lunes, 8 de noviembre de 2010
LOS DEL RIO
Los del Río es un dúo musical formado por Antonio Romero Monge y Rafael Ruiz Perdigones. Iniciaron su carrera musical en la década de los 60. Su mayor éxito llegó con "Macarena" entre los años 1995 y 1997, convirtiendose en el tercer sencillo y la primera canción en Español más vendido de la hístoria de la música a nivel mundial con más de 14 millones, según media traffic.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
Sin los esfuerzos de su primer productor comercial, Manuel Sánchez Pernía Los del Río, probablemente hubieran acabado como otro grupo de música popular más de los cientos que pueblan el panorama andaluz.
RITMO RANCIO
Deseamos presentar a ustedes un grupo de la madre patria: RITMO RANCIO con su estilo; digo yo entre la protesta, la historia y el reconocimiento a la musica, a la vida y a la realidad; pero vean ustedes como la toman, los invito a escuchar sus interpretaciones:
jueves, 4 de noviembre de 2010
ADESTES FIDELES
«Adeste fideles» (en español «Venid fieles todos») es un himno usado en la bendición durante la Navidad en Francia, España, Portugal e Inglaterra desde fines del siglo XVIII. Se cantaba en la misión portuguesa en Londres en 1797, por lo que todavía hoy es llamado en muchos países «El himno portugués» (Portuguese Hymn). Vincent Novello, organista de ese lugar, atribuyó la versión musical más popular a John Reading, quien fue organista en la Catedral de Winchester de 1675 a 1781, y posteriormente en la Universidad de Winchester. El himno en sí mismo ha sido atribuido a San Buenaventura, pero no se encuentra entre sus obras. Invita a los fieles a acudir a Belén a adorar al Salvador recién nacido.
Es probable que su autor sea el rey Juan IV de Portugal. «El Rey Músico» nació en 1604, fue un mecenas de la música, las artes y un sofisticado autor; mientras reinó poseía una de las mayores bibliotecas del mundo. La primera parte de su obra musical se publicó en 1649. Hizo construir una escuela de música en Vila Viçosa (Portugal) que «exportaba» músicos a España e Italia y fue allí, en su palacio, que se encontraron dos manuscritos de esta obra. Esos escritos (1640) son anteriores a la versión de 1760 hecha por Francis Wade. Entre sus escritos están la Defesa da Música Moderna (Lisboa, 1649) año en que el rey Juan IV luchó contra el Vaticano para conseguir que se aprobara la música instrumental en las iglesias. Otra famosa composición suya es la Crux fidelis, un trabajo que sique siendo popular en los servicios eclesiásticos.
miércoles, 3 de noviembre de 2010
lunes, 1 de noviembre de 2010
ANDRES SEGOVIA
Andrés Segovia Torres, I Marqués de Salobreña, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 - Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto.
Conoció la guitarra desde niño, en la ciudad de Linares, donde nació. Más tarde, criado en Granada en casa de unos tíos acomodados, aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco convertido en barbero. Ya en su adolescencia, cuando quiso encontrar un mejor maestro no lo logró, por lo que durante sus estudios de música en el Instituto de Música de Granada tuvo que continuar su aprendizaje de este instrumento de forma autodidacta.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
ISAAC ALBENIZ
Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (Camprodón, España; 29 de mayo de 1860 – Cambo-les-Bains, Francia; 18 de mayo de 1909) fue un célebre compositor y pianista español.
A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años en vida a escribir temas para teatro —como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez— interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones —más de dos docenas— así como varios temas orquestales y de cámara.
Isaac Albéniz, nacido en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860 empezó su vida como un prodigio —debutó como concertista de piano, con gran éxito, a los cuatro años— y tras muchas giras arriesgadas que le llevaron tan lejos de casa como están las Américas (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del rey Alfonso XII de España, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso; además, empezó a componer y a dirigir. Enseguida empezó como director de una compañía ambulante de zarzuelas y escribió tres zarzuelas —que no se conservan actualmente—. En 1883 se estableció en Barcelona, donde estudió composición con Felipe Pedrell. Cada vez más, Albéniz incorporaba sus propias composiciones en sus recitales. En 1885 se trasladó a Madrid donde sus trabajos fueron publicados por los principales editores musicales de aquella época: Benito Zozaya y Antonio Romero.
