jueves, 19 de agosto de 2010
TONI MC ALPINE
Tony MacAlpine (29 de agosto de 1960 en Massachusetts) es un guitarrista estadounidense que mezcla elementos del Neo-Classical Metal y el Jazz. Además de la guitarra eléctrica es también pianista, grabando todos los teclados de sus discos solistas. Junto a Yngwie J. Malmsteen, Vinnie Moore y otros guitarristas fueron pioneros en el metal neoclásico. A lo largo de los años ha creado un estilo único que lo diferencia de otros músicos, adquiriendo fama mundial.
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
Tony MacAlpine toca la guitarra y los teclados en la banda de Steve Vai, con quien ha participado en el G3, y formó parte de la banda de metal progresivo Planet X. En la actualidad, está de gira con The Devil's slingshot, un grupo instrumental de jazz/fusion junto con los miembros restantes de los desaparecidos Ring of Fire (excepto el virtuoso teclista Vitalij Kuprij y el cantante Mark Boals).
DEEP PURPLE
Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del pop y del rock progresivo. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, 1984 a 1989 y nuevamente entre 1992 a 1993 cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002
martes, 10 de agosto de 2010
EVA AYLLON
'María Angélica Ayllón Urbina, (Lima, 7 de febrero de 1956). Conocida como Eva Ayllón, es una intérprete y folclorista peruana. Interpreta géneros afro-peruanos y valses criollos.
Nacida en 1956, en Lima, fue criada en el seno de una tradicional familia limeña, encabezada por su abuela. Es devota del Señor de los Milagros. De muy joven relizaba algunos ensayos en la casa del conocido Guitarrista Javier Munaico en el distrito popular de la victoria, èl ayudò a corregir algunas posturas relacionadas a sus movimientos corporales e interpretaciòn que le han sido de mucha utilidad posteriormente en su carrera.
Cuando empieza a ser algo conocida en el àmbito de la mùsica popular, lo hace paralelamente a otras dos connotadas cantantes del Perù, la gran Maria Obregòn y Lucia de la Cruz. En 1970, comienza a trabajar en peñas criollas con marcado éxito y años más tarde se integra al grupo Los Kipus siendo la voz principal y acompañándolos a recorrer todo el Perú.
En 1979 presenta su primera producción discográfica “Esta noche… Eva Ayllón”. A partir de 1980, su arte trasciende las fronteras latinas llegando a diversas ciudades de EE. UU. Considerada como la mejor cultora de la música afroperuana, es una mujer que encanta con su voz a propios y a extraños. En base a disciplina y talento se ha convertido en una de las mejores intérpretes de la música peruana con proyección internacional. La versatilidad de su voz le permite incursionar en diversos géneros musicales, característica que la ha llevado a compartir escenario con artistas internacionales como El Gran Combo de Puerto Rico, Gilberto Santa Rosa, Soledad Pastorutti y Marc Anthony.
En Agosto del 2006, graba su más reciente producción Eva Ayllón Live From Hollywood, DVD que cuenta con tecnología de 5.1 Surround que encuentra a EVA en su esencia en vivo, contando con grandes músicos invitados como Ramón Satagnaro, Alex Acuña, Allan Phillips, Abraham Laboriel, Harry Kim, Justo Almario, Gino Gamboa , Marco Campos, Dennis Jirón, Arturo Velasco, Luis Velásquez y Melena. Junto a su grupo musical de siempre Felipe Pumarada, Leonardo "Gigio" Parodi , Rony Campos, Luis Manrique, Rosa Ayllón y Sofia Buitrón.
Nacida en 1956, en Lima, fue criada en el seno de una tradicional familia limeña, encabezada por su abuela. Es devota del Señor de los Milagros. De muy joven relizaba algunos ensayos en la casa del conocido Guitarrista Javier Munaico en el distrito popular de la victoria, èl ayudò a corregir algunas posturas relacionadas a sus movimientos corporales e interpretaciòn que le han sido de mucha utilidad posteriormente en su carrera.
Cuando empieza a ser algo conocida en el àmbito de la mùsica popular, lo hace paralelamente a otras dos connotadas cantantes del Perù, la gran Maria Obregòn y Lucia de la Cruz. En 1970, comienza a trabajar en peñas criollas con marcado éxito y años más tarde se integra al grupo Los Kipus siendo la voz principal y acompañándolos a recorrer todo el Perú.
En 1979 presenta su primera producción discográfica “Esta noche… Eva Ayllón”. A partir de 1980, su arte trasciende las fronteras latinas llegando a diversas ciudades de EE. UU. Considerada como la mejor cultora de la música afroperuana, es una mujer que encanta con su voz a propios y a extraños. En base a disciplina y talento se ha convertido en una de las mejores intérpretes de la música peruana con proyección internacional. La versatilidad de su voz le permite incursionar en diversos géneros musicales, característica que la ha llevado a compartir escenario con artistas internacionales como El Gran Combo de Puerto Rico, Gilberto Santa Rosa, Soledad Pastorutti y Marc Anthony.
En Agosto del 2006, graba su más reciente producción Eva Ayllón Live From Hollywood, DVD que cuenta con tecnología de 5.1 Surround que encuentra a EVA en su esencia en vivo, contando con grandes músicos invitados como Ramón Satagnaro, Alex Acuña, Allan Phillips, Abraham Laboriel, Harry Kim, Justo Almario, Gino Gamboa , Marco Campos, Dennis Jirón, Arturo Velasco, Luis Velásquez y Melena. Junto a su grupo musical de siempre Felipe Pumarada, Leonardo "Gigio" Parodi , Rony Campos, Luis Manrique, Rosa Ayllón y Sofia Buitrón.
ROBERT SOETENS
Robert Soetens (19 julio 1897 a 22 octubre 1997) fue un violinista francés, recordado sobre todo para estrenar el Concierto para violín N º 2 de Sergei Prokofiev en 1935.
Robert Soetens nació en Montluçon, Francia en 1897, en una familia musical de origen belga. Su padre había sido alumno de Eugène Ysaÿe. Jugó en público a los siete años, ya la edad de 11 años también estudió con Ysaÿe. A los 13 años fue admitido en el Conservatorio de París, donde estudió con Vincent d'Indy, Chevillard Camille y Lucien Capeto.
A la edad de 16 años, jugó en el estreno del Cuarteto de Cuerdas de Primera Darius Milhaud, una compañera de estudios en el Conservatorio. Abandonó el Conservatorio para inscribirse en el ejército durante la Primera Guerra Mundial En su repatriación se convirtió en líder-solista de una orquesta en Aix-les-Bains, y más tarde con orquestas en Cannes (donde André Messager fue uno de los conductores), Deauville , y Angers. También fue a jugar con regularidad en París, donde hizo amistad con otros miembros de Les Six. En 1921 se casó con la soprano Maud Laury, pero se separaron muy pronto.
En 1925 Soetens dio la primera representación de Tzigane de Maurice Ravel (en la versión revisada para violín y piano), y luego se fue en una gira por Escandinavia con Ravel. Durante los siguientes 60 años, Soetens era un virtuoso de viaje. En Bruselas, se puso en contacto con Sergei Prokofiev, que eligió Soetens y Dushkin Samuel para estrenar su Sonata para dos violines en 1932. Prokofiev estaba tan contento con el rendimiento de la Sonata que, debido a Dushkin acababa de recibir un Concierto para violín de Igor Stravinsky , escribió de inmediato su segundo Concierto para violín de Soetens, que se estrenó en Madrid el 01 de diciembre 1935, bajo Enrique Fernández Arbós. Prokofiev dio Soetens derecho exclusivo de un año para realizar el trabajo , y los dos entonces emprendió una gira de 40 conciertos en Europa y el norte de África - una ocurrencia inusual ya que Prokofiev, como pianista, rara vez para compartir una plataforma con otro solista. Soetens tocaba el concierto de los tiempos, incluyendo las dos primeras actuaciones británicas (al mando de Sir Henry J. Wood en 1936 y en el propio compositor en 1938), y concluyendo con la primera actuación en Sudáfrica en 1972.
En 1925, se convirtió en líder Soetens de la Filarmónica de Oslo, pero continuó actuando como solista en toda Europa. Hilding Rosenberg dedicó su Segunda Sonata para violín, op. 32, en Soetens en 1926. Jugó en el estreno de la Segunda Sonata para violín de Albert Roussel. Antes de su muerte, Roussel también planeaba escribir un Fantaisie para violín y orquesta de Soetens.
