domingo, 22 de agosto de 2010
LECUONA CUBAN BOYS
La “LECUONA CUBAN BOYS” fue una extraordinaria Orquesta que hizo gozar a ritmo de rumba sensual y conga endiablada, a los bailadores del mundo entero durante casi medio siglo.
En efecto, creada en 1931, la Orquesta LECUONA CUBAN BOYS, trabajó con muy pocos cambios en su formación, hasta 1975. Su época dorada corresponde a los años 1934 – 1939, durante los cuales , la Orquesta recorre Europa entera, sintiendo una predilección especial por París. Comentaremos ahora cómo fue creada esta famosa agrupación.
Todo comienza en 1930 en La Habana, cuando la Orquesta Lebatard – Palau se divide en dos, formándose así las llamadas: ORQUESTA DE LOS HERMANOS PALAU y la de los HERMANOS LEBARTAD. En esta última figuraban Armando Oréfiche, Ernesto “Jaruco” Vázquez y los Hermanos Agustín y Gerardo Bruguera, quienes a principio de 1931 deciden crear su propia formación. Con la ayuda de varios músicos organizan la Orquesta ENCANTO , que toma el nombre del teatro en el que se presentaban. El éxito no se hace esperar y la reputación de la orquesta llega rápido a oídos del Maestro ERNESTO LECUONA, a través de su hermana Ernestina que los había conocido en el Teatro Encanto. El Maestro Lecuona se encontraba en esos momentos en Hollywood componiendo la música de la película “Cuban Love Song”.
El Maestro Lecuona, de regreso a La Habana se interesa de tal manera por la joven Orquesta Encanto, que les propone pasen a formar parte de su espectáculo donde él es el solista en conciertos de piano. De mutuo acuerdo con los componentes de la Orquesta, le cambia el nombre a ésta, llamándola ahora ORQUESTA CUBANA DE ERNESTO LECUONA. Bajo ese nombre recorren toda la isla, pero sin actuar juntos. Jamás el Maestro Lecuona tocó el piano en el seno de dicha orquesta. Se limitaba a dar recitales de sus propias obras como solista. Era, por decirlo de alguna forma: una orquesta de Lecuona, sin Lecuona. La jira fue de un éxito clamoroso.
Para esa época, la Orquesta estaba conformada así: Ernesto Vázquez, primera trompeta / guitarra; Enrique López Rivero, trompeta; Jesús Bertomeu, trombón / violín; Jorge Domínguez, clarinete; Daniel González, saxo alto / violín; Gerardo Bruguera, clarinete / saxo tenor; Armando Oréfiche, piano; Guillermo Hernández guitarra / tumba /güiro /maracas; Eduardo Barrenechea, bajo; Agustín Bruguera, percusión /vocalista; Tomás Ríos, violín / vocalista.
En el año 1932, Ernesto Lecuona es contratado para dar conciertos de piano en España. Embarca para ese país con la promesa de mandar a buscar la orquesta tan pronto pueda y, así lo hace, llevando también a los cantantes María Fantoli, Maruja González, Miguel de Grandy, Carmen Burguete y la pareja de baile Gracia y Mario.
La Orquesta hace su debut el día 12 de octubre de 1932 en el Teatro Fígaro de Madrid. Iniciaron su presentación con un potpourri de música cubana, que llamaron RAPSODIA TROPICAL. Obtuvieron un rotundo éxito. Comienza una espectacular jira por toda España. Como solía hacer en Cuba, el Maestro Lecuona aseguraba una parte como solista y la Orquesta amenizaba el resto de la función con ritmos populares.
LOS FREDDYS
Grupo mexicano de Rock and Roll y balada, surgido a mediados de 1964. Originarios de Guadalajara, Jalisco (México).
Sus mayores éxitos son la balada "Déjenme Llorar" y "Aunque me Hagas Llorar" a principios de los años 70's. Aunque iniciaron realizando algunos covers de rock and roll. Son considerados como precursores de la onda grupera en México por temas como "Si acaso vuelves".
El grupo empezó realizando covers en español de temas en inglés hacia el año 1965, firmando desde un inicio para la compañía discográfica Peerless. Empezaron en Tijuana, Baja California, México pero se radicaron todo su tiempo en Guadalajara, Jalisco, México.