Antonio Guerra y Alarcón en su 1886 monográfico «Isaac Albéniz: Notas crítico-biográficas de tan eminente pianista» revela que junto a docenas de trabajos para piano y las tres zarzuelas, Albéniz compuso varias canciones: cuatro romanzas para mezzosoprano en francés, tres romanzas en catalán y un Álbum Bécquer. No existen rastros de las Romanzas, pero el Álbum Bécquer lo más probable se refiriera a las Rimas de Bécquer, posteriormente publicadas por Zozaya en 1888 (esta biografía de Albéniz ha resultado ser la fuente de graves errores y equivocaciones en la vida del compositor ya que él mismo se encargó de "decorar" su vida lo suficiente como para ser admirada por otros. De estos errores cabe destacar que Albéniz nunca conoció (y mucho menos estudió) con Franz Liszt, que nunca fue polizón en barcos que zarpaban a América y que nunca recorrió Europa viajando como un bohemio errante: sendos viajes fueron cuidadosamente planeados por su padre, Ángel Albéniz. También en el mismo año Romero publicó las Seis Baladas. En 1889 se anunció la publicación por parte de Romero de otro grupo de canciones, Seis melodías con texto de Alfred de Musset. Sin embargo, excepto Chanson de Barberine de Albéniz, ninguna otra canción con letra de Musset ha llegado a nuestros días.
GONZALO SORIANO
Gonzalo Soriano (Alicante, 14 de marzo de 1913 - 14 de abril de 1972), fue uno de los mejores pianistas españoles del siglo XX.
Nació en Alicante y comenzó a estudiar música a muy temprana edad, para concentrarse posteriormente en la técnica pianística. Terminó sus estudios en el Real Conservatorio de Madrid en 1929, obteniendo el premio fin de carrera, para continuar su aprendizaje en piano y composición con Amzel en Lisboa. Protegido de Manuel de Falla, cuya obra interpretó en numerosas ocasiones, su talento comenzó a ser reconocido ya al poco tiempo de su debut artístico. De aquella época se recuerda su intervención (Alicante, 1933) en una “performance” artística con Ramón Gómez de la Serna, cuya compañía frecuentó durante un tiempo, tanto en la tertulia de Pombo como en la torre que aquél poseía en la calle Velázquez, en Madrid, donde se reunían artistas y literatos. La guerra civil española interrumpió su carrera y sólo fue tras el fin de la segunda guerra mundial cuando comenzó a obtener una merecida reputación en Europa como pianista, impresionando al público y a la crítica por su versatilidad, técnica y sensibilidad musical.
Empezó a dar conciertos en Europa en 1947 y realizó su primera gira en Estados Unidos en 1954, obteniendo un considerable éxito de crítica y público. De dicha gira surgió su primera grabación americana que contenía la Suite Española de Albéniz (Boston Records: B302). Con la misma compañía grabó las Variations Serieuses de Mendelssohn, Three Romances, Op. 27 de Schumann y la Sonata en La menor Op. 164 de Schubert, todas en un mismo LP (BR, B303).
En 1955 realizó su primera gira por el lejano oriente y en diciembre de 1959 visitó los países escandinavos, gira que incluyó un concierto ante el rey de Suecia, con ocasión de la entrega del Premio Nobel de Medicina al Dr. Severo Ochoa. Soriano grabó con los mejores intérpretes y directores. Entre otros, fue dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos en más de una ocasión, grabando con él las Noches en los Jardines de España y el Concierto en Re mayor para clave, ambos de Falla (Angel records, 36131). Otra grabación memorable de la primera obra fue realizada bajo la dirección de Ataúlfo Argenta (Alhambra, MCC 30008). Victoria de los Ángeles, la excepcional soprano, gran admiradora del talento de Soriano, solicitó su colaboración en repetidas ocasiones para conciertos o grabaciones. El diálogo entre la voz y el piano se mantenía perfectamente equilibrado cuando ambos artistas interpretaban conjuntamente obras de Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge o Joaquín Turina. (20th Century Spanish Songs, Angel (S) 35775). Fue Soriano uno de los pianistas que supieron apreciar el talento de Montsalvatge y admitir el reto que suponía interpretar algunas de sus piezas. El compositor escribió expresamente para él la Sonatine pour Yvette, dedicada a la hija del compositor y estrenada por Soriano en 1.962 en la Asociación de Conciertos de Reus(grabada por EMI/La Voz de su Amo, FALP 874). Otros grandes compositores como Mompou y Rodolfo Halffter escribieron también obras para Soriano.
