jueves, 16 de septiembre de 2010
ZAMBO CAVERO
Arturo Cavero Velásquez (* Lima, 29 de noviembre de 1940 - † Lima, 9 de octubre de 2009), más conocido como el "Zambo" Cavero[1] fue un cantante peruano de música criolla.
El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
ANTONIO LAURO
Antonio Lauro (Ciudad Bolívar, Venezuela, 3 de agosto de 1917 - † Caracas, 18 de abril de 1986), fue intérprete y uno de los principales compositores sudamericanos para guitarra clásica de siglo XX.
En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948 durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, fue encarcelado y exiliado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años (1948-1958). Durante este tiempo compuso excelentes y recordadas obras musicales. Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. Sus primeras obras se concentraron en la guitarra especialmente en los valses venezolanos a los cuales les aplico una forma diferente de tocarlos, normalmente de 3/4 los interpretaba en 6/8, llegando a considerarsele el "Strauss de la guitarra".
Él mismo se distinguió como un excelente guitarrista, pero su popularidad y brillo universal aumentó, sin duda, por la incorporación de obras suyas en los programas de tres grandes maestros del instrumento: el español Andrés Segovia, el australiano-británico John Williams y el venezolano Alirio Díaz, quien fue gran amigo de Lauro y quien fue, en 1980, el solista de la primera grabación en estudio de su Concierto para guitarra y orquesta con la Orquesta Sinfónica Venezuela.
MIGUEL POVEDA
Cantaor de flamenco e intérprete de otros géneros musicales con los que enriquece su trayectoria artística en una experimentación constante en su obra, aunque el flamenco sea desde sus inicios su música de partida.
Poveda se interesa por ir más allá de la imagen tópica del cantaor al uso y se adentra en otros terrenos que no siempre son bien vistos por el mundo flamenco más ortodoxo. Muestra de este interés por buscar el arte en otros géneros son sus numerosas colaboraciones con artistas de disciplinas diversas, trabajos que le dan a conocer a otros públicos no habituados al flamenco.
Por su origen catalán, de padre murciano y de madre manchega, sin ascendencia andaluza, encuentra más dificultades en sus inicios que con tesón y gracias a su talento finalmente consigue vencer para crecer artísticamente como cantaor desde Barcelona, aunque posteriormente, en 2003, traslada su residencia a Sevilla, sin olvidar Cataluña en su trayectoria musical, como demuestra en Desglaç. Aunque experimenta y se expresa artísticamente mediante otras músicas, en ningún momento abandona su música de raíz, el flamenco
CHICK WEBB
Webb nació en Baltimore, Maryland, hijo de William H. y Marie Johnson Webb. Desde su infancia, sufrió de tuberculosis de la columna vertebral, dejándolo con baja estatura y un tanto deformado. Trabajó de niño repartidor de periódicos pudiendo ahorrar el dinero suficiente para comprarse sus primeros tambores. A los 11 años ya tocaba a nivel profesional.
A los 17 años se muda a la ciudad de New York y para el año siguiente, 1926, ya lideraba su propia banda en Harlem. El también percusionista Tommy Benford dio lecciones de percusión a Webb en su primera visita a New York.
Alternó entre tours de banda y residencias en clubds de Nueva York hasta finales de los 20s.
En 1931, su orquesta pasó a ser la banda anfitriona del club Savoy Ballroom y él se convirtió en uno de los líderes de orquesta y percusionista más valorados del nuevo estilo "Swing", especialmente por su sock style. La leyenda de la percusión, Buddy Rich cita el poder de la técnica y las interpretaciones virtuosas de Webb, como influencia principal en su carrera y hasta llegó a referirse a Webb como "el padre de todos ellos".La orquesta se destacó en el espectáculo "Batalla de las Bandas" en el que la formación de Webb competía con otras bandas importantes del momento (como la Orquesta de Benny Goodman, o la Orquesta de Count Basie). En dicho espectáculo las bandas eran enfrentadas cara a cara en un mismo auditorio.