Soetens jugó con frecuencia en Londres en los años 1920 y 1930 y más tarde apareció en otras partes del Reino Unido. Él escribió una sonata para violín de su propia (realizada 1934). En 1942, se aceptó la posibilidad de una gira por España, que también actúa como un agente para el descanso de la Francia Libre. No ser capaz de regresar sin el permiso oficial alemana, permaneció allí hasta el final de la guerra, concertising en España, Portugal y Norte de África. Después de la guerra, él jugó en Egipto, Palestina, Líbano, Turquía y Bulgaria. En 1947-1950, realiza una gira por África, y apareció en Gran Bretaña de nuevo en 1952-53 para una gira con la Orquesta Nacional de Escocia, y una vez más en 1957. Los años 1960 a 1962 se gastaron principalmente en América del Sur, el próximo tres de Asia, los próximos cinco años en América del Norte. En 1967-68 fue profesor en la Universidad de Oberlin en Ohio. Él formó una sociedad de conciertos con la pianista búlgara Minka Roustcheva en 1966, que duró casi 30 años. En los setenta años que jugó en el sur de África, Azores, Mauricio e Irán. En 1982 dio clases magistrales y conciertos en Londres y Oxford. En 1983, de 85 años, interpretó la Sonata de Prokofiev para dos violines en un concierto para conmemorar el 30 aniversario de la muerte del compositor. Le dio una clase magistral en Trondheim, Noruega, en mayo de 1992, dos meses antes de su 95 cumpleaños. Dio su último concierto público en 1992, a la edad de 95, y murió el 22 de octubre de 1997, 100 años de edad.
SERGEI PROKOFIEV
Sergéi Sergéyevich Prokófiev (en ruso Серге́й Серге́евич Проко́фьев) (Sontsovka, 23 de abril de 1891 – Moscú, 5 de marzo de 1953) fue un compositor y pianista ruso.
Sergéi Prokófiev nació en Sóntsovka (actualmente el pueblo de Krásnoye, en el Óblast de Donetsk), Ucrania, fue hijo único. Su madre era pianista y su padre un ingeniero agrónomo relativamente acomodado.
Prokófiev demostró a temprana edad unas dotes musicales poco usuales y en 1902, cuando empezó a recibir lecciones particulares de composición, ya había compuesto algunas piezas. En cuanto dispuso de las herramientas teóricas necesarias, se puso a experimentar, sentando las bases del que sería su propio estilo musical.
Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico contra la línea nacionalista rusa. Su gran obra es Pedro y el lobo , con narrador y grandes instrumentos musicales.
De 1918 a 1933 vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus 5 Conciertos para piano y sus 5 primeras Sonatas para piano. Su obra más destacada en esta época es la Sinfonía clásica (1918). Durante los años en que vivió fuera de su país compuso para el empresario de los Ballets Rusos, Sergéi Diágilev, los ballets Chout (1921), El bufón y El paso de acero (1927), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula del dramaturgo Carlo Gozzi (autor de Turandot), y El ángel de fuego (1919). En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera.
El Concierto para violín n.º 2 en sol menor opus 63, escrito en 1935 fue estrenado el 1 de diciembre de 1935 en Madrid por el violinista francés Robert Soëtans y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós. En 1936 Prokófiev volvió a Rusia, donde siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo para narrador y orquesta (1934), Romeo y Julieta (ballet, 1936), la ópera Guerra y paz (1946), la Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kizhé (1933) y Alejandro Nevski (cantata, 1938, para la película del director soviético Sergéi Eisenstein, también destaca su trabajo musical para la película Iván el Terrible, del mismo director).
En 1947 compuso la última de sus Sonatas para piano. En total suman nueve, de las que destacan la tercera, escrita en un solo movimiento; las llamadas sonatas de guerra (la sexta, séptima y octava), compuestas durante la segunda guerra mundial; y la novena, dedicada a Sviatoslav Richter, donde se simplifica su lenguaje.
El 10 de febrero de 1948, año del decreto Zhdánov, el Politburó condenó la música «formalista», fuera de los parámetros del realismo socialista, que estaban componiendo Prokófiev, Shostakóvich y otros. Sus armonías fueron juzgadas como «cacofónicas» y tuvo que prometer que realizaría obras con mayor lirismo realista. El 20 de febrero, su mujer Lina fue acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo al norte del paralelo 67.
Ese mismo año compuso Cuento de un hombre auténtico (1948) pero fue nuevamente censurado. Cuatro años más tarde compuso la Sinfonía n.º 7, por la cual recibió el premio Stalin (1952). Prokófiev falleció en Moscú el 5 de marzo de 1953 (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950), que fue puesto en escena el año siguiente.
Después de su muerte, en 1955, se representó por primera vez, en La Fenice de Venecia, su ópera El ángel de fuego, con libreto de Valery Bryusov.
Sergéi Prokófiev nació en Sóntsovka (actualmente el pueblo de Krásnoye, en el Óblast de Donetsk), Ucrania, fue hijo único. Su madre era pianista y su padre un ingeniero agrónomo relativamente acomodado.
Prokófiev demostró a temprana edad unas dotes musicales poco usuales y en 1902, cuando empezó a recibir lecciones particulares de composición, ya había compuesto algunas piezas. En cuanto dispuso de las herramientas teóricas necesarias, se puso a experimentar, sentando las bases del que sería su propio estilo musical.
Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico contra la línea nacionalista rusa. Su gran obra es Pedro y el lobo , con narrador y grandes instrumentos musicales.
De 1918 a 1933 vivió en Europa, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus 5 Conciertos para piano y sus 5 primeras Sonatas para piano. Su obra más destacada en esta época es la Sinfonía clásica (1918). Durante los años en que vivió fuera de su país compuso para el empresario de los Ballets Rusos, Sergéi Diágilev, los ballets Chout (1921), El bufón y El paso de acero (1927), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula del dramaturgo Carlo Gozzi (autor de Turandot), y El ángel de fuego (1919). En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Lluvera.
El Concierto para violín n.º 2 en sol menor opus 63, escrito en 1935 fue estrenado el 1 de diciembre de 1935 en Madrid por el violinista francés Robert Soëtans y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós. En 1936 Prokófiev volvió a Rusia, donde siguió componiendo con el mismo lenguaje musical y sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. Entre estas obras cabe destacar Pedro y el lobo para narrador y orquesta (1934), Romeo y Julieta (ballet, 1936), la ópera Guerra y paz (1946), la Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kizhé (1933) y Alejandro Nevski (cantata, 1938, para la película del director soviético Sergéi Eisenstein, también destaca su trabajo musical para la película Iván el Terrible, del mismo director).
En 1947 compuso la última de sus Sonatas para piano. En total suman nueve, de las que destacan la tercera, escrita en un solo movimiento; las llamadas sonatas de guerra (la sexta, séptima y octava), compuestas durante la segunda guerra mundial; y la novena, dedicada a Sviatoslav Richter, donde se simplifica su lenguaje.
El 10 de febrero de 1948, año del decreto Zhdánov, el Politburó condenó la música «formalista», fuera de los parámetros del realismo socialista, que estaban componiendo Prokófiev, Shostakóvich y otros. Sus armonías fueron juzgadas como «cacofónicas» y tuvo que prometer que realizaría obras con mayor lirismo realista. El 20 de febrero, su mujer Lina fue acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo al norte del paralelo 67.
Ese mismo año compuso Cuento de un hombre auténtico (1948) pero fue nuevamente censurado. Cuatro años más tarde compuso la Sinfonía n.º 7, por la cual recibió el premio Stalin (1952). Prokófiev falleció en Moscú el 5 de marzo de 1953 (el mismo día que Stalin) cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950), que fue puesto en escena el año siguiente.
Después de su muerte, en 1955, se representó por primera vez, en La Fenice de Venecia, su ópera El ángel de fuego, con libreto de Valery Bryusov.
MODEST MUSSORGSKY
Modest Petróvich Mussorgsky, en ruso: Модест Петрович Мусоргский (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881), fue un compositor ruso. Nótese que su nombre se pronuncia Modést y no Módest.
Modest Mussorgsky nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano, que se utilizó en Rusia hasta 1918), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Mussorgsky como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Modest Mussorgsky, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.
Mussorgsky cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre. El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Mussorgsky pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce. Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir los 42 años de edad.
CHARLES GOUNOD
Charles François Gounod (18 de junio de 1818 - † 18 de octubre de 1893), fue un compositor francés. Gounod se conoce sobre todo como el autor de la ópera Fausto y del famoso Ave María, basado en la música del primer preludio del Clave Bien Temperado de Juan Sebastián Bach. En vida, sin embargo, se distinguió como uno de los más prolíficos y respetados compositores franceses. Su catálogo incluye obras en todos los géneros, tanto sacras como profanas.
Su influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo "necesario" en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano.
