martes, 14 de septiembre de 2010

BIG BAND


Big Band (banda grande) es una expresión en inglés, que hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz, que tocan conjuntamente, y puede ser traducida libremente como orquesta de jazz. Aparecen como tales a finales de la década de 1920, aunque su etapa de oro es el periodo comprendido entre 1935 y 1950.

Las big bands aparecen como resultado de la expansión del jazz de Nueva Orleans, y se produce a consecuencia de los cambios que el concepto de arreglo musical experimenta en el Estilo Nueva York, a mediados de la década de 1920, que tienen como consecuencia final la aparición del Swing.

Aunque ya en 1921 encontramos grabaciones de bandas de diez miembros o más, como es el caso de Paul Whiteman, es hacia 1926 cuando se pueden encontrar los primeros indicios de sonoridades propias de las big bands, incluso en grupos típicamente Hots, como los Red Hot Peppers de Jelly Roll Morton, o la orquesta de Henry Halstead. No obstante, todos los autores coinciden en señalar a Fletcher Henderson como el artífice del comienzo de la historia de las big bands. Desde 1921, Henderson había trabajado con bandas de más de nueve músicos, que hacían jazz tradicional (por ejemplo, entre 1925 y 1928, su grupo se llamaba, significativamente, Dixie Stompers). A finales de la década, el grupo se había configurado claramente en secciones instrumentales, por el procedimiento de duplicar o triplicar cada uno de los instrumentos de viento de la banda hot típica: trompeta, trombón y clarinete (paulatinamente sustituidos por saxos), realizándose arreglos instrumentales para cada sección. No sólo Henderson siguió esta línea de cambio imperceptible, sino otros músicos como Luis Russell, que se hizo cargo en 1929 de la banda de King Oliver, y que fue el primero en llamar a su grupo Big Band; o los Cotton Pickers del baterista William McKinney, dirigidos primero por Don Redman y, después, por Benny Carter; o el mismo Duke Ellington, cuya banda The Washingtonians desarrolló cambios conceptuales verdaderamente revolucionarios.

Este proceso, y la misma aparición de las big bands, no suscitó inicialmente un favor unánime de los aficionados, y un sector importante de la crítica musical (Ortiz Orderigo, Hughes Panassié, Ernest Borneman...) las consideró de forma muy negativa, por dejar la creación espontánea relegada a un segundo plano o suprimida, a la vez que tildaban al Swing de retroceso en el cosmos del arte sincopado. Peter Clayton, señala expresamente que el término big band fue usado inicialmente con sentido despreciativo, para señalar a bandas que se habían separado de la ortodoxia. Sin embargo, como señala Berendt, la visión posterior sobre la aparición del jazz de gran banda con Fletcher Henderson, tiende a considerar que, al contrario de lo señalado por los críticos conservadores, los músicos hallaron en el nuevo formato una gran libertad y así lo reconocía ya, en 1932, el crítico y productor John Hammond



THELONIOUS MONK

Thelonious Sphere Monk (Rocky Mount (Carolina del Norte), 10 de octubre de 1917 - Weehawken (Nueva Jersey), 17 de febrero de 1982), Thelonious Monk, pianista y compositor estadounidense de jazz.

Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "'Round Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk".

En 1935 decidió irse de viaje a recorrer mundo acompañando con el piano a un predicador evangelista. Después de dos años, regresó a su ciudad y formó su propio cuarteto, actuando en diversos clubes hasta que en 1941 el baterista Kenny Clark lo eligió como pianista de la casa para tocar en el Minton's Playhouse, el legendario club de Manhattan en el que se engendraría el bebop. Su estilo en la época es descrito como "hard-swinging", con marcadas influencias de Art Tatum, Duke Ellington, James P. Johnson y otros pianistas.

Durante su estancia en Minton's, Monk fue perfeccionando su estilo único, participando en sesiones llamada "cutting competitions", con los más renombrados solistas de la época. Durante esos años, Monk entró en contacto con músicos como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Milt Jackson y John Coltrane, que estaban sentando las bases del bebop. En 1944 realizó sus primeras grabaciones con el Coleman Hawkins Quartet. En 1947 grabó por primera vez como líder de su propia banda, y publicó su LP de debut: Genius of Modern Music, Vol. 1, que mostraba su talento tanto para la composición como para la improvisación. Ese mismo año se casó con Nellie Smith, y en 1949 el matrimonio tuvo un hijo, T.S. Monk, que sería baterista de jazz. Su hija Barbara nació en 1953.