Webb se casó con Martha Loretta Ferguson (también conocida como "Sallye"), y en 1935 comenzó a promover a una todavía adolescente Ella Fitzgerald como vocalista de la banda. A pesar de los rumores, según Stuart Nicholson en Ella Fitzgerald; A Biography of the First Lady of Jazz (pag. 36), "Ella no fue adoptada por Webb, aunque vivió con él y con su esposa Sallye". Charles Linton, quien formaba parte de la banda de Chick Webb, le dijo a Nicholson que "Él no la adoptó. Me comentó que sólo dirá que la adoptó a la gente de la prensa".
En noviembre de 1938, la salud de Webb comienza a declinar y desde ese momento hasta su muerte alterna su tiempo entre liderar su orquesta y el hospital. Muere el siguiente año en Baltimore. Luego de su muerte, Ella Fitzgerald liderará su banda hasta que en 1942 se dedique a su carrera como solista.
A los 17 años se muda a la ciudad de New York y para el año siguiente, 1926, ya lideraba su propia banda en Harlem. El también percusionista Tommy Benford dio lecciones de percusión a Webb en su primera visita a New York.
Alternó entre tours de banda y residencias en clubds de Nueva York hasta finales de los 20s.
En 1931, su orquesta pasó a ser la banda anfitriona del club Savoy Ballroom y él se convirtió en uno de los líderes de orquesta y percusionista más valorados del nuevo estilo "Swing", especialmente por su sock style. La leyenda de la percusión, Buddy Rich cita el poder de la técnica y las interpretaciones virtuosas de Webb, como influencia principal en su carrera y hasta llegó a referirse a Webb como "el padre de todos ellos".La orquesta se destacó en el espectáculo "Batalla de las Bandas" en el que la formación de Webb competía con otras bandas importantes del momento (como la Orquesta de Benny Goodman, o la Orquesta de Count Basie). En dicho espectáculo las bandas eran enfrentadas cara a cara en un mismo auditorio.
Webb se casó con Martha Loretta Ferguson (también conocida como "Sallye"), y en 1935 comenzó a promover a una todavía adolescente Ella Fitzgerald como vocalista de la banda. A pesar de los rumores, según Stuart Nicholson en Ella Fitzgerald; A Biography of the First Lady of Jazz (pag. 36), "Ella no fue adoptada por Webb, aunque vivió con él y con su esposa Sallye". Charles Linton, quien formaba parte de la banda de Chick Webb, le dijo a Nicholson que "Él no la adoptó. Me comentó que sólo dirá que la adoptó a la gente de la prensa".
En noviembre de 1938, la salud de Webb comienza a declinar y desde ese momento hasta su muerte alterna su tiempo entre liderar su orquesta y el hospital. Muere el siguiente año en Baltimore. Luego de su muerte, Ella Fitzgerald liderará su banda hasta que en 1942 se dedique a su carrera como solista.
FRANKIE TRUMBAUER
Orie Frank ("Frankie" o "Tranvía") Trumbauer (30 mayo 1901 hasta 11 junio 1956) fue uno de los saxofonistas de jazz de los años 1920 y 1930. Él tocaba el saxofón C-melodía, que en tamaño es entre un alto y saxo tenor. También tocaba el saxofón alto, fagot, clarinete y otros instrumentos.
Fue un compositor, sobre todo de melodías saxo técnicamente sofisticado, y fue uno de los directores de orquesta de jazz más importantes del 1920 y 1930. Su grabación histórica de "Singin 'the Blues", con Bix Beiderbecke y Eddie Lang en 1927, es considerado como uno de los mayores espectáculos de jazz jamás registrado. Este 1927 Okeh 78 fue una de las grabaciones de jazz parte superior de la década de 1920. Esta grabación clásica fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 1977. Sus grabaciones destacadas fueron "Krazy Kat", "Red Hot", "Plantación Moods", "Tailspin", "Singin 'the Blues", "Twistin' Wringin 'una'", y "Por ninguna razón en absoluto en C" con Bix Beiderbecke y Eddie Lang, y la grabación del primer éxito de "Georgia On My Mind" en 1931.