Gounod compuso el himno de la Ciudad del Vaticano. Destacó tanto en su obra operística como en la religiosa. De la primera producción destaca su Faust y de la religiosa su inmortal Ave María, en esta última faceta se encuadra el himno. En lo personal fue de gran religiosidad hasta el punto de querer convertirse en sacerdote. tambien se le conoce como vagh gound
MARCHA PROCESIONAL
Una marcha procesional es la música utilizada para acompañar los desfiles procesionales. Es un género musical que debe contar con unos requisitos de estructura y estilo o carácter; la estructura hace referencia a la forma musical conocida como marcha, la cual consta de tema, desarrollo, trío y reexposición del tema, pudiendo en ocasiones contar con una introducción y una coda. El estilo o carácter queda fijado por el compás, el ritmo, el tempo y la adaptación y adecuación al acto para el que ha sido concebida la obra, la procesión.
La marcha procesional goza de gran popularidad en España y en otros países como Italia y Guatemala, y forma parte del repertorio musical de las bandas de música.
La marcha procesional enraíza en la segunda mitad del siglo XIX y lo hace bajo el concepto de marcha fúnebre, forma musical muy recurrida durante dicha centuria, albergada bajo la corriente estilista del Romanticismo. De ella emanaron grandes composiciones que posteriormente, y debido al escaso repertorio a que tuvieron que enfrentarse las primeras bandas de música, fueron adaptadas, siendo tocadas en las procesiones de Semana Santa, continuando hoy en día, vigentes en algunos lugares. Este es el caso del segundo movimiento de la Tercera Sinfonía de Beethoven; de la marcha fúnebre que Frédéric Chopin compuso para el segundo movimiento de su Sonata para piano n.º 2; la marcha fúnebre de Sigfrido de la ópera El Ocaso de los Dioses de Richard Wagner; la marcha Juana de Arco de Gounod; las marchas fúnebres de Schubert; o el «Adiós a la vida» de la ópera Tosca de Giacomo Puccini; entre otras.
Pero muy pronto comenzarían a aparecer las primeras marchas fúnebres compuestas específicamente para cofradías y hermandades.
Aunque aún hoy queda mucho por investigar, se considera a José Gabaldá Bel, quien fuera director de la Banda de la Guardia Real en Madrid, uno de los primeros autores en componer expresamente música para la Semana Santa. Su serie de marchas fúnebres, entre las que se encuentran las tituladas «El llanto» o «Soledad», acompañan a la adaptación de la marcha fúnebre de la ópera Ione del maestro Enrico Petrella.
Pronto tomaría la alternativa Andalucía. Así, aunque existen referencias que apuntan a la existencia de marchas fúnebres ya en la segunda mitad del XIX, según los documentos existentes, es la marcha fúnebre compuesta por el cordobés Rafael Cebreros para la Semana Santa de Sevilla, y que se publicó en 1874. En 1876, y en Cádiz, Eduardo López Juarranz, compone la marcha fúnebre «¡Piedad!» en honor a la corporación del mismo nombre de esta ciudad. En años sucesivos, Juarranz, acometería nuevas marchas, entre la que destaca «Pobre Carmen», común en innumerables ciudades españolas.
En Córdoba, Eduardo Lucena Vallejo, músico destacado del romanticismo andaluz, compone, en 1883 «Un recuerdo», marcha dedicada expresamente al Ayuntamiento de Córdoba, siendo director de la Banda Municipal de esta ciudad andaluza, formación en la que el propio Lucena, Cipriano Martínez Rücker y Juan Antonio Gómez Navarro, dejaron un curioso e importante catálogo de marchas fúnebres.
Pero, si hay una época dentro del siglo XIX que resultó verdaderamente prolífica, esta fue la década de los noventa, saliendo a la luz marchas como «El Señor de Pasión» de Ramón González, compuesta en Sevilla en 1897; «El destierro» de Vicente Victoria Valls, compuesta en 1891 en la ciudad de Cartagena; «Pange Lingua» y «Sacris Solemnis» compuestas en 1898 en San Fernando por Camilo Pérez Montllor; o «Virgen del Valle», compuesta por Vicente Gómez Zarzuela en 1898 y «Quinta Angustia», compuesta por José Font Marimont en 1895. Ambas marcarían el estilo de otras muchas composiciones que le precederían. Ya desde esta época tan temprana, algunas de ellas comenzarían a introducir melodías que se pueden denominar «alegres» dentro del patetismo propio de la marcha fúnebre. Así es el caso de las mencionadas «Pobre Carmen», «Un Recuerdo» o «El Señor de Pasión».
Aunque como ya se ha mencionado, existe un punto de inflexión personificado en Sevilla en Vicente Gómez Zarzuela y en la saga de los Font; en otros lugares de España como Cartagena, Madrid e incluso Canarias, donde, en la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, Santiago Tejera Ossavarry, compone la marcha titulada «La Espada del Dolor»; se continuaba componiendo siguiendo estrictamente la estética establecida por la marcha fúnebre, es decir, haciendo caso omiso a lo establecido por «Virgen del Valle». Es en este momento cuando el género comienza a desarrollarse, adquiriendo personalidad propia, y haciendo que las bandas militares se constituyan como referente en este estilo musical.
Banda Primitiva de Llíria en el Palau de la Música de Valencia.Los años veinte serían testigos de la aparición de la revista musical Harmonía, fundada por el empresario y músico guipuzcoano Mariano San Miguel Urcelay, y autor de dos piezas que dejarían clara la maestría de su autor, «Mektub», compuesta en 1925, y «El héroe muerto», que data de 1929. A su revista acudirían a enriquecer sus repertorios las bandas, surtiéndose de piezas famosas y desconocidas.
Es en este momento, 1929, cuando surge una de las marchas que hoy por hoy goza de mayor popularidad. Se trata de «Rocío», marcha que aunque no puede ser calificada como original, fue compuesta por Manuel Ruiz Vidriet, y dedicada a la Virgen del Rocío de Almonte, sirviéndose de una melodía mexicana, la canción «La peregrina», y de parte de una composición original de Joaquín Turina Pérez, perteneciente a su poema sinfónico «La Procesión del Rocío».
De igual manera, en el primer tercio del siglo XX se produce un hecho verdaderamente curioso, la aparición de las primeras marchas para bandas de cornetas y tambores, y el surgimiento de los primeros poemas sinfónicos en forma de marchas fúnebres, dos aspectos diametralmente opuesto.
WARREN HEYNES
Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista estadounidense de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov't Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov't Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks
DENIIS CHAMBERS
Dennis Chambers (nacido en 9 de mayo de 1959) es un estadounidense baterista que ha grabado y actuado con John Scofield, Carl Filipiak, Steely Dan, Carlos Santana, Parliament / Funkadelic, John McLaughlin, Niacin, Mike Stern, Victor Wooten & Greg Howe (con los que editó el CD "Extraction") y muchos otros. A pesar de una total falta de entrenamiento formal, Chambers ha pasado a ser notoriamente conocido entre los bateristas por su impresionante técnica, velocidad y solidez. Chambers es especialmente considerado por su capacidad de tocar "en el bolsillo", pero también puede estirar muy lejos de los de bolsillo que también es un sello distintivo de su técnica. Chambers exhibe un estilo poderoso que es técnicamente competente, pero muy musical y orientada hacia la improvisación. Él puede tocar en una amplia variedad de géneros musicales, pero es tal vez más notable dentro del Jazz Fusion, Funk y Música Latina
Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.
Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.
lunes, 9 de agosto de 2010
LINDA RONSTADT
Linda Ronstadt conocida también por el sobrenombre de La Reina del Rock o la Primera Dama del Rock (Linda Susan Marie Ronstadt) nacida el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona, es una cantante estadounidense, cercanamente asociada al género country y rock prevalente en la década de 1970; pero se la conoce mejor por interpretar canciones de otros autores.
Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi. Su biografía de la página web Rolling Stone dice:
No tiene éxito en cada estilo que prueba, pero eso no le ha impedido explorar nuevas avenidas... Echa un vistazo a sus grabaciones a trío con Emmylou Harris y Dolly Parton; son la escucha esencial para admiradores de todo tipo de música.
Su éxito está relacionado con su propio talento y por la influencia que obtuvo de artistas como: Emmylou Harris, Dolly Parton, J.D. Souther, The Eagles, Andrew Gold, Kate and Anna McGarrigle, Paul Simon, Mark Goldenberg, Karla Bonoff, Aaron Neville, James Taylor, Warren Zevon, Maria Muldaur, Nicolette Larson y Elvis Costello. Su reputación a través de la década de 1970 la obtuvo trabajando con algunos de los músicos más respetados del rock contemporáneo y por tener su fuerte y propio sentido de la disciplina.
Algunos de sus éxitos mejor conocidos son versiones de canciones de: Zevon, Costello, Souther, the Rolling Stones, Mel Tillis, Tom Petty & the Heartbreakers, the Everly Brothers, George Jones, the Flying Burrito Brothers, Little Feat, Neil Young, the Miracles, Betty Everett y Buddy Holly and the Crickets.
Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi. Su biografía de la página web Rolling Stone dice:
No tiene éxito en cada estilo que prueba, pero eso no le ha impedido explorar nuevas avenidas... Echa un vistazo a sus grabaciones a trío con Emmylou Harris y Dolly Parton; son la escucha esencial para admiradores de todo tipo de música.