Tras grabar varios discos para Blue Note entre 1947 y 1952, firmó un contrato con Prestige, para la que grabó entre 1952 y 1954 algunos de sus discos más importantes, incluyendo colaboraciones con el saxofonista Sonny Rollins y con el baterista Art Blakey. El productor Orrin Keepnews le persuadió de que grabase un disco con temas de Duke Ellington y otro con estándares, para que su música se hiciese más accesible al público medio de jazz. En 1956 grabó el clásico Brilliant Corners y a partir del año siguiente los cambios en su vida se sucedieron.

En 1959, su cuarteto contó con la participación del saxofonista tenor Johnny Griffin en 1959 apareció con una orquesta en el Town Hall; en 1962 firmó con Columbia y dos años después fue portada de la revista Time. Un segundo concierto con orquesta fue celebrado en 1962, resultando mejor que el primero, por lo que Monk estaría constantemente de gira durante los años sesenta con su cuarteto, ahora con el tenor Charlie Rouse.

Tocó con los Giants of Jazz durante 1971-1972, y en 1973, repentinamente, se retiró. Monk padecía de una enfermedad mental y, aparte de unas apariciones especiales a mediados de los setenta, vivió recluido el resto de su vida.

MAX ROACH

GENE VINCENT

APRENDA A BAILAR EL CALIPSO DEL SIGLO 19

EL CALIPSO COMO BAILE


A mediados del siglo XIX, en las islas antillanas, en el mar Caribe, se vivía la liberación de la esclavitud. Mientras, en Venezuela, se daba la concesión de la explotación del oro a ingleses y franceses. En Venezuela, la zona minera más importante se encontraba antes y ahora en el estado Bolívar, al sur del país.

Para ese momento, la fiebre del oro atrajo una gran cantidad de inmigrantes, en especial de las antillas británicas y francesas, quienes se radicaron en la población de El Callao. Esta región se convirtió en el escenario de la mezcla de diferentes culturas, entre las que destacan junto a los habitantes de origen local, un grupo de ingleses, norteamericanos, franceses y oriundos de las Antillas británicas y francesas, entrelazando costumbres, hábitos, música, canto y lenguaje. De esta mezcla surgieron ricas tradiciones, con el aporte afro-antillano; ejemplo de ello es el Calipso y el Patua.

La intención de este trabajo es compartir elementos característicos de la cultura venezolana, a través de sus danzas. Entendiendo que la danza/ el baile, como cultura popular, es la expresión artística constante en la idiosincrasia de Venezuela. Al mismo, tiempo este trabajo intenta recoger parte de las características del Calipso como genero musical Afro -antillano /Afro-americano, el cual asumió instrumentos y ritmos musicales que le dieron una identidad particular; como muestra de la danza alegre y rica en expresión de sentimientos y como teatro de calle, ambos elementos populares de la región.

Con el propósito de presentar una visión general de la cultura y el folklore de la región minera del país, muestra de la herencia étnica-cultural de los venezolanos; se siguió una investigación documental, donde la experiencia personal se entrelaza como parte de la realidad étnica que caracteriza el sincretismo sociocultural de Venezuela. Adicionando también, la información obtenida como parte de la transmisión oral que es lo que a permitido recoger los cimientos de esta tradición cultural.

Finalmente, se intenta mostrar el proceso a seguir para enseñar Calipso de una forma sencilla, fluida y coherente, asegurando un entrenamiento aeróbico, para ser implementado en las clases de Educación Física en las escuelas de I y II etapa de Educación Básica. (Primary school).

El folclore venezolano presenta una diversidad de manifestaciones que reflejan su cultura e identidad. Entendiendo que folklore es una palabra de origen inglés, compuesta por Folk pueblo y lore que significa saber. De acuerdo con Aretz (1980) que fue utilizado por W. J. Thoms para referirse a literatura popular, antigüedades populares que relacionó con usos, costumbres, ceremonias, supersticiones, baladas, proverbios, entre otros. Para el, lo folklórico es parte de la cultura y se transmite de una generación a otra debido a que su origen se remonta a un culto, manifestación popular o tradición aborigen. De allí que las manifestaciones populares, así como su gente, están presente en las celebraciones, bailes, cantos, ritos y tambores que reflejan un sentimiento colectivo. Cada una con significado especial como muestra del sincretismo religioso, social y cultural característico de esta nación.

