV 1083.
También compuso muchas obras seculares, incluyendo una sonata y un concierto para violín.
Un considerable número de obras atribuidas a Pergolesi han demostrado ser falsas; aparentemente otros autores menos conocidos de la Escuela Napolitana publicaban con mención de su nombre, por motivos meramente especulativos, o publicitarios. La mayoría de las piezas del ballet Pulcinella de Ígor Stravinski, quien ostensiblemente reescribió temas atribuidos a Pergolesi, se sabe hoy en día que corresponden a obras de otro origen. Los "Conciertos armónicos" fueron, por ejemplo, compuestos por Unico Wilhem van Wassenaer.
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años.
Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
Pergolesi fue uno de los más importantes compositores de la "opera bufa" temprana (ópera cómica). Su ópera seria "Il prigioner superbo" incluye un segundo acto cómico, Intermezzo, la Serva Padrona , (La Campesina o La criada patrona) (1733) que se ha convertido en una pieza muy popular por derecho propio.
Entre otras obras operísticas se encuentran "La conversión y muerte de San Guillermo" (1731) , "El hermano enamorado" (1732), considerada su ópera más importante, Adriano en Siria (1734), "L'Olimpiade" (1735) e "Il Flaminio" (1735). Todas ellas estrenadas en Nápoles, salvo "L'Olimpiade" que lo fue en Roma.
Primer programa de La serva padrona.Pergolesi también escribió música sacra, incluyendo una Misa en Fa. Su obra de este estilo más conocida es, sin duda, su Stabat Mater, para soprano, contralto y orquesta. Fue elegida como reemplazo de la escrita por Alessandro Scarlatti para las representaciones del Viernes de Dolores, en Nápoles. La obra ha permanecido popular, convirtiéndose en la más editada e impresa del siglo XVIII, y arreglada o adaptada por un gran número de otros compositores, incluyendo a Johann Sebastian Bach, que la usó como base de su Salmo "Tilge, Höchster, meine Sünden", BWV 1083.
También compuso muchas obras seculares, incluyendo una sonata y un concierto para violín.
Un considerable número de obras atribuidas a Pergolesi han demostrado ser falsas; aparentemente otros autores menos conocidos de la Escuela Napolitana publicaban con mención de su nombre, por motivos meramente especulativos, o publicitarios. La mayoría de las piezas del ballet Pulcinella de Ígor Stravinski, quien ostensiblemente reescribió temas atribuidos a Pergolesi, se sabe hoy en día que corresponden a obras de otro origen. Los "Conciertos armónicos" fueron, por ejemplo, compuestos por Unico Wilhem van Wassenaer.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)