Fue un compositor, sobre todo de melodías saxo técnicamente sofisticado, y fue uno de los directores de orquesta de jazz más importantes del 1920 y 1930. Su grabación histórica de "Singin 'the Blues", con Bix Beiderbecke y Eddie Lang en 1927, es considerado como uno de los mayores espectáculos de jazz jamás registrado. Este 1927 Okeh 78 fue una de las grabaciones de jazz parte superior de la década de 1920. Esta grabación clásica fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 1977. Sus grabaciones destacadas fueron "Krazy Kat", "Red Hot", "Plantación Moods", "Tailspin", "Singin 'the Blues", "Twistin' Wringin 'una'", y "Por ninguna razón en absoluto en C" con Bix Beiderbecke y Eddie Lang, y la grabación del primer éxito de "Georgia On My Mind" en 1931.
BARBARITO DIEZ
(*Bolondrón, Cuba, 4 de diciembre de 1909; † La Habana, Cuba, 6 de mayo de 1995) cantante cubano afroamericano de música popular romántica, como danzón cantado y bolero. Poseedor de una voz «insólitamente hermosa», es un ícono obligado en la evocación musical de La Habana romántica de los años 1930. Por su inigualable estilo de cantar el danzón a Barbarito Díez le fue dado el título de: "La Voz de Oro del Danzón".
Pasó su infancia en el Central Manatí y a fines de la década del 1920 se traslada a La Habana pasando a formar parte de la agrupación del músico cubano Graciano Gómez.
A partir de 1935, ingresa como voz solista en la orquesta de Antonio María Romeu, siendo intérprete de danzones, sones y boleros por más de cinco décadas. Con esta orquesta, Diez se hizo acompañar en sus presentaciones y sesiones de grabación, incluso después de la muerte de Romeu, hasta los años ochenta.
Paralelamente a su labor en la orquesta de Romeu, fundó el Cuarteto Selecto, con el que realizaba presentaciones en los cabarets de la bohemia habanera de los años cuarenta.
Hacia el final de su carrera artística, decidió disolver la orquesta que le acompañaba en sus últimos tiempos, debido a las fricciones personales entre los músicos. Barbarito Díez murió en La Habana, el 6 de mayo de 1995 a consecuencia de la diabetes mellitus.
GERALDO & HIS ORCHESTRA
Gerald Walcan brillante, más conocido como Geraldo (10 de agosto de 1904, Londres, Inglaterra - 04 de mayo 1974, Vevey, Suiza) fue un director de orquesta británico.
Brillante adoptó el nombre de "Geraldo" en 1930 para convertirse en uno de los líderes de la banda de baile más popular de la década de 1930 con su "música dulce" y su "Orquesta de Tango Gaucho". Durante la década de 1940, modernizó su estilo para seguir disfrutando de gran éxito.
Él tocaba el piano y órgano y estudió en la Royal Academy of Music de Londres. Comenzó su carrera como pianista tocando para películas mudas. Geraldo se convirtió en una figura importante en la escena del entretenimiento británicas durante cuatro décadas, después de haber liderado casi todo tipo de conjunto e influyó en la carrera exitosa de numerosos cantantes superior. Por su variada emisiones que el estilo de su orquesta, considerablemente, y una particular serie de Tip Top Tunes (empleando una sección de cuerda completa junto a la orquesta de baile habitual) gozó de gran popularidad. Varias grabaciones comerciales se hicieron, poniendo de relieve los considerables talentos organización de los jóvenes Wally Stott (más conocido en los EE.UU. como Angela Morley).
Con los años, la mayoría de los músicos más importantes del Reino Unido ha jugado con la orquesta de Geraldo, entre ellos Ted Heath, que tocaba el trombón en la orquesta de primera antes de salir para formar su propia banda y el guitarrista Ken Sykora, para después convertirse en una personalidad de radio respetados.
En la década de 1950 compuso la música puesta en marcha de la televisión escocesa. Titulado Scotlandia, se escuchó prácticamente todos los días durante más de treinta años al comienzo de los programas.
Geraldo murió de un ataque cardíaco durante sus vacaciones en Suiza en 1974. En 1993 una nueva orquesta de Geraldo, dirigida por el trombonista Chris Dean, recorrió las provincias del Reino Unido.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Geraldo también funcionó una agencia desde sus oficinas en la calle 73 de New Bond en Londres. Además de reservar bandas para teatros y hoteles, colocó músicos en transatlánticos y buques de crucero - en el negocio de la música esto era conocida como "Marina Geraldo".