Su éxito está relacionado con su propio talento y por la influencia que obtuvo de artistas como: Emmylou Harris, Dolly Parton, J.D. Souther, The Eagles, Andrew Gold, Kate and Anna McGarrigle, Paul Simon, Mark Goldenberg, Karla Bonoff, Aaron Neville, James Taylor, Warren Zevon, Maria Muldaur, Nicolette Larson y Elvis Costello. Su reputación a través de la década de 1970 la obtuvo trabajando con algunos de los músicos más respetados del rock contemporáneo y por tener su fuerte y propio sentido de la disciplina.
Algunos de sus éxitos mejor conocidos son versiones de canciones de: Zevon, Costello, Souther, the Rolling Stones, Mel Tillis, Tom Petty & the Heartbreakers, the Everly Brothers, George Jones, the Flying Burrito Brothers, Little Feat, Neil Young, the Miracles, Betty Everett y Buddy Holly and the Crickets.
HOMENAJE A ROBERTO CANTORAL
YA EL RELOJ DETUVO SU CAMINO PORQUE LA BARCA TUVO QUE PARTIR, A BUSCAR OTROS MARES CUANDO AMANEZCA OTRA VEZ CON EL PRESO NUMERO NUEVE...... Se nos fuè Roberto y LA MEJOR MUSICA DEL RECUERDO le rinde sus mejores tributos a este gran compositor de mas de 300 canciones en todos sus gèneros; desde lo alto del limbo celestial lo reciben todos aquellos amantes de su mùsica, de esas preciosas melodias dedicadas al amor y los que hemos quedado, recordaremos esas notas, que por siempre seguiremos tarareando esperando que EL RELOJ no detenga su camino hasta que partamos y aunque digan que LA DISTANCIA ES EL OLVIDO estaremos junto con Roberto en LA BARCA, tarareando EL PRESO NUMERO NUEVE.
lunes, 2 de agosto de 2010
ELIS REGINA
Elis Regina fue una de las cantantes brasileñas más populares en los años sesenta y setenta.
Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.
En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.
Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.
En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.
Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.
Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años. Aunque se divulgaron algunas noticias que Elis fue asesinada por el alto mando de la dictadura militar, ya que el relato oficial de su autopsia tardo demasiado tiempo en salir en los diarios y prensa nacional y su muerte se llenó de especulación. Hasta el día de hoy no se sabe con exactitud que pasó en su casa el día de su muerte.
Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.
En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.
Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.
En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.
Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.
Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años. Aunque se divulgaron algunas noticias que Elis fue asesinada por el alto mando de la dictadura militar, ya que el relato oficial de su autopsia tardo demasiado tiempo en salir en los diarios y prensa nacional y su muerte se llenó de especulación. Hasta el día de hoy no se sabe con exactitud que pasó en su casa el día de su muerte.
NOEL ROSA
Noel de Medeiros Rosa (Río de Janeiro, 11 de diciembre de 1910 — Río de Janeiro, 4 de mayo de 1937) fue un sambista, cantante, compositor, mandolinista y guitarrista brasileño y uno de los mayores y más importantes artistas de la música de su país.
Libro Noel Rosa e sua época (1955) de Jacy Pacheco.Fue responsable de la unión del «samba de morro» y el «samba del asfalto», hecho que cambiaría para siempre no sólo el propio samba, sino la historia de la música popular brasileña.
Noel Rosa nació de un parto difícil, en el que el médico —para salvarle la vida— utilizó fórceps que le causaron el retraimiento de la mandíbula inferior, hecho que lo marcó para toda la vida. Criado en el barrio carioca de Vila Isabel, hijo del comerciante Manuel Garcia de Medeiros Rosa y de la profesora Martha de Medeiros Rosa, el sambista era de familia de clase media. Entre 1913 y 1918 estudió en el tradicional Colegio San Bento.
Durante su etapa adolescente aprendió a tocar la mandolina (bandolim) de oído y se aficionó a la música y a la notoriedad que ella le proporcionaba. Enseguida cambió a la guitarra y se volvió figura conocida de la bohemia carioca. Ingresó en la Facultad de Medicina, pero pronto la vida de estudiante se mostró poco atrayente para el artista, atrapado por el samba y las largas noches regadas de cerveza. Noel Rosa fue integrante de varios grupos musicales, entre ellos Bando do Tangarás, al lado de João de Barro, Almirante, Alvinho y Henrique Brito.
En 1929 probó suerte con sus primeras composiciones, Minha viola y Toada do céu, ambas grabadas por él mismo, pero no fue hasta 1930 cuando consiguió el éxito con el lanzamiento de Com qué roupa?, un samba humorístico que sobrevivió décadas y que hoy es un clásico del cancionero brasilero. Noel Rosa se reveló como un brillante cronista de lo cotidiano, con una secuencia de canciones en las que destaca el humor y la vena crítica.
Se casó en 1934 con Lindaura sin abandonar sus otras aventuras amorosas y pasó los años siguientes librando una batalla contra la tuberculosis. La vida bohemia, sin embargo, nunca dejó de ejercer un atractivo irresistible para el artista, que entre viajes a ciudades de mayor altitud, buscando el clima más benigno para su enfermedad, siempre volvía al samba, la bebida y el tabaco. Se trasladó a Belo Horizonte (la capital de Minas Gerais), en donde trabajó en Radio Mineira y entró en contacto con otros compositores amigos de la noche y la bohemia. De vuelta a Río de Janeiro aseguró estar curado, pero pronto falleció en su casa de Vila Isabel en 1937, a los 26 años, como consecuencia de la dolencia que lo perseguía desde siempre.
Libro Noel Rosa e sua época (1955) de Jacy Pacheco.Fue responsable de la unión del «samba de morro» y el «samba del asfalto», hecho que cambiaría para siempre no sólo el propio samba, sino la historia de la música popular brasileña.
Noel Rosa nació de un parto difícil, en el que el médico —para salvarle la vida— utilizó fórceps que le causaron el retraimiento de la mandíbula inferior, hecho que lo marcó para toda la vida. Criado en el barrio carioca de Vila Isabel, hijo del comerciante Manuel Garcia de Medeiros Rosa y de la profesora Martha de Medeiros Rosa, el sambista era de familia de clase media. Entre 1913 y 1918 estudió en el tradicional Colegio San Bento.
Durante su etapa adolescente aprendió a tocar la mandolina (bandolim) de oído y se aficionó a la música y a la notoriedad que ella le proporcionaba. Enseguida cambió a la guitarra y se volvió figura conocida de la bohemia carioca. Ingresó en la Facultad de Medicina, pero pronto la vida de estudiante se mostró poco atrayente para el artista, atrapado por el samba y las largas noches regadas de cerveza. Noel Rosa fue integrante de varios grupos musicales, entre ellos Bando do Tangarás, al lado de João de Barro, Almirante, Alvinho y Henrique Brito.
En 1929 probó suerte con sus primeras composiciones, Minha viola y Toada do céu, ambas grabadas por él mismo, pero no fue hasta 1930 cuando consiguió el éxito con el lanzamiento de Com qué roupa?, un samba humorístico que sobrevivió décadas y que hoy es un clásico del cancionero brasilero. Noel Rosa se reveló como un brillante cronista de lo cotidiano, con una secuencia de canciones en las que destaca el humor y la vena crítica.
Se casó en 1934 con Lindaura sin abandonar sus otras aventuras amorosas y pasó los años siguientes librando una batalla contra la tuberculosis. La vida bohemia, sin embargo, nunca dejó de ejercer un atractivo irresistible para el artista, que entre viajes a ciudades de mayor altitud, buscando el clima más benigno para su enfermedad, siempre volvía al samba, la bebida y el tabaco. Se trasladó a Belo Horizonte (la capital de Minas Gerais), en donde trabajó en Radio Mineira y entró en contacto con otros compositores amigos de la noche y la bohemia. De vuelta a Río de Janeiro aseguró estar curado, pero pronto falleció en su casa de Vila Isabel en 1937, a los 26 años, como consecuencia de la dolencia que lo perseguía desde siempre.
BADEN POWELL
Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasilero. Interpretó muchos estilos de música brasilera tales como Bossa nova, Samba, Jazz brasilero, Pop brasilero, Jazz latino y Música Popular Brasileña (MPB).
Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino.
Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-e-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dio ese nombre por ser admirador del creador del escultismo, Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia. Pronto comenzó con lecciones de guitarra Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas en diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera.
En 1955, Powell ejecutaba en la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, un club nocturno en el Hotel Plaza. Cuando Ed Lincoln creó un nuevo trío, pidió a Powell a unirse al grupo guitarra para convertirse en el Hotel Plaza Trío. Powell indicó a Luiz Marinho para interpretar el bajo, así como al cuarto miembro del "trío": Claudette Soares en la voz. Powell, Lincoln y sus jóvenes amigos músicos realizaban después de las horas de trabajo jam sessions (improvisaciones), ganando creciente popularidad en la escena del jazz brasilero.