El 14 de abril de 1972, la muerte sorprendió a Gonzalo Soriano en la cama de su domicilio de la calle Reina Victoria, en Madrid. Un infarto acabó de manera fulminante con su vida cuando aún estaba en proceso de producción su última grabación, las Doce Danzas de Granados (EMI-Odeón, J 063-10913), una obra por la que ya había obtenido el Grand Prix de l’Académie du Disque Française. Soriano dejó una larga colección de interpretaciones y grabaciones, entre ellas la obra completa de Falla para teclado (La voz de su Amo, 053-00731 y 063-01289). Fue sobrevivido por su madre Consuelo Simó y su compañero John Ross quien, tras su muerte, ingresó en una orden religiosa permaneciendo en un convento hasta su muerte.
VICTORIA DE LOS ANGELES
Victoria de los Ángeles, (Barcelona, 1 de noviembre de 1923 – 15 de enero de 2005). Soprano española.
Era hija de un bedel de la Universidad de Barcelona. Su nombre completo era Victoria de los Angeles López García. Victoria de los Ángeles siempre reconoció su origen humilde. Descubrió su vocación musical muy joven, y ganó diversos concursos de canto internacionales, en especial el festival de Ginebra.
Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se graduó en sólo tres años, en 1941 cuando contaba 18 años de edad. Ese mismo año realizó su presentación operística en el Gran Teatro del Liceu para proseguir luego con sus estudios.
En 1945 hizo su debut profesional con el papel de la Condesa en Las bodas de Fígaro, de Mozart. Después ganó el primer premio en el concurso internacional de Ginebra de 1947. En 1948, interpretó en Londres La vida breve, de Manuel de Falla, acompañada por la orquesta de la BBC.
En 1949 interpretó en la Ópera de París el papel de Marguerite en la ópera Fausto. En 1950 debutó en el Festival de Salzburgo y en la Royal Opera House; fue la Mimi de La Bohème en el Covent Garden londinense, teatro en el que siguió actuando de forma regular hasta 1961. También cantó en el Teatro Colón de Buenos Aires entre 1952 y 1979 y en la Scala de Milán entre 1950 y 1956.
Actuó por vez primera en los Estados Unidos en octubre de 1950 con un recital en el Carnegie Hall. En marzo del año siguiente, hizo lo mismo en el Metropolitan Opera de Nueva York y cantó regularmente con esa compañía hasta 1961. En sólo tres años y sólo siete después de su debut, ya había cantando en los teatros más importantes del mundo.
Fue la primera cantante española en actuar en el Festival de Bayreuth (1961 y 1962). Interpretó el papel de Elisabeth, de Tannhäuser, a las órdenes del nieto de Richard Wagner, que quedó tan impresionado con su actuación que volvió a invitarla al año siguiente.
Desde finales de los 60, Victoria de los Ángeles se dedicó principalmente a su carrera como concertista. Es muy destacable la atención y la especial sintonía que siempre dedicó al lied, en el que brilló con luz propia, para asombro de los alemanes. A pesar de ello, siguió realizando algunas apariciones en la ópera (Carmen y Pelléas et Mélisande): su despedida de la ópera fue en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 1980, precisamente con el papel de Mélisande. Dio su último recital en 1996, a los 72 años.
Preciosa voz de soprano lírica (o lírica spinto, como ella misma se consideraba), poseedora de un timbre inconfundible, supeditó siempre el lucimiento personal a las exigencias y el espíritu de la partitura. Los críticos coinciden en afirmar que la voz de Victoria es una de las más exquisitas y delicadas que haya dado el siglo XX. Sin poseer la belleza tímbrica de Tebaldi ni la fuerza dramática de Callas, era un compendio de una y otra. Siempre se señaló que sus agudos eran algo tirantes y metálicos, algo que tenía como contraprestación la posibilidad de cantar papeles de mezzosoprano, como Carmen o la Rosina de (El Barbero de Sevilla). Fue sin duda una de las más grandes artistas que ha dado la ópera.
CONCHITA PIQUER
Concepción Piquer López (Valencia, 8 de diciembre de 1908 - Madrid, 12 de diciembre de 1990), conocida artísticamente como Concha Piquer, fue una cantante y actriz valenciana y una de las figuras más relevantes de la copla. Interpretó varias composiciones clave de la canción española, casi todas ellas obra de Valverde, Quintero, León y Quiroga, como "Ojos verdes", "Tatuaje", "Y sin embargo, te quiero", "Suspiros de España", y otras muchas.