Desde mediados de 1930 por un período de unos veinte años, los músicos americanos se les prohibió actuar en el Reino Unido por la Unión Británica Músicos. La prohibición fue en represalia por una restricción similar en los EE.UU. que impidió que los músicos británicos de trabajar en Estados Unidos. Es especialmente frustrante para los músicos de jazz de la posguerra británica que querían ver y escuchar a sus ídolos americanos. Sin embargo, una forma para ellos de cruzar el Atlántico era unirse a las bandas de baile de trazadores de líneas Cunard como el Queen Mary, Queen Elizabeth, Mauritania y el Queen Elizabeth 2, o los buques canadienses del Pacífico como la Emperatriz de Inglaterra y la emperatriz de Canadá. El Cunarders eran especialmente populares porque cuando había atracado en Nueva York, los músicos que tienen una o dos noches gratis para visitar lugares de jazz como Birdland en Broadway, al norte de West 52nd Street, en Manhattan, o los clubes de Greenwich Village. Algunos incluso dispuestos a tomar clases con estrellas estadounidenses durante su permiso de tierra: por ejemplo, Bruce Turner tomó clases de saxofón con Lee Konitz.
En los salones públicos de las camisas, los músicos tenían que tocar música de baile de tempo estricto, pero a veces se deslizaba en el número impar de jazz - especialmente si existía la posibilidad de que un pasajero puede sentarse pulg Famoso Duke Ellington se sabe que tiene piano tocado con orquesta de baile del barco cuando cruzó desde Nueva York a Southampton a bordo del Queen Mary a finales de 1950.
Muchas figuras muy conocidas en el jazz británica de post-guerra "servido" de la marina de guerra musical de Geraldo, como John Dankworth, Verde Benny, Bill Le Sage, Ronnie Scott, y Tracey Stan.
JERZY PETERBURSKY
Jerzy Petersburski (1895 - 1979) fue un pianista y compositor polaco de música popular, conocido sobre todo por sus tangos, algunos de los cuales (como A Niedziela ostatnia, nigdy Juz Milonga y Tango) fueron hitos en la popularización del género musical en Polonia y siguen siendo ampliamente conocido hoy en día, más de medio siglo después de su creación.
Jerzy Petersburski nació 20 de abril 1895, a una familia de raíces judías. Se graduó en el Conservatorio de Varsovia, donde su profesor fue Antoni Sygietyński. Después se trasladó a Viena, donde continuó sus estudios en la facultad de piano de la Academia de Música local. Siendo un talentoso pianista, fue persuadido por su amigo Imre Kálmán para dedicarse a la popular en vez de música clásica. En Viena también debutó como compositor de Alexander Vertinsky, un reconocido poeta y compositor ruso, famoso por sus romances.
A su regreso a Polonia, se hizo muy conocido por su música de cabaret y salas de cine en Varsovia. Entre ellos se encontraba Julian Tuwim y Marian Hemar de Qui pro quo, uno de los cabarets más famosos de Polonia el período de entreguerras. En 1920 y 1930, Petersburski convirtió en uno de los compositores polacos más populares como varias de sus canciones se convirtieron en éxitos de la Radio Polaca y en salas de conciertos en todo el país. Aparte de Marian Hemar, la lista de los letristas para sus canciones incluyen algunos de los más renombrados de su época: Andrzej Włast, Szmaragd Ludwik y Artur Tur. También los artistas intérpretes o ejecutantes de canciones Petersburski se agrega a su popularidad: Wera Bobrowska (nigdy Juz), Hanka Ordonówna (Sam mi mówiłeś), Tola Mańkiewiczówna (Ty, Miłość i Wiosna), Ludwik Sempoliński (Cala przyjemność), Dana Chor y Mieczysław Fogg (Bez śladu) y Adolf Dymsza (Ja i żonka ma).