Powell logró amplia fama en 1959 al convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para poner letra a una de las composiciones de Powell. El resultado se llamó "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito. Esta ha tenido gran cantidad de versiones realizadas por numerosos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd.
En 1962, Powell se unió con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes y comenzó una colaboración que tuvo verdaderos clásicos de la música brasilera de los '60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces con sonidos sincronizados de formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con las formas de samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP en 1966 bajo el nombre de "Os Afro-sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el sello alemán MPS/Saba (en particular Tristeza en Guitarra (1966), considerado por muchos ser un punto alto en su carrera). Además, era el guitarrista de casa Elenco y el show de Elis Regina en TV "O Fino da Bossa".
En 1968, se unió al poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie musical de inspiración Afro-brasilero lanzada en 1970 como "Os Cantores da Lapinha".
Visitó y recorrió Europa con frecuencia en la década del '60, radicándose en Francia en 1968. En la década del '70, lanzó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su fama fue atenuando en cierta medida debido a problemas de salud y las evolución de los gustos musicales. Pasó la década de 1980 en semi-retiro en Francia y Alemania. Por último, en la década del '90 él y su familia regresaron a Brasil, donde continuó creando y grabando. El reconocimiento público de su trabajo llegó en torno de ese momento en el Brasil. A fines de la década del '90 se convirtió a la fe evangélica. También superó su larga adicción al alcohol y el tabaco. Sin embargo, su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, cayendo enfermo en el 2000.
EL BOSSA NOVA
La bossa nova es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo ". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de Saudade de Bahia y Rosa Morena interpretada por Dorival Caymmi, de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en Brasil.
No hay un consenso que reconozca la bossa-nova como un movimiento. Sin embargo, este estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos del samba callejero, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña.
La bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su éxito internacional estuvo limitado a pequeños períodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta.
Gracias a Dorival Caymmi ( Saudade de Bahia; 1957)y al descubrimiento que figuras estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron de la bossa-nova, se produjo un importante intercambio cultural entre estos músicos y otros como el precursor Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto o Astrud Gilberto, generando así una nueva rama de la síncopa que se basó en los esquemas de la música brasileña.
Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es "Chica de Ipanema" (Garota de Ipanema) de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés.
“Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”, “instinto” o capacidad natural. Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes de la grabación de “Chega De Saudade”.
En 1932, Noel Rosa utilizó la palabra en un samba… cuando expresó "O samba, a prontidão e outras bossas/São nossas coisas, são coisas nossas" (el samba, la determinación y otras bossas/son nuestras especialidades.)” En los finales de los años 50 y el principio de los años 60 solamente los jóvenes usaban el término Bossa Nova en su modismo para definir cualquier cosa nueva, o estilo nuevo, pero cuando la canción “Presidente Bossa Nova” del artista Juca Chaves se volvió un gran éxito en la radio, el término llegó a estar muy de moda y fue utilizado libremente por cada uno. Para la nueva manera de realizar el samba surgió él término originalmente llamado "Samba Bossa Nova" y luego, poco más tarde, solo "Bossa Nova".
Nadie puede alegar saber con exactitud cual fue el origen del término “Bossa-Nova”. Lo más probable es que el término “BOSSA” fuera usado para referirse a cualquier nueva “tendencia” o a la tendencia de moda dentro de la cultura-costera artística de los últimos 50 años en Río de Janeiro. El término finalmente llegó a ser conocido y ampliamente utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música, a una fusión del samba y a jazz, cuando los creadores aplicaron a su nuevo estilo el término como “la nueva cosa”. Era probable usar el término “Bossa-Nova” entonces como referencia genérica a lo que hacían en la música en ese entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía. Sin embargo, el término se arraigó como la definición de su propia creación artística específica, que se conocía como “Bossa-Nova” o luego simplemente como “Bossa”, como lo conocemos hoy en día.
MARIF+E DE TRIANA
María Felisa Martínez López (Burguillos, Sevilla, 13 de septiembre de 1936) es una cantante de copla y actriz española, conocida artísticamente como Marifé de Triana.
María Felisa Martínez López nace en el pueblo sevillano de Burguillos el 13 de septiembre de 1936, pasó sus primeros años en el populoso arrabal de Triana de Sevilla, de donde tomaría su apellido artístico.
Muere su padre cuando ella cuenta con 9 años de edad y a los 12 Marifé abandona sus estudios para comenzar a introducirse en el mundo del arte. Trasladada la familia a Madrid, se fue despertando en ella la afición a cantar que había sentido desde niña. Y tras un corto periodo de estudios en academias de canto en el que recibirá lecciones musicales en la academia del Maestro Alcántara , saltó al mundo del arte y la canción folclórica debutando en la emisora Radio Nacional de la mano de David Cubedo.
David Cubedo le puso el nombre de "Marifé de Triana" en su primera actuación en Radio Televisión Española. Se sacó el carnet de artista a los 13 años aunque el mínimo de edad fuera 16. Ese mismo día la contrataron para un espectáculo en el Cine Pizarro de Madrid, donde conoció a Ricardo Freire (compositor y pianista).
Recorrió la geografía española como integrante de diversas compañías de variedades, entre ellas el "Teatro Chino de Manolita Chen", en la que actuó entre 1950 y 1952, donde interpretaba los éxitos de las grandes estrellas de la copla del momento, entre ellas su admirada Juanita Reina. Más adelante actuó en espectáculos como "Polizontes del cante", cuya estrella principal era Niño de Orihuela, y "Padre Virtudes", de Pepe Mairena.
Sus comienzos fueron duros. No contó con más ayuda que la fe en sí misma y su arte. Pero le llegó su gran oportunidad. El promotor de espectáculos Juan Carcellé, la contrató rápidamente al verla actuar en una localidad cercana a Madrid, comentando: “Jamás nadie ha cantado como esta mujer. Ella es la renovación absoluta de la canción andaluza”. La niña de los Peines (Pastora Pavón) dijo de ella cuando tenía 22 años: "Marifé de Triana ha empezado por donde otros artistas acaban"
Así, presentada por Carcellé, debutó en el madrileño Coliseo de Price. Encabezando un espectáculo de variedades, en el que interpretó de forma magistral la copla andaluza, obtuvo un éxito rotundo. El escritor Álvaro Retana, la vio así: “Linda y joven, acusaba cierto temperamento artístico, acentuado al colocarse bajo la advocación del trío Quintero, León y Quiroga” ; y perfeccionando su mímica y consagrándose en la copla, logró estar en cartel durante tres meses consecutivos, algo insólito en aquellos tiempos.
Las puertas del éxito estaban abiertas para la sevillana, siendo desde ese instante su carrera una de las más vertiginosas que se han conocido en el mundo de la copla. Las casas discográficas se disputaban su contrato, apareciendo en el mercado su primer disco (1956), que constituyó otro éxito con la canción “Torre de arena”, de Lladrés, Manuel Gordillo y Sarmiento. Marifé de Triana va despuntando como actriz de la canción, con unas dotes extraordinarias y una voz clara y potente, dominadora de todas las situaciones líricas.
“Torre de Arena”, ocupó el primer lugar en las listas de los discos más vendidos de los años cincuenta y sesenta, impacto desconocido como no fuese en Conchita Piquer, Antoñita Moreno o Juanita Reina. A raíz del enorme éxito discográfico, Marifé de Triana formó como empresa de su propio espectáculo el titulado "Torre de Arena", recorriendo los principales teatros de toda España en clamoroso éxito, durante más de dos años ininterrumpidos, ¡Otro éxito de continuidad desconocida en el teatro español!.
Después será apreciada como "La actriz de la copla", calificándola así la prensa de toda España, título que Marifé de Triana lleva en su corazón con el máximo orgullo.
María Felisa Martínez López nace en el pueblo sevillano de Burguillos el 13 de septiembre de 1936, pasó sus primeros años en el populoso arrabal de Triana de Sevilla, de donde tomaría su apellido artístico.
Muere su padre cuando ella cuenta con 9 años de edad y a los 12 Marifé abandona sus estudios para comenzar a introducirse en el mundo del arte. Trasladada la familia a Madrid, se fue despertando en ella la afición a cantar que había sentido desde niña. Y tras un corto periodo de estudios en academias de canto en el que recibirá lecciones musicales en la academia del Maestro Alcántara , saltó al mundo del arte y la canción folclórica debutando en la emisora Radio Nacional de la mano de David Cubedo.
David Cubedo le puso el nombre de "Marifé de Triana" en su primera actuación en Radio Televisión Española. Se sacó el carnet de artista a los 13 años aunque el mínimo de edad fuera 16. Ese mismo día la contrataron para un espectáculo en el Cine Pizarro de Madrid, donde conoció a Ricardo Freire (compositor y pianista).