PASCUAL MARQUINA NARRO
Nació en una familia de músicos. Su padre, Santiago Marquina Redrado, era director de diversas orquestas, entre otras la Banda Musical de la Unión Bilbilitana, la Banda de Música de Tobé y la Banda de Música de Torrella. Las primeras lecciones de música las recibe de su padre, pero a partir de los siete años pasa a formar parte del Coro de Infantes de la Basílica del Santo Sepulcro, bajo la dirección de Ildefonso Pardos. A los nueve años toca la flauta travesera con la Banda Musical de la Unión Bilbilitana. A los quince escribe su primera composición, una obra para tenor y órgano, titulada Osarum. Se convierte en director de la Banda de Música de Daroca a los 17 años.
Dos años más tarde, hace el servicio militar en la Banda del Regimiento Luchana en Barcelona. A la vez estudia en el Conservatorio Superior Municipal de Música Barcelona composición y armonía, bajo la supervisión de José María Varela Silvari (1848-1926), Martínez Sorolla y Bonet, entre otros. En 1901 se convierte en director de la Banda de Música del Regimiento de Cazadores de Llerena y más tarde, en 1916, de la Banda de Música del Segundo Regimiento de Ingenieros de Zapadores de Madrid, con la que dio muchos conciertos tanto en España como en el extranjero.
En 1904 comienza a componer obras tonales para impresionar al público de Madrid. En 1914 se convierte en director del Teatro de la Zarzuela. Fue durante 18 años director artístico de la compañía discográfica La Voz de su Amo.
Se le entregó la Cruz de la Orden de Victoria del Reino Unido por una composición en la que reunía el himno español, la Marcha Real, y la canción popular God save the Queen, con ocasión de la boda de Alfonso XIII de España con Victoria Eugenia de Battenberg. También fue honrado con la Placa y Cruz de San Hermenegildo, la Cruz del Mérito Militar y la Cruz del Rif.
También es el compositor del «Rey del Pasodoble», el mundialmente famoso España cañí, que originalmente llevaba el nombre de El patronista Cañí, dedicado al patronista almanseño José López de la Osa. La obra fue estrenada en Almansa (localidad en la que residía José López) en la calle Aniceto Coloma en la puerta de su vivienda, interpretada por la Banda de Ingenieros de Madrid. La compuso en un viaje en tren a Madrid, inspirado en el traqueteo del tren.
Hay calles dedicadas a Pascual Marquina en las ciudades de Cartagena, Calatayud, Zaragoza, Oviedo y Montilla.
jueves, 28 de octubre de 2010
CARLOS CANO
José Carlos Cano Fernández (Granada, 28 de enero de 1946 - 19 de diciembre de 2000), conocido artísticamente como Carlos Cano, fue un cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales andaluces relativamente olvidados como el trovo popular, y muy especialmente la copla andaluza, la que recuperó para contemporáneizarla librándola de su apropiación por el franquismo.
Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Cano un personaje destacado dentro del panorama musical español. Entre sus temas más conocidos caben destacar Verde, blanca y verde, María la Portuguesa, La murga de los currelantes, Tango de las madres locas, Que desespero, Habaneras de Cádiz, Un vaso de té verde o La metamorfosis.
HOMENAJE DE RITMO RANCIO A CARLOS CANO
Declama Elena Martín Vivaldi, poetisa granadina en su libro, Materia de esperanza
“Hay voces en la tierra
Recorriendo esperanzas.”
Por una extraña magia esas voces comunican de corazón a corazón, y hay cantores que son capaces de pulsar fibras emocionales dentro de nosotros por el poder de su sentimiento hecho música.
El sonido hondo y oscuro de Carlos Cano nos ha abierto zonas cálidas tan próximas al estremecimiento, que se fue convirtiendo poco a poco en una presencia familiar y única. Despojó a la canción española de tantos atavismos pero mantuvo ese especial modo de contar sus historias, con una emoción que tendemos a asociar con la Andalucía mítica.
Todo es posible en Granada, en Andalucía, rezan los eslóganes al uso, y esto es verdad porque son lugares construidos de sueños. Por eso, los que mejor la cantaron fueron músicos que no la conocían (Debussy, Lara…). Pero algo hay allí que forma parte de ti y que encuentras en las canciones de Carlos.Cano. Es un camino que recorre lo sublime con la humildad de alguien del pueblo, que canta experiencias sencillas y las hace universales. Que encuentra la belleza escondida en los gestos cotidianos: el adiós de un pañuelo, una muchacha se asoma a un balcón, un beso…García Lorca, Camarón, León y Quiroga transitaron también por ese camino, cada cual abriendo su surco y a su paso.