A pesar de ser el autor de numerosos valses y foxtrots, así como dos operetas (z Kochanka ekranu y Robert Bertram i), Petersburski es mejor conocido por sus tangos. En 1928 compuso una canción para Stanislawa Nowicka titulado Tango Milonga en polaco. La canción se convirtió en un gran éxito y fue casi inmediatamente traducida a varios idiomas, ganando mucha popularidad en el extranjero, tanto en Europa como en América (el título de Inglés y Alemán se Oh, Donna Clara. La canción fue cantada por muchos artistas extranjeros, como Al Jolson , Henry Varny y Edith Piaf. Petersburski también escribió música para cuatro películas polacas en la década de 1930, incluyendo przedmieścia éxito Eugeniusz Bodo de Królowa de 1938. En la década de 1930 la orquesta que fundó con Henryk Gold (en 1926) también dio conciertos semanales en Adria de Varsovia, el más caro y el restaurante baile más prestigiosas de Polonia, frecuentado por la alta sociedad de Polonia. Su orquesta dio conciertos allí por 8 años, más que cualquier otro artista.
Durante la campaña de septiembre (defensiva polaca Guerra) de 1939 Petersburski sirvió con la Fuerza Aérea de Polonia. Después de que el país fue invadido, se trasladó a la parte ocupada por los soviéticos de Polonia. En 1940 se le permitió continuar su carrera y se convirtió en el líder de la banda de Jazz Orquesta de Belarús. Él realizó muchos de sus éxitos antes de la guerra con nuevas letras, el idioma ruso. Entre las composiciones originales de la época era el muy popular tango Sinú Platochek (el pañuelo azul) realizado por Klavdiya Shulzhenko. Otras de sus canciones populares de Rusia (a cargo de, entre otros, la Orquesta Dunayevsky Isaak) fue Utomliennoye Solntse (sol Cansado), de hecho, una versión rusa de la preguerra Para Niedziela ostatnia. Véase también Quemado por el sol.
Después de que el Acuerdo de Sikorski-Mayski de 1941 se incorporó al II Cuerpo polaco Wladyslaw Anders bajo. Evacuado con el resto del Ejército polaco a Persia, se trasladó a El Cairo, donde comenzó a trabajar para la Radio Polaca. En el 1947-1967 años que vivió en Israel, Argentina, Brasil, Venezuela. En Argentina, por casi 20 años fue el director principal del Teatro Nacional de Buenos Aires. En 1967 regresó a Polonia y se casó con Klejdysz Sylwia, una cantante de ópera de renombre. Su hijo Jerzy Petersburski Jr. nació en 1969. Jerzy Petersburski murieron 07 de octubre 1979 en Varsovia y fue enterrado en el cementerio de Powązki.
RECORDEMOS NUESTRA NIÑEZ
Pocos somos los adultos que recordamos la musica que nuestros padres y maestros nos enseñaron en el kinder o en la escuela; aqui les traigo en bandeja de oro estos gratos momentos de la musica infantil de los años 50-60 que podemos enseñar a nuestros hijos.
miércoles, 15 de septiembre de 2010
martes, 14 de septiembre de 2010
PIO LEIVA
Pío Leyva (Morón, 5 de mayo de 1917-22 de marzo de 2006), nacido Wilfredo Pascual, fue un cantante cubano y autor de la guaracha El mentiroso. Formó parte del Buena Vista Social Club.
Debuta como cantante en 1932; autor de 25 álbumes desde que firmara en 1950 su primer contrato con la RCA. Ha actuado junto a grandes de la música cubana como Benny Moré, Bebo Valdés y Noro Morales y fue miembro de "Compay Segundo y Sus Muchachos.". Además grabó 24 temas con Billo Frometa en su estadía en Cuba titulados "Navidad con Billo" y "Oyendo a Billo", estuvo anunciado como guarachero de la famosa Billo's Caracas Boys en Venezuela en 1960 pero no se concretó su contratación. Actuó con la Afro Cuban All Stars y en los 80 con las Estrellas de Areito.
Debuta como cantante en 1932; autor de 25 álbumes desde que firmara en 1950 su primer contrato con la RCA. Ha actuado junto a grandes de la música cubana como Benny Moré, Bebo Valdés y Noro Morales y fue miembro de "Compay Segundo y Sus Muchachos.". Además grabó 24 temas con Billo Frometa en su estadía en Cuba titulados "Navidad con Billo" y "Oyendo a Billo", estuvo anunciado como guarachero de la famosa Billo's Caracas Boys en Venezuela en 1960 pero no se concretó su contratación. Actuó con la Afro Cuban All Stars y en los 80 con las Estrellas de Areito.