Recorrió la geografía española como integrante de diversas compañías de variedades, entre ellas el "Teatro Chino de Manolita Chen", en la que actuó entre 1950 y 1952, donde interpretaba los éxitos de las grandes estrellas de la copla del momento, entre ellas su admirada Juanita Reina. Más adelante actuó en espectáculos como "Polizontes del cante", cuya estrella principal era Niño de Orihuela, y "Padre Virtudes", de Pepe Mairena.
Sus comienzos fueron duros. No contó con más ayuda que la fe en sí misma y su arte. Pero le llegó su gran oportunidad. El promotor de espectáculos Juan Carcellé, la contrató rápidamente al verla actuar en una localidad cercana a Madrid, comentando: “Jamás nadie ha cantado como esta mujer. Ella es la renovación absoluta de la canción andaluza”. La niña de los Peines (Pastora Pavón) dijo de ella cuando tenía 22 años: "Marifé de Triana ha empezado por donde otros artistas acaban"
Así, presentada por Carcellé, debutó en el madrileño Coliseo de Price. Encabezando un espectáculo de variedades, en el que interpretó de forma magistral la copla andaluza, obtuvo un éxito rotundo. El escritor Álvaro Retana, la vio así: “Linda y joven, acusaba cierto temperamento artístico, acentuado al colocarse bajo la advocación del trío Quintero, León y Quiroga” ; y perfeccionando su mímica y consagrándose en la copla, logró estar en cartel durante tres meses consecutivos, algo insólito en aquellos tiempos.
Las puertas del éxito estaban abiertas para la sevillana, siendo desde ese instante su carrera una de las más vertiginosas que se han conocido en el mundo de la copla. Las casas discográficas se disputaban su contrato, apareciendo en el mercado su primer disco (1956), que constituyó otro éxito con la canción “Torre de arena”, de Lladrés, Manuel Gordillo y Sarmiento. Marifé de Triana va despuntando como actriz de la canción, con unas dotes extraordinarias y una voz clara y potente, dominadora de todas las situaciones líricas.
“Torre de Arena”, ocupó el primer lugar en las listas de los discos más vendidos de los años cincuenta y sesenta, impacto desconocido como no fuese en Conchita Piquer, Antoñita Moreno o Juanita Reina. A raíz del enorme éxito discográfico, Marifé de Triana formó como empresa de su propio espectáculo el titulado "Torre de Arena", recorriendo los principales teatros de toda España en clamoroso éxito, durante más de dos años ininterrumpidos, ¡Otro éxito de continuidad desconocida en el teatro español!.
Después será apreciada como "La actriz de la copla", calificándola así la prensa de toda España, título que Marifé de Triana lleva en su corazón con el máximo orgullo.
PAQUITA RICO
Francisca Rico Martínez ( nace en Sevilla, en el popular Barrio de Triana, el 13 de octubre de 1929). Es una actriz y cantante española.
Tras participar en un concurso radiofónico, debuta sobre un escenario siendo aun muy joven en el ballet español de Montemar junto a Carmen Sevilla y Ana Esmeralda. Comienza a trabajar en la compañía de Pepe Pinto. Es descubierta por Florián Rey y en 1948 rueda bajo dirección de éste su primera película Brindis a Manolete, que inmediatamente le otorga gran popularidad. Le siguen comedias, sainetes y dramas, así como numerosas películas folclóricas. Estuvo casada entre 1960 y 1965 con el torero Juan Ordóñez. En años sucesivos alcanza estatuto de estrella favorita del cine español, continuando también su carrera como cantante folclórica. Su pleno éxito llega en 1959 cuando interpreta el papel de la Reina María de las Mercedes de Orleans y Montpensier (primera esposa de Alfonso XII) en la película del argentino Luis César Amadori ¿Dónde vas Alfonso XII?. Dos años después coincide en la apertura de los títulos de El balcón de la luna con sus amigas Lola Flores y Carmen Sevilla.
A partir de ese momento espacia sus apariciones cinematográficas, frecuenta círculos selectos y solamente intervendría en otros seis títulos más, hasta su retirada definitiva del mundo del espectáculo.
Era tía en segundo grado de la fallecida actriz Soledad Miranda.
Tras participar en un concurso radiofónico, debuta sobre un escenario siendo aun muy joven en el ballet español de Montemar junto a Carmen Sevilla y Ana Esmeralda. Comienza a trabajar en la compañía de Pepe Pinto. Es descubierta por Florián Rey y en 1948 rueda bajo dirección de éste su primera película Brindis a Manolete, que inmediatamente le otorga gran popularidad. Le siguen comedias, sainetes y dramas, así como numerosas películas folclóricas. Estuvo casada entre 1960 y 1965 con el torero Juan Ordóñez. En años sucesivos alcanza estatuto de estrella favorita del cine español, continuando también su carrera como cantante folclórica. Su pleno éxito llega en 1959 cuando interpreta el papel de la Reina María de las Mercedes de Orleans y Montpensier (primera esposa de Alfonso XII) en la película del argentino Luis César Amadori ¿Dónde vas Alfonso XII?. Dos años después coincide en la apertura de los títulos de El balcón de la luna con sus amigas Lola Flores y Carmen Sevilla.
A partir de ese momento espacia sus apariciones cinematográficas, frecuenta círculos selectos y solamente intervendría en otros seis títulos más, hasta su retirada definitiva del mundo del espectáculo.
Era tía en segundo grado de la fallecida actriz Soledad Miranda.
NAZARETH BAND
Nazareth es una de las más tradicionales bandas del rock setentero. Es una banda escocesa de hard rock formada en Dunfermline, Escocia en 1968 de los restos de una banda local llamada The Shadettes, formada por Dan McCafferty (vocalista), Manny Charlton (guitarra eléctrica), Pete Agnew (bajo) y Darrel Sweet (baterista). En 1970, la banda fue a intentar suerte en Londres y lanzaron su primer álbum en 1971. Su 2do álbum se llamó “Exercises”, pero la banda sólo conseguiría triunfar con el 3ro, el clásico “Razamanaz”, que colocó los singles “Broken Down Angel” y “Bad bad boy” en el Top Europeo.
Dos álbumes más le siguieron. “Loud n´Proud” (74) y “Rampant” (74) que dieron notoriedad a la banda por el resto del mundo. En 1975 fue lanzado “Hair of the Dog”, Con este álbum Nazareth comenzó a incomodar los llamados grandes del rock pesado mundial. La banda era éxito del público y la crítica con su hard rock simple y directo, el single Love Hurts se hizo famosa en todo planeta, mucha gente piensa que es un original de ellos pero Love Hurts es un original de los Everly Brothers. Luego siguieron los discos “Close enough for rock n´roll”, “Play,N the Game” y “Expect No Mercy”.
En 1979, la banda adiciona el guitarrista Zal Clemison a su line-up. Este llega a grabar dos álbumes con la banda (“No Mean City” y “Malice in Wonderland”) para después seguir su camino. En su lugar entró el tecladista John Locke que tampoco calentó lugar y fue sustituido por el guitarrista Bill Rankin que también tocaba teclados. Con la entrada de los años 80, la banda quedó un poco confusa en relación a las tendencias que surgían, y comenzó a caer en el olvido. En 81, sale el álbum en vivo “Snaz” seguido en 82 con el altamente recomendable “2XS” que contiene la increíble “Love Leads to Madness” poniéndolos en los Tops nuevamente.
Una serie de discos fueron lanzados en los años 80, y variaban entre medianos y débiles. Entre ellos constan “Sound Elixir” y “Cinema”. Después de este periodo difícil, donde la banda no tuvo la atención merecida por parte del público, ellos resuelven radicalizar con el disco “No Jive”. El resultado es muy bueno y la banda vuelve a ser noticia. En las radios tocaban una música diferente, un arreglo bien pop, pero por la voz del cantante nosotros percibíamos que se trataba de Nazareth; era la música “Games”.
La década de los 90 se marcó por haber sido la década en que fueron lanzados más discos de la banda. Eran muy diversos, entre oficiales y piratas. Aún en el 95 la banda saca al mercado el álbum “Move Me”. En esta época ellos entraron en un tour con otras grandes bandas setenteras.
Dos álbumes más le siguieron. “Loud n´Proud” (74) y “Rampant” (74) que dieron notoriedad a la banda por el resto del mundo. En 1975 fue lanzado “Hair of the Dog”, Con este álbum Nazareth comenzó a incomodar los llamados grandes del rock pesado mundial. La banda era éxito del público y la crítica con su hard rock simple y directo, el single Love Hurts se hizo famosa en todo planeta, mucha gente piensa que es un original de ellos pero Love Hurts es un original de los Everly Brothers. Luego siguieron los discos “Close enough for rock n´roll”, “Play,N the Game” y “Expect No Mercy”.