En Venezuela se interpreta el Calipso en la zona oriental del Estado Sucre, Nueva Esparta, Monagas, Bolívar y en Ciudad Guayana bajo la modalidad de Steel-Band, motivado a la influencia fronteriza, la utilización de mano de obra antillana en la explotación petrolera y en la industria del hierro. Tal y como lo expresan los participantes del Grupo 'Yuruari':

Los emprendedores antillanos que llegaron a Venezuela atraídos para trabajar en las minas y búsqueda de oro entraron por el río Yuruari, específicamente vinieron pobladores de las islas antillanas que estaban colonizadas por franceses y posteriormente los ingleses. Este grupo de inmigrantes trajeron sus creencias, costumbres, cantos y ritmos, y entre ellos lo que conocemos como el calipso el cual es una canción y baile a dos tiempos originario de Jamaica (Fundación Bigott, 1995).

Cuando se inicia la inmigración de mano de obra calificada, traída por las compañías inglesas y francesas que habían obtenido la concesión de explotación de oro, surgió el problema del idioma entre los técnicos y el personal obrero; para resolverlo se trasladó personal de Las Antillas anglo y franco parlantes, quienes junto a sus familias trajeron un sin numero de costumbres y necesidades que luego añadieron a la región.

Para ese entonces, el atractivo que ejercía la explotación del oro y la posibilidad de lograr una rápida riqueza, hizo que El Callao se convirtiera en el escenario de la mezcla de las culturas: inglesa, norteamericana, francesa, antillanas, con la cultura mestiza ya nativa de la región. Obviamente de este intercambio cotidiano emergieron tradiciones con una clara distinción del aporte afro-antillano. Entre ellas el lenguaje, el carnaval y el Calipso.

lunes, 6 de septiembre de 2010

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

CHARLES AVISON



Charles Avison (Tyne, febrero de 1709 – Newcastle upon Tyne, 9 o 10 de mayo de 1770, ) (pronunciación 'ˈeɪvɪsən) fue un compositor inglés durante los períodos Barroco y Clásico. Fue organista de la iglesia de San Juan en Newcastle y en la iglesia de San Nicolás. Es recordado por sus 12 Concerti grossi tras Domenico Scarlatti y su Essay on Musical Expression, las primeras críticas musicales escritas en inglés.

Se desconocen los primeros años de vida de Avison. Se sabe que era hijo de Richard y de Anne Avison, ambos músicos, y que lo bautizaron el 16 de febrero de 1708 /9 en la iglesia de San Juan de Newcastle. Es probable que haya tenido contacto temprano con Ralph Jenison, patrón de los artes, y más adelante miembro del Parlamento. En su juventud viajó a Londres para estudiar con Geminiani. Sin embargo, sus lazos con su ciudad natal seguían siendo fuertes, y el 13 de octubre de 1735 obtuvo el puesto de organista en la iglesia de San Juan de Newcastle. Poco después también se hizo organista en la catedral de San Nicolás. A pesar de haber recibido numerosas ofertas para puestos más prestigiosos durante su vida, nunca volvió a salir de Newcastle.

El 15 de enero de 1737 se casó con Catherine Reynolds, con la que tuvo tres hijos: Jane (1744-1773), Edward (1747-1776) y Charles (1751-1795). Edward y Charles trabajaron como organistas en San Nicolás, y Charles publicó un libro de himnos. En julio de 1738, fue nombrado director musical de la Sociedad Musical de Newcastle. Colaboró además en conciertos junto con John Garth en Durham, y participó de forma era activa en los teatros locales.

Falleció el 10 de mayo de 1770, siendo enterrado en St. Andrew en Newcastle

FRANCESCO MANFREDINI

Francesco Onofrio Manfredini fue un violinista y compositor italiano del barroco, nacido en Pistoia, Italia, el 22 de junio de 1684 y fallecido en la misma localidad el 6 de octubre de 1762.

Fue bautizado el 22 de junio 1684 en Pistoia. Estudió violín con Giuseppe Torelli y composición con Giacomo Antonio Perti en Bolonia. Actuó como violinista en Ferrara y Bolonia.

Durante un tiempo fue maestro de capilla del Príncipe de Mónaco, Antonio Grimaldi a quien dedicó su opus. nº 3.

Regresó a Roma en 1727 como maestro de capilla de la Catedral de San Felipe. Fue padre del compositor Vincenzo Manfredini y del castrato y compositor José Manfredini.