De aquella época se recuendan mucho canciones como su versión al español de "Penny Lane" y el tema titulado "Sufrirás sin Mi" adaptación a la canción "Es sólo Amor", ambas composiciones de The Beatles.
Sus mayores éxitos son la balada "Déjenme Llorar" y "Aunque me Hagas Llorar" a principios de los años 70's. Aunque iniciaron realizando algunos covers de rock and roll. Son considerados como precursores de la onda grupera en México por temas como "Si acaso vuelves".
El grupo empezó realizando covers en español de temas en inglés hacia el año 1965, firmando desde un inicio para la compañía discográfica Peerless. Empezaron en Tijuana, Baja California, México pero se radicaron todo su tiempo en Guadalajara, Jalisco, México.
De aquella época se recuendan mucho canciones como su versión al español de "Penny Lane" y el tema titulado "Sufrirás sin Mi" adaptación a la canción "Es sólo Amor", ambas composiciones de The Beatles.
STEVE LAWRENCE
Steve Lawrence (nacido el 08 de julio 1935) es un actor y cantante estadounidense, quizás mejor conocido como miembro de un dúo con su esposa Eydie Gormé, anunciado como Steve y Eydie. Los dos han aparecido juntos desde hace apariciones regulares en Steve Allen, The Tonight Show a mediados de la década de 1950.
Lawrence nació Sidney Liebowitz en una familia judía en Brooklyn, Nueva York. Sus padres fueron Ana (née Gelb) y Leibowitz Max, que era un cantor y pintor de brocha gorda. Lawrence asistió a Thomas Jefferson High School. Él y Gormé casaron el 29 de diciembre 1957 en el hotel El Rancho en Las Vegas, Nevada. con quien tuvo dos hijos, el menor de los cuales, Michael, murió inesperadamente en 1986 de la fibrilación ventricular como resultado de un corazón no diagnosticada condición a la edad de 23 años. Su otro hijo es David Nessim Lawrence, que compuso la banda sonora de High School Musical. A finales de 1950, Lawrence fue reclutado por el Ejército y sirvió como oficial de la solista vocal con El Ejército de Estados Unidos Band "Pershing propia" en Washington, DC
Lawrence tenido éxito en las listas de éxitos a finales de 1950 y comienzos de 1960 con éxitos como "Go Away Little Girl" (EE.UU. # 1), "Pretty Blue Eyes" (EE.UU. # 9), "Paso a Paso" (EE.UU. # 7), "Retrato de mi amor" (EE.UU. # 9) y "Doll Party" (EE.UU. # 5). "Go Away Little Girl" vendió más de un millón de copias, y fue galardonado con un disco de oro. Sin embargo, gran parte de su carrera musical se ha centrado en los clubes nocturnos y la escena musical. Lawrence es un actor también, apareciendo como actor invitado en programas de televisión en cada década desde los años 1950, en programas como El Show de Danny Kaye, The Carol Burnett Show, The Julie Andrews Hour, Noche de Galería, Police Story, Asesinato Se ha escrito, Gilmore Girls, y CSI. En el otoño de 1965, Lawrence fue por poco tiempo la estrella de un show de variedades llamado The Steve Lawrence Show ", el programa de televisión por última vez en blanco y negro en la CBS". Lawrence también apareció en la última temporada de The Nanny como padre nunca antes vistas de Fran, Morty Fine.
Entre 1953 y la década de 1970, registrada por primera vez Lawrence King Records firmó entonces a Coral, a continuación, ABC-Paramount, a continuación, United Artists, luego de Columbia y, finalmente, MGM, nunca quedándose con una etiqueta para un largo período de tiempo.
Él y Gormé aparecieron juntos en el musical de Broadway Golden Rainbow, que se desarrolló a partir de febrero de 1968 hasta enero de 1969. Aunque el espectáculo no fue un gran éxito (un resumen de esta experiencia es relatada en detalle poco halagadora en 1968 William Goldman libro de la temporada), el programa contenía la canción memorable "Tengo que ser yo". Esta canción fue cantada originalmente por Lawrence al final del primer acto del musical, Sammy Davis, Jr. más tarde grabaría una versión de la canción que se convirtió en un éxito del Top 40 en 1969.
En 1980, Lawrence se introdujo a una nueva generación de fans con su interpretación memorable de chantaje gerente de Maury sLine en la exitosa película The Blues Brothers con John Belushi y Dan Aykroyd.