En 1979, la banda adiciona el guitarrista Zal Clemison a su line-up. Este llega a grabar dos álbumes con la banda (“No Mean City” y “Malice in Wonderland”) para después seguir su camino. En su lugar entró el tecladista John Locke que tampoco calentó lugar y fue sustituido por el guitarrista Bill Rankin que también tocaba teclados. Con la entrada de los años 80, la banda quedó un poco confusa en relación a las tendencias que surgían, y comenzó a caer en el olvido. En 81, sale el álbum en vivo “Snaz” seguido en 82 con el altamente recomendable “2XS” que contiene la increíble “Love Leads to Madness” poniéndolos en los Tops nuevamente.
Una serie de discos fueron lanzados en los años 80, y variaban entre medianos y débiles. Entre ellos constan “Sound Elixir” y “Cinema”. Después de este periodo difícil, donde la banda no tuvo la atención merecida por parte del público, ellos resuelven radicalizar con el disco “No Jive”. El resultado es muy bueno y la banda vuelve a ser noticia. En las radios tocaban una música diferente, un arreglo bien pop, pero por la voz del cantante nosotros percibíamos que se trataba de Nazareth; era la música “Games”.
La década de los 90 se marcó por haber sido la década en que fueron lanzados más discos de la banda. Eran muy diversos, entre oficiales y piratas. Aún en el 95 la banda saca al mercado el álbum “Move Me”. En esta época ellos entraron en un tour con otras grandes bandas setenteras.
THE BROTHER JOHNSON
Los hermanos Johnson es una banda formada por músicos americanos, y sus hermanos, George alias 'Lightnin' lame 'y Louis Johnson Jagger alias' Tormenta Thumbs.
Guitarrista y vocalista Jorge y el bajista y vocalista Louis formó la banda Johnson Tres más uno con su hermano mayor Tommy y su primo Alex Weir, mientras asisten a la escuela en Los Ángeles, California. Cuando se hicieron profesionales, la banda de respaldo de gira como R & B actúa como Bobby Womack y el Supremes. George Johnson y Louis después se unió a la banda de Billy Preston, y escribió música de mi vida y la pandilla y yo para él antes de salir de su grupo en 1973. En 1976, los hermanos cubiertos canción de los Beatles, Hey Jude, por el documental musical efímera todo esto y la Segunda Guerra Mundial.
Quincy Jones los contrató para tocar en su locura LP Mellow, y grabó cuatro de sus canciones, incluyendo Is It Love que nos perdimos? y sólo una muestra de mí. Después de una gira con varios artistas como Bobby Womack y Billy Preston, Quincy Jones les contrató para una gira en Japón y produjo su álbum debut mirar hacia fuera para # 1, lanzado en marzo de 1976 (# 9 EE.UU.) su derecho en álbum Time fue lanzado en mayo 1977 y alcanzó el número 13 en el Billboard Hot 200. Blam! salió en agosto de 1978 y alcanzó el número 7 en el Billboard 200.
Dos de las canciones del dúo fueron ofrecidos en la banda sonora de la película de 1976 "Madre, Jarras y velocidad. El instrumental pista Tormenta Thumbs and The Licks Lightnin 'se refiere a los apodos de los hermanos. Get the Funk Out Ma cara fue co-escrito con Quincy Jones.
Su popular álbum Light Up The Night fue lanzado en marzo de 1980 y alcanzó el número 5 en el Billboard 200. Fue el número 46 en el "Top 100 discos de 1980" en la lista de la revista Rolling Stone. El álbum posterior, los ganadores, se auto-producido por los hermanos y puesto en libertad en julio de 1981, pero tuvo menos éxito, sólo va tan alto como el número 48 en el Billboard 200.
Entre sus canciones más populares son I'll Be Good to You (Billboard Hot 100 # 3 en 1976), Fresa Carta 23 (Hot 100 # 5 en 1977), no somos nosotros Funkin 'Ahora (1978), y Stomp! (Hot 100 # 7 y Música Hot Dance / Club Play # 1 en 1980). Sus estilos son el funk, disco, baladas y R & B
Guitarrista y vocalista Jorge y el bajista y vocalista Louis formó la banda Johnson Tres más uno con su hermano mayor Tommy y su primo Alex Weir, mientras asisten a la escuela en Los Ángeles, California. Cuando se hicieron profesionales, la banda de respaldo de gira como R & B actúa como Bobby Womack y el Supremes. George Johnson y Louis después se unió a la banda de Billy Preston, y escribió música de mi vida y la pandilla y yo para él antes de salir de su grupo en 1973. En 1976, los hermanos cubiertos canción de los Beatles, Hey Jude, por el documental musical efímera todo esto y la Segunda Guerra Mundial.
Quincy Jones los contrató para tocar en su locura LP Mellow, y grabó cuatro de sus canciones, incluyendo Is It Love que nos perdimos? y sólo una muestra de mí. Después de una gira con varios artistas como Bobby Womack y Billy Preston, Quincy Jones les contrató para una gira en Japón y produjo su álbum debut mirar hacia fuera para # 1, lanzado en marzo de 1976 (# 9 EE.UU.) su derecho en álbum Time fue lanzado en mayo 1977 y alcanzó el número 13 en el Billboard Hot 200. Blam! salió en agosto de 1978 y alcanzó el número 7 en el Billboard 200.
Dos de las canciones del dúo fueron ofrecidos en la banda sonora de la película de 1976 "Madre, Jarras y velocidad. El instrumental pista Tormenta Thumbs and The Licks Lightnin 'se refiere a los apodos de los hermanos. Get the Funk Out Ma cara fue co-escrito con Quincy Jones.
Su popular álbum Light Up The Night fue lanzado en marzo de 1980 y alcanzó el número 5 en el Billboard 200. Fue el número 46 en el "Top 100 discos de 1980" en la lista de la revista Rolling Stone. El álbum posterior, los ganadores, se auto-producido por los hermanos y puesto en libertad en julio de 1981, pero tuvo menos éxito, sólo va tan alto como el número 48 en el Billboard 200.
Entre sus canciones más populares son I'll Be Good to You (Billboard Hot 100 # 3 en 1976), Fresa Carta 23 (Hot 100 # 5 en 1977), no somos nosotros Funkin 'Ahora (1978), y Stomp! (Hot 100 # 7 y Música Hot Dance / Club Play # 1 en 1980). Sus estilos son el funk, disco, baladas y R & B
MARVIN GAYE
Marvin Gaye (2 de abril de 1939 - 1 de abril de 1984) fue un músico y cantante de soul, smooth soul, quiet storm, blaxploitation y uno de los componentes fundamentales del estilo Motown Sound.
Marvin Pentz Gaye, Jr. (la e final la añadió él, tal como hizo Sam Cooke) nació en Washington DC, donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar en sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.
Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. Mama Loocie (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.
Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry, hermana mayor de Gwen, en 1961. Posteriormente, Berry Gordy, hermano de Anna y Gwen y propietario del sello Tammi, luego Tamla Motown, absorbió la compañía Tri Phi.
viernes, 30 de julio de 2010
SEBASTIAN DE VIVANCO
Sebastián de Vivanco nació en Αvila, al igual que Tomás Luis de Victoria. Sin embargo, se desconoce la fecha exacta de su nacimiento. Se supone que nació unos dos o tres años después que Victoria y que ambos se conocieron de niños y cantaron juntos en la capilla de la Catedral de Ávila. Los maestros de capilla de la catedral, durante el tiempo en el que Vivanco cantó en el coro, fueron Gerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera (1559) y Juán Navarro (1563). Éste último compositor sería el que ejerció sobre Vivanco una mayor influencia.
Hacia 1566, con el cambio de voz, Vivanco encaminó sus estudios hacia el sacerdocio, como también hizo Victoria. En 1576 aproximadamente, con unos 25 años y siendo todavía subdiácono, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Lérida. Poco después, el 4 de julio de 1576 fue cesado bruscamente de este puesto y fue despedido por el cabildo catedralicio.
A su vuelta a Castilla, en febrero de 1577, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Segovia, puesto más prestigioso y mejor pagado que el anterior. Allí se trasladó junto con su madre, en marzo, y permaneció en la catedral los 10 años siguientes. Durante esta etapa se convirtió en diácono y después, en 1581, fue ordenado sacerdote.
En 1588, regresó a su ciudad natal, Ávila, para hacerse cargo de la capilla de la catedral. Allí permaneció hasta el año 1602, cuando tomó posesión del puesto de maestro de capilla en la Catedral de Salamanca. Este fue su último desplazamiento y el más importante en cuanto a su contribución musical. Sus tres publicaciones se imprimieron durante su estancia en ésta ciudad. El 19 de febrero de 1603 obtuvo por oposición pública una plaza de profesor de música en la Universidad de Salamanca y el 4 de marzo del mismo año recibió el grado de maestro de artes honoris causa. Vivanco ocuparía tanto el puesto en la catedral como el universitario hasta su muerte, el 26 de octubre de 1622.