CUARTETO CANEY
El Cuarteto Caney fue fundado a comienzos de los años treinta en la ciudad de Nueva York por el músico cubano Fernando Storch. Con un repertorio basado en el estilo puro de los soneros cubanos, el grupo firma con el sello Columbia en 1936 y graban más de 100 canciones en seis años.
A pesar de haber sido concebido como cuarteto y de mantener con ese nombre a lo largo de su historia, su formato llegó a ampliarse a siete músicos, llegando a constituirse de hecho en un septeto.
A fines de la década de los 30, temas como Clarivel, Cantando, Maleficio y Lamento jarocho, se escuchaban cotidianamente en las estaciones de radio de Santo Domingo, La Habana y San Juan de Puerto Rico. Realizaron giras por Venezuela y los Estados Unidos aunque, como dato curioso, nunca se presentaron en la Habana ni en Puerto Rico.
En el Caney, actuaron cantantes como Panchito Riset, Tito Rodríguez, Johnny López, Alfredito Valdés, Bobby Capó y Machito. Este grupo fue heredero de los seguidores que Antonio Machín dejara en la urbe neoyorquina con su partida hacia España. Con una gran cantidad de grabaciones, el Caney definió para esa época una parte fundamental del sonido cubano de la música latina en los Estados Unidos.
A pesar de haber sido concebido como cuarteto y de mantener con ese nombre a lo largo de su historia, su formato llegó a ampliarse a siete músicos, llegando a constituirse de hecho en un septeto.
A fines de la década de los 30, temas como Clarivel, Cantando, Maleficio y Lamento jarocho, se escuchaban cotidianamente en las estaciones de radio de Santo Domingo, La Habana y San Juan de Puerto Rico. Realizaron giras por Venezuela y los Estados Unidos aunque, como dato curioso, nunca se presentaron en la Habana ni en Puerto Rico.
En el Caney, actuaron cantantes como Panchito Riset, Tito Rodríguez, Johnny López, Alfredito Valdés, Bobby Capó y Machito. Este grupo fue heredero de los seguidores que Antonio Machín dejara en la urbe neoyorquina con su partida hacia España. Con una gran cantidad de grabaciones, el Caney definió para esa época una parte fundamental del sonido cubano de la música latina en los Estados Unidos.
SAM WOODING
Sam Wooding (17 junio 1895 a 1 agosto 1985) fue un expatriado [cita requerida] pianista estadounidense de jazz, arreglista y director de orquesta de vida y en vivo en Europa y los Estados Unidos.
Nacido en Filadelfia, Pennsylvania, dirigió varias bandas grandes en los Estados Unidos y el extranjero. Su orquesta fue en Smalls "Harlem's Paradise en 1925, cuando un empresario ruso que reservar como la banda de entrar en boxes para una función, El Chocolate Kiddies, que se inaugurará en Berlín ese mismo año. Durante su estancia en Berlín, la banda, que con músicos como el Doc Cheatham, Willie Lewis, Tommy Ladnier, Gene Sedric, y Flemming Herb, registró varias selecciones para el sello Vox.
En 1929, con poco personal diferente, orquesta Wooding hizo más grabaciones en Barcelona y París para la Parlophone y etiquetas de Pathé. Wooding permaneció en Europa, actuando en el continente, en Rusia e Inglaterra durante la mayor parte de la década de 1930.
Wooding largas estancias en el extranjero lo hizo prácticamente desconocido en casa, pero los europeos se encontraban entre los más acérrimos fans del jazz en cualquier lugar, y les gustaba lo que la banda tenía para ofrecer. "Lo encontramos difícil de creer, pero los europeos nos han tratado con tanto respeto como a su propia orquesta sinfónica", recordó en una entrevista de 1978. "Les encantó nuestra música, pero no lo entendía, así que lo hizo una carga más fácil para ellos mediante la incorporación de melodías como" Abendstern titular Du "de Tannhäuser - sincopado, por supuesto. Lo llamaron la blasfemia, pero no podía que No conseguir bastante de él. Eso nunca habría ocurrido de nuevo aquí en Estados Unidos. Aquí se veían en el jazz como algo que perteneció en los molinos de la ginebra y casas deportivas, y si alguien había sugerido reservar un cantante de blues como Bessie Smith, o incluso una niña blanca como Nora Baes, en el mismo proyecto de ley como Ernestine Schumann-Heink, habría sido considerado como una broma de los más pobres del gusto.