Él interpretó al padre de Mark McCormick Sonny Daye en dos episodios de Hardcastle y McCormick. En 1999, apareció como la gente habla mucho, pero nunca antes visto, Morty Fine, padre de Fran Fine en la serie cómica de televisión, The Nanny.
viernes, 20 de agosto de 2010
LOLITA SEVILLA
Moreno Gómez, Lolita Sevilla (Sevilla, 11 de marzo de 1935) es una tonadillera y actriz española.
Cambió su nombre contando con muy poca edad. Se hallaba actuando en el Teatro de San Fernando, la ley impedía a los menores actuar en las variedades. Prestaron o alquilaron un carnet profesional que estaba a nombre de una artista llamada Dolores Sevilla, de donde se le conoce como Lolita Sevilla
Debuta como cantante cuando tan sólo era una niña, con diez años. Con trece debuta en Madrid, con la compañía de Cipriano Díaz Chavalillos sevillanos y a los diecisiete le llega la gran oportunidad profesional al ser seleccionada por Luis García Berlanga para interpretar el papel de Carmen Vargas en Bienvenido, Mister Marshall (1952), uno de los títulos más célebres y aclamados de la historia del cine español. La película la catapulta a la popularidad y su recuerdo ha quedado invariablemente vinculado al personaje y sobre todo a su interpretación del tema central de la película, Americanos, que cincuenta años después seguía siendo un icono de la música popular y folclórica española del siglo XX.
La Chica del Barrio fue su primera película, dirigida por Ricardo Núñez , seguida de Tremolina, proviniendo de los Álvarez Quintero. El título más popular fue Malagueña interpretada con Antonio Molina.
Su trayectoria posterior no pasó de la discreción. Tras firmar un contrato con Benito Perojo, rueda otras siete películas en la década de los cincuenta e interpreta la Revista Lava la señora lava el caballero, junto a Tony Leblanc. Sin embargo, su popularidad no llega a alcanzar incluso en su momento de máximo esplendor, la de otras figuras de la época como Lola Flores, Carmen Sevilla o Paquita Rico. Posteriormente, su carrera fue languideciendo hasta su retirada definitiva de los escenarios.
Cambió su nombre contando con muy poca edad. Se hallaba actuando en el Teatro de San Fernando, la ley impedía a los menores actuar en las variedades. Prestaron o alquilaron un carnet profesional que estaba a nombre de una artista llamada Dolores Sevilla, de donde se le conoce como Lolita Sevilla
Debuta como cantante cuando tan sólo era una niña, con diez años. Con trece debuta en Madrid, con la compañía de Cipriano Díaz Chavalillos sevillanos y a los diecisiete le llega la gran oportunidad profesional al ser seleccionada por Luis García Berlanga para interpretar el papel de Carmen Vargas en Bienvenido, Mister Marshall (1952), uno de los títulos más célebres y aclamados de la historia del cine español. La película la catapulta a la popularidad y su recuerdo ha quedado invariablemente vinculado al personaje y sobre todo a su interpretación del tema central de la película, Americanos, que cincuenta años después seguía siendo un icono de la música popular y folclórica española del siglo XX.
La Chica del Barrio fue su primera película, dirigida por Ricardo Núñez , seguida de Tremolina, proviniendo de los Álvarez Quintero. El título más popular fue Malagueña interpretada con Antonio Molina.
Su trayectoria posterior no pasó de la discreción. Tras firmar un contrato con Benito Perojo, rueda otras siete películas en la década de los cincuenta e interpreta la Revista Lava la señora lava el caballero, junto a Tony Leblanc. Sin embargo, su popularidad no llega a alcanzar incluso en su momento de máximo esplendor, la de otras figuras de la época como Lola Flores, Carmen Sevilla o Paquita Rico. Posteriormente, su carrera fue languideciendo hasta su retirada definitiva de los escenarios.
LIDYA MENDOZA
Lydia Mendoza (21 mayo 1916 hasta 20 diciembre 2007) fue un guitarrista y cantante de música tejana. Ella es conocida como La Alondra de la Frontera (La Alondra de la Frontera).