GIUSEPE TORELLI



Giuseppe Torelli (Verona, 22 de abril de 1658 - Bolonia, 8 de febrero de 1709) fue un compositor, violinista y maestro de música italiano del Barroco. Era hermano del pintor Felice Torelli y recordado especialmente por su contribución al desarrollo del concerto grosso y por su música para instrumentos de arco y trompeta.


El primer entrenamiento musical lo recibió en su ciudad natal con el maestro Giuliano Massaroti.

En 1684 se trasladó a Bolonia para estudiar con Giacomo Antonio Perti y el 27 de junio de ese mismo año ingresó en la Academia Filarmónica de Bolonia como violinista. En 1686 obtuvo el puesto de violista en la orquesta de la Basílica de San Petronio, y en 1689 comenzó a utilizar la viola tenor. Torelli permaneció como músico de la orquesta hasta su disolución en 1696.

Allí inició un recorrido por Ansbach (Alemania) y Viena, donde continuó su carrera musical hasta su retorno definitivo a Bolonia en 1701. En 1698 publicó en Augsburgo sus "Conciertos musicales, op. 6", y al poco tiempo lo designaron primer violín en la corte de Jorge Federico II, margrave de Brandeburgo-Ansbach, donde permaneció dos años, hasta su viaje a Viena en 1700 para presentar un oratorio.

Finalmente retornó a Bolonia, donde trabajó como violinista y maestro de música hasta su muerte en 1709. Entre sus muchos alumnos se cuentan Francesco Manfredini y otros compositores italianos del siglo XVIII.

ARCANGELO CORELLI

Arcangelo Corelli (Fusignano, 17 de febrero de 1653 — † Roma, 8 de enero de 1713) fue un violinista italiano y un compositor de música barroca.

Nace en Fusignano (provincia de Rávena, Italia) el 17 de febrero de 1653. Era hijo de una de las familias más importantes de esta ciudad. Desde la infancia estudiaba violín en su ciudad natal. En 1666 viaja a Bolonia, donde estudia con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. En 1670 pasa a ser miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Cinco años más tarde se establece en Roma, donde fue adoptado y alojado por el cardenal Pietro Ottoboni, sobrino del papa Alejandro VIII. En Roma alcanzaría una extraordinaria fama como violinista, a la vez que perfeccionaba su técnica compositiva. Fue protegido por la reina Cristina de Suecia.

Retrato de Jan Frans Douven.En 1682 se convirtió en primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses, la iglesia nacional de la comunidad francesa en Roma. En 1684 ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia, el mismo año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo. Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Su fama era tal, que en 1706 ingresó en la Academia de la Arcadia, una altísima distinción en esa época, donde conoció a Domenico Scarlatti. Dos años después conocerá a Händel. Falleció en Roma el 8 de enero de 1713, siendo enterrado en el panteón de la iglesia de Santa María ad martires (el Panteón de Roma).

Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel. Después de las de Franz Joseph Haydn, las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo.

LUIGI BOCCHERINI



Luigi Rodolfo Boccherini (Lucca, 19 de febrero de 1743 - Madrid, 28 de mayo de 1805) fue un chelista y un compositor italiano, perteneciente al Estilo galante y pionero del periodo clásico en la música.


Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, en la Toscana, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y chelista, y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más tarde encontro su vocación en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las primeras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannuci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violoncelista contando con tan sólo 13 años de edad.

BALADAS CON BANDA 1960

DESDE KOREA

ORQUESTA SORO

LOS CATRACHOS BOY`S

DESDE SANTA BARBARA, HONDURAS

DESDE HONDURAS

BAILABLES DE 1940

martes, 31 de agosto de 2010

DELTA RHYTM BOYS

ALICE BABS

Alice Babs, nacida Hildur Alice Nilsson en Kalmar el día 26 de enero de 1924, es una cantante y actriz sueca. Desde hace varios años, vive con su marido en Marbella, España.

Fue la primera representante de su país en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1958, consiguiendo la cuarta posición con el tema "Lilla Stjärna" ("Pequeña Estrella").

RENEE LEBAS

RAYMOND ASSO

Nació en Niza en el seno de una familia desunida, se embarcó hacia Marruecos a la edad de 15 años. Desempeñó múltiples oficios (pastor, director de fábrica, caballero en Turquía y Siria, chófer, gerente de un local nocturno, etc.) antes de revelarse como autor.

Su debut en la canción fue en 1933, aunque no conocería el éxito hasta 1935 gracias a Édith Piaf. Toma en sus manos la carrera de la cantante, conviertiéndose en su amante y letrista habitual escribiendo un gran número de canciones para ella. Sus canciones de esa época suelen llevar música compuesta por Marguerite Monnot, quien se convertirá en la compositora titular de la Môme. También escribió canciones para Marie Dubas (Le Fanion de la Légion, Mon légionnaire).