Cuando Carlos Cano calló, su silencio dolía porque sin él podíamos olvidar esos territorios que presentimos a la luz de su pasión.
Los cantores son heraldos de la vida
Su silencio despoja a la vida de sus colores más brillantes
Cuando alguien se va se lleva con él parte de nosotros
Cuando un hombre muere, mueren todos los hombres.
Luis López Sánchez
Ritmo Rancio, para aliviar ese silencio y a modo de humilde homenaje, les invita a escuchar la canción: “Habanera para Carlos Cano”
Caen tristes silencios sobre la nieve
de tu despedida en la estación
donde parten los trenes que nunca vuelven
donde quedó callada tu honda voz.
Va contigo el recuerdo de tanta gente
que sentía contigo cada canción
y rompen el vacío que siempre dejan
los hombres tan cabales al decir adiós.
Y lloran desde Cádiz hasta la Habana
los barcos que traen y llevan tu corazón,
que se mueven, con el vaivén, de las habaneras,
que llevan, siempre tu nombre, junto al timón.
Se quiebra un pasodoble con voz de hombre,
En el río de tu pecho un disparo sonó,
Y callan todas sus murgas los currelantes,
mientras frente al Veleta se pone el sol.
Ay, llega el silencio
Ay, del corazón,
Y nos queda el eco,
Que no se apaga, de tu canción
Segunda parte: Cortesia de Ritmo Rancio
martes, 26 de octubre de 2010
RAFAELLA CARRA
Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión.
Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.
Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».
LOS TEMERARIOS
Los Temerarios son un grupo Mexicano originario de Fresnillo, Zacatecas, que tuvieron sus inicios en 1977. Conformado en sus inicios, por los hermanos Adolfo Ángel y Gustavo Ángel, su primo Fernando Angel González, Mario Alberto Ortiz y Samuel "Sammy" Guzmán Magdaleno.
En sus inicios, se llamarón Conjunto La Brisa, esto en 1977 y un par de años más tarde, decidieron adoptar un nombre que generará admiración, prestigio y respeto, fue así como nacen: Los Temerarios.
Es en 1983, y constituidos como Los Temerarios, con su nombre definitivo, en el que se aprecia un lobo formando la T, esto por el significado del nombre de Adolfo (líder de la agrupación).
Sus primeros éxitos, los sembrarón en Monterrey, N.L., de donde era su disquera Discos Sabinas (Disa),en aquel entonces,pero mas tarde,en 1994,exploto una controversia antes del lanzamiento de su primer CD en vivo,ya que,sus albumes Te Quiero,lanzado en 1990,Mi vida eres tú,en 1992,y Tu Última Canción,en 1993,fueron reelanzados por AFG Sigma Records(cabe recordar que estos fueron albumes propiedad de Disa,y los nombres fueron alternos),compañia de los hermanos Angel Alba,la cual,en 1996,fue comprada por Fonovisa Records,dando asi,la tercera reedicion de estos discos,por lo cual solo en Disa se quedaron sus tres primeros discos grabados entre los años de 1987,1988,y 1989,y mas tarde,a fines de los 90`s,estos tres albumes fueron reelanzados,y los temas fueron condensados en discos compilatorios,incluyendo un disco en vivo,que realmente es un concierto sin publico,un concierto de estudio,lo mismo que Disa hizo con otros tantos artistas que habian abandonado a la disquera hace años.
THE YOUNG BEATS
The Young Beats o Los Young Beats (Y&B) Fue una banda bogotana de los años 60. Sus fundadores fueron el italiano Roberto Fiorilli (bateria) y Álvaro Diaz (voz) a los que se agregaron Miguel Suárez (bajo) y Ernesto Suárez (guitarra). Esta es la primera formación con la que se darían a conocer. Fueron una de las bandas fundadoras del rock colombiano.
Los primeros ensayos del grupo fueron realizados en la casa de Fiorilli, interpretando temas de sus bandas favoritas: The Rolling Stones, The Animals, Them and the Small Faces, Gerry and the Pacemakers y The Beatles que influyeron tanto en la estética como el sonido de los Young Beats.