Mendoza nació en una familia musical en Houston, Texas. Aprendió a cantar y tocar instrumentos de cuerda de su madre y abuela. En 1928, como parte del grupo familiar Cuarteto Carta Blanca, hizo sus primeras grabaciones para la compañía OKeh en San Antonio. En los primeros años treinta, Mendoza llamó la atención de Manuel J. Cortez, un pionero de la radiodifusión mexicana-estadounidense. Sus actuaciones en vivo de radio preparar el escenario para sus grabaciones para el sello Blue Bird en 1934. Una de sus grabaciones, "Mal Hombre", se convirtió en un éxito de noche, y dio lugar a un intenso programa de giras y grabaciones. Después de la Segunda Guerra Mundial, Mendoza inscribirse para todos los grandes sellos récord mexicano-estadounidense. Una de las pocas canciones que ella escribió personalmente, y un favorito personal, fue "Amor Bonito", dedicado a su marido. Lydia Mendoza siguió tocando y grabando hasta frenado por un derrame cerebral en 1988. En 1982, Texas se convirtió en la primera en recibir un Fondo Nacional de las Artes del Patrimonio Nacional de Becas. En 1999, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes, y en 2003, ella estaba entre el segundo grupo de beneficiarios de Texas, el Texas Cultural Trust Medalla de las Artes
FRANK POURCEL
Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 — Neuilly-sur-Seine; 12 de noviembre de 2000) fue un destacado director de orquesta francés. Es también, uno de los pocos (posiblemente el único a gran escala) directores franceses que tiene reconocimiento en los Estados Unidos.
Nació en Marseille, Francia, el 11 de agosto de 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a Carl Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los 6 años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín.
Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You".
Compuso la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico. Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París.
Nació en Marseille, Francia, el 11 de agosto de 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a Carl Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los 6 años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín.
Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You".
Compuso la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico. Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París.
LA LUPE
La Lupe fue el nombre artístico de Lupe Victoria Yolí Raymond, cantante cubana nacida el 23 de diciembre de 1939 en Santiago de Cuba y fallecida el 29 de febrero de 1992 en Nueva York.
La Lupe, también conocida como "la Reina del Latin Soul", se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos locales habaneros, una vez terminada, por exigencia paterna, su carrera de magisterio o de maestra. En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio "Yoyo" Reyes, el Trío Tropicuba, que comenzó a presentarse de forma permanente en un legendario bar de La Habana, llamado La Red. Su forma de cantar, llena de energía y con un cierto toque estrafalario, la hizo famosa casi inmediatamente en la ciudad. Prueba de ellos son sus primeros dos discos: Con el diablo en el cuerpo e Is Back.
Exiliada de Cuba, pues su forma de cantar no era bien vista por el nuevo régimen fidelista que se había implantado en el país, viajó a México y, a los pocos meses, a Nueva York, donde empezó a cantar en un bar de Midtown: La Barraca. Allí fue "descubierta" por el percusionista Mongo Santamaría, con el que grabó el disco Mongo Introduces La Lupe (1963). Ciertas desaveniencias con Santamaría fueron aprovechadas por Tico Records para formar un tándem con Tito Puente que grabó cuatro discos que tuvieron un éxito inaudito y la catapultaron al estrellato.
Más famosa que Celia Cruz en los años 60, el éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años 50, en la ciudad de los rascacielos. Ese canto arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en La Lupe su mejor exponente femenino.
Viajó por muchos países de la región y fue cartel principal en los reputados carnavales de Caracas, en los que ganó premios a la mejor cantante y llenaba el aforo de sus presentaciones. En Nueva York fue la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden, tal y como lo recuerdan muchas publicaciones, entre ellas The Village Voice.
En los años 70, sin embargo, varios factores incidieron para que su estrellato decayese. Su vida personal y sentimental era un auténtico terremoto (ella era santera y muchos de sus "mayores" se aprovechaban de su influencia y dinero; su segundo esposo, Willie García, empezó a desarrollar un cuadro esquizofrénico que la obligó a gastar ingentes sumas de dinero en tratamientos médicos), sus hábitos dispensiosos hacían que, por ejemplo, gastase los 20.000 dólares que ganaba en un concierto en un nuevo abrigo de piel. También, la consolidación de la salsa contribuyó a que sus producciones musicales fuesen perdiendo relevancia.
En 1974 el sello disquero Tico Records fue adquirido por Fania Records y sus directivos, que habían logrado que Celia Cruz se mudase a la ciudad y formase parte de las portentosas Fania All Stars, decidieron dejarla a ella en un segundo plano. Esto, además, fue fortalecido por una pelea que tuvo con Cruz, al afirmar La Lupe que el marido de la cantante, Pedro Knight, era palero. La conversación que sostuvo con la periodista fue "off the record", pero salió publicada en El Diario/La Prensa. Parece ser que Celia Cruz le dijo a Jerry Masucci (capitoste de Fania) a modo de ultimátum: "o ella o yo".