Al ser movilizado por la Segunda Guerra Mundial, su colaboración con Édith Piaf termina. Después de la guerra continúa escribiendo para diversos artistas como Lucienne Delyle, Marcel Mouloudji, Renée Lebas...

Los años cincuenta son muy prolíficos para el autor y le traerán numerosos éxitos, tales como Y’a tant d’amour (interpretado por Renée Lebas) o Un petit coquelicot escrita para Mouloudji. Además, varias estrellas de la época interpretaron temas escritos por él: Yves Montand (con Ninon, ma ninette en 1954), Catherine Sauvage, Les Frères Jacques (Mon ami m’a donné, Mais les vrais amoureux), Jean Bretonnière (C’est tant pis, c’est tant mieux en 1954), Odette Laure (Je suis nerveuse en 1955), Tino Rossi (Mon printemps en 1956) y André Dassary (Des pays merveilleux)

Raymond Asso también grabó discos (principalmente cuentos musicalizados para niños). De 1962 a 1968, al término de su vida, se convirtió en administrador de la SACEM.

EDITH PIAF

Édith Piaf (París, 19 de diciembre de 1915 - Plascassier (Grasse, Alpes Marítimos), 11 de octubre de 1963), cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, fue una de las cantantes francesas más célebres del siglo XX. Su deceso se produce el 10 de octubre de 1963 (a los 47 años) en Grasse, Francia; y sus restos fueron llevados a París, lugar en que se anunció oficialmente su muerte el 11 de octubre de 1963. A "La Môme Piaf”, así llamada en sus inicios, se le deben numerosas canciones del repertorio francófono como La vie en rose, Non, je ne regrette rien, Hymne à l'amour, Mon légionnaire, La Foule o Milord, conocidas mundialmente. Personalidad destacada, Piaf inspiró a numerosos compositores, siendo la mentora de jóvenes artistas que tuvieron fama internacional. Édith Piaf también se destacó como actriz de cine y teatro participando de numerosos films y obras de teatro a lo largo de su carrera artística.

JAQUES BREL

Jacques Romain Georges Brel (8 de abril de 1929 - 9 de octubre de 1978), conocido artísticamente como Jacques Brel, fue un cantante belga francófono y, al mismo tiempo, actor y cineasta. Sus canciones son famosas por la poesía y honestidad de sus letras. Tal vez su canción más conocida a nivel internacional es Ne me quitte pas, que se lanzó en 1959.

GUIOMAR NOVAES

Guiomar Novaes nació el 28 de febrero de 1895 en São João da Boa Vista, en el estado de São Paulo (Brasil). Era la hija menor de una familia muy numerosa. Estudió con Antonietta Rudge Miller y Luigi Chiafarelli antes de ser aceptada como alumna de Isidor Philipp en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París en 1909. Ese año había 2 plazas en el Conservatorio para estudiantes extranjeros y 387 solicitantes. Giomar Novaes tuvo que interpretar ante un jurado que incluía a Gabriel Fauré, Claude Debussy y Moritz Moszkowski los "Grandes Études de Paganini" en mi mayor de Franz Liszt, la "Balada nº 3, Op. 47" de Frédéric Chopin y el "Carnaval" de Robert Schumann, obteniendo la primera plaza. Debussy escribió más tarde una carta dejando constancia de su asombro acerca de la pequeña niña brasileña que llegó a la estación y, olvidándose del público y el jurado, interpretó con enorme belleza y completamente absorta.

Su técnica e interpretación musical se habían formado cuando llegó a París. Una de lass primeras piezas que interpretó para Philipp fue la "Sonata Les Adiex" de Ludwig van Beethoven. Philipp le dijo que había realizado el segundo movimiento demasiado rápido y que debía repetirlo más lentamente. Novaes lo repitió con algunas diferencias en algunos detalles, pero en exactamente al mismo ritmo, hecho que sucedió varias veces. Philipp finalmente se rindió, afirmando más tarde, "Incluso a esa edad, tenía una mentalidad individualista".