Al igual que las otras bandas de la epoca realizaron famosos covers como Gloria (Van Morrison), You Really Got Me (The Kinks), Hearts Of Stone (The Rolling Stones) y The Times They Are a-Changin' de Bob Dylan que da título al LP. Todo esto quedo grabado en un solo album de trece canciones.
La disolución del grupo coincidió con la irrupción del Rock psicodélico en Colombia expresada en proyectos como The Time Machine y The Speakers
GIORGIO GABER
Giorgio Gaber, sobrenombre de Giorgio Gaberscik (enero 25to, 1939-enero 1, 2003), fue un italiano el cantautor, actor y dramaturgo. También fue un guitarrista consumado y autor de una de las primeras rocas de las canciones en italiano ("Ciao diro ti", 1958). , fue pionero en el género musical conocido como cancion teatro ("canción de teatro").
Su padre, Guido Gaberscik, nació en Trieste , cuando la ciudad todavía era parte de Austria-Hungría , probablemente a italianizado eslovena inmigrantes de la Gorizia región. Su madre era del Véneto región. The two met and married in Veneto and later moved to Milan, where Girgio was born. Los dos se conocieron y se casaron en Venecia y más tarde se trasladó a Milán, donde Girgio nació.
Gaber comenzó a jugar como la rehabilitación de una lesión en su mano que requiere la actividad constante, pero no extenuante para recuperar sus habilidades motoras. . Dado su estado de salud como un niño no era el mejor y su hermano mayor, Marcello tocaba la guitarra, que se animó a jugar tan bien. El resultado fue bueno tanto en términos de su salud y artísticamente, y en sólo catorce años de edad fue contratado para tocar en una fiesta de Noche Vieja y obtuvo su primer cheque de pago de 1.000 liras.
Posteriormente comenzó a frecuentar el Santa Tecla, un lugar en Milán, donde tuvo la oportunidad de conocer a músicos de la época, incluyendo Luigi Tenco , Gianfranco Reverberi , Adriano Celentano , Ricky Gianco y Mogol , que obtuvo un contrato para Gaber con dischi Ricordi .
Su padre, Guido Gaberscik, nació en Trieste , cuando la ciudad todavía era parte de Austria-Hungría , probablemente a italianizado eslovena inmigrantes de la Gorizia región. Su madre era del Véneto región. The two met and married in Veneto and later moved to Milan, where Girgio was born. Los dos se conocieron y se casaron en Venecia y más tarde se trasladó a Milán, donde Girgio nació.
Gaber comenzó a jugar como la rehabilitación de una lesión en su mano que requiere la actividad constante, pero no extenuante para recuperar sus habilidades motoras. . Dado su estado de salud como un niño no era el mejor y su hermano mayor, Marcello tocaba la guitarra, que se animó a jugar tan bien. El resultado fue bueno tanto en términos de su salud y artísticamente, y en sólo catorce años de edad fue contratado para tocar en una fiesta de Noche Vieja y obtuvo su primer cheque de pago de 1.000 liras.
Posteriormente comenzó a frecuentar el Santa Tecla, un lugar en Milán, donde tuvo la oportunidad de conocer a músicos de la época, incluyendo Luigi Tenco , Gianfranco Reverberi , Adriano Celentano , Ricky Gianco y Mogol , que obtuvo un contrato para Gaber con dischi Ricordi .
BOBBY SOLO
Bobby Solo cuyo nombre real es Roberto Satti, nace en Roma, Italia, el 18 de marzo de 1945. Es un cantante italiano que cultiva el género de la música romántica, pop. Bobby es considerado por muchos el "Elvis Presley" italiano, y esto es debido al parecido de su voz, al estilo de su peinado, y finalmente a la admiración que siempre tuvo por el Rey del Rock and Roll.
Debuta como cantante en el Festival de la canción de San Remo, en 1964, interpretando a la par, con Frankie Laine, el tema Una lacrima sul viso. Un año después resultará ganador de dicho festival con el tema Se piangi, se ridi (Si lloras, si ríes), que lo interpretará con el acompañamiento del célebre grupo juglar New Christy Minstrels.
En 1964 gana el Festivalbar (Italia), con la canción Credi a me. En 1965 participa en el Festival de Eurovisión celebrado en Nápoles, Italia, casificándose en el quinto puesto, con el tema Se piangi, se ridi.
En 1969, vuelve a ganar en San Remo al interpretar a dúo el tema Zíngara (Gitana) con la cantante Iva Zanicchi.
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