DARIO GOMEZ
Uno de los artistas populares más destacados que han nacido en Colombia, comenzó a escribir versos a los 14 años y a buscar apoyo mientras trabajaba como mecánico. Su iniciación en la interpretación ocurrió con un grupo llamado Los Legendarios, hasta lograr conformar su propio sello disquero. Desde entonces ha sido un gran impulsor de la música popular.
Ha gozado de gran fama y dinero, siendo quizá el cantante popular preferido de Colombia, y allá en los tiempos de la pernicia; predilecto en cantinas, donde sus temas suenan de principio a fin del CD y no sólo, como generalmente sucede, una o dos canciones. Ha realizado muchísimas giras mundiales, tanto que el video de Nadie es eterno fue realizado con imágenes de conciertos en Francia.
Crea su propio sello musical (DAGO), con el que lanza éxitos propios con la composición casi absoluta suya de todos los temas.
Divorciado 1 veces -- ("...por eso busqué otro amor que hiciera lo que tú no hiciste en tu lugar, sentirse propia y dueña de mi corazón, que no me impida si con ella quiero estar; me gusta hacer el amor, que a los dos la pasión nos obligue a llorar, hacer sentir lo que por ella siento yo, que no me tenga por un rato nada más") --.
"Indiscutiblemente -dice la crítica-, Darío Gómez ha sido el cantante número uno del género de despecho mundial; Basta con mencionar ‘Nadie es eterno’ para confirmarlo".
Ha gozado de gran fama y dinero, siendo quizá el cantante popular preferido de Colombia, y allá en los tiempos de la pernicia; predilecto en cantinas, donde sus temas suenan de principio a fin del CD y no sólo, como generalmente sucede, una o dos canciones. Ha realizado muchísimas giras mundiales, tanto que el video de Nadie es eterno fue realizado con imágenes de conciertos en Francia.
Crea su propio sello musical (DAGO), con el que lanza éxitos propios con la composición casi absoluta suya de todos los temas.
Divorciado 1 veces -- ("...por eso busqué otro amor que hiciera lo que tú no hiciste en tu lugar, sentirse propia y dueña de mi corazón, que no me impida si con ella quiero estar; me gusta hacer el amor, que a los dos la pasión nos obligue a llorar, hacer sentir lo que por ella siento yo, que no me tenga por un rato nada más") --.
"Indiscutiblemente -dice la crítica-, Darío Gómez ha sido el cantante número uno del género de despecho mundial; Basta con mencionar ‘Nadie es eterno’ para confirmarlo".
ORQUESTA CASINO DE LA PLAYA
La orquesta Casino de la Playa fue fundada en 1937 en la ciudad de La Habana, Cuba. Recibió ese nombre por ser la orquesta de planta del casino del mismo nombre. Esta orquesta propició un puente entre la música popular cubana y el sonido de las big bands americanas. También sirvió de plataforma para el surgimiento de grandes músicos.
A mediados de 1937, la discográfica RCA Victor realizó una serie de grabaciones en La Habana con más de 20 grupos de diferente formato. La orquesta Casino de la Playa grabó seis números, entre los que se encontraba la célebre canción Bruca Maniguá de Arsenio Rodríguez. Éste fue el primer eslabón de su proyección tanto en Cuba como en el extranjero. Entre 1937 y 1939, la orquesta grabó unas 60 canciones y realizó diversas giras por América.
En 1941, Anselmo Sacasas, director de la orquesta, y el cantante Miguelito Valdés dejan la orquesta y deciden desarrollar sus propios proyectos en los Estados Unidos. Sacasa fue sustituido por Julio Gutiérrez y, en la orquesta, se trabaja con vocalistas invitados hasta que, en el año 1945, ocupa la plaza de cantante Orlando Guerra "Cascarita". Más adelante se incorporará al piano Dámaso Pérez Prado quien no duraría mucho en el grupo y emigraría a México donde daría un impulso fundamental al género del mambo.
En 1948, Cascarita abandona el grupo y la vida de la orquesta se prolonga hasta desaparecer a fines de los años cincuenta.