A finales de 1910, Guiomar realizó su debut oficial con la Orquesta Chatelet, dirigida por Gabriel Pierné. También interpretó obras bajo la dirección de Henry Wood, en Reino Unido e inició una gira por Italia, Suiza y Alemania. Volvió a su Brasil natal con el inicio de la Primera Guerra Mundial e hizo su debut en Estados Unidos en 1915 en el Aeolian Hall de Nueva York. El crítico musical del New York Times Richard Aldricht la apodó "una música por la gracia de Dios".[3] Pitts Sanborn, del Boston Globe la denominó "la joven genio del piano". Apodada "la Paderewska de las Pampas", continuó actuando en Estados Unidos con frecuencia, principalmente en la ciudad de Nueva York. En 1922 contrajo matrimonio con Octavio Pinto, un ingeniero civil que también era pianista y compositor. Continuó su carrera musical hasta la década de 1970. Su última aparición en un concierto tuvo lugar en el Hunter College de Nueva York en 1972. Guiomar Novaes murió en São Paulo (Brasil) en 1979.

CONCIERTO CLASICO DE TROMBON

ORQUESTAS Y BUENA MUSICA

sábado, 28 de agosto de 2010

PAPA CANDITO

JOHNNY VENTURA

Juan de Dios Ventura Soriano, artísticamente Johnny Ventura o "El Caballo" (nacido el 8 de marzo del 1940 en Santo Domingo) es un cantante de merengue dominicano quien actualmente está semi-retirado.

Músico que innovó con sus letras y su pegajoso ritmo acompañado de su grupo El Combo-Show. Era un sonido diferente para lo que se hacía en la época pero disfrutaba de la aceptación de una gran fanaticada que empezó a seguirlo. Su combo-show nombre haciendo referencia a combo como una cantidad limitada de personas y show por el espectáculo visual y los movimientos que hacían cuando estaban en escena.

Bautizado como el Caballo Mayor, causó mucha expectativa y algarabía en el mundo del espectáculo de la República Dominicana.

JOSEITO MATEO

José Tamárez Mateo, conocido como Joseito Mateo o El diablo Mateo (Santo Domingo, República Dominicana, 6 de abril de 1920) es un famoso cantante de Merengue y Perico Ripiao quien empezó su carrera en el 1930.

Su carrera empezó como la de todos los artistas que nacen en barrio pobre en Dominicana,comienzan cantando en fiestas de cumpleaños, veladas de escuela, hasta que un día a base de practica se hacen profesionales.

Terminado aquel primer ciclo, en el que Mateo presentó sus credenciales ante el público de la entonces capital del espectáculo, volvió a la República Dominicana y poco tiempo después fue requerido por la disquera SEECO para que se sumara al elenco que en La Habana grabaría con la Sonora Matancera. Eran los años en los que los dominicanos requerían de un permiso de salida para viajar al extranjero. Dicho documento le fue negado a Joseíto. Esto trajo como consecuencía que en La Habana, contratado el disco e incluso las piezas que estarían incluidas en el registro, se grabara un antológico acetato en el cual se incluyó el muy conocido merengue "El negrito del batey", que no se dio a conocer por su verdadero inspirador, Joseíto Mateo. Por suerte para la cultura musical de nuestros pueblos, le tocó asumir aquel contrato al no menos brillante artista dominicano Alberto Beltrán, quien fue entonces para el público cubano "El negrito del batey".



GUANDULITO Y SUS COMPADRES

LUIS KALAFF



Luis Kalaff. Notable músico, compositor y cantante dominicano, nacido en Pimentel, Provincia Duarte, en el año 1916. Inició su carrera artística en 1939 junto a Papa Molina y Bienvenido Brens, cuando formaron el famoso trío Los Alegres Dominicanos.

Como compositor ha escrito miles de canciones, las cuales han sido interpretadas por los más notables cantantes nacionales e internacionales.

jueves, 26 de agosto de 2010

THE POLICE

The Police fue una banda de rock inglesa, cuyo estilo tenía fuertes influencias de reggae y jazz. Se formó en 1977 y tocaron oficialmente hasta marzo de 1984 (nunca emitieron un comunicado sobre su disolución). Estaba formada por Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros y Stewart Copeland, batería y coros.

TECNOTRONIC

Technotronic Technotronic es una banda de origen Belga otro ejemplo de grupo de música dance y house que gozó de un enorme aunque efímero éxito en la década de los 90. El productor discográfico belga Jo Bogaert (también productor de la banda L'Olimpe) bajo el seudónimo de Thomas De Quincey ideó el grupo en 1988 uniéndose a la vocalista Ya Kid K (seudónimo de Manuela Kamosi). Fue uno de los impulsores de la música electrónica

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