Hacia 1566, con el cambio de voz, Vivanco encaminó sus estudios hacia el sacerdocio, como también hizo Victoria. En 1576 aproximadamente, con unos 25 años y siendo todavía subdiácono, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Lérida. Poco después, el 4 de julio de 1576 fue cesado bruscamente de este puesto y fue despedido por el cabildo catedralicio.
A su vuelta a Castilla, en febrero de 1577, fue nombrado maestro de capilla de la Catedral de Segovia, puesto más prestigioso y mejor pagado que el anterior. Allí se trasladó junto con su madre, en marzo, y permaneció en la catedral los 10 años siguientes. Durante esta etapa se convirtió en diácono y después, en 1581, fue ordenado sacerdote.
En 1588, regresó a su ciudad natal, Ávila, para hacerse cargo de la capilla de la catedral. Allí permaneció hasta el año 1602, cuando tomó posesión del puesto de maestro de capilla en la Catedral de Salamanca. Este fue su último desplazamiento y el más importante en cuanto a su contribución musical. Sus tres publicaciones se imprimieron durante su estancia en ésta ciudad. El 19 de febrero de 1603 obtuvo por oposición pública una plaza de profesor de música en la Universidad de Salamanca y el 4 de marzo del mismo año recibió el grado de maestro de artes honoris causa. Vivanco ocuparía tanto el puesto en la catedral como el universitario hasta su muerte, el 26 de octubre de 1622.
AMADEO VIVES
Amadeo Vives o Amadeu Vives i Roig (Collbató, provincia de Barcelona, 18 de noviembre de 1871 - Madrid, 2 de diciembre de 1932), fue un compositor español, autor de canciones, zarzuelas y óperas.
Estudió armonía y composición con J. Rivera y más tarde actuó como maestro de capilla en un asilo de Málaga y en el convento de Loreto en Barcelona. Junto con Lluís Millet fundó el Orfeó Català en 1891, para el que compuso numerosas canciones originales, como L'emigrant o La balanguera, y transcripciones de música popular.
Algunas de sus obras fueron Don Lucas del Cigarral (1899), La balada de la luz (1900), Bohemios (1903), El húsar de la guardia (1904), La gatita blanca (1905), Maruxa (1914) -transformada en ópera en 1915-, Balada de Carnaval (1919), Doña Francisquita (1923) y La villana. Como compositor de canciones: Canciones epigramáticas, sobre textos de clásicos del Siglo de Oro (1916) y obras corales como L'emigrant (1890, con texto de Jacinto Verdaguer) y Follies i paisatges (1928). También compuso operetas como La Generala.
FEDERICO MOMPOU
Frederic Mompou i Dancausse, también Federico Mompou (Barcelona, 16 de abril de 1893 - 30 de junio de 1987), fue un compositor español, conocido principalmente por sus composiciones para piano solo.
Mompou nació en Barcelona en 1893, de padre catalán y madre de ascendencia francesa. Estudió piano en el Conservatorio del Liceu de Barcelona, y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años. En 1909, escuchó a Gabriel Fauré interpretar su Quinteto op. 59 y quedó tan impresionado que decidió ser compositor. Con una recomendación de Enrique Granados fue a París en 1911 para estudiar piano junto a Isidor Philipp y Ferdinand Motte Lacroix y armonía con Marcel Samuel Rousseau. Ese mismo año, compuso su primera pieza para piano.
En 1914 regresó a Barcelona, huyendo de la Primera Guerra Mundial. Publicó entonces sus primeras obras para piano (Impresiones íntimas, Scènes d'enfants...) y su primera canción, L'hora grisa, guiado por un ideal estético claro: la máxima expresión con los mínimos medios.
Regresó a la capital francesa en 1921 para huir de nuevo en 1941 tras la ocupación alemana. Durante su segunda estancia en París, el crítico Émile Vuillermoz publicó un artículo elogioso sobre Mompou que dotó a éste de una celebridad inesperada. Gracias a ella, tuvo ocasión de tratar a los principales compositores franceses de la época. Datan de entonces varias obras para piano (Dialogues) y canciones (Cançoneta incerta).
De regreso en España, siguió componiendo música para piano y canciones. Durante un concurso de piano, conoció a la pianista Carmen Bravo, de cuya interpretación de Schumann quedó prendado, y en 1957 contrajeron matrimonio. En 1964, hizo una incursión en la música sacra con el oratorio Los improperios.
Fue miembro de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi y Premio Nacional de Música de España. En 1978 una hemorragia cerebral le obligó a abandonar la composición. Falleció en 1987 a la edad de 94 años.
Mompou nació en Barcelona en 1893, de padre catalán y madre de ascendencia francesa. Estudió piano en el Conservatorio del Liceu de Barcelona, y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años. En 1909, escuchó a Gabriel Fauré interpretar su Quinteto op. 59 y quedó tan impresionado que decidió ser compositor. Con una recomendación de Enrique Granados fue a París en 1911 para estudiar piano junto a Isidor Philipp y Ferdinand Motte Lacroix y armonía con Marcel Samuel Rousseau. Ese mismo año, compuso su primera pieza para piano.
En 1914 regresó a Barcelona, huyendo de la Primera Guerra Mundial. Publicó entonces sus primeras obras para piano (Impresiones íntimas, Scènes d'enfants...) y su primera canción, L'hora grisa, guiado por un ideal estético claro: la máxima expresión con los mínimos medios.
Regresó a la capital francesa en 1921 para huir de nuevo en 1941 tras la ocupación alemana. Durante su segunda estancia en París, el crítico Émile Vuillermoz publicó un artículo elogioso sobre Mompou que dotó a éste de una celebridad inesperada. Gracias a ella, tuvo ocasión de tratar a los principales compositores franceses de la época. Datan de entonces varias obras para piano (Dialogues) y canciones (Cançoneta incerta).
De regreso en España, siguió componiendo música para piano y canciones. Durante un concurso de piano, conoció a la pianista Carmen Bravo, de cuya interpretación de Schumann quedó prendado, y en 1957 contrajeron matrimonio. En 1964, hizo una incursión en la música sacra con el oratorio Los improperios.
Fue miembro de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi y Premio Nacional de Música de España. En 1978 una hemorragia cerebral le obligó a abandonar la composición. Falleció en 1987 a la edad de 94 años.
MARIO LANZA
Alfredo Arnoldo Cocozza, conocido como Mario Lanza, (Filadelfia, Estados Unidos, 31 de enero de 1921 — Roma, Italia, 7 de octubre de 1959), tenor y actor estadounidense. Alfredo Arnold Cocozza nació en 1921 en Filadelfia. Sus padres eran inmigrantes italianos. Su madre, María Lanza, tenia una hermosa voz, pero no pudo estar en los escenarios porque su padre no se lo permitió.
El padre de Alfredo, Antonio Cocozza, fue un héroe de la I Guerra Mundial. A los cinco años, Alfredo mostró un gran interés en la vieja Vitrola (gramola con motor a cuerda) familiar.
A los dieciséis años, anunció su intención de convertirse en cantante. Su madre, entusiasmada con el sueño que no había podido cumplir, le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky, que quedó tan impresionado con su voz que le garantizó una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, con el apellido de su madre, quien no pudo cantar.
En el Festival de Música de Berkshire hizo su debut, en la obra Las alegres comadres de Windsor. Su carrera operística fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, cuando fue asignado a los Servicios Especiales de la Fuerza Aérea Estadounidense. Retomó su carrera de cantante en octubre de 1945 en un programa de la cadena radial CBS denominado Great Moments in Music (Grandes momentos de la música), donde hizo seis apariciones cantando música operística. Más tarde estudió bajo la dirección de Enrico Rosati por quince meses.
Posteriormente, inició una extensa gira de 86 conciertos en los Estados Unidos, Canadá y México entre julio de 1947 y mayo de 1948. A raíz de un concierto en el Hollywood Bowl su talento llamó la atención del ejecutivo y fundador de la cinematográfica MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), Louis B. Mayer, quien hizo firmar a Lanza un contrato cinematográfico de siete años de duración.
Al mismo tiempo que iniciaba su carrera cinematográfica, realizó sus primeras grabaciones comerciales para RCA Victor. Las primeras cintas que protagonizó, That Midnight Kiss y The Toast of New Orleans, fueron tan exitosas como su carrera discográfica, lo que incrementó enormemente su fama. En 1951, Lanza encarnó al tenor italiano Enrico Caruso en la cinta The Great Caruso (El gran Caruso), que obtuvo un resonante éxito. Simultáneamente, su popularidad expuso a Lanza a intensas criticas de algunos expertos, incluyendo a aquellos que habían apostado por su trabajo en sus años iniciales.
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