MANOLO ESCOBAR
Manolo García Escobar (19 de octubre de 1931; Las Norias de Daza, El Ejido, Almería), más conocido como Manolo Escobar, es un cantante español de copla andaluza y canción española. También ha trabajado como actor en diversas películas musicales. Entre sus éxitos se encuentran Mi carro (1969) o Y viva España, del compositor belga Leo Rozenstraten.
jueves, 19 de agosto de 2010
JESUS VASQUEZ
María de Jesús Vásquez Vásquez (*Lima, 20 de diciembre de 1920 – † 3 de abril de 2010), conocida como Jesús Vásquez, fue una cantante peruana, reconocida como la Reina y Señora de la Canción Criolla, epíteto ganado en 1939.
Fue hija de don Pedro Vásquez Chávez, y de doña María Jesús Vásquez Vásquez, nacida en la céntrica calle de Pachacamilla (Hoy Jr. Huancavelica), en un callejón de propiedad de la familia Paz Soldán, en la misma calle donde está el Santuario del Señor de los Milagros de quien es fiel devota desde que tiene memoria.
Comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greyeaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar y en cada función que se transmitía semanalmente le pagaban 50 centavos. Debido al éxito las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y nocturno.
Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.
Fue hija de don Pedro Vásquez Chávez, y de doña María Jesús Vásquez Vásquez, nacida en la céntrica calle de Pachacamilla (Hoy Jr. Huancavelica), en un callejón de propiedad de la familia Paz Soldán, en la misma calle donde está el Santuario del Señor de los Milagros de quien es fiel devota desde que tiene memoria.
Comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greyeaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar y en cada función que se transmitía semanalmente le pagaban 50 centavos. Debido al éxito las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y nocturno.
Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.
JEFFERSON AIR PLANE
Jefferson Airplane fue una banda de Estados Unidos surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico.
A fines del decenio de la década del 60', Jefferson Airplane era una de las actuaciones más altamente remuneradas en todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 americano más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit")
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Kassady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady). Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
A fines del decenio de la década del 60', Jefferson Airplane era una de las actuaciones más altamente remuneradas en todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 americano más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit")
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Kassady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady). Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
STEPPENWOLF
Steppenwolf fue un grupo de rock de los años 1960 y 1970. Es famoso por sus canciones "Magic Carpet Ride" y "Born to Be Wild" (que apareció en la película de Dennis Hopper Easy Rider). Algunos de sus miembros eran de ascendencia alemana, y tomaron el nombre de la novela Steppenwolf (El lobo estepario) de Herman Hesse.
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.
Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).
En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.
El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.
La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.
Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).
En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.
El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.
La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.
THE BYRDS
El germen de los Byrds fue el trío folk acústico californiano The Jet Set de 1964, integrado por Roger McGuinn (nacido como Jim en Chicago, 1941), Gene Clark (Tipton, Misouri 1941) y David Crosby (Los Ángeles 1941).
Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk.
Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle.
Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.
Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.
Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk.
Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle.
Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.
Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.
MARTY FRIEDMAN
Friedman es un guitarrista empírico, conocido por su improvisación y por fusionar la música oriental con estilos musicales de occidente, tales como el metal neoclásico, thrash metal y más adelante el rock progresivo, J-pop, jazz, new age y similares. yendo más allá de las escalas tradicionales, Friedman frecuentemente usa arpegios en las escalas con las que toca, utilizando una técnica poco convencional de tocar las cuerdas, favoreciendo los movimientos hacia arriba. También es conocido por su uso frecuente de vibratos melódicos y extensos.
Antes de unirse a Megadeth, formo y tocó en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no se confunda con la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en Cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.
Antes de unirse a Megadeth, formo y tocó en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no se confunda con la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en Cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.
TONI MC ALPINE
Tony MacAlpine (29 de agosto de 1960 en Massachusetts) es un guitarrista estadounidense que mezcla elementos del Neo-Classical Metal y el Jazz. Además de la guitarra eléctrica es también pianista, grabando todos los teclados de sus discos solistas. Junto a Yngwie J. Malmsteen, Vinnie Moore y otros guitarristas fueron pioneros en el metal neoclásico. A lo largo de los años ha creado un estilo único que lo diferencia de otros músicos, adquiriendo fama mundial.
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
DEEP PURPLE
Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del pop y del rock progresivo. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, 1984 a 1989 y nuevamente entre 1992 a 1993 cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002
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