Al volver a casa a finales de 1930, cuando la Segunda Guerra Mundial parecía una certeza, Wooding comenzó estudios formales de música, alcanzado un grado, y comenzó a enseñar a tiempo completo, contando entre sus alumnos el trompetista Clifford Brown. También dirigió y estuvo de gira con el Coro Southland espiritual
En la década de 1970, Sam Wooding formó otra gran banda y se lo llevó a Suiza para un exitoso concierto, pero esta aventura duró poco.
NOBLE SISSLE
Noble Sissle (10 julio 1889 a 17 diciembre 1975) fue un compositor estadounidense de jazz, compositor, director, cantante y dramaturgo.
PANCHITO RISET
Francisco Hilario Riser Rincón, mejor conocido como Panchito Riset (21 de octubre de 1910 , La Habana, Cuba; † 8 de agosto de 1988, Nueva York ), fue un cantante y músico cubano, intérprete de boleros y otros géneros tropicales. Con una voz aguda, propia del estilo de tradición sonera, se apegó a la forma ingenua y clásica de interpretación propia del bolero de la década de los 30.
Debutó como cantante a mediados de los años 20 con el Septeto Esmeralda y mas tarde formó parte del Sexteto Cauto, del Septeto Bolero y del legendario Sexteto Habanero. En 1928 canta en el Sexteto Caney y en la Orquesta de Ismael Díaz.
En 1933 conoce a Don Aspiazú, quien lo integra a su orquesta, reemplazando a Machín. En ese mismo año canta por vez primera en Nueva York, con la orquesta Antobal’s Cubans, en el “Madison Royal”. También actuó en el “Cubanacán” Night Club.
Durante su etapa en Nueva York, formó parte de la orquesta de Xavier Cugat y la de Enrique Madriguera.
En 1934 , se presenta en Cuba con la orquesta de Eliseo Grenet. Regresa a Nueva York donde graba con el Cuarteto Caney , con el Grupo Victoria de Rafael Hernández y con el Cuarteto de Pedro Flores. En 1938 funda su propia orquesta que se llamó La Conga y se presenta con ella en California y en Nueva York .
Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el ejército americano, sirviendo como artista y voluntario médico del 43 al 45. Al final de la guerra, retorna a Nueva York donde se presenta en las carteleras de los principales centros nocturnos latinos como el “Versalles” o el célebre “Carnegie Hall” hasta finales de los cincuenta.
Debutó como cantante a mediados de los años 20 con el Septeto Esmeralda y mas tarde formó parte del Sexteto Cauto, del Septeto Bolero y del legendario Sexteto Habanero. En 1928 canta en el Sexteto Caney y en la Orquesta de Ismael Díaz.
En 1933 conoce a Don Aspiazú, quien lo integra a su orquesta, reemplazando a Machín. En ese mismo año canta por vez primera en Nueva York, con la orquesta Antobal’s Cubans, en el “Madison Royal”. También actuó en el “Cubanacán” Night Club.
Durante su etapa en Nueva York, formó parte de la orquesta de Xavier Cugat y la de Enrique Madriguera.
En 1934 , se presenta en Cuba con la orquesta de Eliseo Grenet. Regresa a Nueva York donde graba con el Cuarteto Caney , con el Grupo Victoria de Rafael Hernández y con el Cuarteto de Pedro Flores. En 1938 funda su propia orquesta que se llamó La Conga y se presenta con ella en California y en Nueva York .
Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el ejército americano, sirviendo como artista y voluntario médico del 43 al 45. Al final de la guerra, retorna a Nueva York donde se presenta en las carteleras de los principales centros nocturnos latinos como el “Versalles” o el célebre “Carnegie Hall” hasta finales de los cincuenta.
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